The Stuff

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

de Larry Cohen. 1985. U.S.A. 1h26. Avec Michael Moriarty, Andrea Marcovicci, Garrett Morris, Paul Sorvino, Scott Bloom, Danny Aiello, Patrick O'Neal

Sortie salles U.S: 14 Juillet 1985

FILMOGRAPHIE: Larry Cohen est un réalisateur, producteur et scénariste américain né le 15 Juillet 1941. Il est le créateur de la célèbre série TV, Les Envahisseurs. 1972: Bone, 1973: Black Caesar, Hell Up in Harlem, 1974: Le Monstre est vivant, 1976: Meurtres sous contrôle, 1979: Les Monstres sont toujours vivants, 1982: Epouvante sur New-York, 1985: The Stuff, 1987: La Vengeance des Monstres, Les Enfants de Salem, 1990: l'Ambulance. 1995 Fausse identité (TV Movie) 1996: Original Gangstas. - Comme Producteur: Maniac Cop 1/2/3.
- Comme Scénariste: Cellular, Phone Game, 3 épisodes de Columbo.

Hommage aux films de monstres et d'invasions extra-terrestres des années 50 (le Blob nous vient promptement à l'esprit) derrière une satire semi-parodique contre la malbouffe, The Stuff génère une nouvelle fois la surprise auprès de son auteur fêlé Larry Cohen. L'illustre créateur de la série TV Les Envahisseurs, des fort sympathiques Epouvante sur New-York, Les Enfants de Salem, l'Ambulance  puis enfin des chefs-d'oeuvre Le Monstre est Vivant / Meurtres sous contrôle imprimés dans toutes les mémoires. Car rarement avare d'idées saugrenues, ce dernier créé encore l'effet de surprise avec comme concept "olé olé" une crème dessert de couleur blanchâtre prenant possession de ses consommateurs livrés à une toxicomanie alimentaire à nous donner la nausée ! Ainsi, grâce à son pouvoir de fascination viscérale / répulsion grand-guignolesque, tel la crème dessert agrandissant la bouche de ses victimes pour s'y extraire ou leur plaquant le visage pour les étouffer, The Stuff divertit en diable à travers un schéma narratif éculé (une course contre la montre à avertir la populace du danger planétaire) mené sur rythme effrené. Prévisible certes mais pour autant constamment ludique et palpitant, notamment si on compte sur le climat décomplexé de l'intrigue folingue et sur la bonhomie friponne de l'acteur fétiche Michael Moriarty (en agent industriel délateur) épaulé de la non moins attachante Andrea Marcovicci et de l'enfant rebelle Scott Bloom (réduit malgré lui à l'état d'orphelin lors de son parcours de survie). 

Ainsi donc, sans toutefois crier au génie pour rivaliser avec ses plus grandes réussites susnommées, faute d'une narration ici foutraque et déstructurée et du manque d'intensité auprès des enjeux humains, The Stuff compense ses anicroches par l'adresse de trucages plutôt réussis (à défaut de perfection) et par le ton génialement décalé d'une invasion singulière que d'aimables héros en herbe tentent de contracarrer dans une solidarité plutôt fantaisiste. Et puis d'un aspect visuel horrifiant, quel déclice de voir cette crème volumineuse blanchatre se déplacer insidieusement sur ses victimes de manière parfois impromptue au point de virer vers l'invraisemblance que l'on accepte facilement quant à la nature décomplexée d'une investigation officieuse que mènent nos héros redresseurs de tort. Larry Cohen  soignant d'aurte part ses séquences chocs (disséminées de manière fortuite pour mieux nous surprendre) au gré d'un montage dynamique palliant parfois le côté désuet de ses démonstrations les plus ambitieuses (notamment lorsque les visages se mettent à exploser de par la fragilité soudaine des vertèbres ou lorsqu'ils sont écrasés par des véhicules). Or, on y croit tant l'aventure rondement menée et l'implication enjouée des personnages font illusion ! Si bien que truffé de dérision, tant auprès de l'horreur de ses situations grotesques que de ses postures décontractés, on s'amuse enfin (lors du final belliqueux) de la présence pittoresque de Paul Sorvino en colonel psychorigide terriblement complexé par l'absence de notoriété de sa carrière militaire.

Une sémillante série B horrifique comme on en fait plus donc, n'ayant d'ailleurs rien à envier au réjouissant Blob de Chuck Russel.

*Bruno
13.02.25. 4èx

15.10.19.
05.07.17

Le Camion de la Mort. Prix Spécial du Jury, Avoriaz 83

"Battletruck/Warlords of the 21st Century" de Harley Cokliss. 1982. Nouvelle Zélande. 1h31. Avec Michael Beck, Annie McEnroe, James Wainwright, Bruno Lawrence, John Bach, Randy Powell.

Sortie en salles en France le 2 janvier 1983

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Harley Cokliss est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur américain, né le 11 Février 1945 à San Diego (Californie). 1976: The Battle of Billy's Pond. 1977: Glitterball. 1979: That Summer. 1982: Le Camion de la mort. 1986: Sans Issue. 1987: Malone, un tueur en enfer. 1988: Dream Demon. 1994: Hercule et le royaume oublié (télé-film). 2000: Pilgrim. 2002: An angel for may (télé-film). 2010: Paris Connections

Un an après le phénomène Mad-Max 2, une ribambelle d'ersatz aux budget dérisoire proliférèrent chez nos voisins transalpins. Des séries Z risibles interprétées par des tacherons quand bien même les affiches aguicheuses inspirées de l'univers de la BD tentaient d'y feindre leur précarité. Pour autant, quelques nanars impayables sortirent du lot si bien qu'aujourd'hui ils continuent toujours de marquer les esprits (nostalgiques) de cette époque révolue, à savoir le bien nommé "post-nuke". Les Guerriers du Bronx, Cherry 2000, Le Gladiateur du futur et surtout le Guerrier de l'espace et 2019, après la chute de New-York restant sans conteste les plus beaux fleurons bisseux. Mais en 1982, c'est au tour de la nouvelle zélande de tenter d'y apporter leur vision désenchantée du monde barbare auprès d'une série B de samedi soir au budget un peu plus étoffé, qui plus est finalement ovationnée d'un Prix Spécial du Jury à Avoriaz. De par cette improbable récompense, on se demande d'ailleurs comment une oeuvre aussi standard, aussi bougrement sympatoche soit-elle, eut pu remporter une récompense aussi prestigieuse ! Le Pitch: Dans une époque futuriste, le colonel Straker sillonne les contrées désertiques des Etats-Unis à bord d'un gigantesque camion pour la quête de carburant. Avec une bande de hors la loi, il sème la terreur auprès des rares survivants pour imposer sa hiérarchie dictatoriale. Mais un solitaire du nom de Hunter décide de contrecarrer ses ambitions véreuses en l'affrontant à bord de sa moto futuriste. 
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Totalement occulté de nos jours après avoir déjà sombré dans l'oubli depuis son échec en salles, Le Camion de la Mort est une modeste et très agréable série B se démarquant de la zéderie grâce à ces comédiens à la trogne bonnard, aussi cabotins soient les méchants, à son action sagement spectaculaire et à sa mise en image plutôt envoûtante au coeur d'un no mans land aride. L'intrigue convenue constituant une relecture champêtre de Mad-Max (bien qu'ici, l'antagoniste mégalo s'avère le propriétaire du camion blindé !) avec beaucoup moins d'ambition dans sa maigre tentation de renouer avec l'action cinglante et les cascades ébouriffantes de son modèle. Néanmoins, ce petit métrage fort attachant affiche un convaincant climat de désolation auprès d'une populace précaire tentant de survivre dans leurs bungalows de fortune. Et la confrontation entre Michael Beck (les Guerriers de la nuit) et James Wainwright (Un Shérif à New-York) parvenant jusqu'au générique de fin à maintenir l'intérêt dans leur enjeu de pouvoir et d'autorité, notamment en tentant d'y récupérer la dissidente Corlie en fuite depuis les dernières exactions de son paternel (Straker himself apprendra t'on durant l'intrigue !). Annie McEnroe (les Marais de la mort, la Main du cauchemar) endossant avec une sensibilité non négligeable cette fugitive en quête d'amour et d'havre de paix. Scandé d'une partition planante (Tangerine Dream s'en fait d'ailleurs presque l'écho !), l'ambiance post-apo du Camion de la mort dégage donc un charme désuet afin d'accentuer cet environnement solaire jalonné de plaines clairsemées. A l'instar du western moderne, l'affrontement houleux de nos survivants solidaires communément opposés à la hiérarchie du tyran Straker cultivant de nombreuses péripéties (entre une trahison) pour tenter de déjouer l'assaillant beaucoup plus lâche, cruel et insidieux qu'eux. Enfin, pour adoucir le propos belliqueux, une timide idylle survient durant tout le périple avec la fille de Straker éprise d'affection pour le motard (jamais à court de carburant !).
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Mené avec rythme et efficacement conté, le Camion de la Mort demeure un divertissement plein de charme dans sa sincérité de se confronter sans prétention au genre post-apo à l'aide d'un budget low-cost. Un western futuriste d'une simplicité désarmante (bien qu'il sous entend une réflexion sur la mégalomanie en militant pour la solidarité) mais paradoxalement assez attrayant et d'autant plus atmosphérique qu'on se laisse facilement séduire par la tournure des évènements prévisibles. Et ce même si aujourd'hui il ne pourrait (probablement) que contenter les nostalgiques de l'âge d'or du Post-nuke. Quand à son "Prix spécial" décerné à Avoriaz, il restera pour ma part une nébuleuse énigme irrésolue.  

*Bruno

14.10.19. 3èx
30.12.11. 386 v

El Camino : un film Breaking Bad

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"El Camino: A Breaking Bad Movie" de Vince Gilligan. 2019. U.S.A. 2h02. Avec Aaron Paul, Bryan Cranston, Charles Baker, Matt L. Jones, Jonathan Banks, Larry Hankin.

Diffusion mondiale Netflix: 11 Octobre 2019 

FILMOGRAPHIE: Vince Gilligan est un scénariste, producteur et réalisateur américain, né le 10 février 1967 à Richmond. 2000-2002 : X-Files - Je souhaite (saison 7, épisode 21) et Irréfutable (saison 9, épisode 18). 2008-2013: Breaking Bad - Chute libre (saison 1, épisode 1) - Pleine Mesure (saison 3, épisode 13) - Échec (saison 4, épisode 12) – Mat (saison 4, épisode 13) - Revenir et Mourir (saison 5, épisode 16). 2015-2017 : Better Call Saul (4 épisodes). 2019: El Camino.

"La vie est ce que tu en fais"
Créateur de la notable série TV Breaking Bad, Vince Gilligan a décidé d'offrir à ses fans planétaires une adaptation ciné en bonne et due forme afin de clore une bonne fois pour toute les vicissitudes de Jesse Pinkman, ultime survivant recherché en l'occurrence par toutes les polices de l'état. Ainsi donc, à travers la simplicité de sa trame pour autant imprévisible afin de tenir en haleine le spectateur scrupuleux aux faits et gestes de Jesse traqué tous azimuts, Vince Gilligan exploite de main de maître un jeu de la survie aussi tendu qu'angoissant eu égard des moult rebondissements que notre anti-héros tentera de déjouer en faisant preuve d'esprit retors mais aussi de maladresse (à l'instar de sa houleuse transaction avec le vendeur d'aspirateur que campe au travers d'une posture impassible le vétéran Robert Foster au charisme sclérosé).

Magnifiquement réalisé, tant auprès des cadrages alambiqués, des effets de style épaulés d'une photo solaire que de ses influences westerniennes (avec un duel d'anthologie à couper le souffle !), El Camino rappelle entre autres dans notre inconscient le cinéma perfectionniste de Tarantino à travers ses dialogues ciselés (un régal permanent !) et ses confrontations masculines chargées de dérision, de perversité et de sournoiserie. D'une durée standard de 2h02, on aurait peut-être souhaité un métrage un peu plus quantitatif de 3h00 tant le temps s'étiole à la vitesse de l'éclair. Si bien que l'on surprend de quitter Jesse sur cette ultime image même si sa conclusion rationnelle ne déçoit aucunement. Ce qui prouve donc l'effet hypnotique qu'eurent si bien procurés sa charpente narrative (tant indécise) et les déplacements des personnages matois impliqués dans un enjeu pécuniaire en lieu et place de confort (pour les méchants) ou de survie (pour le destin précaire de Jesse). Au-delà du plaisir éprouvé à son imagerie stylisée et à ses péripéties instillées au compte-goutte avec un art consommé du suspense latent, El Camino est évidemment transcendé du jeu borderline d'Aaron Paul toujours aussi habité à travers ses expressions contradictoires où s'entrechoquent appréhension, espoir fébrile et détermination pugnace sans jamais se laisser distraire par l'invraisemblance du geste héroïque.

"Aller là où l'univers t'emmènes."
Tourné en format scope, El Camino demeure donc une excellente prolongation à l'éminente série Breaking Bad (à défaut d'y parfaire le chef-d'oeuvre auprès des plus gourmets), même si on aurait souhaité poursuivre un peu plus le périple de Jesse (avec 1 ou 2 rebondissements supplémentaires. Quand bien même Vince Gilligan est parvenu sans aucune prétention à boucler la boucle avec une indiscutable cohérence, tant en terme de cheminement narratif d'une remarquable fluidité que de psychologie des personnages (parmi 2/3 apparitions surprises impliquées dans une éthique existentielle !). 

*Bruno

l'Esclave de Satan

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Satan's Slave" de Norman J. Warren. 1976. Angleterre. 1h29. Avec Michael Gough, Martin Potter, Candace Glendenning, Barbara Kellerman, Michael Craze.

Sortie salle France: 8 Février (ou 3 Mai) 1978 (Int - 18 ans). Angleterre: Décembre 76.

FILMOGRAPHIE: Norman J. Warren, né Norman John Warren le 25 Juin 1942 à Londres en Angleterre, est un réalisateur, producteur et scénariste anglais. 1967: Her Private Hell, 1968: Loving Feeling, 1976: l'Esclave de Satan, 1978: Le Zombie venu d'ailleurs, 1979: Outer Touch, la Terreur des Morts-vivants, 1981: Inseminoïd, 1984: Warbirds Air Display, 1985: Person to person, 1986: Gunpowder, 1987: Les Mutants de la St-Sylvestre, 1992: Meath School, 1993: Buzz.

Le pitch : à la suite de la mort de ses parents dans un accident de voiture, Catherine est recueillie par son oncle Alexandre et par Stephen, le fils de celui-ci. En proie à d’horribles cauchemars durant ses nuits esseulées, elle se laisse amadouer par Stephen, jusqu’à ce que la majordome Frances manifeste à son égard une jalousie violente.

Premier essai horrifique du talentueux artisan britannique Norman J. Warren (Inseminoid, Le Zombie venu d’ailleurs), L’Esclave de Satan transpire l’amour du genre, aussi étique soit son intrigue, probablement influencée par la vague sataniste des seventies (Course contre l’Enfer, La Pluie du Diable). Dans un format de série B symptomatique des budgets faméliques qu’il s’octroya tout au long de sa carrière, Warren accomplit pourtant le prodige de nous envoûter - de nous captiver - par la puissance de ses images gothiques, d’une beauté sépulcrale et ensorcelante.

Certes, la psychologie prémâchée des personnages laisse à désirer - notamment la posture incohérente de Frances, soudain dévouée à sauver l’héroïne pour un mobile obscur, alors qu’elle ne nourrissait jusqu’alors qu’une jalousie féroce envers elle. Et si l’intrigue, somme toute classique, cède parfois à la trivialité, L’Esclave de Satan impose néanmoins un réalisme cauchemardesque, nourri par la fulgurance visuelle du film et la fragilité de Catherine, proie offerte à la magie noire et aux forces du Mal.

Ses hallucinations nocturnes - parfois même diurnes - se mêlent aux exactions insidieuses d’un oncle dévoré par le vice, prêt à franchir l’irréparable lors d’un final dérangeant (twist sardonique à la clé, réfutant tout happy end). Warren illustre avec une attention scrupuleuse les messes noires et leurs sacrifices humains, enveloppés d’un raffinement gothique rutilant, tandis que la forêt automnale ceinturant la bâtisse distille une étrangeté capiteuse.

Au-delà du plaisir éprouvé devant ce climat déréglé et charnel, L’Esclave de Satan cède - comme souvent chez Warren - à une complaisance délicieusement malsaine : scènes gores crues, zooms brutaux sur les chairs lacérées, étreintes moites flirtant parfois avec le viol rituel. On s’attache pourtant à la sobriété de son casting méconnu - en dépit du vénérable Michael Gough en gourou démonial -, aussi perfectibles soient leurs expressions autoritaires ou leurs élans contrariés. Le manque d’intensité dramatique se ressent, notamment lors de la première partie centrée sur le deuil de Catherine, mais qu’importe : le jeu diaphane et dérangeant de Martin Potter (le fils d’Alexandre) happe le regard. Sa présence, pâle et équivoque, distille un venin trouble dans ses rapports lubriques avec les femmes, se concluant souvent dans un bain de sang.

Film d’ambiance aux p’tits oignons, disparu de nos écrans depuis des siècles de léthargie, L’Esclave de Satan demeure un objet magnétique - voire ensorcelant -, attachant et étrangement captivant. Mineur, parfois maladroit, souvent prévisible, il n’en reste pas moins gonflé de charme et d’insolence, fort de son art d’instaurer sans mesure une atmosphère cauchemardesque au cœur même du thème sataniste.

— le cinéphile du cœur noir

2èx

House of sand and fog

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Vadim Perelman. 2003. U.S.A. 2h06. Avec Jennifer Connelly, Ben Kingsley, Ron Eldard, Frances Fisher, Kim Dickens, Shohreh Aghdashloo.

Sortie salles France: 13 Mai 2004 (uniquement au marché du Film du Festival de Cannes). U.S: 26 Décembre 2003.

FILMOGRAPHIE: Vadim Perelman est un réalisateur et producteur russo-américain né le 8 septembre 1963 à Kiev (Ukraine). 2003 : House of Sand and Fog. 2008 : La Vie devant ses yeux. 2016 : Yolki 5.

Drame psychologique mâtiné de mélo sous le pilier d'une partition envoûtante, House of sand and fog fut ignoré de nos salles chez nous en dépit de sa projection au marché du film du Festival de Cannes. Et donc j'imagine que les distributeurs ont probablement été effrayés par le nihilisme de son final effroyablement dépressif pour oser le faire connaître auprès du grand public. Car délibéré à châtier tous ces protagonistes au grand dam d'un enjeu matérialiste (expulsée de chez elle à la suite d'une erreur des impôts, Kathy tente de récupérer la demeure de son père face au refus drastique de son nouveau propriétaire d'origine iranienne), le réalisateur privilégie une intensité dramatique en crescendo afin d'ébranler le spectateur finalement déconcerté par tant d'aigreur et de pessimisme. Mais au-delà des effets de surprise de son final mélodramatique franchement discutable, car à mon sens plombé par sa sinistrose infructueuse, (pour ne pas dire illogique), House of sand and fog bénéficie d'une intrigue solide entièrement bâtie sur la confrontation psychologique entre une jeune solitaire en perdition et un père de famille pratiquant, déterminé à subvenir aux besoins de sa famille en tablant sur la plus-value de sa nouvelle bâtisse.

Au centre de ce duo houleux où chacun tente de défendre son bout de territoire avec acharnement et désespoir, un shérif épris d'affection pour Kathy jouera les redresseurs de tort avec une maladresse préjudiciable. Constamment captivant de par son intrigue charpentée et surtout porté à bout de bras par les compositions talentueuses de Jennifer Connely en ange déchu épuisée par la solitude et la déveine, de Ben Kingsley en époux aussi prévenant qu'abusif avide de combler sa famille, et de Ron Eldard en shérif vindicatif d'autant plus contrarié par sa double liaison conjugale, House of sand and fog plante son intrigue et ses personnages autour d'une mise en scène posée préconisant les huis-clos intimistes (ceux des 2 couples susnommés). Sa densité narrative émanant également de l'évolution de ces personnages anti-manichéens se démenant comme ils peuvent à défendre leur position avec autant d'autorité que de fragilité. Ainsi, compromis par leurs sentiments d'orgueil matérialiste et pécuniaires (aussi compréhensifs soient leur combat pour la justice puis celui de la réussite sociale et familiale), ces derniers vont peu à peu céder à leur valeur d'empathie en se prêtant mutuellement main forte depuis l'incidence de circonstances fortuites.

Sur ce point, là aussi House of sand and fog fait mouche si bien qu'il est impossible d'anticiper les évènements orageux, d'autant plus que le réalisateur élude l'outrance sentimentale (ou alors si peu) afin d'émouvoir le spectateur impliqué dans cet improbable enjeu matérialiste. Les comédiens, sobrement poignants, ne débordant jamais dans leur condition morale malmenée, tant et si bien que l'on s'attache à leurs blessures intimes sans oser prendre parti pour qui que ce soit dans leur conflit d'ego ou d'intérêt à la fois financier et familial (notamment auprès de l'héritage de Kathy afin d'honorer son père). D'où l'intensité sobrement ressentie auprès de ce drame psychologique nouant brillamment les profils sentencieux de ces protagonistes effleurant pour autant l'issue de résolution lors d'un moment propice de remise en question. Et ce avant que Vadim Perelman ne vienne tout foutre en l'air pour brutaliser/phagocyter ses protagonistes lors d'un final tragique dénué de rédemption et de logique selon mon jugement de valeur. Aussi limpide et bénéfique soit son manifeste contre le matérialisme et la prospérité financière ! Et c'est fichtrement dommage car House of sand and fog avait au préalable assez d'arguments fiables et solides pour satisfaire le spectateur auprès d'un happy-end autrement noble, censé et légitime.

*Bruno

Au coeur de la nuit

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

"Dead of Night" de Alberto Cavalcanti, Charles Crichton, Basil Dearden et Robert Hamer. 1945. Angleterre. 1h44. Avec Mervyn Johns, Roland Culver, Mary Merrall, Anthony Baird, Robert Wyndham, Judy Kelly, Sally Ann Howes, Michael Allan, Googie Withers, Ralph Michael, Basil Radford, Naunton Wayne, Frederick Valk, Allan Jeayes, Michael Redgrave.

Sortie salles France: 8 Mai 1946

FILMOGRAPHIE: Alberto de Almeida Cavalcanti (Rio de Janeiro, 6 février 1897 - Paris, 23 août 19821), est un scénariste, réalisateur et producteur d'origine brésilienne. 1926 : Le Train sans yeux. 1926 : Rien que les heures. 1927 : En rade. 1927 : Yvette. 1930 : Dans une île perdue. 1930 : Les Vacances du diable. 1931 : À mi-chemin du ciel. 1932 : Le Truc du Brésilien. 1932 : En lisant le journal. 1933 : Le Mari garçon. 1933 : Coralie et compagnie. 1944 : Champagne Charlie. 1945 : Au cœur de la nuit. 1958 : Les Noces vénitiennes. 1971 : La Visite de la vieille dame, téléfilm.

Si Au coeur de la nuit fait office de jalon des années 40 au sein du moule omnibus et qu'il influença une ribambelle de cinéastes (la célèbre firme Amicus lors des années 60 et tous ces fleurons british incarnés avec classe, la série TV La 4è Dimension créée par Rod Serling, la série B méconnue La Poupée Diabolique de Lindsay Shonteff, la saga des Chucky, etc...), il s'avère néanmoins désuet à travers ses segments à la fois trop courts, timorés et finalement peu surprenants. Si bien que depuis de l'eau a coulé sous les ponts car d'autres modèles autrement plus créatifs et audacieux se sont réappropriés du concept avec beaucoup plus d'imagination, d'efficacité, de folie et de violence (on peut d'ailleurs citer Histoires d'outre-tombe, Frissons d'outre-tombe, Creepshow ou encore Trick or Treat en guise de parangons du genre). Pour autant, Au coeur de la Nuit vaut encore le détour à travers sa troisième histoire gentiment ludique, un brin fascinante (un miroir déformant la réalité auprès de son nouvel acquéreur poussera ce dernier à la folie criminelle), et surtout avec son ultime sketch proprement fascinant, j'ai nommé le Mannequin du Ventriloque (que Richard Attenborough poursuivra en format long quelques décennies plus tard avec son chef-d'oeuvre Magic endossé par le jeune et déjà talentueux Anthony Hopkins).

Car prenant pour thèmes le dédoublement de personnalité, la possessivité et la démence autour d'un enjeu professionnel suggérant la compétition d'un confrère, le Mannequin du ventriloque dégage un climat de folie irréel compromis par les sentiments fétides de domination perverse lorsqu'une poupée à l'éloquence sarcastique semble douée de vie sous l'impulsion de son maître à penser tirant ses ficelles vocales. Transi d'émoi, de contrariété et d'angoisse palpable à travers son visage humecté par l'alcool et ses yeux aussi exorbités que vaporeux, Michael Redgrave crève l'écran, provoque l'empathie, distille gêne et malaise auprès de sa condition torturée de se livrer à l'infernale soumission de sa création de porcelaine. A moins que toute cette mise en scène impayable découle de son esprit schizophrène de s'être adonné corps et âme à son don de ventriloque afin de contenter un large public intransigeant. Puissant, vertigineux, terrifiant et d'autant plus cruel quant à sa conclusion davantage sardonique, ce sketch glaçant n'a aujourd'hui rien perdu de son pouvoir de fascination sous l'impulsion d'une intensité dramatique escarpée eu égard de la tournure navrante des conséquences battis sur la jalousie, l'emprise de la folie et la peur de l'anonymat. Ainsi donc, rien que pour l'impact émotionnel qu'il suscite encore aujourd'hui sur notre conscience, Au coeur de la Nuit est à ne pas rater auprès de ce bouquet final littéralement anthologique, qui plus est renforcé d'une photo monochrome renforçant ainsi le vérisme de cette tragique confrontation entre un artiste et son double.

*Bruno
2èx 

Le Jour de Gloire

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Jacques Besnard. 1976. France. 1h34. Avec Jean Lefebvre, Pierre Tornade, Darry Cowl, Robert Rollis, Pierre Doris, Corinne Lahaye, Jacques Marin, Chantal Nobel, Hans Verner.

Sortie salles France: 8 Décembre 1976

FILMOGRAPHIE: Jacques Besnard est un réalisateur, scénariste et producteur français né le 15 juillet 1929 au Petit-Quevilly (Seine-Maritime) et mort le 9 novembre 2013 à Boutigny-Prouais (Eure-et-Loir). 1966 : Le Grand Restaurant. 1967 : Estouffade à la Caraïbe. 1967 : Le Fou du labo 4. 1972 : La Belle Affaire ou Les marginaux. 1974 : C'est pas parce qu'on a rien à dire qu'il faut fermer sa gueule. 1975 : La situation est grave... mais pas désespérée. 1976 : Le Jour de gloire. 1976 : Et si tu n'en veux pas ou Joëlle et Pauline. 1978 : Général... nous voilà ! 1982 : Te marre pas ... c'est pour rire ! 1984 : Allo Béatrice (TV). 1985 : Hôtel de police (TV). 1988 : La Belle Anglaise (TV). 1990 : Le Retour d'Arsène Lupin (1 épisode). 1992 : Feu Adrien Muset (TV). 1994 : Avanti, téléfilm.

En dépit de ses trop rares occasions d'éclats de rire égayant une trame linéaire faiblarde (durant l'occupation, des villageois de la commune de Saint-Laurent sont contraints d'accueillir les Allemands à la suite de l'explosion terroriste de leur pont, quand bien même le facteur Grégoire tentera de solliciter l'aide des américains), Le Jour de Gloire bénéficie pour autant d'un rythme soutenu et d'un attachant casting (Jean Lefebvre, Pierre Tornade, Darry Cowl, Robert Rollis, Pierre Doris) pour trouver l'ensemble gentiment bonnard. A réserver toutefois à la génération 80 tant cette comédie franchouillarde surfant sur le filon de la Grande Vadrouille accuse le poids des années, alors qu'à l'époque elle cumula tout de même 1 991 801 entrées (12è au Box-Office).

*Bruno
2èx

Midsommar

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Ari Aster. 2019. U.S.A/Suède. 2h27. Avec Florence Pugh, Jack Reynor, William Jackson Harper, Will Poulter, Julia Ragnarsson, Anna Åström.

Sortie salles France: 31 Juillet 2019 (Int - 12 ans avec avertissement)

FILMOGRAPHIE: Ari Aster est un réalisateur, acteur et scénariste américain. Hérédité est sa première réalisation. 2018: Hérédité. 2019: Midsommar.

Sortir de la projo d'un film aussi singulier que Midsommar et tenter de relater sur papier ses chaudes impressions relève d'une gageure tant le second long du surdoué Ari Aster m'a laissé en état de choc, de stupeur, de perplexité, de doute, de fascination, d'irritation, de désorientation, de malaise indicible, d'angoisse viscérale proche d'une drogue LSD. Un peu, beaucoup sonné, secoué, désarmé, amer, transi de fatigue morale, de par son aura anxiogène davantage dépressive, Midsommar demeure une expérience hallucinogène autour des rites d'une communauté païenne en harmonie/alchimie avec la nature et le sacrifice humain. Car à partir d'un pitch prévisible au schéma somme toute classique (durant leur villégiature une bande de jeunes touristes joue les anthropologues au sein d'une communauté hippie avant d'y être séquestrés, quand bien même la jeune fille qui les accompagne se remet difficilement de la mort de ses parents), Ari Aster plante lentement son décorum pour nous offrir une vraie proposition horrifique comme on en déniche rarement au sein du paysage cinématographique trop souvent formaté. Si bien qu'à travers son parti-pris fraîchement documenté, ce dernier s'efforce de capter, saisir, manipuler nos sens et nos émotions sous l'impulsion d'une pléthore d'images féeriques en contradiction avec les véritables agissements de cette communauté hérétique. Tant et si bien que son atmosphère malsaine, sous-jacente dans un premier temps, nous effleure subtilement les pores du visage afin de mieux nous ébranler ensuite vers sa progressive descente aux enfers dénuée de concession (et donc de happy-end).

Autant donc avertir les amateurs non initiés, Midsommar divisera et déconcertera sans doute une partie du public peu habité à ce genre d'expérience à la fois trouble, étrange, radicale, voire difficile d'accès selon les sensibilités. Et même si les fantasticophiles connaissent sur le bout des ongles le chef-d'oeuvre British de Robin Hardy, The Wicker Man auquel le film s'inspire sans JAMAIS le remaker, Midsommar parvient admirablement à imposer sa propre personnalité auprès de son brio expérimental à couper au rasoir ! Ainsi donc, en opposant les visions chocs de certaines scènes sanglantes ou autrement violentes parmi la présence limpide d'une communauté familiale accueillant ses hôtes avec un flegme paisible, Midsommar imprime un tel réalisme à l'écran naturaliste qu'il incommode le spectateur partagé entre l'interrogation, l'inexpliqué, le non-sens, la perplexité. Sa structure narrative cheminant autour des faits et gestes indécis de la vulnérable Dani en plein deuil parental et interrogation sentimentale, et donc facilement influençable (mais aussi terriblement expressive dans son malaise interne) pour se laisser voguer par cette communauté séculaire sous l'impulsion de drogues psychédéliques. Ari Aster jouant notamment à merveille avec la distorsion d'images qu'il manipule à sa guise tel un alchimiste de l'apocalypse afin de confronter le spectateur à une angoisse aussi bien cérébrale que viscérale, à l'instar d'un bad trip que l'on ne parvient pas à extraire en soi. Son climat florissant faussement tranquille ne cessant de nous titiller la curiosité avec une amertume davantage craintive. Si bien que plus l'intrigue fétide progresse, plus le danger s'y fait explicite à coup d'échanges de regards, de cris et de silence communément complices, et ce avant de nous commotionner avec une ultime représentation emphatique nous distillant des émotions bipolaires.

Cintré, incongru, primitif et dérangé alors que son climat solaire de douce sérénité festoie autour de sourires frétillants, entre chants communautaires et danses païennes, Midsommar n'a comme ultime ambition que d'y distiller un malaise tangible auprès de l'appréhension du spectateur immergé dans un cauchemar onirique d'une rigueur naturaliste eu égard de l'emprise sectaire jouant la fraternité avec un terrifiant aplomb commun. Que l'on adhère ou que l'on rejette cette proposition horrifique venue d'ailleurs, Midsommar laisse dans une partie de notre encéphale une moisson d'images chocs sublimement mises en scène, notamment de par son souci du détail rituel opéré en toute tranquillité au sein d'un Eden démonial. A revoir d'urgence pour en saisir toute sa substance faisandée si bien que j'en étais ce soir à mon 2è Bad Trip autrement plus incommode, empoisonnant, asphyxiant. 

Pour public averti si bien qu'il faut y être peut-être préparé afin d'apprécier à sa juste valeur l'expérience horrifiante évacuée de fioriture.

*Bruno.

2èx. Vostfr. 4K

La rose pourpre du Caire. César du Meilleur Film Etranger, 1986.

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site ekladata.com

"The Purple Rose of Cairo" de Woody Allen. 1985. U.S.A. 1h22. Avec Mia Farrow, Jeff Daniels,
Danny Aiello, Dianne Wiest, Van Johnson, Zoe Caldwell, John Wood.

Sortie salles France: 29 Mai 1985. U.S: 1er Mars 1985.

FILMO: Woody Allen est un réalisateur américain, scénariste, acteur et humoriste américain, né le 1er décembre 1935 à New York. 

“Lorsque vous lui ouvrez la porte, la magie est partout.”
Qui n'a jamais rêvé un jour rencontrer en chair et en os sa star préférée du cinéma ? Mieux encore, et soyons donc plus fous ! Qui n'a jamais fantasmé pénétrer à l'intérieur de son film attitré ? Chef-d'oeuvre de féerie, d'humour et de romance jusqu'à plus soif, la Rose pourpre du Caire exauce nos souhaits les plus saugrenus à travers la chimère de la pellicule que Woody Allen met en exergue avec un sens onirique inusité ! Tant et si bien que certaines séquences hallucinées (les protagonistes du métrage en noir et blanc s'adressant au public et vice-versa, l'acteur principal s'extirpant de son film pour s'en aller rejoindre sa plus grande fan confinée dans la salle, quand bien même un peu plus tard cette dernière pénétrera à son tour en interne de la fiction) font peut-être partis des plus belles anthologies vécues sur une toile. Truffé d'invention, de drôlerie, de lyrisme, mais aussi entrecoupé de cruauté (si je me réfère surtout à sa radicale conclusion - pourtant censée - risquant d'en décevoir ou déprimer plus d'un !), la Rose pourpre du Caire donne le vertige, nous euphorise les sens sous l'impulsion de situations, quiproquos et revirements constamment imprévisibles. Si bien que sous couvert d'une romcom traitée durant l'obscure période de la crise de 29, Woody Allen nous prône une déclaration d'amour au cinéma à travers le regard ingénu d'une spectatrice avide de romance, de rêve et d'évasion, faute de sa condition d'exclusion. Car souffre-douleur tributaire de sa terne existence eu égard des maltraitances et de l'indifférence de son époux abusif,  Cecilia, serveuse de bar empotée noyée dans ses pensées, s'immerge après le taf dans la chimère de son film favori afin d'oublier sa lamentable solitude.

Irradiant l'écran de sa chétive présence filiforme, Mia Farrow nous ensorcelle d'émotions à travers l'intensité de son regard d'enfant si bien que son âme semble s'extraire de son enveloppe (factice) d'actrice. Un personnage malingre trop vulnérable car plein de fragilité, de timidité, de doute et d'angoisse de par sa frêle tentative de survivre, d'oser se faire une place dans une société draconienne livrée au chômage, au sexisme, à l'égoïsme, l'austérité et le machisme. Mais au-delà de sa puissante réflexion sur notre rapport (si) intime avec la fiction ainsi que le pouvoir et la magie du cinéma égratignant au terme la naïveté des spectateurs les plus influençables, La Rose Pourpre du Caire inonde l'écran de gags cocasses où le merveilleux, la poésie, l'enchantement et la tendresse s'y chevauchent afin de nous imprimer l'une des plus incroyables romance vues sur l'écran. Si bien qu'en guise de persuasion et de cerise sur le gâteau, je ne peux oublier de saluer l'interprétation (binaire) de Jeff Daniels en acteur explorateur habité par la fougue amoureuse auprès de sa plus fidèle fan. Là aussi, à travers son regard exaltant plein d'innocence, de fantaisie, de gentille maladresse et de tendresse, Woody Allen nous scande un magnifique portrait d'aventurier franc-tireur de par sa soif de goûter à la véritable existence en s'extirpant du métrage de carton pâte ! Et ce avant de nous ramener à la brutalité de la réalité auprès du véritable acteur l'ayant ainsi conçu. J'ai nommé Gil Shepherd, dandy rupin finalement insidieux quant à sa crainte grandissante de voir sa carrière sombrer dans la négligence et la faillite.

“Tous les changements, même les plus souhaités, ont leur mélancolie.”
Courez donc (re)voir La Rose pourpre du Caire et pleurez à jamais dans les bras de la mélancolique et douce rêveuse Cecilia. L'un des personnages les plus élégiaques, attendrissants et bouleversants vus sur un écran de cinéma au point d'y révéler Mia Farrow emblème de l'amour...

P.S: Pour l'anecdote subsidiaire, il s'agit du film préféré de Woody Allen.

*Bruno
2èx

Box Office France: 1 842 700 Entrées

Récompenses:
1985 : BAFTA du meilleur film et du meilleur scénario.
1985 : NYFCC Award du meilleur scénario.
1985 : Prix Léon Moussinac.
1986 : César du meilleur film étranger.
1986 : Bodil du meilleur film non européen.
1986 : BSFC Award du meilleur scénario.
1986 : Prix FIPRESCI du Festival de Cannes
1987 : Prix Mainichi du meilleur film en langue étrangère.

Killer Klowns from outer space / Les Clowns tueurs venus d'ailleurs

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Stephen Chiodo. 1988. U.S.A. 1h28. Avec Grant Cramer, Suzanne Snyder, John Allen Nelson, John Vernon, Michael Siegel.

Sortie salles U.S: 27 Mai 1988. France (uniquement en video): Mars 1991

FILMOGRAPHIE: Stephen Chiodo est un réalisateur, producteur, scénariste, acteur américain, né le 2 Mars 1954 dans le Bronx à New York, USA. 1988: Les clowns tueurs venus d'ailleurs.

Film culte dans un format de série B bricolée, Killer Klowns from Outer Space demeure à ce jour l’unique réalisation de Stephen Chiodo - épaulé par ses deux frères, l’un au scénario, l’autre à la production. Et l’on peut vraiment déplorer qu’il n’ait pas percé davantage dans le genre horrifique, tant il nous livre ici, sans jamais être avare d’idées vrillées, un jeu de massacre aussi fun que débridé.

À partir d’une intrigue linéaire exploitant une énième invasion extra-terrestre - symptomatique des années 50 - Killer Klowns joue la carte de la singularité à coups de tartes à la crème et de numéros de prestidigitateurs, qu’inquiétants clowns tuméfiés exercent sur une population rurale en proie à la stupeur et à l’incompréhension. Sous leur volumineuse apparence, volontairement grotesque et décalée, ils provoquent autant la fascination qu’un malaise diffus, exultant dans l’exubérance sournoise, se gaussant de leurs victimes sans une once de clémence ni le moindre remords. Le tout renforcé d’un rictus diablotin, d’une large dentition démanchée, et d’un gros nez rouge… qui dissimule pourtant leur point faible (effet de surprise garanti - mais chut).

Sardonique, donc, mais plaisamment cocasse et jamais malsain (le sang s’avère quasi absent de la pellicule), Killer Klowns compte sur l’enchaînement ininterrompu de ses exactions criminelles pour amuser un public venu assister à un numéro de cirque du 3e type. À l’instar de ses amples décors en carton-pâte, tout droit sortis d’un dessin animé psychédélique, tant et si bien que les victimes, dépaysées par ce dédale futuriste, se laissent aisément berner avant d’être ensevelies dans des cocons de barbe à papa - en guise de garde-manger.

De par sa formulation volontairement décomplexée, friponne et grotesque, il est étonnant de constater que les comédiens, sobrement attachants, ne sombrent jamais (ou si peu) dans le ridicule. Ils créent un surprenant contraste, évitant la série Z de pacotille, que ce soit dans leur parcours de survie, leur condition de chair à pâté ou le périple héroïque d’un jeune couple s’efforçant d’alerter deux flics entêtés.

Complètement autre, doucement inquiétant et joyeusement démentiel, notamment par la disparité de ses décors festoyants, Killer Klowns from Outer Space demeure un régal d’originalité. Sa pluralité de séquences-chocs, en filiation directe avec nos souvenirs infantiles, nous embarque sans délai dans cette quatrième dimension cartoonesque, propulsée par des clowns humanoïdes au magnétisme mutique et à l’énergie tumultueuse. Fascinants. 

— le cinéphile du cœur noir

01.10.19
28.03.03

09.08.25. Vostfr. 3èx

Nous irons tous au paradis

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

d'Yves Robert. 1977. France. 1h50. Avec Jean Rochefort, Claude Brasseur, Guy Bedos, Victor Lanoux, Danièle Delorme, Marthe Villalonga, Jenny Arasse, Christophe Bourseiller, Josiane Balasko

Sortie salles France: 9 Novembre 1977

FILMOGRAPHIE: Yves Robert est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur français né le 19 juin 1920 à Saumur, décédé le 10 mai 2002 à Paris. 1954 : Les Hommes ne pensent qu'à ça (acteur, producteur). 1958 : Ni vu... Ni connu... 1959 : Signé Arsène Lupin. 1960 : La Famille Fenouillard. 1961 : La Guerre des boutons. 1963 : Bébert et l'Omnibus. 1964 : Les Copains. 1965 : Monnaie de singe. 1967 : Alexandre le bienheureux. 1969 : Clérambard. 1972 : Le Grand Blond avec une chaussure noire. 1973 : Salut l'artiste. 1974 : Le Retour du grand blond. 1976 : Un éléphant ça trompe énormément. 1977 : Nous irons tous au paradis. 1979 : Courage, fuyons. 1984 : Le Jumeau. 1990: La Gloire de mon père. 1990 : Le Château de ma mère. 1991 : Le Bal des casse-pieds. 1993 : Montparnasse-Pondichéry.

Même si moins drôle, originale et réussie que son modèle (notamment auprès de sa mise en scène plus prosaïque et de ses dialogues moins ciselés), Nous irons tous au paradis est une excellente comédie romantique menée tambour battant par nos 4 lurons emportés par l'ivresse de l'amour et les tourments du deuil. L'intrigue se focalisant sur la filature prolongée d'Etienne persuadé que sa femme le trompe avec un inconnu à veste à carreau, quand bien même Daniel et Simon auront également une relation sentimentale avec leur nouvelle compagne. Outre les présences toujours aussi attachantes et décomplexées de Jean Rochefort, Claude Brasseur et Victor Lanoux, Guy Bedos tire son épingle du jeu en fils à maman toujours aussi irrité par sa présence envahissante (Marthe Villalonga irrésistible en matrone caractérielle d'un franc-parler dévastateur !). Si bien que ce dernier parvient également à un moment fortuit à susciter une empathie lors d'une sobre séquence dramatique à contre-emploi avec la légèreté du récit. Ainsi donc, à travers les thèmes de la jalousie, du mensonge, de la félonie et de la possessivité, Yves Robert nous emballe une comédie enlevée où l'infidélité peut parfois remédier à la routine comme le prouve le duo équivoque Etienne / Marthe. En guise de bonus subsidiaire, on reconnaîtra lors de 2 apparitions l'actrice Josiane Balasko à son plus jeune âge ainsi que les présences aussi furtives de Daniel Gélin et de Jean-Pierre Castaldi (irrésistible en mastard redresseur de tort).

*Bruno
3èx

Soleil Vert / Soylent Green. Grand Prix, Avoriaz 74.

de Richard Fleischer. 1973. U.S.A. 1h37. Avec Charlton Heston, Leigh Taylor-Young, Chuck Connors, Joseph Cotten, Brock Peters, Paula Kelly, Edward G. Robinson.

Sortie en Salles: 19 Avril 1973 (New-York), 9 Mai 1973 (Etats-Unis), 26 Juin 1974 (France)

FILMOGRAPHIE: Richard Fleischer est un réalisateur américain né le 8 décembre 1916 à Brooklyn,  et décédé le 25 Mars 2006 de causes naturelles. 1952: l'Enigme du Chicago Express, 1954: 20 000 lieux sous les mers, 1955: les Inconnus dans la ville, 1958: les Vikings, 1962: Barabbas, 1966: le Voyage Fantastique, 1967: l'Extravagant Dr Dolittle, 1968: l'Etrangleur de Boston, 1970: Tora, tora, tora, 1971: l'Etrangleur de Rillington Place, 1972: Terreur Aveugle, les Flics ne dorment pas la nuit, 1973: Soleil Vert, 1974: Mr Majestyk, Du sang dans la Poussière, 1975: Mandingo, 1979: Ashanti, 1983: Amityville 3D, 1984: Conan le destructeur, 1985: Kalidor, la légende du talisman, 1989: Call from Space.

                                  

Le pitch :
En 2022, l’avenir du monde vacille. Surpopulation, pollution, réchauffement climatique, famines et crise du logement précipitent l’humanité vers une ultime alternative. Le Soleil Vert — ou bleu, ou rouge — désigne une tablette alimentaire synthétique à base de plancton, censée enrayer la famine. Mais derrière ce produit de consommation prolifique se dissimule un secret terrifiant. C’est ce que découvrira, au péril de sa vie, un flic obtus enquêtant sur la mort suspecte d’un directeur de production.

Un an après Les Flics ne dorment pas la nuit, polar fiévreux, Richard Fleischer bascule vers la science-fiction et nous tend l’un des miroirs les plus glaçants du devenir de notre humanité, en s’inspirant d’un roman de Harry Harrison. Ovationné au Festival d’Avoriaz, Soleil Vert résonne aujourd’hui avec une acuité dérangeante par ses thématiques politiques, écologiques et sociales, portées par une intensité émotionnelle inconsolable. Visionnaire défaitiste, Fleischer nous immerge dès le générique dans une atmosphère fuligineuse, déroulant via images d’archives le développement industriel des mégalopoles, de l’aube du XXe siècle jusqu’à notre époque. Un flot d’instantanés blafards, insalubres, claustrophobes, déversant leur fatalisme : surpopulation et pollution en lente dégénérescence.

                                      

Cette prophétie d’entrée est exacerbée par la partition mélancolique de Fred Myrow, qui souligne l’échec de dirigeants préoccupés par leurs profits plutôt que par le salut de la planète. Parmi les foules pressées dans des cités délabrées, Soleil Vert happe d’emblée à la gorge, son esthétique cauchemardesque saisissant le spectateur par sa crudité sensorielle. Sous couvert d’une enquête criminelle feutrée, le film explore la routine morne de Robert Thorn, flic opiniâtre partageant son appartement avec le vieux Sol Roth, jusqu’à ce que l’un et l’autre lèvent le voile sur une machination inavouable. Avec une sobriété brutale, Fleischer dessine un New York diaphane, suffocant, filtré d’un vert maladif, et provoque un effroi tant moral que viscéral.

Au cœur de ce cauchemar, une scène : celle, édifiante, où Sol offre à son jeune acolyte la possibilité de goûter aux plaisirs d’antan. Une feuille de salade, quelques tomates juteuses, une tranche de bœuf, une pomme rouge. Leur complicité douce-amère, tissée de regards affamés, exhale une émotion aigre, poignante, face à la mémoire d’un monde révolu où manger avait encore un goût de fertilité. Cette scène, improvisée à la demande de Charlton Heston et Edward G. Robinson, n’en est que plus bouleversante dans son humanité.

Plus engagé que jamais, Fleischer lance un cri d’alarme écolo, et frappe juste. Son avenir caniculaire est despotique et phallocrate. Les femmes sont battues, réduites à l’état de « mobilier », objets de location. Les pauvres s’entassent sur les marches et dans les églises, privés de sommeil, d’avenir. Les forces de l’ordre, impitoyables, ramassent les contestataires à la pelleteuse pour les entasser dans des camions-bennes comme du bétail. Pendant ce temps, les élites jouissent dans leurs pavillons climatisés : eau chaude, nourriture, alcool, sexe, hygiène à volonté. Quant à la faune et à la flore, elles ne subsistent plus que dans les souvenirs tremblants des anciens, quand ils ne préfèrent pas le suicide à la désillusion.

C’est d’ailleurs lorsque Sol découvre la vérité sur la composition des tablettes que Fleischer nous livre l’une des scènes d’euthanasie les plus poignantes du cinéma. Étendu sur un lit, le vieil homme contemple les merveilles disparues de la nature au fil d’un film projeté sur écran géant : paysages, animaux, verdure, sous la grâce d’un requiem symphonique (Beethoven, Tchaïkovsky, Grieg). Un hymne flamboyant à l’harmonie perdue, d’une élégie bouleversante, mêlant larmes silencieuses et beauté crépusculaire.

 

"L’avenir en morceaux".

Avec ses moyens modestes mais d’une justesse foudroyante, Fleischer privilégie la chair et le cœur de ses personnages, rongés par la mélancolie et le mal-être face à l’effondrement d’une civilisation inculte (où les livres disparaissent), fascisante et déshumanisée. D’une crédibilité terrifiante, Soleil Vert peint un climat de fin du monde irrespirable, dévoré par la pollution, la solitude, la pauvreté, l’esclavagisme, la phallocratie et l’amoralité — jusqu’à l’indicible...

Éprouvant, malsain, sans échappatoire, Soleil Vert nous laisse hébétés, exsangues, comme après une commotion cérébrale.

*Bruno
27.09.19. 4èx
26.07.11. 240 v

Récompenses: Grand Prix au Festival d'Avoriaz en 1974.
Prix du meilleur film de science-fiction (Saturn Award), lors de l'Académie des films de science-fiction, fantastique et horreur en 1975.

Note: Edward G. Robinson, qui venait de clôturer son 101ème dernier film, mourut en janvier 1973 (rongé par un cancer) peu après la fin du tournage, alors que Soleil vert n'était pas encore présenté au public.

Un Eléphant ça trompe énormément

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Yves Robert. 1976. France. 1h48. Avec Jean Rochefort, Claude Brasseur, Guy Bedos, Victor Lanoux, Danièle Delorme, Anny Duperey, Martine Sarcey, Marthe Villalonga.

Sortie salles France: 22 Septembre 1976

FILMOGRAPHIE: Yves Robert est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur français né le 19 juin 1920 à Saumur, décédé le 10 mai 2002 à Paris. 1954 : Les Hommes ne pensent qu'à ça (acteur, producteur). 1958 : Ni vu... Ni connu... 1959 : Signé Arsène Lupin. 1960 : La Famille Fenouillard. 1961 : La Guerre des boutons. 1963 : Bébert et l'Omnibus. 1964 : Les Copains. 1965 : Monnaie de singe. 1967 : Alexandre le bienheureux. 1969 : Clérambard. 1972 : Le Grand Blond avec une chaussure noire. 1973 : Salut l'artiste. 1974 : Le Retour du grand blond. 1976 : Un éléphant ça trompe énormément. 1977 : Nous irons tous au paradis. 1979 : Courage, fuyons. 1984 : Le Jumeau. 1990: La Gloire de mon père. 1990 : Le Château de ma mère. 1991 : Le Bal des casse-pieds. 1993 : Montparnasse-Pondichéry.

"Chaque minute de ce film porte en lui sa recette miracle, un visage de jeunesse éternelle."
7è au Box-office chez nous avec 2 925 868 entrées, Un Eléphant ça trompe énormément n'a point à rougir de son succès public (mais aussi critique), de par le talent fripon d'Yves Robert imprimant sa personnalité avec une liberté de ton galvanisante. Car prenant pour thèmes l'amitié, la jalousie, l'adultère et le désir (irrépressible) de séduire du point de vue d'une crise de quarantaine, Un Eléphant ça trompe énormément enchaîne bévues, stratégies et quiproquos déjantés à travers une moisson de sketchs souvent irrésistibles de drôlerie ou de cocasserie. Tant auprès de la gestuelle des acteurs s'en donnant à coeur joie dans leur mimique facétieuse que de l'originalité des circonstances de drague parmi l'inoubliable clin d'oeil à 7 ans de Réflexion. Car sans jamais juger ses personnages pour autant hypocrites, égoïstes, machistes, menteurs et séducteurs, principalement si je me réfère au personnage central de Jean Rocheford en dandy (volontairement) vaniteux car promptement amoureux d'une inconnue en robe rouge, Yves Robert dresse les portraits plein de vitalité et de désordre d'une bande de copains plongés dans la cacophonie à entretenir ou à se réapproprier l'amour à travers leurs postures indécises, rêveuses, décomplexées.

Comédie romantique donc baignant dans une subtile tendresse au rythme de la partition gracile de Vladimir Cosma et de dialogues pleins de poésie, Un Eléphant ça trompe énormément parvient à traverser le temps de par sa singularité (et son audace) à traiter des relations amoureuses homme / femme avec une ambiguïté parfois poignante (telle ce plan inoubliable où l'épouse d'Etienne, non dupe de la tromperie, aperçoit avec stupeur son mari à la TV, entre expressions dichotomiques de rires et de larmes !). Bien entendu, outre l'étonnante fantaisie qui se dégage de la plupart des séquences les plus mémorables et impromptues (le final confiné du haut d'un immeuble s'avère littéralement anthologique dans sa circonstance d'adultère aussi grotesque que débridée !); on peut évidemment applaudir la spontanéité commune de Jean Rochefort, Claude Brasseur, Guy Bedos et Victor Lanoux jouant la bande de potes indéfectibles avec une fringance aussi bien touchante qu'exaltée.

Beaucoup plus intelligent et fin qu'il n'y parait de prime abord, Un Eléphant ça trompe énormément évolue de manière fréquemment surprenante en se raillant avec gentillesse, tendresse, respect de l'amour conjugal au gré des portraits perplexes de quadras en proie à l'aventure et au doute dans leur désir de plaire. Ainsi, à travers ses portraits caustiques plein d'humanisme et de contradiction morale y émanent un moment de cinéma inoxydable qu'Yves Robert est parvenu à transcender, tant auprès de l'impulsion de son casting 4 étoiles que de sa personnalité affranchie.  

*Bruno
3èx