Runaway, l'évadé du Futur (Runaway)

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Michael Crichton. 1984. U.S.A. 1h40. Avec Tom Selleck, Cynthia Rhodes, Gene Simmons, Kirstie Alley, Stan Shaw, G.W Bailey.

Sortie salles France: 7 Août 1985. U.S: 14 Décembre 1984

FILMOGRAPHIE (source Wikipedia): Michael Crichton est un écrivain, scénariste, producteur et réalisateur américain, né le 23 Octobre 1942, décédé le 4 Novembre 2008 à Los Angeles. 1972: Pursuit (télé-film inédit en France). 1973: Mondwest. 1978: Morts Suspectes. 1979: La Grande Attaque du Train d'or. 1981: Looker. 1984: Runaway, l'évadé du futur. 1989: Preuve à l'appui (Physical Evidence).

Un bijou d’anticipation irradié par sa photogénie nocturne.
Trois ans après Looker, Michael Crichton renoue avec la thématique de la robotique, qu’il avait déjà sublimée dans le cultissime Mondwest. Thriller futuriste alertant sur les dérives technologiques - ici, la micro-électronique détournée à des fins terroristes - Runaway puise sa force dans son traitement visionnaire et son extrême efficacité au sein d’un récit orthodoxe, rondement mené.
 

Synopsis : dans un avenir proche, un flic et sa partenaire sont confrontés à un inventeur de génie capable de transformer les robots domestiques en machines à tuer. Par l’entremise d’idées futuristes aussi ingénieuses que débridées (le robot preneur d’otage, les araignées métalliques, les missiles à tête chercheuse pilotés par une arme révolutionnaire), Crichton orchestre un divertissement solide, fertile en péripéties, si bien que l’action rebondit sans relâche dans une narration savamment planifiée.

Aucune esbroufe racoleuse, donc, mais des séquences haletantes (telle cette poursuite automobile contre des mines coureuses !) mises au service d’une trame simpliste, mais rigoureusement captivante. Les effets spéciaux de Mark Dornfeld tiennent encore la route par leur inventivité : les robots insidieux, jamais vus jusqu’alors, demeurent étonnamment crédibles.
Enfin, le duo formé par la charmante Cynthia Rhodes et l’excellent Tom Selleck - très à l’aise dans son rôle musclé de flic circonspect sujet au vertige - s’avère particulièrement attachant, nourri d’une réelle densité humaine. Leur complicité touchante culmine dans l’instant alarmiste où Karen se retrouve grièvement blessée à l’avant-bras par une micro-bombe, scène d’une intensité anthologique. On n’en dira pas autant de notre terroriste du futur, incarné par l’ex-chanteur de Kiss, Gene Simmons, qui cabotine avec une gouaille sardonique. Pourtant, son charisme israélo-américain se prête bien à sa personnalité frondeuse, et finit par amuser par son outrecuidance mégalo. Sa présence, en somme, demeure marquante, iconique, saupoudrée d’une dérision tacite.

Si Runaway arbore aujourd’hui un cachet rétro évident, il ne manque ni de style, ni de classe, ni de vigueur, et continue de fasciner par ses spécimens robotiques et ses gadgets destructeurs, au cœur d’une intrigue remarquablement troussée. La solide présence de Tom Selleck renforce encore sa facture attachante, dans cette figure de flic dévoué, en pleine initiation héroïque. Et son climat nocturne, entre envoûtement surréel et frisson onirique, nous ensorcelle la vue - non sans évoquer, parfois, New York 1997, par son atmosphère futuriste crépusculaire, saturée d’un score électro subtilement discret.
Quant au final vertigineux, au sommet d’une cage de chantier, il s’impose comme un autre moment anthologique : action inventive, tension infiniment oppressante, souffle pur du cinéma de genre. Un classique des années 80, toujours aussi fun, et fascinant.

— le cinéphile du cœur noir

17.02.22. 4èx

10.07.13. 

                                         

TRANCE

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site paperblog.fr

de Danny Boyle. 2013. Angleterre. 1h43. Avec James McAvoy, Rosario Dawson, Vincent Cassel, Simon Kunz.

Sortie salles France: 8 Mai 2013. Angleterre: 27 Mars 2013

FILMOGRAPHIE: Danny Boyle est un réalisateur Britannique, né le 20 Octobre 1946 à Manchester.
1994: Petits Meurtres entre amis. 1996: Trainspotting. 1997: Une Vie moins Ordinaire. 2000: La Plage
2002: 28 Jours plus tard. 2004: Millions. 2007: Sunshine. 2008: Slumdog Millionaire. 2010: 127 Hours. 2013: Trance

Pour son nouveau long-métrage, Danny Boyle renoue avec le thriller cynique préalablement exploité avec son premier essai, Petits meurtres entre amis.

Le Pitch: Durant une mise aux enchères, un commissaire-priseur est témoin d'un vol de tableau perpétré par le leader Franck. Au moment d'une altercation pour la disparition subite de la toile, Simon est frappé à la tête par son agresseur et se retrouve amnésique. Accusé par Franck et ses sbires d'avoir dérobé la peinture, il est contraint de contacter une hypno-thérapeute afin de retrouver la mémoire pour pouvoir dévoiler sa fameuse planque.

Thriller à suspense d'une efficacité exponentielle, Trance est façonné à l'instar d'un puzzle dans un dédale de faux semblants, jeu de miroirs et jeu de pouvoir où la manipulation cérébrale est reine. Toute l'intrigue se focalisant essentiellement autour d'un trio d'amants véreux. Deux rivaux compromis au charme d'une énigmatique thérapeute, délibérés à retrouver sous son allégeance le fameux magot d'un tableau d'art. Dans une mise en scène stylisée hyper travaillée, Danny Boyle véhicule une imagerie high-tech au design moderniste où les teintes polychromes se parent d'une élégance expressionniste. Avec l'habile emploi d'une structure narrative déstructurée, il nous projette dans une intrigue tortueuse auquel trois antagonistes n'auront de cesse de nous triturer les méninges, à savoir qui est le véritable imposteur tirant véritablement les ficelles de cette énigme à tiroirs. Avec plaisir masochiste, le réalisateur use et abuse de rebondissements fortuits afin de semer doute et confusion et semble notamment expérimenter un semblant d'hypnose avec le spectateur. A savoir que durant la projection, la plupart des épisodes suspicieux qui traversent le récit découlent des expériences d'un sujet mis sous sommeil artificiel. Par des séances récurrentes de transe, l'un de nos antagonistes va se retrouver compromis à un état de conscience altéré impliquant un dédoublement psychique de sa personnalité. Cet état second, Danny Boyle en profite pour semer l'illusion de la réalité sans jamais nous avertir de sa rationalité. En combinant hallucinations, rêve et réalité, il nous égare donc dans un dédale de simulacre où le mensonge et la manipulation d'esprits cupides vont engendrer une paranoïa collective. 

C'est dans sa dernière partie échevelée que Trance va redoubler d'intensité haletante pour enfin nous dévoiler sa supercherie dans un maelström d'émotions rudes (on passe de l'angoisse et la panique au malaise viscéral et l'empathie poignante.

Jeu de pouvoir
Original, surprenant, déroutant et retors, Trance intrigue et captive avec l'élaboration d'un scénario machiavélique où chaque antagoniste n'est jamais celui que l'on pense connaître. Pourvu d'une mise en scène inventive et d'un esthétisme pictural aux figures géométriques, ce thriller parano culmine sa chute dans un point d'orgue étourdissant de révélations. C'est justement au moment propice de cette délivrance que le film peut enfin négocier un nouveau défi ! 

Sensuel et brillant !

04/07/13

Bruno Matéï

Spring Breakers

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site pariscine.com

de Harmony Korine. 2012. 1h34. US.A. Avec James Franco, Vanessa Hudgens, Selena Gomez, Ashley Benson, Rachel Korine, Heather Morris.

Sortie salles France: 6 Mars 2013. U.S: 22 Mars 2013

FILMOGRAPHIE: Harmony Korine est un réalisateur et scénariste américain, né le 4 Janvier 1973 à Bolinas, Californie. 1997: Gummo. 1999: Julien Donkey-Boy. 2007: Mister Lonely. 2009: Trash Humpers. 2013: Spring Breakers.

Le "Breakfast Club" des années 2000. Jean Baptiste-Thoret.

Déjà responsable d’un authentique film culte indépendant (Gummo), Harmony Korine nous projette, avec Spring Breakers, dans l’univers factice d’un congé printanier où une jeunesse insouciante s’abandonne sans réserve à la décadence. Cette parenthèse, née en Amérique du Nord, offre à des milliers d’étudiants l’ivresse de fêtes sans limites avant l’angoisse des examens. Le phénomène, baptisé Spring Break, s’est répandu au-delà des frontières (jusqu’en France), symbole estival où sexe, drogue et alcool débordent, malgré les tragédies : overdoses, comas éthyliques, viols sur corps trop vulnérables. Avec son affiche racoleuse et son trailer explosif, Spring Breakers pouvait inquiéter le cinéphile averti, flairant un Projet X déguisé en provocation putassière. Que nenni ! L’expérience se révèle un gouffre bipolaire : impossible de savoir où se raccrocher pour échapper au malaise.

Le pitch : quatre godiches braquent un fast-food pour financer des vacances féeriques en Floride. Sur place, elles croisent un rappeur crapuleux qui les guidera vers une délivrance suicidaire.

Voici, en quelques lignes, une trame classique, taillée pour ados. Mais sous l’avalanche des clichés attendus (sea, sexe, sun, alcool and coke !), la réalisation expérimentale de Korine — au montage frénétique, digne parfois de Tueurs Nés — dynamite tout. Les conventions s’effritent : place à un bad trip onirique, frôlant la métaphysique. Peu importe la minceur du scénario : seule compte l’expérience sensorielle, l’aura insolite, la respiration spirituelle, l’atmosphère de torpeur qui irrigue l’âme de ces filles égarées. Avec une force émotionnelle piquante car hybride et contradictoire, Spring Breakers raconte leur dérive, leur soif d’un ultime paradis pailleté face à la grisaille d’une vie sans saveur. Leur faim de bonheur, leur appétit d’épanouissement, leur rêve d’un avenir insouciant les poussent vers le vice, sous la coupe d’un « penseur » névrosé (James Franco, hypnotique dans sa cool attitude triviale). Transgresser la morale, consumer chaque seconde, brûler la vie à coups de poudre, de sexe et d’adrénaline : bâtir son paradis artificiel. Cette atmosphère de poésie crue et de désillusion imprègne la pellicule, jusqu’à nous immerger dans une transe hypnotique où le néant crépusculaire culmine à la déroute. No future pour une innocence sans boussole, papillonnant vers un no man’s land.

"Fleurs vénéneuses sous le soleil de Floride".
On ne sort pas indemne de la contemplation de Spring Breakers : une léthargie diffuse nous endeuille tout du long. Constat amer d’une jeunesse muette, éblouie par les paillettes et l’extase éphémère, le film est un voyage métaphysique au bout d’une nuit sans aube. Sa flamboyance formelle, sa mise en scène virtuose et la bande-son — à la fois cotonneuse et tonitruante — infusent malaise, aigreur, et une mélancolie poignante. Beaucoup, déboussolés, n’y verront qu’un écran vide ; d’autres, le cœur entrouvert, auront du mal à se relever du cri de révolte de cette jeunesse sans morale ni repentance.

10/10

*Bruno

03.07.13. 25.22.20

«Spring Breakers», poétique de l’idiotie

Par Jean-Baptiste THORET, Historien et critique de cinéma — 2 avril 2013 à 19:06

Des images d’étudiantes en bikini, trémoussant leur booty au ralenti sur des plages bondées, et tout autour, des grappes de jeunes mâles bronzés comme des homards, tous pectoraux sortis, versant sur elles de la bière comme s’ils urinaient en hurlant des «Yeah !». Ainsi s’ouvre le film Spring Breakers, sorti le mois dernier : par un gigantesque rêve (ou cauchemar) éthylique et partouzard, un précipité génial des images industrielles qui composent ce qu’on appelle, faute de mieux, la pop culture mondiale. Spring Break ! Moins le refoulé d’une société occidentale d’autant plus puritaine qu’elle s’est intégralement sexualisée - ici, plus besoin d’un psy pour vous expliquer que le gun, c’est le phallus, «Look at My Shit !» glapit le dealer gangsta-midinette du film qui pianote du Britney Spears (Disney et Snoopy Dog, même combat) - qu’une forme de convivialité fantôme et autistique : le rêve de l’identité s’achève ici dans l’indifférence. «Yeah !» version originale de notre «Yes !» national, interjection performative qui évoque le «Eureka !» crié par le héros de la nouvelle éponyme d’Edgar Poe : «J’ai trouvé !» Mais quoi ?

Spring Breakers se branche à merveille sur l’humeur et la folie absurde de notre époque, fascinée par le fun et le rien, la performance (corporelle, sexuelle, éthylique) et l’agitation, la surface et l’idiotie, au sens où Clément Rosset l’entend : «La rencontre d’un but absolument déterminé et d’une motivation absolument manquante.» Comme le zombie, autre icône de notre époque, passée en quarante ans des marges du genre et de la critique politique, les créatures de la Nuit des morts-vivants, encore dépositaires d’une utopie alternative, au centre d’une société de consommation qui les décline, les dévitalise ad nauseam en séries, clips, films, publicités et happenings familiaux. Soit ces fameuses zombie walks au cours desquelles papa, maman et le fiston déambulent dans les rues, déguisés en morts-vivants friendly. Les morts-vivants, canal historique, voulaient dévorer l’ancienne société parce qu’ils portaient (à leurs corps défendant) un désir de changement. Quatre décennies plus tard, le processus s’est inversé : c’est nous qui imitons les zombies, manière de pastiche qui masque surtout une formidable dénégation de ce que nous sommes devenus. Le Spring Break ou comment se délester du poids de ce qu’on est pour embrasser l’identité nulle d’un collectif de zombies fêtards. En 1988, un slogan publicitaire vantant les mérites d’une célèbre marque de sport - «Just Do It» - avait pointé l’essence de ce consumérisme idiot. «Do It For What ?». Faire la preuve de sa propre vie, sans autre finalité que de montrer qu’on est capable d’y arriver, tel un canard (un zombie ?) sans tête qui continue d’avancer (de bouffer ?), mais pour rien, au-dessus du vide, jusqu’à l’épuisement physique.

L’hédonisme insignifiant que célèbre en accéléré le Spring Break, la forme souvent grotesque que prennent les plaisirs recherchés (fumer un joint par l’anus d’un nourrisson en plastique) découle de cette jouissance contrainte imposée par la logique capitaliste et sa hantise de ne pas consommer comme et avec les autres. Spring Breakers est, à n’en pas douter, un film en avance sur son temps, autrement dit à l’heure, pour reprendre la belle expression de Serge Daney à propos du Bon, la Brute et le Truand de Sergio Leone. A l’heure des années 2000 comme Easy Rider le fut à celle des années 60, Scarface des années 80 et Tueurs nés dix ans plus tard. Regarder Spring Breakers, c’est se retrouver au bord d’un gouffre, essoufflé, à se demander comment on en est arrivé là (Woodstock 2.0 ?) mais c’est surtout se demander pourquoi la contemplation du vide et du mauvais goût, du niveau zéro de la culture de masse, produit malgré tout une forme d’envoûtement, de poésie, voire de fascination. S’agit-il de cette extase que Baudrillard, dans les Stratégies fatales, décrivait comme «cette qualité propre à tout corps qui tournoie sur lui-même jusqu’à la perte des sens et qui resplendit alors dans sa forme pure et vide» ?

Si Harmony Korine a su trouver la bonne distance par rapport à son sujet, à la fois empathique et excentré, c’est qu’il a compris une chose, essentielle : pas de meilleur commentaire sur les images et le monde contemporain que le remake de ces mêmes images. Au fond, le tract, le pastiche, l’indignation, la satire, la dénonciation sont des armes critiques d’un autre temps. La querelle byzantine n’est plus : l’iconodule est aujourd’hui le meilleur des iconoclastes. L’intelligence critique du réalisateur de Gummo consiste à avoir embrassé exactement la forme de son objet. Le baiser est là, mais envoûtant et froid comme celui du tueur. Parties de rien et arrivées nulle part, les quatre adolescentes du film rêvent de pouvoir mettre sur pause ce présent perpétuel, de s’y installer pour toujours («Forever»), à l’abri de l’Histoire et du monde. Mais grâce au montage (effets de retard et de bégaiement du récit qui semble ne jamais décoller), Korine introduit au sein de cette irréalité amniotique et immersive, le sentiment du temps qui passe : l’accumulation des signes du bonheur ne fait pas le bonheur et la satisfaction virtuelle («Just Do It») bute bientôt sur un principe de réalité.

Au fond, les images industrielles se consomment sans rétribution, même symbolique : finir par tuer un dealer qu’on connaissait à peine, reprendre la route, et après ? Et alors ? C’était donc ça ? Au terme de toutes ces images, un objet perdu nous aveugle. Et la plus violente des critiques prend la forme de la mélancolie qui étreint celui, ou celle, qui réalise qu’il n’y a pas de secret. Heureux sont les zombies ?

Jean-Baptiste THORET Historien et critique de cinéma

L'avis de Mathias Chaput:
"Spring breakers" est avant tout un film choc, bien plus malin et intelligent qu'il pourrait paraître...
Un piège se referme sur les jeunes filles, aussi bien que sur le spectateur, appâtées par le gain et le sexe, pensant se "trouver" alors qu'au final elles se "perdent"...
Le folklore du gangster à la Tony Montana est de nouveau perpétré dans le film avec un côté moins viscéral que fun, doublé par l'inconscience de personnes désoeuvrées et paumées dans l'âme, ne pouvant qu'observer une issue funeste d'une noirceur absolue...
Il y a un côté pathétique et touchant en même temps dans "Spring breakers" au carrefour du polar moderne et de l'étude de moeurs ciselée, où s'articulent des thématiques comme la consommation de produits addictifs (la drogue, l'alcool mais aussi la vénalité et la perversion sexuelle) et la désespérance d'une jeunesse prise entre le marteau de l'intégration et l'enclume de la tentation d'une vie festive...
D'une réalisation fluide et rapide mais parfaitement lisible, "Spring breakers" est un métrage hybride, à mi chemin entre film expérimental et traditionnel, doté de comédiens en roue libre qui semblent "vivre" leurs rôles comme dans le réel...
Cauchemar crédibilisé par l'émotion des trois héroïnes qui perdent pied rapidement et se "réfugient" dans la violence comme d'autres trouveraient un exutoire afin de pallier à leurs angoisses, Korine trouve la force nécessaire pour insuffler de l'innocence à ces créatures qui en sont dépourvues, sorties de l'adolescence et en mutation transitoire entre l'âge adulte affirmé et les repères éclatés, se cherchant et pensant se trouver dans cette vie anarchique et superficielle, que leur propose Alien...
A la fois axé sur la tentation et le délabrement, il manquerait juste un côté initiatique au film, il est exempt de la moindre rédemption vis à vis des héroïnes, ce qui accentue et amplifie de fait le malaise provoqué chez le spectateur et fait ressortir ce dernier collapsé à la fin du visionnage...
"Spring breakers" est assurément un grand film qui laisse une empreinte, qui s'ancre bien dans son époque et qui ose toutes les transgressions pour appuyer son propos de manière très rigoureuse...
Une belle réussite !

Note: 9/10

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site aceshowbiz.com

SUICIDE CLUB (Jisatsu Circle)

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site horror-movies.ca

de Sion Sono. 2002. Japon. 1h43. Avec Ryo Ishibashi, Akaji Maro, Masatoshi Nagase, Saya Hagiwara, Hideo Sako, Takashi Nomura, Tamao Sato, Mai Hosho.

FILMOGRAPHIE: Sion Sono (園　子温, Sono Shion) est un écrivain, poète, réalisateur et scénariste japonais, né en 1961 à Toyokawa.
1990: Bicycle Sights. 1992: Heya. 1997: Keiko desu kedo. 1998: Kaze. 1998: Dankon: The Man. 2000: Seigi no Tatsujin Nyotai Tsubo saguri. 2000: Utsushimi. 2002: Suicide Club. 2005: Comme dans un rêve. 2005: Noriko's Dinner Table. 2005: Strange Circus. 2005: Hazard. 2006: Jikô Keisatsu (série TV). 2007: Exte: Hair Extensions. 2008: Love Exposure. 2009: Be sure to share. 2010: Cold Fish. 2011: Guity of Romance. 2011: Himizu. 2012: The Land of Hope.

Le Japon est perçu en Occident comme le pays du suicide. Depuis une quinzaine d'années, on assiste à une moyenne annuelle de 30 à 35 000 suicides faisant du pays l'un des taux les plus importants pour les pays industrialisés. Le suicide touche toutes les catégories sociales. Les enfants ne sont pas épargnés et les femmes sont de plus en plus touchées depuis quelques années. Si chez nous le suicide est considéré comme un pêché absolu et un tabou, au Japon il est une méthode honorable pour se sortir de problèmes ou pour faire face à l'adversité (à l'image séculaire des anciens samouraïs qui pratiquaient le fameux Hara-kiri !).
Pour les 40/60 ans, il s'agit principalement de raisons liées au travail ou d'ordre économique.
Depuis les années 90, le taux de chômage a augmenté au Japon même si celui ci reste globalement en dessous de ce que l'ont peut connaître en occident. De nombreux hommes japonais en ont néanmoins décidé que la seule façon de faire face à la paresse était de se suicider.
Pour comprendre ce phénomène il faut savoir que pour le japonais le travail c'est la vie et la vie c'est le travail. Une existence sans travail ne rime à rien, c'est pourquoi les hommes de 70 à 80 ans continuent de travailler. Les enfants travaillent plus que leur mère et ne peuvent pas jouer. ils pèsent sur eux une volonté de réussite très importante de la part de leurs géniteurs et des professeurs. La société japonaise fonctionne sur le groupe, il est très difficile pour des jeunes de trouver leur place au sein de cette société ou prime l'effet de groupe. Internet a favorisé le suicide chez certains jeunes et il existe même un manuel du suicide écrit par un illustre japonais. Le suicide en groupe s'inspire parfois de ce manuel et privilégie la mort par brique de charbon. En inhalant les émanations toxiques, ils finissent par mourir d'une manière apparemment moins douloureuse que les autres méthodes traditionnelles.

Voilà donc ce que nous révèle Julien Sévéon dans les bonus du dvd, Suicide Club. Une oeuvre choc filmée à la manière d'un documentaire au vitriol, un coup de poing cuisant, un cri de révolte contre le malaise existentiel d'une jeunesse déboussolée. Avec beaucoup de provocations, une ironie macabre dérangeante et l'intrusion de comptines caustiques chantonnées par des enfants ou des frondeurs extrémistes, Suicide Club provoque un malaise anxiogène grandissant au fil de sa narration impromptue. Si le film ne peut faire l'unanimité et rebuter le spectateur non averti ou réfractaire à tant de sarcasme morbide, sa charge incisive sur le constat social d'un Japon déshumanisé ne peut laisser indifférent et nous laisse dans un état d'aigreur asphyxiant. A l'image caustique de son épilogue salvateur militant pour l'harmonie amoureuse d'une union conjugale afin de se débarrasser de nos souffrances inhérentes et pouvoir renouer avec l'existence.
La réalisation bricolée de manière désordonnée et le jeu improvisé des acteurs s'unifient afin de transporter le spectateur dans une expérience insolite, entre éclaboussures de sang et fragments de tendresse désespérés. C'était une impulsion, une fureur punk évoquera le réalisateur qui avait préalablement connu une enfance particulièrement douloureuse !

Profitez tous de la vie !

Nous savons si peu de choses. Qu'arriverons nous à savoir, en fin de compte ? Tous les jours, nous appuyons sur des boutons qui déclenchent un million de commandes différentes. Si seulement tu voulais bien te confier à moi et me dire ce que tu ressens vraiment. Peut-être saurais-je alors te tendre la main. C'est à la fois effrayant et si exaltant de s'ouvrir aux autres et de sentir la richesse de la vie.  La notre et celle des autres. Laisse toi aller à la vie, abandonne toi à l'amour. Laisse toi guider par les souvenirs. Il te faudra juste un peu de sensibilité et de courage ! Reviens sur tes pas et n'hésite pas à tout recommencer, même si tu sens que tu n'es pas toujours dans le coup ou que tu crains que ta vie soit entre de mauvaises mains. Si par chance, tu partages les sentiments que j'éprouve pour toi, viens te nicher au creux de mon coeur. Ensemble, nous saurons affronter les ténèbres. C'est à la fois si effrayant et si exaltant. Alors, veux-tu vraiment me dire "au revoir" et me laisser toute seule et malheureuse ? Laisse toi aller à la vie, abandonne toi à l'amour, laisse toi guider par les souvenirs.
En avançant ensemble, nous finirons par oublier la douleur. Et nous saurons retrouver la vie.

02.07.13
Bruno Matéï

PUPPET MASTER

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site shockya.com

de David Schmoeller. 1989. U.S.A. 1h29. Avec Paul Le Mat, William Hickey, Jemmie F. Skaggs, Robin frates, Irene Miracle.

FILMOGRAPHIE: David Schmoeller est un acteur, monteur, producteur, réalisateur et scénariste américain, né le 8 décembre 1947 à Louisville, dans le Kentucky (Etats-Unis).1976: The Spider will kill you (Court-Metrage). 1979: Le Piège (Tourist Trap). 1982: The Seduction. 1986: Fou à Tuer. 1988: Catacombs. 1989: Puppet Master. 1991: The Arrival. 1992: Le Rebelle ("Renegade"). Série TV. 1992: Netherworld. 1998: The Secret Kingdom. 1999: Please Kill Mr Kinski. 1999: Search for the Jewel of Polaris: Mysterious Museum (télé-film).

Premier volet d'une série inégale répartie en 5 volets, Puppet Master renoue avec le conte horrifique sous l'égide de poupées de bois surnaturelles ! En 1939, André Toulon se suicide d'une balle dans la tête après avoir redouté l'arrivée de deux nazis daignant s'emparer de son fameux secret. Pour cause, selon un rite égyptien, ce fabriquant de poupée aurait réussi à insuffler la vie à quelques uns de ces modèles. 1989. Une équipe de parapsychologues sont invités dans l'ancienne demeure d'André Toulon. Les puppet master ne vont pas tarder à persécuter ces nouveaux hôtes. Après sa pièce maîtresse Tourist Trap et l'excellent Fou à Tuer, David Schmoeller nous offre avec Puppet Master  une attachante série B bonnard. Car à partir d'un scénario académique dépourvu de surprises, le réalisateur nous concocte un simple divertissement fondé avant tout sur l'efficacité de ces agressions sanglantes et d'un climat étrange tantôt surréaliste (les séquences de rêves que l'un des héros perpétue à deux reprises).

Mais surtout, parmi la physionomie inédite de ces poupées diaboliques douées de vie, Puppet Master renoue d'une certaine manière avec la tradition féerique du conte de notre enfance. Le soin consciencieux imparti à l'apparence bien distincte de ces personnages de bois nous provoque une fascination renouant avec nos réminiscences infantiles. Les effets spéciaux mécaniques, souvent réalisés en stop motion, s'avèrent scrupuleusement réalisés si bien qu'ils renouent avec l'outil artisanal afin d'extérioriser une forme de poésie vétuste. Tant auprès de la fillette cracheuse de limaces, la tête d'épingle aux énormes poings, le polichinelle à tête perforeuse ou encore le tueur giallesque au couteau acéré. Tous ayant comme particularité de décimer leur partenaire d'une manière aussi bien spécifique qu'insolite, et ce à travers leur esprit autonome bâtie sur l'extravagance. Enfin, sa mélodie entêtante composée par A. David Marshall accentue agréablement son cachet de séduction en insistant sur l'attrait enchanteur de ces poupées irrésistiblement insidieuses.

Si Puppet Master est loin de laisser un souvenir impérissable, faute d'un scénario sommaire et d'un jeu d'acteurs conventionnel pour autant attachant (la présence monolithique de Paul Le Mat nous amuse autant qu'elle nous agace dans ses exclamations inexpressives), il reste néanmoins un bon divertissement à travers la fonction belliqueuse de ces poupées tueuses décomplexées. 

* Bruno
01.07.13. 3èx

Looker

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

de Michael Crichton. 1981. U.S.A. 1h33. Avec Albert Finney, James Coburn, Susan Dey, Leigh Taylor-Young, Dorian Harewood, Terri Welles, Kathryn Witt, Ashley Cox.

Sortie salles France: 6 Juin 1984

FILMOGRAPHIE (source Wikipedia): Michael Crichton est un écrivain, scénariste, producteur et réalisateur américain, né le 23 Octobre 1942, décédé le 4 Novembre 2008 à Los Angeles.
1972: Pursuit (télé-film inédit en France). 1973: Mondwest. 1978: Morts Suspectes. 1979: La Grande Attaque du Train d'or. 1981: Looker. 1984: Runaway, l'évadé du futur. 1989: Preuve à l'appui (Physical Evidence).

"Publicité pour un monde sans âme".

Thriller d’anticipation préoccupé par les dérives technologiques, Looker préfigurait déjà l’ère de la réalité virtuelle et les dangers insidieux de l’audiovisuel. En l’occurrence, le pouvoir de la publicité et sa tentative, toujours plus pernicieuse, d’« hypnotiser » le spectateur à l’aide d’un procédé révolutionnaire destiné à mieux l’asservir à une politique totalitaire. Le “looker”, pulsation optique générée par ordinateur et synchronisée au rythme cortical, induit un état de transe auto-hypnotique, suggestive. Pour leurs projets publicitaires, les scientifiques de la Reston Industries exploitent cette animation pour intégrer des pulsions lumineuses narcotiques dans les pupilles des acteurs, utilisés comme des lasers. À partir d’un pitch bâti sur les meurtres inquiétants de top models, Michael Crichton orchestre un mélange explosif de thriller high-tech, d’érotisme chic et d’anticipation alarmiste avec une redoutable efficacité. Fort de thèmes avant-gardistes et fascinants — réalité numérisée, pouvoir de l’image, aliénation médiatique — le cinéaste alerte, avec un sens affûté du spectacle, sur les dangers d’un simulacre technologique. À l’image du “looker”, ce pistolet qui émet des éclairs de lumière pour créer l’illusion d’invisibilité chez l’agresseur, dès lors que la victime en devient la cible.

À la manière d’un flash incandescent, le projectile plonge le regard dans un état de transe, faisant vaciller la notion de temps. Cette arme de gros calibre donne lieu à des séquences d’action percutantes, parfois teintées de cocasserie — comme cette course-poursuite en voiture, où le chirurgien s’échappe, pour finir projeté au cœur d’une fontaine — ou d’humour noir, lorsque les règlements de compte sanglants éclatent sur un plateau virtuel, où les cadavres se mêlent aux acteurs de synthèse. À travers ce cocktail original d’action et de science-fiction, Looker nous alerte sur notre rapport addictif, presque inconscient, aux méfaits pervers de la télévision. Cette publicité omniprésente, au volume brutalement surélevé, nous hurle le devoir de consommer. Le directeur de Reston Industries le dira sans détour : l’Américain moyen passe plus d’un an et demi de sa vie à regarder des publicités — cinquante minutes chaque jour à observer de la réclame. « Voilà le pouvoir ! », s’exclame-t-il.

En prime, avec le défilé sensuel de mannequins standardisés, Crichton aborde la chirurgie esthétique, et anticipe cette mode aujourd’hui tristement banalisée que la société s’efforce d’ancrer dans les mœurs : influencer la jeunesse avide de célébrité à concourir pour une beauté sophistiquée, taillée au scalpel. Tous ces thèmes sont traités avec l’intelligence d’un scénario retors, émaillé d’ironie, et éveillent en nous une inquiétude fascinante face à l’avenir des médias, obsédés par le pouvoir, l’audimat et les nouvelles technologies virtuelles.

"Hypnose cathodique".

Ludique et captivant, pessimiste et troublant, Looker n’a rien perdu de sa force ni de son pouvoir d’attraction. Par son obsession de l’image et la prolifération des écrans, il garde intacte sa portée critique. Et, au rythme d’une partition électronique stylisée, il continue — non sans dérision — de nous charmer au sein d’un défilé de mannequins immaculés. Une œuvre majeure des années 80, à trôner aux côtés de son complice visionnaire : Vidéodrome.

*Bruno

02.09.24. 5èx. Vostfr

26.06.13. 4èx

LA GUERRE DES GANGS (Luca il contrabbandiere / Contraband)

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site grindhouseposters.tumblr.com

de Lucio Fulci. 1980. Italie. 1h37. Avec Fabio Testi, Ivana Monti, Enrico Maisto, Marcel Bozzuffi, Saverio Marconi, Ferdinando Murolo, Tommaso Palladino.

Sortie salles Italie: 8 Août 1980

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Lucio Fulci est un réalisateur, scénariste et acteur italien, né le 17 juin 1927 à Rome où il est mort le 13 mars 1996.
1966: Le Temps du Massacre, 1969 : Liens d'amour et de sang , 1971 : Carole, 1971: Le Venin de la peur,1972 : La Longue Nuit de l'exorcisme, 1974 : Le Retour de Croc Blanc, 1975: 4 de l'Apocalypse, 1976: Croc Blanc, 1977 :L'Emmurée vivante, 1979: l'Enfer des Zombies, 1980 : la Guerre des Gangs, 1980 : Frayeurs, 1981 : Le Chat noir, 1981 : L'Au-delà, 1981 : La Maison près du cimetière , 1982 : L'Éventreur de New York , 1984 : 2072, les mercenaires du futur, Murder Rock, 1986 : Le Miel du diable , 1987 : Aenigma, 1988 : Quando Alice ruppe lo specchio,1988 : les Fantomes de Sodome, 1990 : Un chat dans le cerveau, 1990 : Demonia, 1991 : Voix Profondes, 1991 : la Porte du Silence.

C'est un an après son fameux poème putrescent, l'Enfer des Zombies, que Lucio Fulci bifurque de genre pour s'orienter cette fois-ci du côté du "poliziesco", polar d'ultra-violence particulièrement prisé dans les années 70. Sans doute inspiré par l'imagerie gore abondamment explicite qui avait fait (en partie) la renommée de son oeuvre charnière, le maître du macabre va transformer son polar italien en sommet d'ultra violence à la brutalité tranchée. Torture au chalumeau sur le visage d'une passeuse de drogue, supplice au tournevis sur la poitrine d'un contrebandier, viol en réunion sur une otage, moult gunfights canardés sur la chair d'autres victimes (tandis que certaines se feront littéralement éclater la boite crânienne ou les intestins sous l'impact des balles !). La Guerre des Gangs, c'est du sévère, ça ne fait pas de quartier, c'est du polar hardgore qui carbure au règlements de compte crapoteux pour la contrebande de drogue. 

Luca, contrebandier de cigarettes, vient de perdre son frère lors d'un guet-apens. Fou de colère, il décide de mener son enquête pour se venger du responsable. Après avoir été berné par la fausse piste d'un illustre rival, son investigation l'amène à identifier un nouvel étranger surnommé "le marseillais". Ce leader opiniâtre est délibéré à détruire le marché de Lucas afin de mieux gérer son juteux trafic de drogue et ainsi imposer sa dictature sur Naples. 

Comme souvent, Lucio Fulci ne s'embarrasse pas de subtilité scénaristique pour élaborer un polar classique dénué de surprise. Néanmoins, avec l'efficacité d'une réalisation nerveuse et d'un montage retors (notamment l'habileté d'alterner les plans pour intensifier l'attente d'une torture infligée !), le réalisateur réussit à maintenir l'intérêt dans un conflit de rivalité entre clans mafieux. Par l'esprit de vengeance d'un héros transgressif, La Guerre des gangs suit la dangereuse destinée de ce bandit loyalement intègre envers la couverture de sa famille ainsi que la hiérarchie de ses hommes de main. Avec l'arrivée d'un baron de la drogue, notre trafiquant va devoir faire face à son autorité drastique et ne pas se laisser intimider pour oser se compromettre au trafic expansif du marché de la drogue. En dépit du charisme viril de ces illustres comédiens transalpins (Fabio Testi et Marcel Bozzuffi se tiennent tête avec une pugnacité impassible !), ce dense chassé-croisé est fertile en action belliqueuse et violence acerbe pour provoquer une certaine intensité exponentielle. Par ailleurs, en quelques brèves occasions, on peut souligner le caractère documentaire imparti à l'oeuvre politique. Puisque Lucio Fulci va mettre en exergue la condition difficile des ghettos de Naples, où chacun des habitants livrés à une vie marginale sont contraints de tolérer une illégalité commerciale. En l'occurrence la transaction illicite du marché de la cigarette auquel une descente de police va subitement intervenir pour appréhender toute la population. Avec une provocation assumée et un esprit jusqu'au-boutiste, Fulci va apporter un cachet subversif (plutôt douteux diront ses réfractaires) à l'ambiance diaphane de ce polar blafard. Cette forme ostentatoire de violence sanguine réussit à provoquer un impact spectaculaire et une intensité horrifique rarement étalées dans un film dit policier. Ce désir d'exploser les barrières de la bienséance culmine l'oeuvre de commande en véritable ovni frénétique où la moralité n'a plus lieu d'être (pendant que les gangs s'entretuent, les forces de l'ordre observent de manière impuissante à la dégénérescence de leur ville avec une ironie caustique !). 

Apre, tendu, spectaculaire et méchamment cinglant, la Guerre des Gangs démontre une nouvelle fois la preuve irréfutable que notre artisan du Bis était capable de oeuvrer dans tous les genres, en y incluant une fois encore sa touche raffinée de sadisme et de perversité. Plus de 30 ans après sa sortie, il reste en l'état un solide polar aussi foudroyant et malsain qu'irrésistiblement attrayant. 

Un grand merci à la boite éditrice The Ecstasy of Films. http://the-ecstasy-of-films.com/

25.06.13. 2èx

Bruno Matéï

LES AVENTURES FANTASTIQUES DU BARON MUNCHHAUSEN (Münchhausen)

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviecovers.com

de Josef von Baky. 1943. Allemagne. 1h50. Avec Hans Albers, Ilse Werner, Wilhelm Bendow, Brigitte Horney, Michael Bohnen, Ferdinand Marian.

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Josef von Baky est un réalisateur allemand d'origine austro-hongroise, né le 23 Mars 1902 à Zombor (Autriche-Hongrie), décédé le 28 Juillet 1966 à Munich.
1936: Intermezzo. 1943: Les Aventures fantastiques du Baron Munchhausen. 1948: Via Mala. 1957: Un petit coin de paradis. 1957: Les Frénétiques.

Enorme production de l'époque financée par l'Allemagne nazie de la seconde guerre mondiale, Les Aventures du Baron Munchhausen doit son éternelle jeunesse à sa folie visuelle et à ce personnage extravagant impliqué dans des conflits politiques.

Dans son château du 18è siècle, le baron Munchausen narre à un couple d'invités les différents épisodes de son incroyable existence qu'il avait parcouru à travers le monde parmi l'amicalité de son serviteur Christian et du coureur le plus rapide du monde. Car avant de rencontrer l'amour, le baron était féru d'évasion, de passions et de guerres politiques !

Avec un budget démesuré déployant moult figurants costumés, des décors et paysages grandioses ainsi que des trucages audacieux, les Aventures du Baron Munchhausen s'était donné les moyens pour célébrer en fanfare le 25è anniversaire de la UFA (la plus grosse maison de production de l'époque). Conçu au départ comme un film de commande dans l'unique but de divertir les soldats du front, cette aventure fantaisiste tirée du célèbre roman de Carl Leberecht Immermann est un enchantement de tous les instants ! Décalé, débridé, insolite et atypique, il fait la part belle à l'évasion et l'émerveillement dans un récit homérique tributaire de l'héroïsme d'un noble avenant. En l'occurrence, un baron épris d'éternelle jeunesse et de chimères qui décide de parcourir un nombre incroyable de péripéties face à l'allégeance politique de dirigeants étrangers. Si le film garde intact son pouvoir féerique et ne cesse de surprendre, il le doit à l'insolence de son esprit déluré et la verve ironique de ses protagonistes embarqués dans des vicissitudes saugrenues. Tourné pour la première fois en procédé Agfacolor (afin de concurrencer le Technicolor des américains !), les couleurs sont saturées afin d'expérimenter une imagerie flamboyante, alors que les trucages adroitement bricolés restent encore aujourd'hui surprenants d'efficacité ! Cette imagination foisonnante est impartie au caractère chevaleresque de rebondissements fortuits et à l'excentricité de personnages pourvus d'étranges pouvoirs. Sans jamais user d'esbroufe gratuite, les Aventures du baron Munchhausen est équilibré par son malicieux dosage d'humour et de romance imbriqués dans des aventures fantastiques. Qui plus est, il nous séduit aussi avec l'intelligence d'un scénario ciselé à la portée philosophique (le sens de notre vie destiné à cristalliser nos rêves les plus inouïs, notre rapport épidermique face à la jeunesse réfutant l'usure du temps).

Eternellement jeune !
Dans la veine miraculeuse du Magicien d'Oz, du voleur de Bagdad ou du Livre de la Jungle, Les Aventures du Baron Munchhausen est une oeuvre d'une éclatante modernité qui perdure son pouvoir séducteur par son audace visuelle et l'incroyable bonhomie d'un Baron féru de tribulations et de passion amoureuse !

Un grand merci à Artus Films ! http://artusfilms.com/
24.06.13. 2èx
Bruno Matéï

ANOTHER DAY IN PARADISE. Grand Prix du Jury à Cognac, 1999

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

de Larry Clark. 1998. U.S.A. 1h45. Avec James Woods, Melanie Griffith, Vincent Kartheiser, Natasha Gregson Wagner, James Otis, Lou Diamond Phillips.

Récompense: Grand Prix du Jury au Festival du film policier de Cognac, 1999

FILMOGRAPHIE: Larry Clark est un réalisateur, photographe, directeur de la photographie, né le 19 Janvier 1943 à Tulsa dans l'Oklahoma. 1995: Kids. 1998: Another Day in Paradise. 2001: Bully. 2002: Teenage Caveman (télé-film). 2002: Ken Park. 2004: Wassup Rockers. 2006: Destricted (segment Impaled). 2012: Marfa Girl (uniquement dispo sur le net). 2012: The Smell of us.

Trois ans après la révélation Kids, Larry Clark revisite le malaise existentiel d'une jeunesse désoeuvrée dans Another day in paradise. Véritable descente aux enfers filmée à la manière d'un doc, ce drame criminel est une épreuve psychologique toujours plus abrupte dans sa description tranchée d'une famille marginale compromise au vol et au meurtre en roue libre. Un couple d'adolescents à la dérive se retrouve embrigadé par un duo d'amants asociaux habitués à commettre de gros cambriolages. Si le début de leur relation s'avère des plus hospitalières, entre sorties éméchées dans les boites branchées et consommation de came, leur itinéraire va les mener dans une impasse meurtrière irréversible. Film choc d'un réalisme cru parfois insupportable,  Another Day in Paradise  nous illustre sans fioriture l'équipée sauvage de deux couples vers les paradis artificiels de la drogue et de l'argent facile. Par sa mise en scène hyper réaliste et le jeu authentique de ces acteurs, Larry Clark transcende les clichés inhérents au genre pour nous immerger de plein fouet dans le monde crapuleux du vrai banditisme.

Parmi l'influence autoritaire d'un couple avenant de quinquagénaires, deux adolescents en perte de repère familial s'inculquent à jouer dans la cour des grands à travers la déontologie de la criminalité immorale. Avec son atmosphère toujours plus tendue et poisseuse, le réalisateur nous saisit à la gorge lorsqu'il met en exergue le portrait immoral d'un père perfide, délibéré à entraîner de jeunes gamins pour l'unique profit pécuniaire. Toujours insatiable à décrocher un prochain butin faramineux, ce junkie alcoolique et intraitable va peu à peu entraîner sa petite famille dans une virée sauvage où l'unique issue de secours s'imposera par l'esprit d'individualité. Larry Clark nous confrontant ici à la déchéance humaine, l'influence de la vie facile parmi les drogues dures et l'argent sale, l'avilissement d'une jeunesse désespérée en quête éperdue d'amour parental. Si le spectateur semble vivre en direct cette effroyable odyssée meurtrière au réalisme étonnamment vicié, c'est également pour mieux nous interpeller sur la conduite marginale de ses parents influents vivant au jour le jour avec une aversion pour le genre humain.

A bout de souffle
D'une violence rugueuse à point tel que le spectateur semble subir un calvaire moral irrespirable, Another day in paradise perdure son acuité dramatique grâce à l'exceptionnelle contribution du casting 4 étoiles (James Woods habité par sa décadence misanthrope, Melanie Griffith autrement empathique dans son instinct maternel à secourir la fragilité d'adolescents rebelles criants de vérité !). Scandé d'une soul music entêtante, ce road movie au vitriol nous laisse au terme un goût amer dans la bouche si bien qu'il nous largue sur un sentiment d'abandon des plus fourbes. 

21.06.13. 3èx
Bruno Matéï

Vorace / Ravenous

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site mymediawelt.de

de Antonia Bird. 1999. U.S.A/Angleterre. 1h41. Avec Guy Pearce, Robert Carlyle, Jeffrey Jones, David Arquette, Jeremy Davies, John Spencer, Stephen Spinella.

Sortie salles France: 7 Juillet 1999. U.S: 19 Mars 1999

FILMOGRAPHIE: Antonia Bird est une réalisatrice et productrice anglaise, né en 1959 à Londres.
1994: Prêtre. 1995: De l'amour à la folie. 1997: Face. 1999: Vorace. 2006: The Meat Trade

 

"La Faim des Hommes".

Échec commercial à sa sortie, d’autant plus mésestimé par une partie de la critique, Vorace est un ovni incongru à la douce folie furieuse. Sous couvert de western au vitriol, le film d’Antonia Bird ose braver ce genre académique en l’infusant d’une horreur pure. Une audace rare, d’autant plus couillue qu’elle s’attaque à un tabou peu exploré à l’écran : le cannibalisme.

À partir d’une légende indienne profondément ancrée dans le folklore nord-américain, la réalisatrice s’inspire du Wendigo pour justifier les capacités surnaturelles que certains protagonistes développent — se régénérer, survivre, affronter frontalement l’ennemi.

Pitch: Durant la guerre américano-mexicaine de 1867, le capitaine John Boyd, décoré pour sa bravoure, est muté dans un fort isolé. Sur place, recueilli par le colonel Hart et quelques comparses, il tente de se reconstruire. Jusqu’au jour où surgit Colqhoun, étrange rescapé d’un groupe de voyageurs piégés par l’hiver. Il affirme que ses compagnons, acculés par la faim, ont sombré dans le cannibalisme… avant qu’un leader autoritaire ne les dévore tous. Colqhoun prétend avoir fui juste à temps.

Doté d’un scénario original, dense et constamment imprévisible, Vorace est une farce macabre, horriblement sarcastique, une parabole cruelle sur l’addiction, le vampirisme et la mégalomanie de l’homme broyé par une société individualiste. Tour à tour oppressant, terrifiant, haletant, Antonia Bird nous entraîne dans la chute d’un capitaine rongé par le remords, mais prêt à reconquérir sa dignité. Éreinté par une guerre belliqueuse, ce survivant, qui jadis avait feint la mort pour échapper à l’ennemi, devra cette fois affronter une menace plus retorse : l’anthropophage.

Dans un climat anxiogène, pesant, Vorace convoque une peur viscérale — celle d’être mangé par l’homme. Car ici, comme une drogue irrésistible, celui qui goûte à la chair humaine est condamné à l’addiction. Telle une philosophie hédoniste détournée, ce cannibalisme devient un art de vivre monstrueux. Stoïque, athlétique, dévoré par une énergie carnassière, le cannibale, possédé, se laisse emporter dans une quête sanglante vers l’omnipotence. Assassiner les pèlerins, boire leur sang, se repaître de leur corps : il ne sait plus vivre autrement.

Cette atmosphère hostile et délétère, Antonia Bird la sculpte à la lame. Sa mise en scène acérée, son casting de premier ordre achèvent de cristalliser l’horreur. Robert Carlyle excelle en cannibale cynique, dénué de la moindre vergogne, littéralement habité par le Mal — son jeu glacé sature l’air d’une tension malsaine. En face, Guy Pearce incarne un capitaine hésitant, hanté, qui trouvera dans l’épreuve la constance et la rage. Leur affrontement, brutal, devient l’axe incandescent du récit, jusqu’à un dernier baroud d’honneur d’une rare sauvagerie.

 

"Cannibale, Mon Frère".

Porté par une partition musicale en contrepoint, troublante et entêtante, et par des paysages naturels à couper le souffle, Vorace accède aujourd’hui au rang de film culte. Son intensité, sa densité psychologique, sa noirceur sardonique nous happent dans un western horrifique d’une rare singularité.

Dédicace à Christophe Cosyns
20.06.13. 3èx
Bruno 

INFO WIKIPEDIA: Définition de Wendigo:

Le wendigo (pluriel : wendigowak / wendigos) est une créature surnaturelle, maléfique et cannibale, issue de la mythologie des Amérindiens algonquiens du Canada, qui s'est étendue à tout lefolklore d'Amérique du Nord. Cette légende est partagée par plusieurs tribus amérindiennes et peut désigner la transformation physique d'un humain après la consommation de viande humaine comme une possession spirituelle. Le wendigo a aussi renforcé le tabou autour de la pratique du cannibalisme chez ces peuples. Les wendigowak (wendigos) vivent dans les profondeurs de la forêt et apparaissent dans des contes où le surnaturel côtoie des choses inhumaines et atroces. Parmi les histoires qui circulent, ils sont solidement ancrés dans les légendes amérindiennes où ils tiennent une place importante. De nombreux lieux et lacs portent ce nom, tel le parc national du wendigo, et de nombreuses œuvres modernes s'en inspirent dans la littérature comme au cinéma, bien que ces wendigowak puissent avoir des caractéristiques différentes de ceux des légendes originelles.

Superman 2. La version de Richard Donner.

                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site kahramanlarsinemada.com

de Richard Donner. 1980. U.S.A. 1h56. Avec Christopher Reeve, Margot Kidder, Gene Hackman, Jackie Cooper, Marc McClure, Ned Beatty, Terence Stamp, Sarah Douglas.

Sortie salles France: 10 Décembre 1980. U.S: 19 Juin 1981

FILMOGRAPHIE: Richard Donner (Richard Donald Schwartzberg) est un réalisateur et producteur américain, né le 24 Avril 1930 à New-York. 1961: X-15. 1968: Sel, poivre et dynamite. 1970: l'Ange et le Démon. 1976: La Malédiction. 1978: Superman. 1980: Superman 2 (non crédité - Richard Lester). 1980: Rendez vous chez Max's. 1982: Le Jouet. 1985: Ladyhawke, la femme de la nuit. 1985: Les Goonies. 1987: l'Arme Fatale. 1988: Fantômes en Fête. 1989: l'Arme Fatale 2. 1991: Radio Flyer. 1992: l'Arme Fatale 3. 1994: Maverick. 1995: Assassins. 1996: Complots. 1998: l'Arme Fatale 4. 2002: Prisonnier du temps. 2006: 16 Blocs. 2006: Superman 2 (dvd / blu-ray).

Enfin exhumée de l’anonymat depuis 2006, la fameuse version de Richard Donner, tant espérée par les fans du monde entier, a vu le jour - même si 30 % des scènes manquantes resteront à jamais sous scellés. Cette suite trépidante, haute en couleurs, privilégie cette fois l’action homérique : Superman doit non seulement affronter l’intarissable génie du crime, Lex Luthor, mais surtout combattre un trio de super-méchants dotés des mêmes capacités surnaturelles que lui. Une confrontation titanesque, culminant dans l’apothéose d’une mégalopole urbaine, où notre justicier multiplie les rixes démentielles face à l’arrogance d’adversaires impitoyables.

Les nombreux FX, parfois désuets, parviennent pourtant à impressionner grâce à leur vigueur incisive et aux moyens artisanaux déployés. Mais avant ce dernier acte, particulièrement jouissif, Richard Donner prend soin d’étoffer la relation familiale entre Superman et son père, jusqu’à ce que le héros décide de rendre sa panoplie et de perdre ses pouvoirs - par amour pour Lois Lane - afin de vivre comme un simple citoyen terrestre. Avec une touche de cocasserie et de romance, le réalisateur introduit la suspicion tenace de Lois, de plus en plus convaincue que Clark Kent est bel et bien le justicier volant. En désespoir de cause, elle met sa vie en péril, provoquant une série d’incidents majeurs pour le pousser à se dévoiler enfin.

Comparé à la version de Richard Lester, le montage de Donner tranche par une sobriété salutaire, moins axée sur la dérision, qui gagne en profondeur et en cohérence, dans une structure narrative fidèle à celle du premier volet. Ainsi, la cause de la libération du général Zod et de ses complices diffère complètement : ici, c’est l’un des missiles que Superman avait projeté dans l’espace qui, par malheur, brise leur prison de verre - en parfaite cohésion avec la fin du premier film. De même, la manière plus substantielle dont Superman se réapproprie ses pouvoirs s’ancre dans un dialogue moral avec un père déçu mais clément.

L’épilogue, enfin, s’avère moins démonstratif et plus crédible dans la liaison romantique qui unit les amants. Pour préserver son identité, Superman ne se contente plus d’un baiser magique pour effacer la mémoire de Lois. Il reprend cette course rotative autour de la Terre - l’alibi temporel déjà employé à la fin du premier opus.

 

Si aujourd’hui Superman II paraît moins percutant dans sa surenchère spectaculaire - la dernière demi-heure, fertile en destructions massives, trahit l’obsolescence des effets -, il demeure un spectacle empreint de charme, porté par un esprit bienveillant. Humour, action, émotion (notamment les adieux poignants de Lois et Superman) s’y harmonisent dans une simplicité touchante.
 

La critique de Superman: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/06/superman.html

19.06.13. 5èx

Bruno