Alien, la Résurrection / Alien: resurrection

de Jean Pierre Jeunet. 1997. U.S.A/Angleterre. 1h44. Avec Signourney Weaver, Winona Ryder, Dominique Pinon, Ron Perlman, Gary Dourdan, Michael Wincott, Kim Flowers, Dan Hedaya, J.E. Freeman, Brad Dourif, Raymond Cruz.
Sortie en salles en France le 12 Novembre 1997. U.S.A: 26 Novembre 1997.

FILMOGRAPHIE: Jean Pierre Jeunet est un réalisateur et scénariste français né le 3 Septembre 1953 à Roanne, Loire.
1978: l'Evasion (court), 1980: Le Manège (animation de marionnettes), 1981: Le Bunker de la dernière rafalle (court 26 mns coréalisé avec Marc Caro), 1984: Pas de repos pour Billy Brakko (court), 1989: Foutaises, 1991: Delicatessen (coréalisé avec Marc Caro), 1995: La Cité des Enfants perdues (coréalisé avec Marc Caro), 1997: Alien, la Résurrection, 2001: Le Fabuleux destin d'Amélie Poulain, 2004: Un Long Dimanche de Fiançailles, 2009: Micmacs à Tire-larigot.

                                    

Cinq ans après le troisième opus, christique et fiévreux sous la patte de David Fincher, c’est au tour d’un cinéaste français d’imposer son empreinte à l’univers ombrageux d’Alien. Deux cents ans après la mort de Ripley, des généticiens sans scrupules l’ont clonée, croisant son ADN avec celui de l’alien qu’elle portait. Subitement revenue à la vie, Ripley les avertit : les monstres issus de leurs manipulations sont une menace létale impossible à contenir. Avec l’arrivée imprévue d’un groupe de mercenaires, le chaos redouble : un alien s’échappe du laboratoire et contamine tout.

Dès le générique, mosaïque diaphane d’images macabro-charnelles, Jean-Pierre Jeunet imprime sa marque organique à ce nouvel opus, centré sur la singularité trouble de Ripley. Ressuscitée malgré elle, son psyché et sa chair corrompues par l’ADN alien, elle devient une hybride : force surhumaine, insensible à la douleur, viscéralement hantée par l’emprise d’une forme extra-terrestre perfide. Dans cette traque haletante, aux côtés de mercenaires claquemurés dans l’entraille du vaisseau, Ripley oscille : attirance maternelle pour ces monstres mutants, et fierté farouche de protéger encore l’espèce humaine. Ce quatrième volet puise son originalité dans ce profil interlope : symbiose impure que Jeunet transfigure en séquences baroques d’une beauté funèbre, comme ce moment où Ripley, souveraine et soumise, se laisse enlacer par les aliens - une étreinte organique, à la sensualité fascinante, que Cronenberg n’aurait pas reniée.

Entre séquences d’action superbement millimétrées (la poursuite aquatique oppressante !) et rebondissements perfides infligés à des personnages retors, Jeunet s’en remet à l’efficacité d’un récit sans temps mort. Il insuffle une poésie vénéneuse à son univers glauque : laboratoire grouillant de monstres difformes dignes du Dr Frankenstein, accouchement terminal d’un alien mi-homme mi-bête… L’horreur culmine quand Ripley découvre son double, clone monstrueux, agonie de chair en lambeaux se recomposant dans un râle de souffrance. Nouvelle posture, nouvelle coupe : Sigourney Weaver porte ce film sur ses épaules, transcendée par une ambiguïté qu’elle n’avait jamais effleurée. Habitée par ce rôle de clone asservi, elle provoque une empathie inattendue jusqu’à son apogée.

Face à elle, la grâce nerveuse de Winona Ryder étonne : humaine et artificielle à la fois, en écho troublant à la versatilité de Ripley. Dominique Pinon insuffle une gouaille pittoresque, Ron Perlman campe un guerrier rugueux et Brad Dourif, inquiétant, incarne un savant possédé par son rêve délirant de dompter ces bêtes indomptables.

                            

Une résurrection organique ! 
Superbement photographié dans des décors rubigineux autres, Jeunet réussit le pari risqué d’honorer une saga mythique. Moins substantiel que ses aînés, ce quatrième volet emporte pourtant l’adhésion par son rythme échevelé et son atmosphère trouble. Mais c’est surtout ce portrait de Ripley - nouvelle matriarche bâtarde, à la lisière du Mal - qui électrise la fascination et couronne ce requiem charnel.

Dédicace à Luke Mars.
15.08.11
Bruno Matéï. 4

Les critiques des autres opus:
Alien, le Huitième Passager: http://brunomatei.blogspot.fr/2012/04/alien-le-huitieme-passager.html
Aliens, le retour: http://brunomatei.blogspot.fr/…/aliens-le-retour-aliens.html
Alien 3: http://brunomatei.blogspot.com/2011/09/alien-3.html

En exclusivité ! l'avis antinomique de Luke Mars !http://darkdeadlydreamer.blogspot.com/2011/08/alien-resurrection-de-jean-pierre.html?showComment=1314779518672#c7065367581807074100

Note: Cet opus reçut un excellent accueil critique et public en Europe mais les réactions furent plus mitigées outre-Atlantique, notamment en ce qui concerne l’apparence de l’alien mi-humain.

Une des scènes les plus marquantes du film reste le passage filmé sous l’eau avec deux aliens qui nagent agilement vers un groupe de passagers tentant de quitter le vaisseau en passant par les cuisines inondées. Cette scène a été une des plus compliquées à tourner du fait que l’actrice Winona Ryder est ablutophobe (elle qualifie cette expérience de tournage comme « la pire de sa vie ») et qu’un grand nombre de prises a dû être réalisé. La préparation et le tournage ont demandé plus d’un mois de temps et cette séquence a été la première à être réalisée pour le film, comme on le découvre dans le making-off de la séquence, sur les bonus du DVD « Édition Prestige ».

Les effets spéciaux de cet épisode furent réalisés en majeure partie par une équipe française : la compagnie de Pitof, Dubois.

LA PLANETE DES SINGES: LES ORIGINES (Rise of the Planet of the Apes)

de Rupert Wyatt. 2011. U.S.A. 1h46. Avec James Franco, Tom Felton, Freida Pinto, Andy Serkis, Brian Cox, John Lithgow, Tyler Labine, David Hewlett, Sonja Bennett, Chelah Horsdal, David Oyelowo.    

Sortie en salles en France le 10 Aout 2011. U.S.A: 5 Aout 2011

FILMOGRAPHIE: Rupert Wyatt est un réalisateur et scénariste anglais né le 26 Octobre 1972.
2001: Subterrain. 2008: Ultime Evasion. 2009: Birdsong. 2011: La Planète des Singes: les Origines

                                       

ATTENTION !!! IL EST PREFERABLE D'AVOIR VU LE FIM AVANT DE LIRE CE QUI VA SUIVRE !

D'après le roman de l'écrivain français Pierre Boule, la saga La Planète des Singes fut un succès planétaire autour de cinq volets issus des années 70. Si au préalable, le chef-d'oeuvre de Franklyn J. Schaffner fut passé à la moulinette du remake (superficiel) par Tim Burton, Rupert Wyatt s'attelle à relancer la franchise avec cette préquelle dont les singes sont aujourd'hui digitalisés en performance capture. Un procédé numérique risqué mais toujours plus novateur de la part de l'éminente société Weta Digital de Peter Jackson. Dans un laboratoire scientifique, des chercheurs ont trouvé un traitement contre la maladie d'Alzheimer grâce à l'expérimentation d'une femelle chimpanzé. Les effets psychologiques sur l'animal sont stupéfiants, son activité cérébrale étant décuplée. Mais à la suite d'une violente rébellion d'avoir protégé la vie de son bébé, elle est abattue par le service d'ordre. Le chercheur Will Rodman décide d'éduquer en cachette le bébé primate en le ramenant dans sa demeure où loge également son paternel infirme. Rapidement, il s'aperçoit que le jeune chimpanzé est lui aussi doué d'une intelligence supérieure, ce qui l'amène à expérimenter en désespoir de cause le traitement sur son père souffrant d'Alzheimer. 

                                         

Après l'annonce prometteuse d'un trailer jouissif, voici la préquelle tant attendue par les fans curieux d'assister à l'insurrection de primates digitalisés. De prime abord, je tiens à acclamer l'exploit technique réalisé par la "performance capture" qui atteint ici un degré de réalisme aussi stupéfiant que le remake miraculeux de Peter Jackson, King-Kong ! La physionomie expressive des chimpanzés, gorilles ou orangs-outans, ainsi que la texture de leur fourrure poilue sont si réalistes qu'elle permettent "naturellement" de les humaniser avec une trouble acuité. La première partie illustrant la phase d'évolution de César éduqué par le chercheur Will Rodman (James Franco) face au témoignage médusé de son père, donne lieu à un florilège de séquences intimistes laissant libre cours à l'humanité craintive d'un chimpanzé doué d'intelligence supérieure. A titre d'exemple, sa manière de reluquer par la fenêtre de sa chambre la vie civilisée des êtres humains évoluant dans leur milieu urbain émeut le spectateur fasciné par son regard étrangement innocent et susceptible. Sa bonhomie altruiste de prêter main forte au paternel infirme (remettre à l'endroit une fourchette de table saisie à l'envers) ou encore les rapports affectueux entretenus avec son maître nous touche avec une vraie pudeur. L'empathie qu'il réussit à exercer à travers son comportement bienveillant nous captive irrémédiablement à chacune de ses apparitions. Durant le cheminement évolutif de César, le réalisateur va démontrer à quel point le sentiment d'injustice, la maltraitance et la soumission peuvent gravement concourir à changer un individu vers des pulsions vindicatives. Il démontre à quel point l'homme, instinctivement arrogant dans son estime de supériorité, souhaite dominer l'être inférieur au profit de sa cupidité et mégalomanie.

                                          

En ce qui concerne la révolte des singes, Rupert Wyatt nous entraîne dans une bataille frénétique à couper le souffle si bien que des centaines de primates pugnaces ont décidé de s'unir en force pour démontrer leur capacité physique et intellectuelle à s'opposer à notre dictature. Mais avant cet ébauche d'action, il y a les prémices où Caesar, belliciste, organise sa révolte par le langage des signes avec l'aide d'un orang-outan. A ce titre, il y a un moment clef particulièrement éloquent lorsque César dicte à ses confrères le premier mot vocal: "nooooooon" à l'asservissement ! Sa manière d'acclamer de façon virulente sa protestation contre le despotisme des hommes  (préalablement mis en cause par un gardien sadique) et d'engager une houleuse sédition se révèle aussi intense que poignante. Sachant que durant l'émeute, un accident mortel est (involontairement) perpétré à l'un des gardiens par Caésar, subitement conscient du dommage collatéral d'une riposte irréversible. Leur arrivée impromptue en pleine agglomération urbaine donne lieu à des séquences explosives incroyablement coordonnées chez la hiérarchisation des singes. Sans verser dans la violence brutale, ce point d'orgue très spectaculaire enchaîne des séquences d'actions virtuoses et nous suggère en sous-texte social un message pacifiste. Comme en témoigne l'épilogue auquel Caesar et ses comparses, à nouveau réfugiés dans la forêt, invoquent à Will leur désir de vivre en communauté au sein d'un environnement écolo, et donc à l'écart de l'homme et de leurs mégalopoles. Outre son excellente distribution, James Franco extériorise avec sensibilité un profond humanisme dans son affection allouée à la cause animale mais aussi à celle de son père atteint d'une maladie incurable. A moins de jouer aux apprentis sorcier pour tenter de le sauver d'Alzheimer ! John Litgow endossant le rôle de ce paternel infantile avec une vérité poignante dans sa conscience dégénérative.

                                     

Réflexion sur le pouvoir, sur l'instinct belliqueux de l'homme et sur l'inégalité des ethnies, La Planète des Singes: les Origines demeure un époustouflant spectacle homérique où l'émotion exponentielle est reine. Outre sa faculté à passionner le spectateur à travers ses thèmes profondément humanistes, il doit également sa réussite à des effets spéciaux ahurissants de réalisme afin de rendre crédible les singes numérisés. Du grand et beau cinéma d'une belle dignité et d'une intelligence mature au sein du Blockbuster habituellement lisse et formaté.    

13.08.11
Bruno Matéï.

Box-office:
Selon Box office mojo le film a réalisé 19,7 millions USD le premier jour d'exploitation et 54 millions de dollars pour son premier week-end. Il se classe premier devant Les Schtroumpfs et Cowboys vs Envahisseurs .
Au box office international pour son premier week-end, il arrive en 4^e place avec 23,8 millions de dollars de recettes. En France lors de sa sortie il est premier avec 3 938 entrées devançant Green Lantern.
Il enregistre le 5^e meilleur démarrage de 2011 devant pirate des caraïbes 4
Mondial: 120,790,607 US$

États-Unis : 77,375,919 $
International : 43,414,688 $
France: à Venir

 

La Proie

d'Eric Valette. 2011. France. 1h40. Avec Albert Dupontel, Alice Taglioni, Sergi Lopez, Stéphane Debac, Natacha Regnier, Caterina Murino, Zinedine Soualem, Serge Hazanavicius, Jean-Marie Winling.

Sortie en salles en France le 13 Avril 2011.

FILMOGRAPHIE: Éric Valette est un réalisateur et scénariste français né en 1967 à Toulouse.
2001: Dégustation (court). 2003: Maléfique. 2008: One Missed Call. 2009: Une Affaire d'Etat. 2010: Hybrid. 2011: La Proie

                                   

Eric Valette m'avait bien surpris avec Maléfique sorti en 2003, huis clos horrifique à l'ambiance d'inquiétude plutôt bien retranscrite. Mais là, avec son p'tit dernier focalisé sur l'actionner bourrin et le suspense haletant, je reste plutôt sur ma faim et assez déçu. Le Pitch: A deux mois de sa liberté, un braqueur de banque s'échappe de ses barreaux pour courser son ancien compagnon de cellule, un pédophile malencontreusement affranchi de sa culpabilité et ayant kidnappé sa fille. Les forces de l'ordre sont lancés à ses trousses. Ok pour la trame qui promet en interne des métropoles urbaines une intense partie de chasse à l'homme entre les forces de l'ordre, notre braqueur contrarié et un psychopathe licencieux. Mais dommageablement, les quelques invraisemblances et incohérences qui émaillent l'intrigue bondissante vont venir discréditer l'ensemble de l'entreprise. De surcroît, l'élément le plus répréhensible à souligner est encore plus gênant et s'oriente plutôt vers l'interprétation d'ensemble, aussi solide que semble présager des valeurs sures comme Albert Dupontel, Sergi Lopez ou Natacha Reigner. En effet, Eric Valette dirige maladroitement une direction d'acteurs pris en otage par leur maitre à penser. Un réal plus préoccupé à diriger d'excellentes scènes d'action joliment chorégraphiées et maintenir un suspense échevelé plutôt que de tenter de convaincre des enjeux dramatiques émanant des interprètes au destin fustigé. L'excellent Albert Dupontel semble cette fois-ci mal à l'aise dans la peau du braqueur au grand coeur et s'évertue tant bien que mal à offrir le minimum syndical dans ces agissements désespérés contre ses oppresseurs (flics et tueur). Alors que le pédophile interprété par Stéphane Debac plombe sérieusement la crédibilité de l'ensemble dans le stéréotype d'un psychopathe (intello à lunette à l'apparence docile) qui ne laisse aucunement transparaitre son côté délétère et insidieux. A contrario, Alice Taglioni assure une excellente composition musclée de femme flic vaillante, la seule comédienne adroite et naturelle (avec peut-être la présence secondaire de Sergi Lopez qu'on a connu largement plus persuasif !) réussissant à tirer son épingle du jeu.

                                   

Pour les amateurs d'action ludique du samedi soir, La Proie peut malgré tout trouver son public en faisant abstraction des grosses ficelles, incohérences et direction d'interprétation hasardeuse qui empiètent le récit. Car le divertissement, parfaitement rythmé et rondement mené réussit malgré tout à maintenir l'intérêt, d'autant plus que la violence rugueuse de certaines scènes surprend pas sa brutalité (le prologue dans la prison pendant l'évasion). Et même si une fois encore, le dénouement final prévisible, est assez téléphoné.

Pour l'anecdote subsidiaire: le générique de fin est superbement conçu dans une texture carminée stylisée.      

12.08.11
Bruno

                                    

RAMBO (First Blood)

de Ted Kotcheff. 1982. U.S.A. 1h33. Avec Sylvester Stallone, Richard Crenna, Brian Dennehy, Bill McKinney, Jack Starrett, Michael Talbott, Chris Mulkey, John Mc Liam, Alf Humhreys, David Caruso.

Sortie en salles en France le 2 Mars 1983, U.S.A: 31 Octobre 1982.

FILMOGRAPHIE: Ted Kotcheff est un réalisateur, producteur, acteur et scénariste canadien d'origine bulgare, né le 7 avril 1931 à Toronto (Canada). 1974: l'Apprentissage de Duddy Kravitz, 1978: La Grande Cuisine, 1982: Rambo, 1983: Retour vers l'Enfer, 1988: Scoop, 1989: Winter People, Week-end at Bernie's, 1992: Folks !

                                          

Réalisateur touche à tout, Ted Kotcheff explose le box-office en 1982 avec un film d'action révolutionnaire mettant en scène un vétéran du Vietnam de retour dans son pays mais rejeté par sa société. Le phénomène Rambo est né et son personnage iconique interprété par un Stallone en pleine ascension (la même année sort Rocky 3 !) va influencer un nombre incalculable d'ersatz à travers le monde. Retour sur un modèle du film d'action aussi jouissif et trépidant que sa première sortie officialisée le 31 Octobre 1982 ! Synopsis: John Rambo est un ancien béret vert de retour dans son pays après avoir combattu la guerre du Vietnam. Sur le sol américain, l'homme gratifié d'une médaille d'honneur est pris à parti avec un flic irascible et raciste. La tension entre les deux hommes va rapidement s'envenimer à tel point que le shérif décide de l'appréhender pour vagabondage et port illégal d'arme blanche. Au commissariat, après avoir été battu et maltraité, John Rambo parvient à s'échapper de ses assaillants pour prendre la fuite à moto en direction de la forêt montagneuse. Une chasse à l'homme est sommairement engagée !

                               

Lorsque l'on revoit 40 ans plus tard pour la énième fois cet illustre film d'action, on se rend compte à quel point ses ressorts de suspense, de tension et d'action échevelée étaient coordonnées à leur paroxysme. Parce que Rambo constitue un concentré d'émotions fortes, de par son rythme vigoureux d'une efficacité optimale. En y combinant l'aventure, le film de guerre, le survival, l'action et l'analyse sociale, Ted Kotcheff trouva la formule magique pour créer un nouvel archétype du divertissement moderne. Car sous argument social de la difficile réinsertion des soldats du Vietnam de retour dans leur pays, le réalisateur livre une impitoyable chasse à l'homme, faute d'une Amérique hostile envers l'étranger, car réfutant les marginaux d'apparence interlope. Après un prologue jubilatoire pour les rapports conflictuels entre un flic orgueilleux et notre briscard arrêté pour vagabondage, la première partie nous converge de plein fouet à l'haletant survival. Une traque improbable auquel un fugitif devra user de subterfuge et traquenards belliqueux pour sauver sa peau contre une armée de 200 soldats lancés à ses trousses. La mise en scène impeccablement maîtrisée rivalise d'adresse et d'efficacité en terme de courses poursuites incessante à travers bois d'une forêt montagneuse, transcendant ainsi la sauvagerie de ses paysages dantesques lors d'un saut dans le vide anthologique ! John Rambo, sévèrement rebelle contre l'hypocrisie condescendante des flicards, renoue donc avec son instinct guerrier pour reproduire la même situation de guérilla dans son pays dit civilisé. Pièges artisanaux, cachettes et camouflages de guerre sont savamment façonnés par un soldat à nouveau en guerre contre sa propre patrie.

                                    

Ce fantasme viril de l'homme inéquitablement traqué contre une armée réussit ici le prodige de contourner ses invraisemblances parmi l'agencement de situations censées et la conviction de la prestance humainement fouillée de Sylvester Stallone. En outre, les séquences d'action rondement menées et techniquement bien orchestrées éludent habilement l'outrance dans lequel elles auraient pu facilement se vautrer. A contrario, les péripéties endiablées et cascades impondérables vont louablement servir le cheminement de l'histoire avant que ne culmine un règlement de compte pyrotechnique au sein d'une urbanisation réduite à feu et à sang. Pour le coup, la chasse à l'homme inverse les rôles lorsque notre héros échappé d'une mine désaffectée décide de mener une véritable guérilla urbaine au coeur de sa paisible bourgade. Ce baroud d'honneur survitaminé déploie généreusement des séquences explosives toujours aussi spectaculaires et intenses avant de nous émouvoir lors d'un épilogue particulièrement bouleversant si bien que Stallone extériorise tout son potentiel dramatique. Un moment d'intimité névralgique démontrant en un laps de temps les stigmates de l'horreur inhumaine de la guerre, du traumatisme et des séquelles irréversibles assénés aux soldats du front. Ainsi, en pourfendeur contre l'autorité intolérante de son pays (les flicards sont constamment ridiculisés de par leur machisme primaire et arrogance déloyale), Ted Kotcheff recourt à la sobriété pour débattre son réquisitoire contre l'abus de pouvoir, l'injustice et la haine de l'autre.

                                   

Phénomènes à part entière dans le domaine du cinéma d'action contemporain, Rambo, le film, et Stallone, l'acteur, auront définitivement marqué la décennie 80 en renouvelant l'actionner sous couvert d'étude sociale. Ultra efficace et spectaculaire, haletant en diable, intense et bouleversant, Rambo confine au chef-d'oeuvre sans jamais perdre de vue l'humanité déchue de son personnage emblème. Un héros chevronné moralement blessé par l'irrévérence de sa terre d'accueil n'ayant aucun crédit pour la bravoure de ces anciens combattants. Inoubliable.

A Pascal, mon frère de sang...

Rambo 2: http://brunomatei.blogspot.com/2011/12/rambo-2-la-mission-rambo-first-blood.html

John Rambo: http://brunomatei.blogspot.fr/2015/04/john-rambo-rambo.html

10.08.11.
Bruno Dussart.

La Forteresse Noire / The Keep

de Michael Mann. 1983. U.S.A. 1h36. Avec Scott Glenn, Alberta Watson, Jurgen Prochnow, Robert Prosky, Gabriel Byrne, Ian Mc Kellen, William Morgan Sheppard, Royston Tickner, Phillip Joseph.

Sortie en France le 2 mai 1984, U.S: 16 Décembre 1983.

FILMOGRAPHIE: Michael Kenneth Mann est un réalisateur, scénariste et producteur américain né le 5 Février 1943 à Chicago. 1979: Comme un Homme Libre, 1981: Le Solitaire, 1983: La Forteresse Noire, 1986: Le Sixième Sens, 1989: LA Takedown, 1992: Le Dernier des Mohicans, 1995: Heat, 1999: Révélations, 2001: Ali, 2004: Collatéral, 2006: Miami Vice, 2009: Public Enemies.

                                      

Deux ans après Le Solitaire, Michael Mann transpose en 1983 le roman de Francis Paul Wilson, The Keep, récit fantastique illustrant la dualité du Bien et du Mal sur fond d’occupation nazie. Initialement prévue pour avoisiner les trois heures, La Forteresse Noire est réduite de moitié par la production, étranglée par un budget malingre. S’y ajoutent la mort du superviseur des effets spéciaux, un climat hivernal rigoureux, et les toquades de certains comédiens — autant d’accidents qui compromettent une œuvre ambitieuse à la réputation maudite. Aujourd’hui, La Forteresse Noire est enfin reconnue par une communauté de fans transis d’émoi, fascinés par sa fulgurance formelle et son impact musical résolument obsédant.

Quelques décennies après sa sortie, ce diamant noir, malmené par la vicissitude, reste d’une acuité ensorcelante.

Le pitch : avril 1941, Europe de l’Est. Dans les montagnes rocailleuses d’un village des Carpathes, une armée d’officiers nazis est dépêchée vers une mystérieuse forteresse. Cent huit croix de nickel y sont scellées dans les murs. Deux soldats trop curieux dérobent un crucifix, libérant sans le savoir une force occulte d’une puissance démoniale. Aussitôt, les Allemands soupçonnent les villageois d’avoir orchestré ces morts énigmatiques. Au même moment, un nouvel escadron de SS, dirigé par un capitaine castrateur, pénètre dans l’enceinte du hameau.

                                          

S’il fallait prouver le pouvoir d’envoûtement et de lyrisme de La Forteresse Noire, il suffirait de regarder son générique d’ouverture. Un plan-séquence vertigineux survole un ciel nuageux, plonge dans une mer de sapins géants, puis se fixe sur l’arrivée de véhicules militaires, habités de nazis vaniteux. Déjà, la partition prégnante de Tangerine Dream déploie un onirisme baroque, souligné par des ralentis limpides. Nappes synthétiques, séquences sourdes, motifs ambigus — tout contribue à installer une étrangeté permanente. En cinq minutes, Michael Mann nous projette de plein fouet dans une campagne roumaine conquise par mégalomanie. C’est la découverte de cette forteresse sinistre, bientôt investie par les nazis, qui ouvre les portes du Mal et de son dessein : anéantir le monde.

À travers un florilège d’images flamboyantes, scandées par une partition électronique lancinante (l’arrivée des nazis au village, la traversée maritime crépusculaire, l’étreinte torride des amants, la relation pudique entre l’historien et sa fille), l’atmosphère d’étrangeté s’épaissit. Les séquences s’impriment : la visite de la forteresse narrée par le prêtre, la première apparition de Glaeken, les offensives surnaturelles perpétrées la nuit, le climax apocalyptique noyé de brouillard. Hypnose pure, immersion dans un gothisme indicible. Les décors blafards et brumeux, issus d’une scénographie vampirique, ouvrent les portes d’un rêve éveillé d’une rare intensité émotionnelle.

                                               

Par l’agissement délétère d’un golem voué à l’achèvement du monde, Michael Mann superpose cette menace au spectre du nazisme, esquissant une réflexion sur l’instinct du Mal et son hypocrisie mécréante. Malgré les carences budgétaires, l’esthétisme formel — et le soin conféré à la physionomie de la créature, impressionnante de robustesse — nous confrontent à une odyssée funèbre traversée par une mélancolie existentielle. Les liens tendres entre le père impotent et sa fille prisonniers de la forteresse — tout comme l’orgueil des nazis — contrastent avec la perfidie d’un monstre protéiforme, impérieux, sans visage stable.
Opéra majestueux de sons et de lumières vaporeuses, La Forteresse Noire constitue une expérience cinégénique singulière. Ses défauts deviennent ses stigmates, et ses imperfections, les cicatrices d’un film littéralement hanté.

À la fois hypnotique et lyrique, envoûtant par son élégance formelle et mélomane, La Forteresse Noire transforme l’affrontement entre Bien et Mal en élégie sensorielle d’une intensité rare. Par sa mise en scène prodigieuse, Michael Mann sculpte des images subtiles, énigmatiques — chaque plan semblant émerger des ténèbres pour se suspendre dans le temps. Le film magnifie l’invisible, rend palpable l’indicible.

La partition de Tangerine Dream, éthérée, mélancolique, est bien plus qu’un simple accompagnement : elle est le souffle du film, sa chair sonore. Elle fusionne avec l’image dans un vertige atmosphérique fascinant. Certaines pièces, comme Arx Allemand ou Gloria, confèrent à l’œuvre une dimension mystique, presque liturgique, évoquant une lutte archaïque, hors du temps, entre puissances primordiales. Tangerine Dream ne commente pas — elle ressent, elle vibre, elle capte le déséquilibre cosmique d’un monde à la dérive.

                                         

Les comédiens, à la fois charismatiques et empreints d’une expressivité sobre, se fondent dans cette œuvre envoûtante. Scott Glenn, Gabriel Byrne, Ian McKellen, et la délicate Alberta Watson portent chacun à leur manière un fardeau d’amertume, une humanité déchue où les nuances de douleur et de résignation se jouent dans chaque regard, chaque geste. Chacun incarne une part de l’obscurité, une douleur silencieuse qui traverse les âmes comme un vent glacé. Leurs performances, à la fois discrètes et profondes, nous laissent une trace indélébile, comme si leurs personnages, tout en étant figés dans l’immobilité du film, continuaient à vivre, à souffrir, à lutter dans les recoins de notre mémoire.

La Forteresse Noire incarne la quintessence du fantastique moderne, où la sensibilité envoûtée se fait tour à tour ombre et lumière. Le film nous transporte dans un univers funéraire, presque irréel, où la frontière entre le réel et le surnaturel s'effondre, nous plongeant dans un rêve sombre et éphémère. La mise en scène de Mann est une poésie visuelle, un poème d’images qui nous enserre sans jamais nous laisser d’issue, nous laissant la sensation étrange d’avoir vécu un rêve trop bref, trop insaisissable. Avec ses 1h36 de projection, La Forteresse Noire déploie son univers tout en douceur, avant de nous laisser, comme un écho lointain, l’ivresse mélancolique du rêve brisé.

Une élégie éternelle.

Et pourtant, au-delà du simple visionnage, La Forteresse Noire perdure bien après le générique de fin. Son emprise émotive reste accrochée à nous, comme une invocation au gothisme folklorique surgissant des brumes du passé, un monde étrange, imprégné de mythes oubliés et de malédictions anciennes, qui continue de hanter notre esprit bien longtemps après que les lumières se soient éteintes.
Il est des films qui ne se contentent pas de nous parler pendant la projection, mais qui nous poursuivent, nous transpercent, nous hantent à jamais. La Forteresse Noire en fait partie. Une œuvre qui traverse le temps, telle une ombre persistante, une poésie noire qui se grave dans l’âme.

*Bruno 

09.08.11
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POLTERGEIST 3

de Gary Sherman. 1988. U.S.A. 1h44. Avec Tom Skerritt, Nancy Allen, Heather O'Rourke, Zelda Rubinstein, Lara Flynn Boyle, Kipley Wentz, Richard Fire, Nathan Davis, Roger May, Paul Graham, Meg Weldon.

Sortie Salle en France le 10 Aout 1988. U.S.A: 10 Juin 1988.

FILMOGRAPHIE: Gary A. Sherman est un réalisateur, scénariste et producteur américain né en 1943 à Chicago dans l'Illinois.
1972: Le Métro de la mort, 1981: Réincarnations, 1982: Descente aux enfers, Mystérious Two (TV film), 1984: The Streets (TV film), 1987: Mort ou Vif, 1988: Poltergeist 3, 1990: Lisa, After the Shock, 1991: Murderous Vision (TV film).

                           

Bruce et Patricia Gardner ont recueilli leur nièce, la petite Carol Anne, afin de lui faire oublier les visions de cauchemars qui la hantent. Mais la peur progresse au fur et à mesure que des événements étranges se produisent dans la tour où habitent les Gardner. Carol Anne voit resurgir son sinistre persécuteur, le prêcheur Kane, qui l'invite à le rejoindre dans l'au-delà. La fidèle Tangina, dotée de quelques pouvoirs surnaturels, tente de secourir la fillette.

                           

Pour faire concis, Poltergeist 3 est un mauvais film encore plus probant qu'à l'époque de sa sortie. Après un second volet assez médiocre, mais néanmoins sympathique par son esthétisme soigné, quelques scènes chocs impressionnantes et surtout le personnage iconique du pasteur véreux, Gary Sherman (inoubliable réal du Métro de la Mort, Vice Squad et surtout Réincarnations) prend la relève pour tenter de renouer avec la qualité du 1er volet. Après une première demi-heure quelque peu attrayante dans son ambiance gentiment inquiétante, le film va peu à peu se discréditer et s'empiéter dans une intrigue vaine complètement éculée malgré la bonne idée des miroirs déformants et d'une condition climatique glaciale matérialisée par les forces de l'au-delà ! L'idée couillue que l'enfer n'est plus qu'un royaume de glace était néanmoins beaucoup mieux exploitée dans le sympathique 976 Evil de Robert Englund. Les 40 dernières minutes vont enfoncer le clou dans ses maladresses imposées, faute d'un scénario inepte de "ouh fais moi peur" de pacotille avec une partie de cache-cache redondante et rébarbative entre les forces du Mal et nos héros piégés en interne d'une gigantesque tour de verre. Les excellents comédiens Tom Skerritt et Nancy Allen se demandent eux mêmes ce qu'ils sont venus foutre dans cette galère tant leur jeu risible sombre dans la parodie implicite, sans oublier certains personnages stéréotypés (l'hypnotiseur ou la médium naine, Zelda Rubinstein, d'ailleurs sélectionnée aux Razzy Awards). La scène réfrigérante de l'assaut des voitures congelées, coursant notre couple dans un parking souterrain, est sans doute le moment nanardesque le plus impayable du film. Malencontreusement, le score musical apathique donne l'impression lui aussi d'enfoncer le clou du rythme monocorde. A sauver, quelques scènes d'angoisse assez réussies dans sa première partie, l'interprétation toujours convaincante de la petite Heather O'Rourke et des FX ambitieux du plus bel effet.

                          

Une suite complètement à côté de la plaque donc, faute d'un scénario archi convenu (Sherman y est crédité parmi deux comparses !) et d'une mise en scène jamais inspirée, même si largement défavorisée par des conditions de tournage excécrables. Ce qui, du coup, permet de rehausser le niveau trivial du second volet.

In memoriam: Heather O'Rourke mourra peu après la fin du tournage d'un choc septique causé par la maladie de Crohn, à l'âge de 12 ans.

06.08.11
Bruno Matéï.

POLICE ACADEMY

de Hugh Wilson. 1984. U.S.A. 1h35. Avec Steve Guttenberg, Kim Cattrall, G.W. Bailey, Bubba Smith, Donovan Scott, George Gaynes, Andrew Rubin, David Graf, Leslie Easterbrook, Michael Winslow.

Sortie en salles en France le 5 Septembre 1984. U.S.A: 16 Mars 1984.

FILMOGRAPHIE: Hugh Wilson est un réalisateur, acteur et scénariste américain né le 21 Aout 1943. 1984: Police Academy. 1985: Rex le Magnifique. 1987: Pie Voleuse. 1994: Un Ange gardien pour Tess. 1997: Le Club des Ex. 1999: Allo, la police ?!. 2000: Première Sortie. 2007: Mickey

                                      

Spécialiste de la comédie tous publics, Hugh Wilson n'a pu prévoir qu'il allait engendrer avec son premier long une franchise lucrative répertoriant 6 suites. Une saga commerciale très inégale qui s'étalera une décennie durant (1984/1994). A sa sortie, le succès mérité de Police Academy est immense si bien qu'il engrange plus de 80 millions de dollars de recettes pour un budget de 4,5 millions. Hélas, les épisodes suivants régresseront en terme d'inventivité burlesque au point de lasser un public fatigué de subir des gags aussi gras. Mais il serait dommage d'occulter ce premier volet proprement hilarant et mené à un rythme effréné au point de la considérer comme un classique de la comédie américaine. Le pitch: Dans une académie policière, les règles de déontologie pour s'y inscrire viennent d'être édulcorées. Ainsi, des volontaires sont enrôlés afin de suivre un stage de quelques semaines et pouvoir exercer leur métier dans un avenir prochain. Mais la nouvelle équipe recrutée sera une lourde labeur pour le lieutenant castrateur Harris, pourtant déterminé à les recadrer avec une ferme autorité !

                                        

D'un argument saugrenu inspirée de faits réels (!?), la réussite de Police Academy doit sa franche réussite à cette idée improbable poussée ici à son paroxysme (aucun examen d'entrée n'est acquis pour s'inscrire dans l'académie), permettant d'y déployer abondamment une galerie de personnages tous plus débridés, incongrus et aliénés les uns que les autres. Le film se distingue en deux parties toutes aussi loufoques et hilarantes l'une que l'autre. C'est dans un premier temps la phase d'entraînement exercée par nos recrus qui nous ait illustré lors d'un florilège de scènes délirantes avoisinant en moyenne un gag à la minute. Puis vient l'entrée en action des nouveaux flics chevronnés car entraînés dans la discipline de fer d'un lieutenant aussi drastique que ballot. Le caractère hautement sympathique de ces policiers novices et l'ambiance survitaminée de défouloir qui émane de leurs bévues parviennent à rendre cette comédie gentiment effrontée et irrésistible !

                                     

Tant auprès de Mahoney (Steve Guttenberg), play-boy obtus, arrogant et désinvolte, adepte de la drague et de la flânerie, de Larvell Jones (Michael Winslow) capable d'imiter à la perfection à l'aide de sa bouche des bruitages extravagants, d'Eugene Tackleberry (David Graf), véritable clone de l'inspecteur Harry en mode psychopathe car obsédé par les armes à feu et maladivement addict à appréhender les gangsters les plus malfamés, de Moses Hightower (Bubba Smith), homme afro à la taille disproportionnée décuplant sa force physique de manière prodigieuse, que de la timorée Laverne Hooks (Marion Ramsey), petit bout de femme afro, discrète et anémique, à l'instar de sa voix chétive ! Enfin, je ne peux aussi manquer d'évoquer Debbie Callahan (Leslie Easterbrook) dans le rôle d'une capitaine de charme dominatrice, tendance SM, ou encore la charmante Karen Thompson (Kim Cattral, inoubliable compagne de Kurt Russel dans Les Aventures de Jack Burton...), future petite amie docile du dragueur invétéré Mahoney ! Ainsi, cette galerie de personnages haut en couleurs rivalise de stupidité à commettre les situations à risque les plus improbables qui soient. D'ailleurs, dans le domaine des gaffes les plus répréhensibles, leurs exactions se clôturent sur un épilogue pétaradant lorsque nos équipiers maladroits et froussards feront preuve de courage face à l'ébullition d'une émeute urbaine ! Action, poursuites et gags s'enchaînant jusqu'à la fameuse célébration d'une procession de récompense ovationnées pour nos héros malgré eux. Une remise de médaille d'honneur potentiellement méritante, du moins pour certains de nos officiers les plus retors.

                                   

Surtout ne les appelez pas quand vous êtes dans la M... !!!
Mené à 100 à l'heure sous l'impulsion hystérisée d'une troupe de comédiens sémillants à travers leur pitreries impayables, Police Academy peut sans conteste se targuer d'être l'une des meilleures comédies des années 80. Car sans doute influencé par l'immense succès des frères Zucker, Y'a t'il un pilote dans l'avion, on retrouve ici ce même esprit débridé inspiré du cartoon lors d'une pléthore de gags défilant en moyenne toutes les 30 à 60 secondes ! 

04.08.11.    3è.
Bruno Matéï.

RESERVATION ROAD

de Terry George. 2007. U.S.A. 1h42. Avec Jennifer Connelly, Joaquim Phoenix, Mark Ruffalo, Elle Fanning, Mira Sorvino, Eddie Alderson, Gary Kohn, John Slattery, Sean Curley.

Inédit en Salles.

FILMOGRAPHIE: Terry George est un réalisateur, scénariste et producteur britannique, né le 20 décembre 1952, en Irlande du Nord.
1996: Some Mother's Son
1998: A Bright Shining Lie (tv)
2004: Hotel Rwanda
2007: Reservation Road

                          

Hommage subjectif d'un puriste amateur affecté.
Après son drame inoubliable sur le génocide rwandais dans Hotel Rwanda, Terry George renoue trois ans plus tard avec une tragédie familiale d'une sobre intensité émotionnelle. Honteusement inédit en salles, Reservation Road aborde avec gravité et sans esbrouffe de pacotille l'impossible deuil de la perte d'un enfant, fauché accidentellement par une voiture dont le conducteur s'est résolu à prendre l'escampette. 

Ethan et Grace forment un couple harmonieux parmi la présence docile de leurs deux enfants équilibrés. Un soir, le fils est violemment percuté par une voiture roulant à vive allure. Le chauffard en question, un avocat qui accompagnait son fils chez son ex femme, décide de prendre la fuite, éprouvé d'une peur panique d'avoir perpétré un évènement aussi dramatique. Les parents anéantis par la mort de leur enfant décident désespérément de retrouver l'assassin présumé.

                            

Avec un sujet aussi grave et brûlant, la perte d'un enfant fauché par la voiture d'un conducteur inhibé par son acte répréhensible, Reservation Road aurait pu facilement sombrer dans le mélo pompeux et lacrymal. Avec l'intelligence d'un réalisateur humble et modeste, cette histoire en apparence convenue réussit à transcender ses conventions par la grâce tempérée des comédiens tous impliqués de manière prude et la dextérité de ne pas porter de jugement moralisateur sur le bourreau incriminé ou la victime éprise de justice individuelle.
Ce qui favorise la force et l'intensité du récit est centré sur ce duel psychologique entre deux père de famille antinomiques auquel nous allons suivre en parallèle leur état d'âme et leur blessure secrête fustigées dans la rancoeur, la haine, le désespoir et l'exutoire rédempteur.
Terry George réussit avec justesse et sans une once de complaisance à nous émouvoir à travers le destin brisée d'une famille qui était épanouie par l'aubaine conjugale affiliée à l'amour infantile. Après un préambule bouleversant dans l'homicide accidentellement perpétré envers un enfant, le réalisateur nous fait partager les douloureux moments de doute et d'angoisse d'un couple endeuillé, incapable de surmonter la mort de leur progéniture, frappée de plein fouet par la voiture d'un quidam lâche pour son acte involontairement criminel. Toutes ses séquences intimistes qui illustrent les relations tendues et orageuses envers le couple démuni au bord du marasme sont remarquablement mises en contraste avec le rapport affecté entre le chauffeur incriminé, un avocat réputé épris de tendresse pour son jeune fils séparé de l'union conjugale, réfugié dans la passion sportive du basket ball. A travers ces deux portraits de pères involontairement liés par un deuil familial, Terry George détourne la convention requise de l'assassin immoral éludé d'une quelconque repentance. En effet, il s'attache ici à accorder autant de profondeur aux victimes incapables d'assumer la mort de leur enfant mais aussi au criminel orgeuilleux finalement épris d'humanité envers l'amour paternel. Un rival tourmenté profondément perturbé par son acte irresponsable, constamment rongé par la culpabilité jusqu'à envisager la rédemption dans une cellule de prison en se livrant courageusement à la police.
En point d'orgue décisif et radical, Reservoir Road amène également une réflexion sur la justice expéditive et de quelle manière salvatrice un homme envahi par la colère, avide d'équité et d'impartialité, pourrait éventuellement changer d'avis en dernier ressort.

                          

Une fois de plus, le robuste Joaquim Phoenix délivre une poignante interprétation dans sa douleur surmenée d'un père endeuillé incapable de concevoir l'insouciance d'un chauffard en liberté.
Un homme traumatisé, replié sur lui même, hanté par l'iniquité mais insinueusement irascible dans sa détermination de prendre l'enquête à bras le corps contre l'impotence des autorités. A moins  d'entamer en désespoir de cause une démarche beaucoup plus radicale et expéditive dans son esprit autodestructeur de s'octroyer d'une justice individuelle suicidaire. La ravissante Jennifer Connelly apporte son soutien maternel avec une spontanéité dépouillée dans celle d'une mère submergée de douleur par cette tragédie fortuite mais un peu plus pondérée et nuancée dans sa quête chétive de renouer avec l'affection et la tendresse de leur vie maritale en chute libre. Leur rival indigne est endossé par l'excellent Mark Ruffalo, tout aussi impressionnant, pathétique et affligeant dans sa prise de remord et sa lourde conscience galvaudée par l'accident meurtrier d'une mort infantile. De prime abord, apeuré et faussement insidieux dans son égoïsme lattent, le criminel malgré lui va lentement se résigner à aseptiser son impardonnable faute d'avoir annihilé la vie d'un innocent juvénile.

                          

Remarquablement mis en scène sans effet de pathos et interprété avec une justesse de retenue par des comédiens essentiels, Reservoir Road est un bouleversant drame psychologique sur la perte chère d'un enfant brutalement soutiré à sa famille et sur la quête de justice qui en résulte pour la responsabilité de l'assassin laissé en liberté. Son message lucide de tolérance contre l'animosité souhaite énoncer que la seule raison de renoncer à la violence jusqu'au-boutiste est de savoir percevoir dans les yeux de son bourreau une potentielle lueur d'humanité pourfendue par le regret et la culpabilité.

Dédicace à Pascal Frezatto.
02.08.11.
Bruno Matéï.                        

STAKE LAND

de Jim Mickle. 2010. U.S.A/Australie. 1h38. Avec Connor Paolo, Nick Damici, Michael Cerveris, Danielle Harris, Kelly McGillis...

FILMOGRAPHIE: Jim Mickle est un réalisateur américain.
2002: The Underdogs (court)
2006: Mulberry Street
2010: Stake Land

                            

Quatre ans après son premier essai superficiel mais prometteur, Mulberry Street, Jim Mickle s'inspire d'une ambiance post-apocalyptique pour retracer la destinée d'une poignée de survivants, contraints de combattre une horde de vampires et tenir tête à une secte fondamentaliste. Ou quand La Route se serait affilié avec Near Dark. 

Dans un monde à l'agonie régi par des vampires, Martin est témoin du massacre de ses parents commis par ces créatures. Il est sauvé in extremis par un briscard solitaire, voyageur autonome circulant en véhicule au hasard des routes. Ensemble, ils vont parcourir différentes contrées bucoliques jusqu'à envisager de rejoindre le canada, nouvelle terre d'accueil pour les autres survivants.

                           

Jim Mickley avait déjà séduit avec son précédant métrage, Mulberry Street, première bande fauchée, maladroite mais pleine de bonnes intentions et privilégié par des personnages à la densité humaine probante. En 2010, il rempile derrière la caméra pour s'allouer d'un budget un peu plus conséquent et d'acteurs mieux confirmés pour livrer un road movie désenchanté auquel des vampires mutants ont envahi notre monde en phase de déclin.
Avec son ambiance nonchalante continuelle, ses décors désolés de paysages naturels blafards et d'un score élégiaque aux accords de piano timoré, Stake Land joue la carte de la compassion et de la désillusion. Autant avertir de suite ceux qui s'étaient envisagés d'assister à un film d'horreur bourrin dans le simple but de choquer et divertir, même si certains moments échevelés déploient sans concession des scènes gores bien sanglantes.
Cette série B modestement réalisée compense la maigreur de son budget par une habile utilisation de ces décors décharnés accentué par un climat maussade en clair obscur superbement photographié.
En suivant le cheminement d'un duo de survivants téméraires et courageux, le réalisateur souhaite retranscrire avec réalisme et poésie funèbre une hostile aventure humaine riche en imprévus et moults dangers face à deux menaces distinctes. Mister et le jeune Martin vont devoir s'allier pour combattre de prime abord les meutes de vampires planqués à n'importe quel abri et continuer leur voie au hasard des itinéraires envisagés. La mort putride suinte son odeur nauséeuse dans l'atmosphère impure, des cadavres calcinés jonchent les trottoirs de villages fantômes où certains survivants retranchés dans leur foyer tentent encore de repousser l'antagoniste fétide, incarnation du Mal occulte. Durant leur trajet, nos deux fuyards vont faire la rencontre de quelques quidams esseulés avec qui ils vont s'unir pour faire un bout de chemin commun. En prime de la menace perpétuelle des créatures voraces de la nuit, ils vont également devoir faire face à une communauté fondamentaliste fustigeant la vie humaine et ses voyageurs égarés qui osent empiéter sur leur territoire. Dès lors, le danger omniprésent est incessamment provoqué par notre groupe de fuyants, dépêchés de retrouver une terre nouvelle: le Canada.

                             

Avec une louable attention sur l'humanité de ses personnages, accentuée par la prestance tempérée de comédiens à la trogne naturelle,  Jim Mickle s'attarde avec empathie sur le destin de ces survivants qui iront jusqu'au bout de leur ambition pour retrouver un semblant de vie un peu plus paisible et moins délétère. La narration simple et sans surprise réussit pourtant à séduire dès son cruel préambule (les parents sacrifiés) et maintenir l'intérêt par la caractérisation des protagonistes. En intermittence, le réalisateur n'oublie pas pour autant d'accentuer un rythme plus frénétique émaillé de quelques scènes-chocs techniquement bricolées mais adroites et assez bien maîtrisées (en dehors de la vaine représaille d'un vampire vindicatif, ancien membre de la secte religieuse). On peut être quelque peu rebuté par le look insalubre des vampires monstrueux, sortes de mutants vulgairement burinés par un faciès défiguré couleur charbonnée. Mais leur esprit carnassier et la sauvagerie à laquelle ils font preuve pour décimer leur proie impressionne le spectateur convaincu de son caractère surnaturel. Mais c'est surtout son ambiance apocalyptique dans le sillage du superbe film, La Route, qui réussit facilement à immerger son public fidèlement rattaché au destin précaire de nos héros lamentés.
En prime, le portrait établi envers le jeune Martin (interprété par l'attachant Connor Paolo), orphelin endeuillé mais furtivement entraîné par son mentor chevronné, est une forme de parcours initiatique au vu de l'évolution finale de sa personnalité épaulée par une nouvelle recrue impromptue. Alors que son comparse éprouvé par ce climat morbide semble épris d'une autonomie drastique pour fuir égoïstement les régions contaminées, tel un nouveau fantôme errant. 

                          

Totalement orienté sur la dimension humaine de ces personnages chétifs autant que pugnaces, Stake Land traite fatalement de l'espoir, du courage et de l'union fraternelle pour tenter d'échapper à un monde en dégénérescence. De surcroît, si la violence qui en résulte engendre la violence, elle forge l'esprit devenu inflexible de celui qui a tenté de l'appliquer au nom de sa propre survie. Traversé de quelques scènes chocs spectaculaires, cette série B à la mélancolie prégnante réussit à toucher par l'amertume de son sujet. Un tableau noir dédié à l'humanité de notre civilisation davantage déshumanisée quand la fin du monde nous laisse songeur face à l'incertitude.

01.08.11
Bruno Matéï.

Kelly McGillis, Connor Paolo, Sean Nelson, Larry Fessenden, Jim Mickle, Nick Damici