Amazing Stories 2020: La Cave / The Cellar de Chris Evans. 52'. Avec Dylan O'BrienVictoria PedrettiMicah Stock.

                                                       
                                           (Crédit photo : image trouvée via Google, provenant du site IMDb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives).

"Quand la musique pleure en silence".

Ce matin, j’ai revu cette merveille d’élégie épurée, issue de la série Amazing Stories (2020), et intitulée "La Cave" de Chris Long.

Les amants maudits d’une romance inconsolable, pris au piège d’un cadre bicéphale où le voyage temporel s’invite avec un art consommé de la sensibilité à fleur de peau.

Un conte lyrique, où l’amour, la fragilité et la tendresse se chevauchent à corps perdu — dans une course contre la montre progressiste, fustigeant les bonnes mœurs d’une époque conservatrice, où la musique s’écoute clandestinement.

Une romance écorchée vive, où les larmes de la délivrance coulent au profit d’un hymne à la plénitude... et à la maternité.

Alors, quand les lumières se rallument, il devient houleux de renouer avec notre banalité quotidienne tant nos yeux embués n'ont nulle envie de les rouvrir.

*Bruno

2èx. Vost

Fear Street, partie 3 : 1666. de Leigh Janiak. 2021. U.S.A. 1h52. Avec Kiana Madeira Ashley Zukerman Gillian Jacobs

                                                     

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"Que la Terre Se Souvienne".

Dernier acte d’une trilogie horrifique ambitieuse, Fear Street: 1666 troque le psycho-killer urbain pour l’horreur rurale, en nous plongeant au cœur d’un village puritain rongé par le fanatisme, le feu et le sang. Dans cette relecture de la malédiction originelle, Leigh Janiak revisite les sorcières et les bûchers pour mieux questionner les racines de la haine — celle qui condamne sans preuve, celle qui brûle au nom de Dieu. On y retrouve les visages familiers de Deena et ses compagnons, projetés dans les peaux de leurs ancêtres, comme pour boucler la boucle dans une boucle encore plus vaste : celle du temps, du trauma et de la répétition.

 

Mais si ce retour aux origines intrigue par son cadre crasseux et sa noirceur biblique, l’enchantement, la passion est, parfois, moins magnétique. Moins viscéral que 1994, moins funèbrement baroque que 1978, ce troisième opus ralentit, s’épure presque. L'accent porté sur le discours social et l’allégorie prend un peu le pas sur le vertige sensoriel des précédents volets. Or, sous la terre imbibée de sang et les prêches enragés, une fièvre couve toujours : celle de l’amour interdit, de la vengeance ancestrale, de la quête de vérité, de la mémoire qu’on refuse de laisser mourir.

 

 

La mise en scène, plus sobre, se pare d’ombres suffocantes, de clair-obscurs terreux, où les fantômes de l’Histoire — et de l’intolérance — rôdent, silencieux. Sarah Fier, enfin révélée, cesse d’être un mythe (et c'est là la surprise de cet ultime volet !) pour redevenir une jeune femme humiliée, trahie, déchue. Et c’est dans ce renversement que le film touche au cœur, renouant avec une émotion brute, presque rédemptrice. La seconde moitié — retour en 1994 — ressuscite enfin l’énergie première, le rythme battant, les idées retorses en crescendo et nous entraîne vers une conclusion cathartique, entre chaos coloré et éclats de vérité pour notre plus grand bonheur de cinéphile complice.

 

S’il me reste une préférence pour les deux premiers chapitres — plus enivrés, plus rageurs, plus imprégnés d’une nostalgie sanglante sans effets de manche — 1666 complète pourtant le cercle avec un regard plus grave, presque mélancolique. Car c’est aussi cela que scelle cette trilogie : l’impossible oubli, le refus de l’oubli. Une lutte pour briser les chaînes, pour hurler dans les ténèbres que la peur ne nous possédera pas éternellement.

 

Gratitude à vous, madame Leigh Janiak, pour avoir su faire saigner le passé à nouveau dans votre parti-pris féministe où l'émotion spontanée ne fut jamais occultée.

 

30.05.25.

Vost

Sinners. 2025. de Ryan Coogler. U.S.A. 2h17. Avec Michael B. JordanMiles CatonSaul Williams.

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"Crocs contre cagoules : le blues vampirique en guerre contre le Klan".

Une célébration du blues par le truchement du vampirisme derrière un discours patent sur le racisme du Ku Klux Klan. 

Le film prend son temps à démarrer traversé de longueurs il est vrai — une heure dix pour planter le décor et esquisser ses personnages — mais l’attente en vaut la peine, tant suspense, tension et action s’entrelacent ensuite avec une intensité stylistique et épique qui vous plaque au siège. 

On lui pardonne un final expéditif, un peu bâclé, car demeurent en mémoire plusieurs séquences musicales anthologiques, dont une, notamment, où styles, tons et postures fusionnent dans une chorégraphie unique à la temporalité éclatée, traversée d’une énergie aussi capiteuse que galvanisante.

Les acteurs, pour la plupart afro-américains, sont profondément investis, luttant avec ardeur dans une trajectoire de survie menant à un héroïsme aussi flamboyant que sacrificiel. Les femmes ne sont pas en reste : tout aussi impliquées, elles s’imposent avec une puissance belliqueuse, tranchante, saillante.

Un excellent divertissement, donc, au stylisme parfois fulgurant, sous les atours d’une blaxploitation habitée, inspirée, rendant hommage à tout un pan du blues — à leurs racines, à leurs ancêtres, avec rage et ferveur. Le vampirisme ne sert que de toile de fond pour embraser cette musique incandescente, tiraillée entre la douleur des attaches et la délivrance de l’expression.

*Bruno

100 Feet. 2008. 1h36. U.S.A. Avec Famke Janssen, Bobby Cannavale, Ed Westwick.

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"Il croyait hanter sa mémoire. Elle l'exorcise à chaque pas, cent fois, cent pieds, jusqu'à l'ultime délivrance". 

Réalisé par l’habile faiseur Eric Red (Body Parts, Cohen and Tate, Bad Moon), 100 Feet exploite avec une malice narrative et une redoutable efficacité psychologique le concept pourtant éculé du fantôme revanchard. Ici, il devient métaphore de la survie et du dépassement de soi face à une maltraitance sexiste réitérée par le spectre d’un époux tyrannique.

Porté par le magnétisme de Famke Janssen, qui soutient l’intrigue à bout de bras avec une expressivité farouche et un aplomb oscillant entre vélocité et résignation, 100 Feet demeure l’un des plus puissants films de hantise des années 2000 (et au-delà), sous l’étendard d’une série B intensément violente et percutante.

Fort d’un script retors confiné dans une prison domestique — la victime piégée par un bracelet électronique empêchant sa fuite — 100 Feet joue autant avec les nerfs du spectateur que ceux de cette dernière, avec un art consommé du réalisme fulgurant.

Les agressions, d’une brutalité sèche et cuisante, renforcent la crédibilité de cet affrontement surnaturel, porté par le charisme terrifiant d’un fantôme abusif (probable hommage au Carnaval des Âmes) bien décidé à infliger ses ultimes châtiments à son ex-épouse, cloîtrée dans ses quatre murs.

Tour à tour intense, capiteux et angoissant, le film joue sur la mise en attente d’une agression imminente avant de basculer dans l’horreur pure, quand la menace surgit à l’instant le plus inattendu. 100 Feet carbure à l’adrénaline, entre mano a mano viscéraux et tension domestique palpable, grâce à un réalisme cru et sans fard.

Sans se vautrer dans la surenchère gorasse, Eric Red distille une seule séquence de violence graphique, mais ô combien marquante : une anthologie d’agonie fulgurante, où les vertèbres claquent et se retournent dans une symphonie de supplices à peine esquissés — la victime trop surprise pour hurler face à la soudaineté de sa fin.

"La hantise à hauteur de femme". 

Perle du genre, à marquer d’une pierre blanche (j’en suis à mon quatrième visionnage), 100 Feet redore le blason de la série B du samedi soir avec une intelligence, une vitalité et une implication insoupçonnées. Eric Red filme avec inventivité les recoins exigus de cette maison hantée, portée par une héroïne en voie de catharsis, déterminée à déjouer une dernière fois l’emprise de son mari défunt — spectre infect d’une animosité tenace. Et sur ce point, cet ectoplasme revanchard, étonnamment charismatique, fout réellement les jetons, en ravivant les braises d’une violence domestique aussi sournoise que putride.

*Bruno

Vf.

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Fear Street Part 2: 1978

                                                       
                                            (Crédit photo : image trouvée via Google, provenant du site IMDb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives).

Sous l’étiquette qu’on croyait moisie: non, Netflix ne sert pas que du fast-food visuel — il arrive qu’ils cuisinent.

"Fear Street : le sang des filles".

Rares sont les suites qui tutoient le niveau des films qui les ont inspirées. Or, Fear Street Part 2 relève la gageure les doigts dans le nez sous la forme d'un préquelle aussi furibond ! Au point que je ne sais toujours pas lequel des deux opus a ma préférence. Et si les mêmes causes entraînent les mêmes conséquences, elles ne se répètent jamais — elles dévient, contournent, surprennent, pour mieux conjurer la lassitude. Car au-delà d’une narration toujours aussi affûtée et truffée de rebondissements (de quoi faire rougir n’importe quel Vendredi 13), Fear Street soigne encore une fois l’autorité de ses personnages juvéniles, de CHAIR et de SANG, esquissant ici un "Girl Power" porté par une ligue féministe en voie de réconciliation, fraternelle autant qu’amicale.

En délocalisant l’action à l’issue des Seventies, Fear Street Part 2 fleure bon le psycho-killer des bois que les fans reconnaîtront dans leurs réminiscences inoxydables. Pourtant, jamais elle ne cède à la facilité nostalgique : Leigh Janiak détourne les codes, manipule ses personnages avec une sincérité infaillible, imprimant sa personnalité anti-cynique. Elle prend davantage le temps de planter ses univers, de sculpter ses figures, au risque d’amender le rythme infernal du premier opus. Moins effrénée d’emblée, l’action, scindée en deux localités, gagne en suspense et tension. Et la tournure horrifique des évènements s’élève d’un cran à mesure que le tueur à la hache trace sa route avec une vélocité à trancher au rasoir.

Les scènes sanglantes, charnelles et mécaniques, frappent avec une brutalité cuisante, portées par un montage toujours aussi lisible, toujours aussi vif. Si l’hommage au Tueur du Vendredi est manifeste, Janiak s’écarte des conventions, refuse la parodie ou la contrefaçon, injecte de la malice dans ses choix — comme dans l’accoutrement du tueur, justifié par un règlement de compte alarmiste.

Ce jeu de piste initiatique, exaltant l’héroïsme, le pardon, la rédemption et le sens du sacrifice, met en lumière des héroïnes en herbe peut-être encore plus attachantes qu’auparavant. Fear Street Part 2 force à nouveau le respect, rendant hommage au psycho-killer des bois sous l’égide d’un argument occulte redoutablement efficace. Si bien que dès que surgit la preview du troisième volet juste avant le générique, une seule envie nous saisit : l’enfourner dans son magnétoscope high-tech et replonger dans la malédiction de Sarah Fier, que nos Goonies féministes tenteront, une ultime fois, de mettre en terre. 

Chapeau les filles, vous êtes de vraies queen girls.

*Bruno

Solaris

                                                     
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"Solaris : L’Éternité au Bord des Larmes".

Il y a des films comme ça qui emportent tout. On ne cherche pas à en jauger les défauts ou à en peser les qualités. On les prend comme ils sont, comme on aime quelqu’un.

Lynch a dit : « Je ne vois pas pourquoi les gens attendent d’une œuvre d’art qu’elle veuille dire quelque chose alors qu’ils acceptent que leur vie à eux ne rime à rien. »

Et Solaris sied à merveille à ce constat. Car cette aventure spatio-temporelle relève d’une magie pure, dans son essence la plus noble et platonicienne. On ne comprend pas tout – c’est voulu. Et pourtant, tout semble beau, fastueux, élégiaque, transcendantal.

Parfois, il faut savoir lâcher prise et s’abandonner aux impressions. Car Solaris, malgré lui – ou grâce à lui – nous pousse à contempler notre condition : le poids du passé, la mémoire en spirale, la culpabilité sans fin, l’illusion de notre réalité, ce mirage suspendu au bord de l’éternité. Et son final, suspendu dans l’interrogation, laisse au spectateur la liberté d’en faire son propre rêve.

Une chose est sûre : dès que le générique s’égrène, on reste engourdi, hypnotisé. On se laisse une ultime fois bercer par ce flot d’adieux – ou d’au revoir – porté par la partition ensorcelante de Cliff Martinez (offrez-lui un Oscar). Sa musique épouse les images, fusionne avec elles, jusqu’à offrir l’une des plus belles séquences de l’histoire du cinéma : cette rencontre dans le train, baignée de lumière et de chaleur, sensorielle, rassurante, infiniment douce.

L’œuvre céleste de Soderbergh nous enveloppe dans un cocon de soie, tiède et ouaté, au cœur d’un huis clos intimiste confiné dans un space opera aussi étrange qu’attirant. On voudrait y pénétrer, flotter parmi ces âmes en apesanteur.

Rarement dans ma vie de cinéphile, j’ai ressenti une expérience aussi trouble et envoûtante – à l’instar de La Forteresse Noire de Mann, du Cercle Infernal de Loncraine ou de Pique-nique à Hanging Rock de Weir. Tout ici semble conçu pour captiver l’esprit, les yeux, l’ouïe, sans une once de prétention. Grâce, aussi, à l’alchimie délicate de George Clooney, habité par la passion mais constamment tiraillé par le doute, et de Natascha McElhone, ivre de mélancolie dans son questionnement identitaire.

Profondément sensuel, lyrique et romantique, Solaris déploie un mélo sensoriel sous les atours d’une science-fiction métaphysique, à même de réconcilier les plus réfractaires au genre stellaire. Vibrant d’une humanité à la fois déchue et éperdue, il frappe en plein cœur, et en pleine raison, par la force de son émotion méditative.

Et comme l’a si bien formulé un certain Écran Large : ce chef-d’œuvre maudit est destiné à hanter ceux qui l’ont aimé… comme un souvenir qu’on n’a jamais vraiment quitté.

Jamais plus Soderbergh ne retrouvera une telle grâce, une ambition si pure, ni cette vibrante sincérité qui irrigua un jour sa carrière.

*Bruno

24.05.25. 3èx. Vost

Ci-joint la critique d'Ecran Large: Le mal-aimé : Solaris, le chef d'œuvre spatial de Soderbergh, avec George Clooney

Fear Street Part 1: 1994

                                                       

                                       (Crédit photo : image trouvée via Google, provenant du site IMDb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives).

                                                                             

                                                                       Mea culpa ! 

Excellente surprise, que dis-je ! Un coup de cœur franc, tant ce resucé du psycho-killer en bonne et due forme m’a constamment désarçonné par son écriture redoutablement efficace, charpentée, percutante.

Au point qu’on ne voit pas défiler les 1h40 de métrage (hors les sept minutes de générique), tant le rythme effréné ne laisse aucun répit, dans ce concentré d’horreur, d’humour, de tendresse et de fantastique que Leigh Janiak orchestre avec une implication qui force le respect.

Et pourtant, les cinq premières minutes — oh combien fallacieuses — laissaient craindre une pâle copie de Scream : victime pourchassée, tueur masqué, tension molle, expressivité absente. Une mise en bouche trompeuse, calquée, qui fait redouter le pire… avant que tout ne bascule.

Car le reste du film prend le contre-pied total de ce préambule tiède, et ose. Ose mixer, sans complexe, des références pourtant redoutées — Scream, Halloween, Vendredi 13, Freddy, Superstitions, Les Goonies, Stranger Things — un cocktail explosif qui, sur le papier, aurait pu faire fuir l’amateur éclairé, las de ce vivier eighties/nineties surexploité depuis l’effervescence Scream, Urban Legend, Souviens-toi l’été dernier et consorts.

Et pourtant… le miracle opère. Comment ? En nous attachant, viscéralement, à une bande de protagonistes juvéniles, au charisme naturel, à l’intelligence rare pour le sous-genre. Impossible de ne pas éprouver empathie, implication, tendresse pour cette cohésion héroïque, pour ces ados perspicaces au flair de survie affûté.

Anti tête-à-claque, anti potiche, anti nunuche, anti neuneu : les années 90 brillent ici par une jeunesse expressive, habitée, propulsée par un scénario retors, sans cesse surprenant, puisant dans le référentiel horrifique pour mieux le détourner dans une construction narrative aussi rusée que réjouissante.

Et tandis que l’on s’émoustille devant le caractère ludiquement macabre de cette aventure — une chasse à la vérité truffée d’indices incongrus — le film nous prend à revers. Changement de ton, drames inattendus, sort cruel réservé à des figures qu’on croyait à l’abri : la chair s’humanise, le cœur se serre.

Jusqu’à cette conclusion à tiroirs, multiple, frénétique, qui annonce deux suites en forme de pochettes surprises macabres, prometteuses, électrisantes.

Sans prétention, avec une caméra mobile fluide et jamais hystérique, Fear Street - Partie One détonne. Néo psycho-killer nineties, intègre dans sa forme, généreux dans son fond, le film carbure au peps, à la ferveur, à l’amour du genre — sans jamais tomber dans l’abrutissement ou le ridicule. Et ce sur fond d'émancipation saphique. 

Ah oui, détail non négligeable : la bande-son pop-rock sent bon les nineties, entre sueur, spleen et révolte.

Et lorsque le générique retentit, une seule chose nous vient : vite, la suite !

Merci du fond des tripes, Madame Leigh Janiak.

*Bruno

Season of the Witch

                            (Crédit photo : image trouvée via Google, provenant du site IMDb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives).

"Sortilège d’une rébellion silencieuse"

Une œuvre auterisante, intimiste, que j’affectionne tout particulièrement — au même titre que The Crazies, tourné un an plus tard — signée d’un Romero scrupuleusement attentif à la cause féminine.

Un drame psychologique à l’identité Seventies affirmée, vu à travers le prisme d’une femme soumise, décidée à se tourner vers les forces occultes de la sorcellerie pour regagner un semblant d’autorité.

Avec son climat d’étrangeté trouble, presque indicible, renforcé par un grain visuel aux accents documentaires, "Season of the Witch" fascine irrémédiablement. Jan White, actrice méconnue mais saillante, incarne à merveille cette ménagère contestataire, timidement happée par les plaisirs interdits de l’adultère, aux côtés d’un enseignant universitaire désinhibé.

Très beau portrait de femme en quête de réappropriation, d’affirmation, pour contrer un patriarcat aussi omniprésent que méprisant, "Season of the Witch" dégage une atmosphère feutrée, délicate, teintée de nonchalance, d’insécurité — parfois même cauchemardesque. Les songes récurrents de Joan, minée par une paranoïa diffuse, nourrissent cette instabilité sourde jusqu’à une forme de renaissance.

Passée sa conclusion ironique, véritable pied de nez aux violences conjugales trop souvent tues derrière l’impunité juridique, le film laisse une empreinte trouble, tenace, notamment par sa sensualité désespérée. Comme une douce braise sous la cendre. Envoûtant, en somme. J’ai déjà envie d’y replonger.

*Bruno

3èx

Horns

                                                         
   

                                               Mea culpa (car je n'avais pas apprécié à l'époque).

"Sous les cornes, les cendres d'un amour"

Hormis un final des plus discutables — j’aurais supprimé cette vengeance démoniaque trop ambivalente des cinq dernières minutes — cette excellente investigation criminelle, pourtant rapidement percée à jour (on devine l’identité du meurtrier dès la demi-heure), nous emporte par la force de son concept fantastique, à forte connotation religieuse, et l’ironie noire qui suinte des personnages véreux. Une vendetta à double tranchant, entre sarcasmes grinçants et suspense tendu, qui distrait intelligemment tout en malmenant nos repères.

Horns s’ancre profondément dans une vision catholique du Bien et du Mal, que son anti-héros tente de gérer au cœur d’une douloureuse dichotomie morale. Mais le film se distingue surtout par la puissance émotionnelle d’une romance magnifiquement incarnée : Daniel Radcliffe, jamais aussi convaincant, habité par une résignation expressive, et Juno Temple, sensualité fragile, douceur de miel en déesse de l’amour déchu. Une intrigue à rebondissements inattendus qui, derrière ses accents de conte noir, finit par toucher au tragique pur.

Tout à la fois beau et tendre à travers moult flashbacks reconsidérant les caractérisations des personnages, violent et sanglant dans ses règlements de compte hargneux, Horns séduit surtout grâce à son pouvoir émotionnel gratifiant, voire même carrément rédempteur — tant pour le personnage damné Ig que pour nous-mêmes — sous l’impulsion d’une entêtante B.O. pop, teintée de lyrisme.

*Bruno

Le Dossier Maldoror

                                                                             Top 2025.

Plongée en eaux noires : Fabrice Du Welz au bord du gouffre
Avec cette fresque ténébreuse de 2h36, Fabrice Du Welz livre peut-être l’œuvre la plus rugueuse, la plus exigeante de sa carrière. Un film-fleuve au réalisme poisseux, viscéral, qui ne cherche ni à séduire ni à rassurer, mais à sonder, en apnée, les abysses de l’âme humaine.

Librement inspirée de l’affaire Dutroux, l’intrigue s’enracine dans une enquête au long cours, là où le mal n’est plus un monstre tapi dans l’ombre, mais une matière diffuse, insaisissable, ancrée dans la banalité des jours.

Au centre du récit : un homme, irascible, écorché, que tout semblait prédestiner à un avenir lumineux. Il finira par tout perdre — repères, certitudes, illusions — au nom d’une vérité trop brute pour être contenue. Une vérité qui ronge, qui consume.

À l’écran, des visages. De vrais visages. Striés, creusés, marqués par la fatigue du monde. Ils imposent leur présence virile, une gravité sèche et désenchantée. Et bien que l’histoire se déroule dans les années 90, c’est l’empreinte des années 70 qui innerve chaque plan. Grain rugueux, refus du spectaculaire, goût pour le brut — Du Welz filme ici avec l’intransigeance d’un cinéaste hanté.

On ressort de là vidé, les yeux brûlés, la gorge serrée. Le film ne laisse pas indemne. Il écorche, il dérange, il travaille longtemps après la dernière image. Une œuvre inconfortable, nécessaire. Une plongée en eaux noires, sans bouée.

Grand cinéma, écorché vif, dans son instinct le plus animal.

*Bruno

Week-end de Terreur / April fool days.

                                                    
                              (Crédit photo : image trouvée via Google, provenant du site IMDb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives).

de Fred Walton. 1986. U.S.A/Canada. 1h29. Avec Deborah Foreman, Amy Steel, Ken Olandt, Deborah Goodrich, Griffin O'Neal, Jay Baker, Clayton Rohner .

Sortie salles France: 23 Juillet 1986

FILMOGRAPHIE: Fred Walton est un réalisateur et scénariste américain.

1979: Terreur sur la Ligne. 1986: Week-end de terreur. 1987: Confession criminelle. 1987: Hadley's Rebellion. 1988: I saw what you did (télé-film). 1989: Seule dans la tour de verre (télé-film). 1990: Murder in Paradise. 1992: The Price She Paid (télé-film). 1992: Homewrecker (télé-film). 1993: Terreur sur la ligne 2 (télé-film). 1994: Dead Air (télé-film). 1995: The Courtyard (télé-film). 1996: The Stepford Husbands (télé-film).

Troisième révision d’un très bon psycho-killer impossible à décortiquer — tant subjectivement qu’objectivement — sans risquer de déflorer le moindre indice.

Au-delà de son intrigue originale, son ambiance estampillée eighties fait mouche, et son casting juvénile (porté par Amy Steel -- le Tueur du Vendredi --), étonne par une justesse spontanée rare : on ressent véritablement leur cohésion fougueuse au moment du tournage.

La photographie somptueuse, l’atmosphère insécure, le cadre exotique captivent les mirettes, magnifiés par une restauration 4K que Fred Walton (oui, Terreur sur la ligne, c’était lui !) sublime d’une mise en scène quasi expérimentale. Quant aux quelques scènes chocs qui ponctuent ce Cluedo horrifique, elles surprennent par un réalisme parfois glaçant, pleinement au service de l’effet attendu.

Enfin le score de Charles Bernstein, lui aussi parfaitement ajusté, enveloppe le film de nappes tranquilles ou tendues, parfois traversées de sonorités badines, comme un jeu cruel entre accalmie feinte et menace tapie.

                                      

Attention toutefois : ça passe ou ça casse. Walton prend des risques inconsidérés en rendant hommage à tout un pan du psycho-killer — domestique et forestier — avec une malice à double tranchant, selon l’humeur du spectateur.

Moi, en tout cas, je suis séduit. À chaque fois. 

Merci tonton Fred.

*Bruno

The Assessment / L'Evaluation

                             (Crédit photo : image trouvée via Google, provenant du site IMDb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives).

de Fleur Fortuné. 2025. U.S.A/Allemagne/Angleterre. 1h56. Avec Elizabeth Olsen, Alicia Vikander, Himesh Patel, Minnie Driver, Indira Varma, Charlotte Ritchie, Nicholas Pinnock.

Sortie salles U.S: 21 Mars 2025. France: 8 Mai 2025 sur Prime Video

FILMOGRAPHIE: Fleur Fortune est une réalisatrice et scénariste américaine. 

The Assesment est son premier long-métrage. 

                                                                             Top 2025

Du grand cinéma d’anticipation, nouvelle référence dans la plus noble tradition du genre sinistrosé.

En matière de science-fiction dystopique, The Assessment s’impose comme un digne étendard, sans rien envier à ses illustres aînés : Soleil Vert, Terre Brûlée, Silent Running, THX 1138, Rollerball, et plus récemment Bienvenue à Gattaca ou Les Fils de l’Homme (et quelques autres, sans doute).

Face à une épreuve de force aussi immersive que dépressive — car aussi glaçante qu’irritante (il faut un temps d’adaptation pour tolérer les postures lunaires de l’évaluatrice) — The Assessment se pose là, futur classique d’un genre alarmiste, dénué de toute illusion.

Œuvre intime, d’une rare intelligence, elle nous projette dans un cauchemar totalitaire vu à travers le prisme d’une maternité déshumanisée, contrainte de se soumettre à l’entretien oral d’une autorité supérieure pour obtenir le droit de procréer avec son amant privilégié. Fort de son pouvoir d’évocation, résonnant douloureusement avec notre actualité — sociétale, sanitaire, écologique et politique — The Assessment nous renvoie, sans répit, à notre nouvelle condition d’êtres de plus en plus tristement soumis.

Réflexion sur la perte d’identité, le contrôle des esprits dans une société aseptisée au possible, obsédée par la maîtrise de toute chose — jusqu’à violer la chair et l’âme, jusqu’à influencer nos comportements rationnels en les pervertissant —, même les plus nantis y subissent l’humiliation sourde de leur impuissance. C’est une œuvre d’une infinie tristesse, où un couple harmonieux tente, en vain, de franchir les murs d’un système glacial pour offrir la vie.

Jouant la carte d’une sobriété dépouillée avec économie de moyens — intérieurs domestiques, natures figées, froides structures industrielles pour un final anxiogène nous saisissant à la gorge — The Assessment cultive le malaise, distillé au compte-gouttes dans un huis clos subtilement high-tech, baigné d’une photo stylisée, saturée, presque trop parfaite pour être vraie. Trois personnages y disputent l’autorité, chacun avec un désespoir toujours plus insécure.

Saisissants de vérité, de densité, de tension expressive, les comédiens incarnent leur rôle avec une finesse retenue, laissant éclore une intensité dramatique crescendo, au fil de leur rage de vivre infructueuse. Jusqu’à ce que le voile se lève, brutalement, sur nos interrogations : le portrait équivoque de l’évaluatrice, la destinée de nos amants en perdition, tout s’effondre dans une remise en question déchirante.

Terriblement noir et pessimiste, inquiétant et révoltant, déprimant et bouleversant — mais surtout d’une intelligence féroce, propre à éveiller les consciences — The Assessment nous laisse exsangues, brisés par une conclusion d’une rigueur dramatique inconsolable. 

*Bruno

4K/Vost

Récompenses: British Independent Film Awards 2024 : meilleurs décors pour Jan Houllevigue

Grindhouse Paradise 2025 (Toulouse) : Grand Prix de la compétition long métrage. 

A Deadly American Marriage

                                 (Crédit photo : image trouvée via Google, provenant du site IMDb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives).

            Un documentaire Netflix réalisé par Jessica Burgess et Jenny Popplewell. 2025. 1h43.

Lorsque Jason Corbett, veuf irlandais et père de deux jeunes enfants, retrouve l’amour auprès de l’Américaine Molly Martens en 2008, leur relation semble idyllique.

Mais le soir du 2 août 2015, Jason est tué lors d’une violente altercation à son domicile.

Les coupables ? Molly, et son père Thomas Martens, ancien agent du FBI.

Passionnant et bouleversant — comme souvent chez Netflix — ce documentaire édifiant tente de démêler les circonstances, les causes et les ramifications d’un effroyable meurtre en 103 minutes. En recueillant les témoignages des présumés coupables, Tom et Molly, juste après leur garde à vue, mais aussi ceux des membres des deux familles, des avocats de chaque camp, et surtout des deux enfants Corbett, profondément marqués par ce qu’ils ont vécu ce soir-là, le film cherche à cerner la vérité derrière l’horreur : leur père a-t-il été tué en cas de légitime défense ?

Truffé de contradictions — entre les versions de Molly, de Tom, des enfants placés en famille d’accueil — A Deadly American Marriage explore les fissures d’un drame familial rongé par la jalousie et la possessivité. Sans jamais trancher ni désigner de coupables, le film nous plonge dans les zones grises de la vérité conjugale et judiciaire.

C’est cette retenue, ce refus du manichéisme, qui donne toute sa force, son amertume et son intensité dramatique à ce requiem bouleversant.

Et ce sont surtout les enfants — porteurs fragiles d’un avenir plus paisible — qui laissent dans nos mémoires l’empreinte d’un désarroi irrécupérable.

Rien que pour eux, ce documentaire, aussi poignant que dérangeant, mérite d’être vu. Il interroge, avec sensibilité, les failles d’un système et l’équité des décisions liées à la garde d’enfants.

*Bruno

The Ugly Stepsister / Den stygge stesøsteren

                         (Crédit photo : image trouvée via Google, provenant du site IMDb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives).

de Emilie Blichfeldt. 2024. Norvège/Pologne/Suède/Danemark.1h48. Avec Lea Myren, Thea Sofie Loch Næss, Ane Dahl Torp, Flo Fagerli, Isac Calmroth, Malte Gårdinger. 

Sortie salles France: 2 Juillet 2025

FILMOGRAPHIE: Emilie Blichfeldt est une réalisatrice, scénariste et productrice norvégienne. 

The Ugly Stepsister est son premier long-métrage. 

« Derrière le miroir, le cauchemar d’une perfection mutilée. »

Dans notre société aseptisée, où l’apparence grignote chaque jour un peu plus les nobles sentiments, The Ugly Stepsister (La vilaine demi-sœur) brandit son étendard goguenard. Déconstruction vitriolée de Cendrillon, le film s’illustre par des plans sanglants et carrément pornographiques (!!!), à la lisière du malaise. Pour sa première réalisation, Emilie Blichfeldt aborde la chirurgie plastique, l’élitisme et le patriarcat avec une ironie si acerbe qu’elle nous emporte vers une trajectoire émétique, son final jusqu’au-boutiste n’épargnant aucun haut-le-cœur, même chez les plus aguerris.

The Ugly Stepsister déborde de provocations paillardes, orales, organiques — et dresse sans ambages, avec un humour corrosif, le portrait miséreux d’une princesse en devenir, prête à martyriser son corps pour séduire le prince charmant qu’elle idolâtre jusque dans ses rêves moites. Un prétendant aussi superficiel qu’elle, davantage queutard qu’amoureux, considérant la femme comme simple chair consommable. Cette galerie de personnages, tous plus détestables les uns que les autres, Emilie Blichfeldt les caricature avec un réalisme mordant. Sa mise en scène inspirée, ponctuée de ruptures de ton (génial score électro à l’appui), porte un film en costume visuellement renversant.

La photo, gothique et charnelle, a du caractère : un onirisme contrasté, pailleté et sensuel, au service d’un cadre aristo grotesque, faisandé, ordurier. À l’image de cette figure maternelle, matrone cupide érigée en icône de vulgarité lubrique, prête à sacrifier ses rejetons pour asseoir sa propre destinée.

Admirablement construit, traité avec invention et un langage visuel percutant, le film distille une dimension dramatique éprouvante, sans jamais prévenir. The Ugly Stepsister confine au malaise viscéral lors de la descente aux enfers dégénérative de cette jouvencelle, irrémédiable. Constamment sarcastique, moralement rigoureux et sanguinaire jusqu’à la nausée, le dernier acte — anthologique — ne se complaît jamais. Il nous laisse K.O., par la maîtrise de nos sentiments malmenés par la doctrine du paraître et la sexualité consumériste. Jusqu'aux larmes de la déchéance la plus basse et démunie. 

« La beauté comme seule arme. La chair comme seul prix. »

Un uppercut sincère, perturbant, chargé d’intentions payantes pour secouer les consciences. Une proposition horrifique, lucide et insolente, qui dit tout de la déshumanisation de notre chair nouvelle — tributaire du bistouri, de la drogue et de la (mal)bouffe. Une farce noire norvégienne qui nous étreint la gorge comme une corde de pendu. 

Pour public averti.

*Bruno

Récompenses: Corbeau d'Argent, Prix du Public, BIFF Bruxelles, 2025.

                                 (Crédit photo : image trouvée via Google, provenant du site IMDb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives).

A vif / The Brave one

  (Crédit photo : image trouvée via Google, provenant du site IMDb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives).

de Neil Jordan. 2007. U.S.A/Australie. 2h02. Avec Jodie Foster, Terrence Howard, Zoë Kravitz, Mary Steenburgen, Naveen Andrews, Nicky Katt.

Sortie salles France: 26 Septembre 2007

FILMOGRAPHIE: Neil Jordan est un réalisateur, producteur, scénariste et écrivain irlandais, né le 25 Février 1950 à Sligo. 1982: Angel. 1984: La Compagnie des Loups. 1986: Mona Lisa. 1988: High Spirits. 1989: Nous ne sommes pas des Anges. 1991: L'Etrangère. 1992: The Crying Game. 1994: Entretien avec un Vampire. 1996: Michael Collins. 1997: The Butcher Boy. 1999: Prémonitions. 1999: La Fin d'une Liaison. 2002: L'Homme de la Riviera. 2005: Breakfast on Pluto. 2007: A vif. 2009: Ondine. 2012: Byzantium.

                                                    À vif  – (V)engeance en clair-obscur. 

                    Une prière urbaine pleine de violence où chaque balle est une larme en colère.

Synopsis: Erica Bain, chroniqueuse radio new-yorkaise, voit sa vie basculer brutalement lorsqu’elle et son compagnon sont agressés dans Central Park. Lui meurt, elle survit. Fracturée, hantée, elle découvre peu à peu qu'elle est capable de commettre le pire à la suite d'une situation de légitime défense.  

En 2007, Neil Jordan met en sourdine le conte fantastique pour s’aventurer dans une jungle urbaine où la douleur s’arme, où le deuil se confond avec la colère, et où la frontière entre justice et vengeance se brouille dangereusement. Porté par une Jodie Foster d’une intensité évidemment magnétique par le talent inné qu'on lui connait, A vif est un film d'auto-défense psychologique qui interroge avec finesse les mécanismes de la violence et les dérives morales qu’elle entraîne. Psychologique car en y détournant les codes, Neil Jordan radiographie les pensées internes de notre justicière en voix-off et en non-dits au fil de sa dérive criminelle irréversible.  

Superbement photographié en scope, la ville nous apparait comme une cité urbaine paranoïde, froide et indifférente auprès des citadins qui y résident. Au moment même où Erika ne la reconnait plus depuis son agression gratuite avec ces délinquants habités de vilénie. Loin d'y fantasmer une apologie de l'auto-défense, A vif tend à mettre mal à l'aise au fil des états d'âme avilissants d'Erika pleinement consciente qu'elle est devenue une étrangère après avoir dissout son identité. Sa descente aux enfers demeurant aussi désespérée qu'inquiétante au moment même où nous, spectateurs, éprouvions une certaine fascination malsaine, une forme de pulsion réac à ce qu'enfin justice lui soit réparée de son gré. 

Pour se faire, on peut donc compter sur la performance de Jodie Foster souvent touchante et poignante de fragilité contenue tout en suscitant une rage interne finissant par exploser lors de ses vendettas rancunières. En ange déchue, tremblante et anéantie par le deuil; elle demeure aussi fascinante lors de ses postures mutiques ou autrement orales face au témoignage d'un flic lui aussi rongé par le lourd sentiment d'injustice face à la propagation d'une ultra violence indestructible. 

À ses côtés, Terrence Howard, inspecteur rongé par ses ambiguïtés morales, offre donc un contrepoint émouvant au fil de leurs relations amiteuses contradictoires, leurs concertations chargées de sous-entendues. 

Ballade d'une âme blessée. 

Dénué de pathos, et d'une belle maîtrise dans la retranscription des sentiments humains subtilement dépeints face écran, A vif est une proposition profondément humaine, voire philosophique jusqu'au vertige d'un final sciemment discutable afin que le spectateur réfléchisse mieux aux conséquences (im)morales d'une auto-justice dégradante. En refusant de juger ses personnages puisque naviguant sans cesse entre les sentiments de condamnation et de compassion, Neil Jordan signe un film trouble au final dérangeant afin de nous interroger sur nos propres instincts meurtriers. Si bien qu'en chacun de nous se cache un potentiel criminel, un justicier apte à agir... Mais à quel prix ?

American Mary

                                                    
                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Jen Soska et Sylvia Soska. 2012. Canada. 1h42. Avec Katharine Isabelle, Antonio Cupo, Tristan Risk, David Lovgren, Paula Lindberg, Clay St. Thomas.

FILMOGRAPHIE: American Mary est le premier long-métrage des soeurs Soska. 2019: Rage. 

                               American Mary — La chair triste se tend sous les attouchements. 

Il est des films comme des cicatrices : ils marquent, ils fascinent, ils déroutent, ils racontent au-delà de la douleur. American Mary, étrange orchidée noire poussée dans les recoins glauques de la chirurgie clandestine, est de ceux-là. Une œuvre signée des sœurs Soska, jumelles de l’ombre, qui filment avec un oeil chirurgical le parcours déroutant d’une jeune femme engloutie par les promesses toxiques de son propre talent.

Mary Mason, incarnée par une Katharine Isabelle magnétique, presque spectrale, est d’abord étudiante en médecine. Prometteuse, brillante, droite — mais la ligne de flottaison cède vite, et c’est dans un univers parallèle, fait de chairs refaçonnées et de corps déterritorialisés, qu’elle se métamorphose. Le scalpel devient pinceau, la clinique, théâtre. Et sous ses doigts, la monstruosité devient poétique.

La mise en scène, froide et fétichiste, épouse l’ambiguïté morale du récit sans jamais chercher à rassurer. Il n’y a pas ici de catharsis attendue, pas de leçon de morale. Juste une plongée dans l’abîme intime d’une femme qui reconquiert son corps et son pouvoir au prix de toute rédemption. C’est un conte baroque, sensuel, cruel, où la vengeance se confond avec l’art, où l’éthique se dissout dans l’esthétique.

Ce qui frappe, c’est la beauté presque irréelle de certaines scènes — tableaux vivants baignant dans une lumière glauque, comme si l’on filmait l’intérieur d’un rêve anesthésié. Les Soska, loin du sensationnalisme facile ou de la complaisance (même si parfois on l'effleure peut-être un tout petit peu), sculptent une mythologie féminine de la transgression. Leur regard est complice, précis, respectueux même dans l’horreur.

Katharine Isabelle incarne Mary avec une intensité troublante, presque hypnotique — un mélange de froideur clinique et de vulnérabilité muette. Elle traverse le film comme une ombre souveraine, tenant tête à l’horreur sans sombrer dans la caricature. Bien au contraire puisqu'elle hante au-delà du générique. Son jeu, tout en retenue et en regards lestement perçants, donne à Mary de la densité féministe : ni héroïne, ni victime, mais une énigme charnelle, sculptée par le trauma et la volonté de s'imposer. Elle est à la fois chirurgienne et œuvre d’art, prédatrice et martyre, et c’est cette dualité qui fait toute la force de son étrange interprétation.

American Mary est un cri mutique, un requiem pour les corps trop regardés, trop touchés, trop jugés. C’est aussi une ode au corps (érotisé ici avec une élégance charnelle) comme langage, comme affirmation, comme tragédie. Un rape and revenge sous bistouri qui blesse, déconcerte, interroge (notamment lors de son évolution narrative ambiguë de ne savoir dans quelle direction on nous dirige) et envoûte, où chaque point de suture semble refermer une vérité interdite. 

Une série B mal élevée, immorale érigée sous le moule de la farce, de la satire sardonique afin d'y brocarder les machistes égrillards.

11.04.13.

04/05/25. Vost

Sting

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Kiah Roache-Turner. 2024. Australie. 1h28. Avec Ryan Corr, Alyla Browne, Penelope Mitchell, Robyn Nevin, Noni Hazlehurst.

Sortie en Australie le 11 Juillet 2024.

FILMOGRAPHIE; Kiah Roache-Turner est un réalisateur et scénariste australien. 2014: Road of the Dead. 2018: Nekrotonic. 2021: Wyrmwood: Apocalypse. 2024: Sting.

Mea-culpa (3 visionnages il m'eut fallu pour enfin l'apprécier à sa juste valeur).

"Un suvival arachnéen qui tisse sa toile entre frayeur domestique et nostalgie des créatures des années 80 sous un regard australien." 

Dans Sting, Kiah Roache-Turner nous plonge dans l'atmosphère exigu d'un immeuble new-yorkais assiégé par une araignée venue d'ailleurs. Sur fond de tensions familiales et d'isolement urbain, le film revisite les codes du film de Monstres avec une touche moderne et une tendresse évidente pour les classiques bisseux. 

Le scénario focalisé sur la jeune Charlotte et sa découverte d'une mystérieuse araignée oscille habilement entre drama familial intime, suspense et horreur progressive. L'écriture explore subtilement le lien entre adolescence, deuil et besoin de contrôle, suggéré par cette créature qui grossit au rythme des émotions colériques des protagonistes filiaux. 

L'un des points forts est sans conteste sa créature: Sting elle même. 

Conçue en grande partie en animatronique, elle évoque les effets pratiques des anées 80. Ce qui lui confère une authenticité visuelle à contre-emploi du tout-numérique. 

Le mélange de sang, de suspense et d'humour noir fonctionne plutôt bien en dépit de son manque de rebondissements, d'ambition et d'inventivité. Une scène choc provoque d'ailleurs le frisson et la répulsion organique à travers son imagerie morbide tuméfiée. 

La réalisation est soignée (cadrages serrés, jeux d'ombres, exploitation des conduits) avec une photo claustro qui accentue l'anxiété par delà même les cloisons. La musique efficace accompagne discrètement la montée de l'horreur sans la surcharger. 

Sting parvient donc autant à captiver qu'à amuser de par son ton gentiment décalé, son amour des effets charnels et son regard tendre sur une héroïne en quête de repères. 

Alyla Browne portant le film à bout de bras à travers sa maturité en herbe renforcée de la douceur de son regard bleu lestement déluré, fureteur, retors. Une interprétation à la fois tendre puis héroïque, parfois même colérique pour ses rapports houleux avec son beau-père qu'il ne parvient pas à maîtriser. Une dimension émotionnelle bienvenue puisque ancrant le récit dans une réalité humaine conflictuelle propre à la valeur parentale. 

Sans révolutionner le genre, Sting en respecte les codes avec intelligence, humour et passion. C'est une série B assumée qui séduira sans doute les cinéphiles d'horreur rétro et la nouvelle génération un tant soit peu curieuse dans sa quête d'aimable divertissement, perfectible certes, mais truffé de bonnes intentions et agréable à suivre. 

Ce qui n'est pas si mal pour un spectacle contemporain qui parvient à se démarquer de la routine avec une volonté intègre.

Un ours dans le Jura

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Franck Dubosc. 2025. France. 1h53. Avec Franck Dubosc, Laure Calamy, Benoît Poelvoorde, Joséphine de Meaux, Mehdi Meskar, Kim Higelin.

Sortie salles France: 1er Janvier 2025

FILMOGRAPHIE: Franck Dubosc, né le 7 novembre 1963 au Petit-Quevilly (Seine-Maritime), est un humoriste et acteur français. 2018: Tout le monde debout. 2022: Rumba la Vie. 2024: Un ours dans le Jura. 

Bijou indompté à l'humour grinçant, la 3è révélation (toujours aussi) inattendue de Franck Dubosc !

Il est des films qui surprennent, des oeuvres qui surgissent là où on ne l'attend pas.

Dubosc signe une comédie noire en forme de polar politiquement incorrect avec poésie et une puissance émotionnelle saisissante (à l'instar de cette danse romantique douce et réchauffante). Un nouveau virage stylisé magistral, une ode à la nature brute et à l'âme humaine torturée. En militant notamment pour la cause infantile que tous parents se doivent de préserver à tous prix.

On est happé par la magnificence des paysages jurassiens, filmés avec sensualité. Si bien que la caméra semble caresser les sapins, effleure la neige (parfois tâché de sang) et utilise l'ours comme catalyseur des fêlures cachées des personnages et de leurs actions illicites qui en découleront.

La mise en scène détourne les clichés grâce à l'humour, les ruptures de ton et à l'inventivité d'une narration irrésistiblement immorale, comme le fut "Fargo" ou "Un plan simple", toutes proportions gardées.

Franck Dubosc ne joue pas, il incarne son personnage maladroit, sans caractère, avec un humanisme sous-jacent presque poignant par moments parce que taiseux, dans la réserve, indécis, prude notamment. Il révèle à nouveau une palette d'émotions que l'on ne lui soupçonnait guère. Renforcé aujourd'hui de son charisme burinné plus photogénique que de coutûme, il s'affiche tour à tour fragile, hésitant, couillu, timoré puis enfin tendre auprès de sa rédemption amoureuse.

Benoit Poelvoorde, souvent associé à des rôles comiques, démontre à nouveau l'étendue de son talent dramatique avec nuance. Il incarne un gendarme paumé, un père divorcé en proie à des doutes sur sa virilité et surtout sa valeur en tant que père hanté par l'échec conjugal et parental. Sous la direction de Dubosc qui a su canaliser son énergie, Poelvoord brille par sa justesse et sa profondeur, autre pilier émotionnel d'une intrigue tortueuse en suspens que l'on ne peut anticiper.

Enfin, Laure Calamy révèle également une palette d'émotions autrement franches, trompeuses, décomplexées. Elle parvient à transmettre avec beaucoup d'aisance et de vérité la complexité des sentiments de son personnage anti-manichéen, naviguant entre la force de caractère et une certaine fragilité romantique qu'elle souhaiterait tant renouer.

Avec un Ours en peluche, et comme l'avait déjà démontré ses 2 précédents essais, Franck Dubosc s'impose comme un cinéaste à part entière. Car loin de ses débuts comiques ou autrement potaches, il signe une 3è fois une mise en scène toujours sensible, stylisée, élégante, inspirée. Un regard sincère sur la nature, sur les prolos faillibles et ce qui les ronge en silence, sans diction théâtrale aucune, tous comédiens confondus.

Une claque de cinéma qui donne envie de l'étreindre avec tendresse, humilité, reconnaissance.

Merci Franky, t'es le meilleur 😉

Récompense:

Prix du Public au Festival de Cine Francés de Málaga, 2024. 

Box Office au 02/05/2025: 1 473 871 entrées