L'Exorciste, la suite / "The Exorcist III: Legion"

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site vfstreaming.co

 

de William Peter Blatty. 1990. 1h50. U.S.A. Avec Dourif Brad, Scott George C., Williamson Nicol, Miller Jason, Flanders Ed, Wilson Scott, Fish Nanc.

Sortie salles France: 9 Janvier 1991. U.S: 17 Août 1990

FILMOGRAPHIE: William Peter Blatty est un écrivain, scénariste et réalisateur américain d'origine libanaise, né à New York le 7 janvier 1928. On lui doit deux uniques réalisations: la Neuvième configuration (1980) et L'Exorciste, la suite (1990).

Synopsis : La contrée de Georgetown est à nouveau le théâtre de meurtres sanglants. Chargé de l'enquête, le lieutenant Kinderman se souvient qu'un psychopathe mort quinze ans plus tôt perpétrait, de manière aussi géométrique, des homicides dénués de mobile et bâtis sur la souffrance corporelle...

Séquelle du chef-d'œuvre de William Friedkin faisant l'impasse sur le second volet de John Boorman (tant boudé à tort selon mon jugement de valeur), L'Exorciste, la suite porte la signature du scénariste et producteur William Peter Blatty, après dix ans d’absence derrière la caméra, et ce, d’après son propre roman sorti en 1983 sous le titre Legion. La revanche du romancier ayant enfin sonné : car pour rappel, à la sortie triomphante de L’Exorciste, il avait perdu la bataille qui l’opposa à Friedkin pour une question de choix de montage (et ce, avant que - ironie du sort - ce dernier ne se ravise en 2000 avec le remontage initial souhaité par Blatty).

À contre-emploi de l’horreur explicite de son modèle, L’Exorciste, la suite n’est guère destinée à ressasser une possession satanique sur fond d’exorcisme outrancier (même si son dernier acte l’impose, de manière plutôt concise). L’intrigue, imprégnée de mystère et d’aura malsaine, se divise en deux parties : une enquête criminelle ardue menée par le robuste George C. Scott (il porte littéralement l'intrigue sur ses épaules, de par son charisme impérieux !) et un huis clos anxiogène, bâti sur la dissension psychologique entre le tueur et le lieutenant Kinderman.

Le récit amorce d’abord une démarche investigatrice dans la lignée de Seven, avec son serial killer méthodique prénommé le Gémeaux, que Kinderman se tue à démasquer. Ce segment ombrageux, impeccablement structuré, nous magnétise l’esprit par son climat inquiétant, que Blatty parvient à diluer à travers les découvertes glaçantes de cadavres mutilés - dont nous ne verrons jamais la résultante. Il prend son temps pour planter son univers (religieux et médical), et ses personnages d’ordre confrontés à l’incompréhension, la perplexité, l’irascibilité (le caractériel Kinderman ne cessant de tourmenter les témoins de l’hôpital avec une fâcheuse insolence), quand bien même la splendide photo naturelle contraste avec les événements sombres dépeints, où chaque détail religieux provoque un certain malaise.

Endossant l’insigne policier avec un sens professionnel notoire, George C. Scott prête ses traits à un lieutenant avisé, mine renfrognée et regard déconcerté, témoin d’une série de crimes inexplicables, exécutés avec un art consommé de la perfection. L’ambiance d’insécurité palpable qui en émane engendre dans l’esprit du spectateur un sentiment d’angoisse, mêlé d’une fascination irrépressible face aux méthodes du tueur, infaillible à ne laisser aucun indice auprès de ses macabres exactions.

La seconde partie, un chouïa plus vénéneuse, traite du rapport de force entre Kinderman et le potentiel tueur : le Gémeaux, incarnation du Mal, infiltré dans le corps du prêtre Damien Karras. Cette confrontation psychologique, de longue haleine, instaurée dans la cellule d’un centre psychiatrique, nous transmet une incommodité sourde, à travers les répliques cinglantes du tueur, rehaussées du jeu transi de fiel de Brad Dourif (et de Jason Miller dans un double rôle aussi insidieux), galvanisé par son omnipotence meurtrière. Ces moments intenses, bâtis sur la provocation du désir de soumission et de croyance satanique, nous confinent au seuil du crépuscule, au regard d’un final épique semé de visions démoniaques.

Émaillé d’incidents horrifiques conçus sur le malaise ou le véritable effroi, L’Exorciste, la suite laisse notamment en mémoire quelques anthologies indécrottables dont il faut taire l'indice !

"J’ai rencontré le Diable."
Résolument passionnant, magnétique, et fascinant dans sa conjugaison inusitée de thriller poisseux et d’épouvante luciférienne, L’Exorciste, la suite parvient - avec une intensité éthérée - à provoquer le malaise, de par son aura vénéneuse que le Mal distille lentement sur les épaules des personnages. Car à travers son intrigue fétide, régentée par un démon au visage familier, William Peter Blatty réussit l’exploit d’honorer son modèle avec un art de suggestion à la fois retors et réaliste, pour tenir lieu de la suprématie du Mal.
Son préambule, à l’atmosphère d’inquiétude opaque, provoque en deux temps trois mouvements une appréhension démoniale tacite que le spectateur apprivoise à l’instinct. Expérience épurée, nourrie d’une peur mortifère, car imprégnée du Mal le plus couard et destructeur, L’Exorciste 3 est une œuvre maudite à réhabiliter d’urgence.

— le cinéphile du cœur noir

Récompenses : Saturn Award du Meilleur scénario (William Peter Blatty) en 1991

25.10.10
25.05.18. 4èx

Cherry 2000

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site cineclap.free.fr

de Steve De Jarnatt. 1987. U.S.A. 1h39. Avec David Andrews, Melanie Griffith, Tim Thomerson, Jennifer Balgobin, Marshall Bell, Harry Carey Jr., Laurence Fishburne, Pamela Gidley, Michael C. Gwynne.

Sortie salles France: 27 Avril 1988. U.S: 5 Février 1988

FILMOGRAPHIE: Steve De Jarnatt est un réalisateur et scénariste américain.
1983: Strange Brow. 1987: Cherry 2000. 1988: Appel d'Urgence.

Tourné à la fin des années 80, Cherry 2000 s’impose comme l’un des derniers représentants du post-nuke américain, surfant sur le succès phénomène de Mad Max 2 avec un goût prononcé pour la dérision. Véritable bande dessinée menée tambour battant, entre gunfights et cascades explosives (souvent futiles mais généreuses), Cherry 2000 brille par son univers "rose bonbon" - logements futuristes rétro, déserts stylisés, costumes bariolés dignes d’une fête de carnaval. Steve De Jarnatt en tire une mise en scène ample, où chaque petite poursuite à travers les étendues du Nevada respire la liberté du plan large. Évasif, le film repose sur un duo de fortune aussi improbable qu’attachant : David Andrews, candide égaré, et Melanie Griffith, Mad Girl à la douceur armée. Ensemble, ils font osciller Cherry 2000 entre série B et série Z, dans un joyeux cocktail de romantisme, d'humour, de tendresse et d'énergie.

L’intrigue, aussi simple qu’un ticket de métro - un jeune veuf engage une chasseuse marginale pour retrouver le modèle androïde de son ancienne compagne - ne brille pas par sa profondeur. Prévisible, certes, notamment dans l’éveil amoureux du héros pour son guide jalouse, mais le film déploie un plaisir récréatif évident à travers son road trip mécanique. Qu’ils soient suspendus dans les airs par l’aimant d’une grue (séquence homérique, cocasse et débridée) ou filant dans le ciel en avion, leurs péripéties respirent la fantaisie modeste. Entre deux escarmouches et rencontres plus ou moins amicales, nos cowboys du futur affrontent des clans de mercenaires aussi orgueilleux que guindés - des "patibulaires" aux airs d’humanistes burlesques. Derrière ces panoplies saturées, on savoure le retour d’une galerie de seconds couteaux familiers aux cinéphages.

Naïf, pittoresque, mais d’une tendresse sincère, Cherry 2000 charme par sa douce étrangeté et ses accalmies poétiques. Sous ses airs de divertissement anodin, le film esquisse déjà une réflexion prophétique sur le sexisme et la déshumanisation par l’intelligence artificielle. Ce B movie sans prétention, à la fois attendrissant, fantasque et un brin désenchanté, demeure aujourd’hui un curieux OVNI : un western post-apocalyptique mâtiné de romance, baigné d’une mélancolie feutrée. Et Melanie Griffith, tout juste révélée par Body Double, y porte le film sur ses épaules avec une grâce désarmante, à contre-courant, dans la tendresse la plus innocente.

— le cinéphile du cœur noir

14/10/2025. 3èx. Vostf. 

SANS UN BRUIT

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"A Quiet Place" de John Krasinski. 2018. U.S.A. 1h30. Avec John Krasinski, Emily Blunt, Noah Jup, Millicent Simmonds, Cade Woodward.

Sortie salles France: 20 Juin 2018. U.S: 6 Avril 2018

FILMOGRAPHIE: John Krasinski est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain, né le 20 Octobre 1979 à Newton, Massachusetts, USA. 2018: Sans un bruit. 2016: La Famille Hollar. 2010-2012: The Office (TV Series: 3 episodes). 2009: Brief Interviews with Hideous Men.

Précédé d'une réputation dithyrambique auprès des critiques, Sans un bruit redore ses lettres de noblesse au cinéma horrifique adulte si bien que cette petite pépite d'angoisse et de tension redouble d'inventivité pour nous caler au siège avec une efficience optimale. Et ce en dépit de sa durée minimaliste (1h24 sans le générique) et d'un schéma narratif bien connu des amateurs (le survival en huis-clos avec son lot de stratagèmes offensifs et défensifs et effets-chocs récurrents). Car fort d'un concept génialement insolite (dans un monde post-apo, une famille et une sourde et malentendante vont tenter de déjouer la menace de créatures ultra sensibles au bruit), John Krasinski (réalisateur méconnu de Brief Interviews with Hideous Men et de La Famille Hollar) s'avère redoutablement inspiré pour donner chair à ses personnages démunis au sein du cadre exigu d'une ferme customisée. Sa configuration jalonnée de gadgets faisant notamment office de labo expérimental afin d'y déceler l'éventuelle faille des créatures. Le moindre bruit impromptu, le moindre accident domestique, le moindre objet tombé par inadvertance pouvant leur être fatal si bien que chaque membre familial eut été formé dans la vigilance, la patience, la discipline et l'esprit de solidarité. Par le truchement de cette menace meurtrière d'origine inconnue, on reste d'ailleurs fasciné par le design décharné de ces créatures comparables à des sauterelles mutantes et numérisées avec souci probant de réalisme.

Leurs nombreuses apparitions et agressions véloces provoquant une appréhension sensitive lorsque nos protagonistes sur le qui-vive se résignent à n'émettre aucun son en guise de survie. Maîtrisant une bande-son oppressante où chaque détail sonore nous distille une tension diffuse, et maîtrisant le non-dit des personnages statiques s'exprimant à travers le langage des signes, John Krasinski relance sans modération l'action horrifique dans de multiples directions impromptues. Et ce en départageant la famille (enfants livrés à eux mêmes au sein de la campagne, père à la recherche de ces derniers, mère repliée dans son foyer pour une raison maternelle) et en exploitant la disparité des décors (domestiques / naturels) plongés dans une obscurité à la lisière de l'onirisme (notamment à travers un jeu de lumières rutilants afin d'avertir le membre extérieur d'une situation de danger). Le jeu de cache-cache avec la peur (et le mutisme) atteignant parfois des sommets d'intensité lorsque nos protagonistes font preuve d'un héroïsme suicidaire pour se protéger mutuellement. Sur ce point, John Krasinski n'hésite pas non plus à tailler une carrure fragile à cette famille à la fois pugnace et désespérée si bien que certaines séquences poignantes provoquent une digne empathie jamais pathétique. L'intrigue mettant en exergue à travers ses personnages sévèrement ébranlés les valeurs familiales par le biais de l'amour, de la culpabilité, de la rédemption et du pardon.

Hurlements
Bourré d'idées retorses, de chausse-trappes (dont je tairais tout indice) et de péripéties alertes d'une intensité sensorielle, Sans un Bruit exploite au 1er degré la série B du samedi soir (rare pour ne pas le souligner !) à travers une intrigue linéaire oh combien charpentée si bien que chaque évènement horrifique se renouvelle fissa sous l'impulsion d'une bande-son aphone (ou autrement stridente) où le hurlement escompté tiendra lieu de délivrance ! 

* Bruno

PHANTASM 2

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site scifi-movies.com

de Don Coscarelli. 1988. U.S.A. 1h37. Avec James LeGros, Reggie Bannister, Angus Scrimm, Paula Irvine, Samantha Phillips, Kenneth Tigar.

Sortie salles France: 15 Février 1989. U.S: 8 Juillet 1988

FILMOGRAPHIE: Don Coscarelli est un scénariste et réalisateur américain né le 17 Février 1954 à Tripoli (Lybie). 1976: Jim the World's Greatest. 1976: Kenny and Compagny. 1979: Phantasm. 1982: Dar l'invincible. 1988: Phantasm 2. 1989: Survival Quest. 1994: Phantasm 3. 1998: Phantasm 4. 2002: Bubba Ho-tep. 2012: John Dies at the end.

Une séquelle inutile aux antipodes de son illustre modèle (chef-d'oeuvre absolu du Fantastique moderne), Don Coscarelli privilégiant aujourd'hui la surenchère et la dérision sardonique (sans doute inspiré par les derniers exploits de Freddy Kruger) pour pallier son intrigue étique (jeu de cache-cache rébarbatif) dénuée de surprises, de suspense, d'angoisse et surtout d'intensité. Pour autant, grâce à 2/3 effets chocs convaincants et inventifs (les sphères volantes sont encore plus novatrices dans leur technologie meurtrière) et grâce sa dernière demi-heure homérique assez fluide, je peux comprendre qu'on puisse trouver le spectacle gentiment bonnard.

* Bruno

3èx

CARGO

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Yolanda Ramke et Ben Howling. 2017. Australie. 1h44. Avec Martin Freeman, Anthony Hayes, Caren Pistorius, David Gulpilil, Susie Porter, Kris McQuade

Diffusion uniquement sur Netflix : 18 Mai 2018

FILMOGRAPHIE: Yolanda Ramke est une réalisatrice, scénariste et actrice américaine.
Ben Howling est un réalisateur, scénariste et producteur américain. 2017: Cargo.

Produit par Netflix, Cargo retrace le cheminement de survie d'un père et de son nourrisson au sein d'une Australie post-apo infectée par un mystérieux virus. Les citadins mordus par des créatures humaines se transformant à leur tour en meurtriers assoiffés de sang. Avec l'aide d'une adolescente aborigène également en berne depuis la disparition de son père, Andy déambule dans la campagne à la recherche d'autres survivants et d'un éventuel havre de paix, aussi malingre soit son nouveau destin. Dépoussiérant le thème des infectés avec une ambition intègre si bien que Yolanda Ramke et Ben Howling parviennent à y imprimer leur personnalité avec une digne maturité puisque élevant le genre au 1er degré (exit donc les effets de manche grands guignolesques), Cargo est une heureuse surprise au sein du genre éculé, usé jusqu'à la corde. Ces derniers parvenant dès le préambule particulièrement oppressant (on peut d'ailleurs prêter d'une manière autrement suggérée un clin d'oeil à l'Enfer des Zombies) à planter leur univers mortifié et ses personnages en berne avec un réalisme naturaliste. Outre les idées inventives qui empiètent le récit (notamment en jouant sur le simulacre du danger afin de s'extirper des clichés) et la manière inédite de caractériser ces infectés dégingandés (ils passent par d'étranges étapes de convulsion et de mutation avant leur métamorphose atone), Cargo  tire parti de son humanisme fragile à travers le profil équivoque d'un père de famille de prime abord plutôt couard et pleutre dans son indécision à porter secours aux appâts humains tout en observant impuissant à la dégénérescence d'une terre infectée de l'intérieur.

Les auteurs y exprimant un message écolo, une métaphore anti-capitaliste à travers la beauté sauvage de l'Australie que l'homme blanc a corrompu par son instinct à la fois matérialiste et cupide. Et donc du point de vue pacifique de ces aborigènes particulièrement solidaires entre eux, Cargo leur rend humblement hommage en revenant aux sources de leur culture tribale où la famille, la cohésion, l'amour, le respect pour la nature et la spiritualité font partie de leur éthique pour se forger leur sens existentiel. L'intrigue abordant d'autre part le thème du racisme, de l'esclavage que certains détenus pâtiront sous l'impulsion opportuniste d'un fermier sans vergogne. Enfin, et pour parachever vers un final onirique aussi lumineux que bouleversant, Cargo est également rehaussé d'une intense amitié que se partagent Andy et Josie. Toute le récit dédié à leur résilience cultivant une initiation au courage, à la communication et à la confiance à travers les différences raciales. Martin Freeman  (dans une posture binaire crédible de par ses sentiments contradictoires) et la méconnue  Natasha Wanganeen (d'une candeur naturelle à travers l'acuité de son regard mélancolique) insufflant sans pathos une humanité prude. Entre désespoir (le suicide plane constamment sur leurs épaules puis à proximité d'autres survivants aussi exténués par le deuil, le cannibalisme et le pessimisme) et aspiration d'une terre nouvelle (à labourer).

Dur et cruel, fort et beau à la fois, Cargo redore dignement le genre horrifique à hauteur d'homme et de dame nature. 

* Bruno

Un Eté d'Enfer

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Michael Shock. 1984. France. 1h44. Avec Thierry Lhermitte, Véronique Jannot, Daniel Duval, Corynne Charbit, Michel Devilliers, Nana Mouloudji.

Sortie salles France: 12 Décembre 1984 (Int - 13 ans)

FILMOGRAPHIE: Michael Schock est un réalisateur et acteur français né à Paris en 1948. 1978 : Trocadéro bleu citron. 1984 : Un été d'enfer. 1987 : Les Nouveaux Tricheurs.

"Emotion".
Polar français tourné à l'américaine parmi les vedettes de l'époque Thierry Lhermitte (à contre emploi en justicier en blouson de cuir ! ?) / Véronique Jeannot (fraîchement célébrée par la série TV Pause Café), Un Eté d'enfer fut un succès considérable à sa sortie avec ses 1 137 300 entrées. Moi même fis d'ailleurs le déplacement dans une salle un mercredi après-midi en compagnie d'un ami collégien. Raison pour laquelle aujourd'hui je ne peux pas vraiment être objectif puisque à l'époque j'avais pris beaucoup de plaisir à suivre les vicissitudes du détective Darland, aussi lambda et naïve soit son investigation ! Nanar pour les uns, plaisir innocent pour les autres, cette série B oscillant l'action et les bons sentiments pâtie d'une faible intrigue plutôt prévisible (Spoil ! bien que l'on soupçonne un faux dénouement tragique pour le sort de la disparue fin du Spoil). A savoir qu'une mère éplorée sollicite l'aide d'un détective privé afin de retrouver sa jeune fille droguée disparue 3 mois plus tôt. Pour autant, grâce à sa réalisation clinquante jalonnée de séquences clippesques (les séquences romanesque auquel le couple se prélasse en bord de mer) et grâce à l'attachant duo susnommé, Un Eté d'Enfer se suit sans déplaisir entre deux  séquences involontairement comiques (la rencontre timorée de Lhermitte et Jeannot autour d'un verre que celui-ci ne parvient pas à choisir, rire nerveux assurée, ah ah !).

L'intrigue malingre s'affublant en outre d'une récurrente mélodie sirupeuse que Debbie Davis chantonne à plusieurs reprises afin d'accentuer l'attrait charnel des amants en étreinte (on peut même entrevoir un bout de sein de Jeannot lors d'une séquence déshabillée, ouh là là !). Outre la complicité assez convaincante du duo romantique, le film bénéficie étonnamment de seconds-couteaux aux gueules burinées (le franc-tireur Daniel Duval en commissaire véreux) ou émaciées (le méconnu Michel de Viliers en dealer crapuleux). Parmi la présence très marquante de ce dernier, on peut d'ailleurs se remémorer LA séquence choc restée dans les mémoires par sa surprenante intensité dramatique. Ainsi, l'altercation au cours de laquelle Lhermitte finit par être forcé de sniffer une montagne de coke provoque encore aujourd'hui un malaise viscéral vertigineux. Raison pour laquelle le film écopa tout de même à sa sortie d'une interdiction aux - de 13 ans. Hormis quelques mini longueurs à mi-parcours du récit (la filature nocturne auprès des trafiquants à proximité du paquebot s'essouffle rapidement), Un Eté d'Enfer parvient donc modestement à divertir avec savoir-faire technique (slow motion stylisé en sus), même si aujourd'hui il ne contentera que les nostalgiques des années 80 ainsi que les amoureux de Véronique Jeannot qui ne fut alors jamais aussi radieuse que dans cet Eté d'Enfer.

Dédicace à mon camarade de classe Didier Top
* Bruno

DOWNRANGE

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Ryuhei Kitamura. 2017. U.S.A. 1h29. Avec Kelly Connaire, Stephanie Pearson, Rod Hernandez, Anthony Kirlew, Alexa Yeames, Jason Tobias, Aion Boyd.

Sortie salles France: Prochainement.

FILMOGRAPHIE: Ryuhei Kitamura (北村 龍平) est un réalisateur, producteur et scénariste japonais né le 30 mai 1969 à Ōsaka (Japon). 1996: Heat After Dark. 1997: Down to Hell. 2000: Versus, l'ultime guerrier. 2002: Jam Films (segment The Messenger - Requiem for the Dead). 2002 : Alive. 2003 : Aragami. 2003 : Azumi.  200: Sky High. 2004: Longinus. 2004: Godzilla: Final Wars. 2006 : LoveDeath. 2008: The Midnight Meat Train. 2012: No One Lives. 2014: Lupin III. 2017: Downrange.

Sniper : Tireur d'élite armé d'un équipement spécifique et à la pointe de la technologie qui lui permet de prendre part à un affrontement, tout en étant embusqué et éloigné de ses cibles.

Survival horrifique prenant pour cadre exigu une portion de chaussée rurale auquel une poignée
d'ados s'y sont retranchés derrière la carrosserie de leur voiture, Downrange est une excellente surprise concoctée par l'habile artisan japonais Ryuhei Kitamura (Versus, Azumi, Midnight Meat Train). Intense, éprouvant et ultra sanguinolent de par ses FX artisanaux du plus bel effet, Downrage joue la carte de la série B explosive dans son florilège d'exactions criminelles qu'un sniper, planqué dans un arbre, perpétue en toute décontraction. Les quelques survivants constamment dans sa ligne de mire s'efforçant de trouver rapidement une issue de dernier ressort par le biais d'idées retorses convaincantes (smartphones, perchoir, pneu, briquet, frein à main, caisse à outils seront leurs principaux stratagèmes de défense), même si redoutablement couillues en pareille situation chaotique. Recrutant en prime des acteurs méconnus contournant habilement le stéréotype de l'ado décervelé (on est aux antipodes d'un Vendredi 13 avec son schéma narratif tracé d'avance), Ryuhei Kitamura  exploite son astucieux concept avec une efficacité structurée afin de maintenir le spectateur dans une tension en roue libre.

Si bien que nous nous familiarisons d'entrée de jeu à l'humanisme fébrile de ces protagonistes compromis par leurs sentiments contradictoires de désillusion et de pugnacité. Toute l'intrigue méchamment immorale n'étant qu'une initiation à leur survie, une épineuse épreuve de force aussi bien physique que morale. Et bien malin celui qui devinera qui parviendra à se prémunir des balles jusqu'au point d'orgue, notamment lorsque le cinéaste n'éprouve aucun remord à sacrifier les plus attachants ou vaillants, et qu'il relance en intermittence sa frénésie sanglante parmi l'intrusion de nouveaux protagonistes. Le jeu de l'assassinat affichant clairement une tournure sardonique auprès de leur sort précaire que la réalisation inventive renchérit à l'aide de cadrages alambiqués (pour ne pas dire extravagants à certains moments gorasses que l'on pourrait comparer à Evil-Dead !). Constamment haletant et épique dans son florilège de rebondissements cruels franchement impitoyables, Downrange ne possède aucun complexe pour afficher une ultra violence tantôt âpre (les râles d'agonie de la seconde victime distillent un malaise viscéral) au point d'y sacrifier l'innocence la plus fragile.

Complètement vrillé dans sa violence endémique et jusqu'au-boutiste de par le cynisme insidieux du sniper s'en donnant à coeur joie dans les provocations criminelles (entre fausse alerte et exécution sommaire), Downrange exploite avec astuces et dérision son génial concept de prise d'otages sous la chaleur écrasante du bitume maculé de sauce piquante. 

* Bruno

REVENGE. Prix de la Meilleure Réalisatrice, Catalogne.

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Coralie Fargeat. 2017. France. 1h48. Avec Matilda Lutz, Kevin Janssens, Vincent Colombe, Guillaume Bouchède, Avant Strangel.

Sortie salles France: 8 Février 2018.

FILMOGRAPHIE: Coralie Fargeat est une réalisatrice et scénariste française.
2017: Revenge.

                    Un "Rape and Revenge" made in France en pleine polémique "Wenstein" ! 

En dépit d'un concept morbide résolument grotesque et improbable (une victime empalée revenue d'entre les morts après sa chute d'une falaise, il fallait carrément oser !), Revenge est un sympathique Rape and revenge si bien qu'il s'agit de la première réalisation de Coralie Fargeat. Ultra gore en mode stylisé (pour ne pas dire cartoonesque), relativement charpenté au niveau de la mise en scène souvent inventive (notamment auprès de l'habile photogénie du désert accompagnée d'une photo contrastée) et scandé d'une bande-son (techno) percutante, Revenge parvient à soigner la forme puis maintenir l'attention grâce à la posture aguerrie de la victime en initiation de survie. La première partie s'attardant à sa situation moribonde de manière assez débridée si je me réfère à ses combines de fortune afin de tenter de rester en vie puis anticiper sa vendetta. De cette intrigue évidemment linéaire que l'on connait par coeur, la réalisatrice parvient donc à tisser assez d'efficacité autour du portrait de cette justicière stoïque (elle se retrouve seule contre trois dans un désert aride) que la jeune italienne Matilda Lutz parvient à rendre convaincant (à défaut d'être transcendante) de par la sobriété de son regard impassible. Et pour maintenir sa progression dramatique fébrile, Coralie Fargeat  relance l'intensité de l'action du point de vue des agresseurs parvenant par moments à s'extirper de leur situation précaire. Et ce même si la tension escomptée avait gagné à être plus étoffée, plus maîtrisée auprès d'une dramaturgie plus escarpée et réaliste.

* Bruno

Hercule contre les Vampires / Ercole al centro della terra

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemotions.com

de Mario Bava. 1961. Italie. 1h26. Avec Reg Park, Christopher Lee, Leonora Ruffo, George Ardisson, Marisa Belli, Ida Galli.

Sortie salles France: 9 Mai 1962. Italie: 16 Novembre 1961

FILMOGRAPHIE:  Mario Bava est un réalisateur, directeur de la photographie et scénariste italien, né le 31 juillet 1914 à Sanremo, et décédé d'un infarctus du myocarde le 27 avril 1980 à Rome (Italie). Il est considéré comme le maître du cinéma fantastique italien et le créateur du genre dit giallo. 1946 : L'orecchio, 1947 : Santa notte, 1947 : Legenda sinfonica, 1947 : Anfiteatro Flavio, 1949 : Variazioni sinfoniche, 1954 : Ulysse (non crédité),1956 : Les Vampires (non crédité),1959 : Caltiki, le monstre immortel (non crédité),1959 : La Bataille de Marathon (non crédité),1960 : Le Masque du démon,1961 : Le Dernier des Vikings (non crédité),1961 : Les Mille et Une Nuits,1961 : Hercule contre les vampires,1961 : La Ruée des Vikings, 1963 : La Fille qui en savait trop,1963 : Les Trois Visages de la peur, 1963 : Le Corps et le Fouet, 1964 : Six femmes pour l'assassin, 1964 : La strada per Fort Alamo, 1965 : La Planète des vampires, 1966 : Les Dollars du Nebraska (non cédité), 1966 : Duel au couteau,1966 : Opération peur 1966 : L'Espion qui venait du surgelé, 1968 : Danger : Diabolik ! , 1970 : L'Île de l'épouvante ,1970 : Une hache pour la lune de miel ,1970 : Roy Colt e Winchester Jack, 1971 : La Baie sanglante, 1972 : Baron vampire  , 1972 : Quante volte... quella notte, 1973 : La Maison de l'exorcisme, 1974 : Les Chiens enragés,1977 : Les Démons de la nuit (Schock),1979 : La Venere di Ille (TV).

 

Péplum hybride à la croisée du fantastique, de la comédie, de la romance, de l'aventure mythologique et de l'épouvante, Hercule contre les Vampires porte clairement la signature du maestro Mario Bava, dans une fulgurance flamboyante de chaque instant. Il redouble ici de créativité pour varier ses décors baroques, envoûtés de filtres rouges, verts, bleus, orangés - le tout dans une harmonie picturale où l’œil du spectateur est sans cesse courtisé. À ce niveau purement contemplatif, Hercule contre les Vampires demeure un chef-d'œuvre : un spectacle du samedi soir d’une inépuisable recherche stylisée, comme seul le maestro savait en ciseler. Et ce, en se réinventant à chaque projet, souvent pour pallier ses carences budgétaires. Ce parti-pris esthétisant lui permet d’embellir son intrigue romantique - Hercule et un de ses comparses tentent d’extraire de l’enfer leurs dulcinées séquestrées par le roi Lico - où la tendresse des sentiments s’ouvre aux plages d’onirisme gracieuses et capiteuses.

À travers son intrigue attachante, testant la fidélité amicale d’Hercule et de son compagnon, en tension avec leur passion amoureuse (en demi-teinte pour le second), la bonhomie héroïque de leur solidarité (accompagnée d’un bateleur badin, gentiment pusillanime), le charisme ténébreux de Christopher Lee en sorcier insidieux, et l’attrait baroque de ses situations occultes - du combat improbable contre une créature de pierre à l’invasion furtive de macchabées s’exhumant de leur caveau - tout concourt à parfaire (sans l’ombre d’une prétention) un spectacle aussi stimulant que dépaysant. C’est le Fantastique qui prédomine ici, au cœur d’un cadre antique décomplexé, où les codes du péplum sont triturés, transcendés, portés à incandescence dans une ambition latine, exubérante et démesurée. On peut même louer la dimension génialement bricolée de ses effets artisanaux, que Bava sublime par l’acuité du montage, le cadre géométrique et cette patte esthétisante qui électrise l’image et capte notre regard. Bref, on reste constamment surpris, ébranlé, happé par cette recherche formelle en mutation constante, qui nous fait perdre pied pour mieux exalter l’émerveillement du fantasticophile ébaubi.

Du cinéma de quartier imputrescible, car sans égal.
Éblouissante expérience occulte, typiquement bisseuse, baignée d’un onirisme baroque aussi halluciné qu’inusité (telles ces branches de rameaux sectionnées qui hurlent en saignant), Hercule contre les Vampires s’empare de l’alibi du songe et de la fantasmagorie pour laisser libre cours à une foisonnance du détail typiquement latine. À revoir d’urgence, en qualité HD, pour en goûter la rutilante beauté à couper le souffle, avec la trouble impression de découvrir une œuvre étrange, autrement dense, substantielle, sensuelle, vénéneuse.

— le cinéphile du cœur noir

11.05.18. 3èx

14.06.22.

BURN OUT

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Yann Gozlan. 2017. France. 1h43. Avec François Civil, Olivier Rabourdin, Manon Azem, Samuel Jouy, Narcisse Mame.

Sortie salles France: 3 Janvier 2018

FILMOGRAPHIE: Yann Gozlan est un réalisateur, scénariste et producteur associé français né le 28/03/1977 à Aubervilliers. 2010 : Captifs. 2015 : Un homme idéal. 2018 : Burn Out.

Série B d'action signée Yann Gozlan (Captifs, son premier essai bonnard), Burn out est une formidable surprise au sein du paysage français si féru des comédies familiales et drame sociaux rébarbatifs. A partir d'une intrigue simpliste (pour sauver son ex amie à rembourser une dette, un pilote de moto est contraint de livrer de la drogue pour des truands en sillonnant Rotterdam), Yann Gozlan redouble d'efficacité à conjuguer action et suspense au service du cheminement héroïque du jeune Tony contraint de parfaire des go-fast entre la France et la Hollande. Aux antipodes des actionner ricains jouant plein pot la gratuité de la surenchère et de la fioriture (Fast and Furious à titre d'exemple éloquent), Burn Out tire parti de son magnétisme grâce au caractère résolument réaliste de cette odyssée délinquante. Tant et si bien que l'incroyable lisibilité des séquences de poursuites (de jour et de nuit !) magnifiquement filmées en caméra subjective nous scotche à notre siège avec un sentiment d'immersion limite viscéral.

Le réalisateur renouvelant par ailleurs l'action vertigineuse à mi-parcours avec deux rebondissements successifs afin d'observer l'évolution morale de Tony embarqué contre son gré dans un chantage irréversible où la violence finira par éclater. L'intrigue incessamment captivante jouant au jeu du gendarme et du voleur sous l'impulsion de têtes d'affiche charismatiques, des gueules de truands taillés à la serpe endossant leur rôle véreux avec une sobriété anti-théâtrale. Au delà de la carrure virile de ses personnages burnés peu recommandables, le jeune François Civil en impose autrement dans son profil de motard fébrile endossant 3 fonctions à la fois (pilote sur les pistes motos et sur les autoroutes, puis salarié dans un entrepôt). Constamment sur le qui-vive du danger permanent lors de ses missions effrénées, puis peu à peu gagné par le burn-out faute de perdurer ses 3 emplois plein temps, François Civil parvient à nous transmettre une palette de sensations fortes (adrénaline, appréhension, désarroi limite dépressif) à travers la sueur de ses pores. On apprécie d'ailleurs en guise de causticité son vénéneux épilogue (que personne ne voit venir) nous poussant à réfléchir sur l'addiction de la vitesse et du danger à travers l'engrenage infectieux de la délinquance.

Pur divertissement d'action oppressante rondement gérée par une mise en scène maîtrisée (Yann Gozlan est un vrai talent à surveiller pour ses futurs projets), Burn out exploite intelligemment la série B avec souci singulier de réalisme et de vraisemblance (notamment à travers son casting méconnu irréprochable), si bien qu'il fait office de cas à part au sein du genre consensuel de l'actionner bourrin familièrement ballot. 

* Bruno

Arrivederci amore, ciao

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Michele Soavi. 2006. Italie. 1h51. Avec Alessio Boni, Michele Placido, Isabella Ferrari, Alina Nadelea, Carlo Cecchi.

Sortie salles France: 2 Août 2006. Italie: 24 Février 2006

FILMOGRAPHIE: Michele Soavi est un réalisateur italien né le 3 Juillet 1957 à Milan, (Italie).
1985: The Valley (vidéo). 1985: Le Monde de l'horreur (Documentaire). 1987: Bloody Bird. 1989: Le Sanctuaire. 1991: La Secte. 1994: Dellamorte Dellamore. 2006: Arrivederci amore, ciao. 2008: Il sangue dei vinti.

 

"Michele Soavi ou l’odeur du Mal absolu."

 

Réalisé par Michele Soavi, maestro transalpin aussi discret que passionnant, Arrivederci amore, ciao est un polar malade, d’une noirceur quasi inégalée. De mémoire de cinéphile, je connais peu d’autres prototypes aussi fétides, viciés, acrimonieux. Par son climat austère, résolument poisseux, irrespirable et débauché, et par la posture foncièrement immorale de cette faune de truands littéralement habitée par le Mal, le film oppose nos sentiments antithétiques de fascination et de répulsion, jusqu’à générer un malaise profond, une aversion face à son contenu immoral, infiniment décomplexé.

Soavi scrute avant tout, sans la moindre fioriture et à travers un réalisme rugueux, le portrait abject d’un terroriste en voie de réhabilitation, sous la tutelle d’un flic véreux. Le cinéaste enfonce le clou du nihilisme et de la déchéance amorale au fil de missions sanglantes, jusqu’à un final couillu, d’une cruauté psychologique proprement insupportable.

On quitte alors cette odyssée meurtrière et insalubre - guidée par un instinct pervers et primal - avec cette sensation désagréable, presque bipolaire, d’avoir assisté à un grand moment de cinéma (casting buriné plus vrai que nature, mise en scène chiadée, stylisée, constamment inventive - voire expérimentale -, photographie au magnétisme opaque qui hypnotise les sens), tout en éprouvant un regain de mépris, de dégoût et d’antipathie face au profil licencieux de cet indic bellâtre, séducteur délétère, s’enfonçant toujours plus profondément dans les racines du Mal, sans jamais céder à l’ombre d’un remords, encore moins à la repentance.

Un électrochoc moral d’une noirceur abyssale, ad nauseam, à découvrir avec la plus grande précaution. 

 

— le cinéphile du cœur noir 🖤

LA TAVERNE DE L'ENFER

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

"Paradise Alley" de Sylvester Stallone. 1978. U.S.A. 1h47. Avec Sylvester Stallone, Lee Canalito, Armand Assante, Frank McRae, Anne Archer, Kevin Conway, Joe Spinell.

Sortie salles France: 16 Mai 1979. U.S: 22 Septembre 1978

FILMOGRAPHIE: Sylvester Stallone est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur américain, né le 6 Juillet 1946 à New-York. 1978: La Taverne de l'Enfer. 1979: Rocky 2, la Revanche. 1982: Rocky 3, l'Oeil du Tigre. 1983: Staying Alive. 1985: Rocky 4. 2006: Rocky Balboa. 2008: John Rambo. 2010: Expendables: Unité Spéciale.

Initialement écrit par Sylvester Stallone avant Rocky, La Taverne de l'Enfer fut finalement porté à l'écran 2 ans après le succès de John G. Alvidsen. Bien qu'il se solda d'un échec commercial (en France, il totalise 475 283 entrées pour se classer 70è/70), la première réalisation de Stallone est une superbe épopée humaine décrivant, non sans un certain brio stylisé (suffit d'observer scrupuleusement son étonnant générique en trompe l'oeil ou encore le combat final perpétré au sein d'un ring torrentiel !), le cheminement professionnel de laissés pour compte évoluant dans le cadre new-yorkais d'Hell's Kitchen un an après la seconde guerre. De par sa reconstitution soignée que Stallone s'efforce à redonner vie autour d'une faune urbaine marginalisée, La Taverne de l'Enfer nous plonge dans la moiteur des quartiers malfamés, entre insouciance des beuveries, bastonnades et désespoir existentiel. En particulier auprès de trois frères italo-américains s'efforçant de survivre entre jobs précaires et p'tites combines. Mais à la suite d'un bras de fer opposant son frère cadet Victor avec un caïd,  Cosmo, sans emploi, décide de l'initier aux combats de catch du fait de sa corpulence râblée. Et ce en dépit de la réticence de l'aîné Lenny travaillant comme embaumeur dans une morgue. Précisons aussi que Victor est un livreur de glace désireux de quitter l'Amérique pour l'Egypte en compagnie de sa voisine et qu'il est facilement influençable depuis sa déficience morale. Autour de leur rapport fraternel assez virulent mais toutefois solidaire, Cosmo et Lenny se disputent d'autant plus l'autorité auprès d'une relation sentimentale de jeunesse.

Aventure humaine pleine de cocasseries (notamment auprès des intimidations extravagantes de mafieux à la p'tite semaine), de drames (la séquence fortuite du suicide nous laisse un goût aigre dans la bouche) et de bons sentiments (Cosmo/Lenny se disputant un amour impossible), la Taverne de l'Enfer fut injustement occulté à cause du récent phénomène Rocky. Car loin de nous offrir un épigone mercantile, Stallone, combine pour la 1ère fois son talent d'acteur, de conteur et de réalisateur avec une franche sincérité assortie de générosité. Et ce même si son personnage de marginal au grand coeur peut rappeler par instants (et surtout par ses mimiques amiteuses n'appartenant qu'à son instinct fringant), le personnage de Balboa. Sauf qu'en l'occurrence Cosmo ne fait que coacher son frère cadet afin de l'amener vers la victoire pour profiter ensemble du magot. Le film gagnant notamment en intensité auprès des actions chorégraphiées particulièrement violentes que de la caractérisation humaine des personnages pleins de vulnérabilité mais pour autant désireux d'emporter la mise entre une prise de conscience sur les conséquences sanitaires du sport du catch (les rapports ambigus entre Cosmo et Lenny et l'inversion des rôles qu'ils s'octroient durant leur réflexion personnelle pour la destinée de Victor). Passionnant et immersif (notamment auprès de la Taverne et du Paradise riches de détails et éclairés de lumières chaudes), La Taverne de l'Enfer transfigure des personnages bougrement attachants (tant auprès des seconds-rôles fantaisistes que des trois frères unis par les liens du sang). Stallone, jamais prétentieux, s'efforçant de structurer son intrigue romantico-dramatique d'épisodes humoristiques fougueux en plus du charisme patibulaire de seconds-couteaux irrésistibles (notamment Joe Spinell en arbitre véreux affublé d'un costume de clown !).

Occulté, pour ne pas dire discrédité du fait de sa faible notoriété, La Taverne de l'Enfer est à réhabiliter d'urgence. Première vraie réussite de Stallone en tant que cinéaste en herbe nous décrivant avec une tendre humanité jamais outrée une preuse épopée sur les losers en quête de discernement, de dignité et d'ascension.  

* Bruno
3èx

THE FLORIDA PROJECT

                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site robbinsrealm.wordpress.com

de Sean Baker. 2017. U.S.A. 1h51. Avec Brooklynn Kimberly Prince, Bria Vinaite, Willem Dafoe, Valeria Cotto, Christopher Rivera, Mela Murder.

Sortie salles France: 20 Décembre 2017. U.S; 6 Octobre 2017

FILMOGRAPHIE: Sean S. Baker est un réalisateur et scénariste américain né à New York (États-Unis). 2000 : Four Letter Words. 2004 : Take Out (co-réalisé avec Tsou Shih-ching). 2008 : Prince of Broadway. 2012 : Starlet. 2015 : Tangerine. 2017 : The Florida Project.

Portrait au vitriol d'une mère monoparentale asociale résolument paumée, impudente et instable car marginalisée par son sédentarisme sur la corde raide, The Florida Project est une comédie sociétale bipolaire, assez difficilement apprivoisable selon mon jugement de valeur.
La faute incombant notamment à une certaine redondance à daigner trop insister sur la banalité quotidienne de cette dernière livrée à sa glauque médiocrité et des pitreries de sa fille influençable follement irrévérencieuse. Pour autant, et grâce à son interprétation d'un naturel indiscutable, le récit davantage amer laisse distiller une vibrante humanité, notamment grâce à son ultra réalisme documenté si bien que les 20 dernières minutes d'une gravité désespérée nous laisse sur le bitume quant aux conséquences dramatiques de cet échec maternel. On en sort donc déprimé et bouleversé si bien que l'émotion cuisante nous saisit à la gorge avec une acuité insupportable.

P.S: Méfiez vous de la bande-annonce extrêmement fallacieuse puisqu'il n'est aucunement question de comédie cocasse et légère carburant aux sentiments extravagants des postures rebelles.

* Bruno

Box Office France : 167 396 entrées

FASCINATION

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmaffinity.com

de Jean Rollin. 1979. France. Avec Brigitte Lahaie, Franca Maï, Jean-Marie Lemaire, Fanny Magier, Évelyne Thomas, Sophie Noël, Muriel Montossé.

Sortie salles France: 2 Janvier 1980 (int - 18 ans)

FILMOGRAPHIE: Jean Michel Rollin, Roth Le Gentil est un réalisateur, producteur et scénariste français, né le 3 novembre 1938 à Neuilly-sur-Seine (France), décédé le 15 Décembre 2010.
1958 : Les Amours jaunes, 1961 : Ciel de cuivre, 1963 : L'Itinéraire marin, 1964 : Vivre en Espagne, 1965 : Les Pays loin, 1968 : Le Viol du vampire, 1969 : La Vampire nue, 1970 : Le Frisson des vampires, 1971 : Requiem pour un vampire, 1973 : La Rose de fer, 1974 : Les Démoniaques, 1975 : Lèvres de sang, 1978 : Les Raisins de la mort, 1979 : Fascination,1980 : La Nuit des traquées, 1981 : Fugues mineures (Les Paumées du petit matin, 1981 :Le Lac des morts vivants (sous le pseudonyme de J. A. Lazer), 1982 : La Morte vivante, 1984 :Les Trottoirs de Bangkok, 1985 : Ne prends pas les poulets pour des pigeons (sous le pseudonyme de Michel Gentil), 1989 : Perdues dans New York, 1990 : La Griffe d'Horus(TV), 1991 : À la poursuite de Barbara, 1993 : Killing Car, 1997 : Les Deux Orphelines vampires, 2002 : La Fiancée de Dracula, 2007 : La Nuit des horloges, 2010 : Le Masque de la Méduse.

Considéré comme un vulgaire tâcheron dans les années 70 et 80 puis peu à peu reconnu comme un auteur chez une communauté de fans, principalement en Angleterre, Jean Rollin est bel et bien le franc-tireur atypique que la France bien pensante a souvent occulté. Faute du jeu amateur de ses interprètes, de sa mise en scène au budget plus que précaire et de ses histoires sans queue ni tête. Et pourtant, de par sa sincérité et son amour pour le cinéma érotico-fantastique, son goût pour l'esthétisme onirique (tant auprès d'un environnement naturel feutré, de ses nymphettes en position lascive que des bâtisses et monuments gothiques superbement éclairés), Jean Rollin nous aura légué une dizaine de films inégaux souvent fascinants, voir même envoûtants à travers leur charme perméable quasi indicible. Ce qui survient à point nommé avec Fascination, l'une de ses oeuvres les plus accessibles et réussies illustrant avec une délicate attention la prise d'otage d'un truand auprès de deux lesbiennes domestiques confinées dans leur château.

Tandis qu'un peu plus tard, les rôles seront amenés à s'inverser lorsqu'une confrérie de convives féminines frapperont à leur porte afin d'entamer leur liturgie annuelle. Etrange, vénéneux, magnétique, ensorcelant auprès de têtes d'affiches charnelles n'hésitant pas à se dévêtir dans leur plus simple appareil, Fascination constitue une invitation au fantasme opaque chez des misandres d'une audace aussi insidieuse que licencieuse. Jean Rollin recourant à l'expectative de cette fameuse procession réunissant au sein du salon de gentes dames à la fois aguicheuses, interlopes et provocatrices. Quand bien même au préalable nous aurions fait connaissance avec deux châtelaines (la sublime Brigitte Lahaie très à l'aise en aguicheuse effrontée et Franca Maï, fraîchement naturelle en gouvernante ambivalente) prises à parti avec un malfaiteur résolument machiste. Comme de coutume chez Rollin, le jeu théâtral de sa distribution et ses ellipses narratives semées d'incohérences et maladresses peuvent de prime abord rebuter le spectateur non averti. Pour autant, la franche sincérité de ces interprètes étonnamment attachants (jeu de soumission/domination autour d'une guerre des sexes) et sa succession de séquences étranges conçues sur l'emprise lubrique et la violence morbide nous magnétisent l'esprit auprès d'une scénographie stylisée, et ce en dépit de ces décors limités. Le tout accompagné d'une contribution musicale lancinante de Philippe d'Aram se prêtant à merveille au climat fantastique d'une aura sensiblement indolente.

Fantasmatique, baroque et enivrant parmi la synergie de l'érotisme et de l'horreur (on y taille les victimes à la grande faux !), Fascination recourt à l'expérience cinégénique hors norme de la part d'un artiste féru de ces actrices et d'un cadre naturel flirtant avec le gothisme polisson. Et ce à travers un thème majeur du genre (dont je tairais l'indice même si on y devine facilement son dénouement) traité à la fois avec une certaine originalité et une ambition auteurisante. Une perle du genre donc au vénéneux pouvoir de séduction si bien qu'à la revoyure il semble aussi prégnant qu'à l'époque de sa (discrète) sortie. 

* Bruno
2èx

ABYSS

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site voiceofcinema.wordpress.com

de James Cameron. Ed Harris, Mary Elizabeth Mastrantonio, Michael Biehn, Leo Burmester, Todd Graff, John Bedford Lloyd, J. C. Quinn, Kimberly Scott.

Sortie salles France: 27 Septembre 1989. U.S: 9 Août 1989

FILMOGRAPHIE: James Francis Cameron est un réalisateur, scénariste et producteur canadien, né le 16 Août 1954 à Kapuskasing (Ontario, Canada). 1978: Kenogenis (court-métrage). 1981: Piranhas 2, les Tueurs Volants. 1984: Terminator. 1986: Aliens, le Retour. 1989: Abyss. 1991: Terminator 2. 1994: True Lies. 1997: Titanic. 2003: Les Fantomes du Titanic. 2005: Aliens of the Deep. 2009: Avatar.

                            "Lorsque vous regardez l'abysse, l'abysse vous regarde aussi"

Spectacle d'aventures homériques à la croisée de l'anticipation féerique à faire pâlir de jalousie le maître incontesté Steven Spielberg (on songe clairement à Rencontres du 3è type lors de son dénouement enchanteur déployant la vision dantesque d'une cité inconnue), Abyss demeure le chef-d'oeuvre maudit de James Cameron toujours apte à relever les défis outre-mesure. La faute incombant à des conditions de tournages inévitablement houleuses (99% de l'action se déroule sous l'eau si bien que Cameron a construit une véritable centrale nucléaire au sein d'une cuve contenant des milliers de litres d'eau !) et à un échec commercial cuisant, et ce en dépit des 1 990 271 entrées sur notre territoire. D'une beauté formelle capiteuse et d'une intensité claustro à couper le souffle au sens littéral chez les plus vulnérables, Abyss enchaîne rebondissements et péripéties à une cadence effrénée si bien que le spectateur n'a pas le temps de reluquer son cadran (en dépit de sa durée exclusive) lorsqu'une poignée de commandos, proprios d'une plate-forme de forage pétrolier n'auront de cesse de transcender les bravoures afin de récupérer du fond de l'océan une ogive nucléaire. Car au préalable, un sous-marin américain y percuta un objet non identifié pour s'écraser dans l'abysse sans y laisser de quelconque survivant.

D'un réalisme ultra documenté par son souci du détail technique et sa pléthore d'engins sous-marins que nos héros manipuleront pour l'enjeu de leur survie, Abyss nous immerge de plein fouet au fond du crépuscule océanique avec son lot d'incidents techniques et humains qu'ils devront parfaire lors du surpassement de soi. Doublé d'une superbe histoire d'amour entre un duo d'amants en discorde conjugale mais pour autant prêt à s'unifier dans la pugnacité et le sens du sacrifice afin de sauver leur couple, Abyss insuffle une intensité dramatique jamais gratuite, eu égard de la caractérisation des personnages au caractère bien trempé (Mary Elizabeth Mastrantonio en impose dans l'autorité frondeuse), entre vaillance solidaire, rébellion (erratique !) et fragilité humaine, et d'une action ultra spectaculaire au service narratif. James Cameron prenant soin de renchérir les évènements catastrophiques autour d'une intrigue oppressante habilement structurée se combinant habilement à la digression d'une intrusion extra-terrestre. Plus précisément une INT (intelligence non terrestre) que le cinéastes parvient à donner chair à l'aide d'effets visuels "fluos" ou "minéraux" convaincants à défauts d'être transcendants (Oscar des meilleurs effets visuels à l'époque). Et donc, en prime de nous offrir un grand spectacle pyrotechnique par son réalisme inégalé, Cameron se permet également d'y lénifier sa dramaturgie progressive au gré d'une invitation au rêve et à l'évasion. Car outre son hymne à la bravoure et à la constance; Abyss déclare autant sa flamme aux mondes inconnus d'une intelligence singulière apte à communiquer avec l'étranger.

Un hymne à la vie, au pacifisme et à l'existence au delà des frontières de l'inconnu.
Gros morceau de bravoure d'un réalisme ébouriffant oscillant avec l'esprit candide d'un Spielberg à sa période la plus divine (dans son sens inné du merveilleux), Abyss confine au chef-d'oeuvre le plus abouti chez Cameron on ne peut plus circonspect et tatillon à relever le défi du rêve, de l'illusion et de la féerie sur la toile. Le maestro réinventant le cinéma à grand spectacle à sa notion la plus  intègre, noble et épurée !   

* Bruno

Anecdote ayant créée une polémique lors de sa sortie (source Wikipedia):
Le fluide respiratoire employé dans le film pour plonger en grande profondeur existe réellement. De plus, la scène où un rat est emprisonné dans une cage et respire du liquide n'est pas truquée. Cela a attiré les foudres des associations de protection d'animaux ; cette scène a même été supprimée de la version sortie au Royaume-Uni.

Récompense: Oscar des meilleurs effets visuels, 1989