Nosferatu, Fantôme de la Nuit / Nosferatu: Phantom der Nacht

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site classic-horror.com

de Werner Herzog. 1979. France/Allemagne. 1h47. Avec Klaus Kinski, Isabelle Adjani, Bruno Ganz, Roland Topor, Walter Ladengast, Dan van Husen, Jan Groth, Carsten Bodinus, Martje Grohmann, Rijk de Gooyer.

Sortie salles France: 17 Janvier 1979. Allemagne: Février 1979

FILMOGRAPHIE: Werner Herzog, de son vrai nom Werner Stipetic, est un réalisateur, acteur et metteur en scène d'opéra allemand né le 05.09.42 à Munich (Allemagne). Il est parfois surnommé par certains critiques comme le "cinéaste de l'impossible" en raison de ses tournages risqués et chaotiques, sans compter sa relation irritable avec son acteur fétiche Klaus Kinski. 1968: Signes de vie. 1970: Les nains aussi ont commencé petits. 1972: Aguirre, la colère de Dieu. 1974: L'Enigme de Kaspar Hauser. 1976: Coeur de Verre. 1977: La Ballade de Bruno. 1979: Nosferatu, fantôme de la nuit. 1979: Woyzeck. 1982: Fitzcarraldo. 1984: Le Pays où rêvent les fourmis vertes. 1987: Cobra Verde. 1991: Cerro Torre, le cri de la roche. 1992: Leçons de ténèbre. 2001: Invincible. 2005: The Wild blue Yonder. 2006: Rescue Dawn. 2009: Bad Lieutenant. 2009: Dans l'oeil d'un tueur.

Remake du chef-d'oeuvre muet de Murnau, Nosferatu est la vision toute personnelle d'un autre cinéaste de génie, Werner Herzog. Porté par l'interprétation magnétique du grand Klaus Kinski, littéralement pénétré par la disgrâce à travers son regard morbide désemparé, cette nouvelle version impose un regard naturaliste au personnage, le comte étant ici rongé du spleen d'une existence pauvrement solitaire. 

 

Le pitch: Au XIXè siècle, Joanathan Harker se rend dans les Carpathes pour rencontrer Dracula afin de lui faire signer la vente d'une demeure. Mais il est loin de se douter que sous le nom de ce noble comte se cache un misérable vampire.  

 

D'une beauté plastique fulgurante, autant par ses éclairages expressionnistes qu'auprès de sa photo laiteuse, Nosferatu, Fantôme de la nuit est une invitation à l'évasion, un voyage au bout du crépuscule, une incursion dans l'âme torturée d'un vampire sclérosé. Dracula étant aujourd'hui condamné à supporter le poids des siècles lors d'une nonchalance aigrie, faute de son isolement dans un château en ruines où les enfants de la nuit (les loups) y implorent son désespoir. Imprégné de lyrisme par la posture hantée des personnages déambulant tel un rêve, Werner Herzog façonne autour de leur errance un recueil d'images picturales touchées par la grâce. 

A l'instar de ses chutes d'eau et des montagnes rocailleuses que Jonathan Harker franchit, tel un baroudeur tranquille. Ou de cette plage automnale lorsque Lucy s'y hasarde afin d'y contempler l'horizon. C'est donc l'illustration d'un univers onirique que nous retransmet le cinéaste avant son passage funeste, Nosferatu transmettant la peste du rat sur la population après son périple maritime. Avec audace et originalité, le cinéaste se réapproprie du mythe en remaniant le caractère des personnages iconiques évoluant autour du non-mort. Tant auprès du portrait de Jonathan Harker, victime passive gagnée par l'amnésie, de sa fidèle épouse contrairement motivée à s'opposer au Mal ou de Van Helsing, chasseur de vampire décati dépassé par les évènements. Outre le soin formel imparti à une mise en scène extrêmement appliquée, Nosferatu est inévitablement transcendé du score envoûtant de Popol Vuh et des interprétations hallucinées d'Isabelle Adjani et Klaus Kinski. Ce dernier endossant la posture longiligne d'un vampire chafouin miné par sa condition d'immortel. Pourvu d'un regard frigide car obsédé par la mort et la vue du sang, l'acteur se fond dans son personnage avec une élégance somme toute sépulcrale. Quand à Isabelle Adjani, elle lui partage la vedette avec une grâce autrement ténue à travers sa beauté opaline, son émotion candide lors de ses expressions apeurées rattrapées par l'ambition d'y vaincre le Mal.

Chef-d'oeuvre du film de vampire contemplatif ne ressemblant à nul autre, Nosferatu, Fantôme de la nuit s'édifie en odyssée funeste de par ses thèmes de la nonchalance, de l'élégie et du désespoir existentiel. Tant auprès de l'ultime périple du vampire en perdition, faute de sa condition d'immortel déchue, que de la nouvelle relève imparti à son suppléant si bien qu'Herzog privilégie un parti-pris inopinément nihiliste lors de sa conclusion d'un onirisme spatial. Une oeuvre intime picturale donc, chemin de croix inscrit dans la langueur et la nonchalance auprès de ce vampire léthargique dénué de ressort afin d'endiguer sa besogne immortelle. Car au bout de son désespoir, il reste peut-être quelque part un espoir sentimental pour le soustraire à l'abime.

*Bruno

 13.08.02. 28.09.10. 17.09.14. 18.03.22. 5èx

IN FEAR

                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site horror-movies.ca

de Jeremy Lovering. 2013. Angleterre. 1h25. Avec Iain de Caestecker, Alice Englert, Allen Leech.

Sortie salles Angleterre: 16 Novembre 2013

FILMOGRAPHIE:  Jeremy Lovering est un réalisateur et scénariste anglais.
2003: Killing Hitler (Documentaire). 2004: Sex and Lies (télé-film). 2008: Le Choix de Jane (télé-film).  In Fear

Habitué aux séries TV et télé-films, Jeremy Lovering passe enfin au long métrage cinéma avec In Fear, un film d'angoisse orienté sur le climat d'une forêt crépusculaire qu'un couple en véhicule traverse indéfiniment. Après s'être échangé quelques mots sur le net, Tom et Lucy se rencontrent et décident de rejoindre un festival de musique. Ayant réservé une chambre d'hôtel, ils doivent emprunter une forêt pour y accéder. Mais leur itinéraire routier les mènent à une destination sans fin. 

A partir d'un pitch intrigant hérité d'un épisode de la 4è Dimension (et déjà abordé par Richard Marquand lors d'une séquence-clef de Psychose, phase 3), In Fear tente de distiller suspense et frissons lorsqu'un couple égaré est contraint de tourner en rond au sein d'une végétation hostile. En essayant de jouer avec les nerfs du spectateur, le réalisateur tisse une étrange intrigue majoritairement bâtie sur l'inquiétude et l'appréhension de nos protagonistes. Car sujets à divers incidents inexpliqués et brimades d'individu(s) planqué(s) dans l'obscurité d'un bois, Tom et Lucy n'auront de cesse d'expérimenter leur courage pour affronter la peur de l'inconnu. Qui peut donc en vouloir à ce jeune couple sans histoires, quel est l'intérêt de les traquer sans répit avec une raillerie insolente et pour quelle raison la route empruntée ne les dirigent qu'à leur point de départ ? Si la bonne intention du réalisateur est de privilégier l'atmosphère opaque d'une scénographie forestière et la claustration du huis-clos en interne d'une voiture, la redondance de l'intrigue finit par nous lasser, faute de rebondissements quasi inexistants et de personnages à la prestance perfectible. Pourtant, on sent bien une volonté des comédiens d'insuffler de la densité à leur fonction de victime pourchassée rapidement déconcertée par des évènements nonsensiques. Mais leur comportement apeuré parfois sujet à l'état de panique ainsi que leur faible audace à repousser l'antagoniste manquent cruellement de conviction pour nous convaincre de leur calvaire. Si deux, trois séquences parviennent à nous soutirer un sentiment d'oppression (principalement la première demi-heure jouant habilement de la peur du noir !), le cheminement prosaïque qu'empruntent nos héros s'avère d'autant plus rébarbatif que la résolution de leur harcèlement s'achève en queue de poisson !

A vouloir privilégier intelligemment la suggestion de l'angoisse et l'atmosphère nocturne d'une forêt propice à l'embrigadement, In Fear se laisse prendre au piège de sa vacuité narrative, faute d'une intrigue décousue rapidement dénuée de tension et de personnages ternes dans leur fonction de cobayes asservis.

Bruno Matéï 

Retour vers le Futur 2 / Back to the Future Part II

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site bestofthe80s.wordpress.com

de Robert Zemeckis. 1989. U.S.A. 1h47. Avec Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Thomas F. Wilson, Lea Thompson, Jeffrey Weissman, James Tolkan, Elisabeth Shue.

Sortie salles France: 20 Décembre 1989. U.S: 22 Novembre 1989

FILMOGRAPHIE: Robert Zemeckis est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 14 Mai 1951 à Chicago (Illinois). 1978: Crazy Day. 1980: La grosse Magouille. 1984: A la Poursuite du diamant vert.1985: Retour vers le Futur. 1988: Qui veut la peau de Roger Rabbit. 1989: Retour vers le Futur 2. 1990: Retour vers le Futur 3. 1992: La Mort vous va si bien. 1994: Forrest Gump. 1997: Contact. 2000: Apparences. 2000: Seul au monde. 2004: Le Pôle Express. 2007: La Légende de Beowulf. 2009: Le Drôle de Noël de Mr Scrooge. 2013: Flight.

Alors que Robert Zemeckis n'eut pu prévoir d'y tourner une séquelle à Retour vers le futur, son gros succès commercial le contraint de se raviser puis de convaincre les producteurs de rempiler quatre ans plus tard avec une suite qui en engendra aussi une troisième ! Le pitch: Après avoir réussi à modifier le destin de ses parents, Marty Mc FLy et Doc doivent aujourd'hui se projeter dans le futur pour sauver de la prison le fils de Marty. Si leur mission est rapidement achevée, Mc Fly va néanmoins commettre une grave erreur lorsqu'il décide d'emporter un almanach détaillant toutes les victoires sportives de 1950 à 2000. Sous la consigne de Doc, il décide finalement de s'en séparer en le jetant dans une poubelle. Témoin de la scène, le vieux Biff Tannen (leur ennemi juré !) s'en empare et dérobe la voiture à voyager dans le temps pour en modifier son propre destin. Beaucoup plus haletante et endiablée, cette suite multiplie péripéties et rebondissements avec l'efficacité d'une trouvaille lucrative, un calendrier sportif que Doc et Marty doivent impérativement récupérer pour éviter la dictature de Biff Tannen. 

Et si le film s'avère encore plus ludique que son modèle, il le doit beaucoup au tempérament gouailleur de l'acteur Thomas F. Wilson incarnant avec plus de présence la posture d'un milliardaire véreux habité par l'omnipotence. D'un naturel inné dans son attitude impétueuse et ses caprices colériques, il en volerait presque la vedette à nos héros ! Une nouvelle fois, les ingrédients du premier opus oscillant humour et action autour des époques du futur et du passé sont parfaitement exploités et innovent également en terme d'univers exubérant de par la technologie high-tech de 2015 ! A l'instar du fameux skateboard volant (l'"hoverboard" !) que notre héros emprunte en dernier ressort pour devancer ses poursuivants, ce qui nous vaut une poursuite débridée à travers rues. Emaillé d'habiles clins d'oeil à l'intrigue du précédant opus, Robert Zemeckis se prend malin plaisir à lui rendre hommage si bien que nos héros se retrouvent à nouveau dans la même situation du 12 Novembre 1955 pour sauver leur destinée d'une apocalypse. Afin de mettre la main sur l'almanach de Biff, ils vont donc user de stratagèmes (et de bourdes que Marty accumulera lors d'un concours de circonstances infortunées) mais aussi éviter de rencontrer leur double qui pourrait engendrer l'inévitable paradoxe temporel ! 

Terriblement fun et jouissif, drôle et rondement mené, Retour vers le Futur 2 se targue même de dépasser son modèle en terme de rythme et d'invention d'où l'énergie communicative de nos héros continue de s'en donner à coeur joie afin d'y déjouer l'intarissable Biff Tanner ! Un régal de chaque instant. 

La critique de Retour vers le Futur: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/09/retour-vers-le-futur-back-to-futur.html
La critique de Retour vers le Futur 3: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/09/retour-vers-le-futur-3-back-to-future.html
Bruno Matéï

2èx

LA TOMBE DE LIGEIA (The Tomb of Ligeia)

                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemapassion.com

de Roger Corman. 1965. U.S.A. 1h21. Avec Vincent Price, Elizabeth Shepherd, John Westbrook, Derek Francis, Oliver Johnston, Richard Vernon.

Sortie salles France: 18 Décembre 1968. U.S: 20 Janvier 1965

FILMOGRAPHIE: Roger Corman est un cinéaste américain, né le 5 avril 1926 à Détroit, Michigan
1955: Day the World Ended. 1956: It's Conquered the World. 1957: Rock all Night. 1957: l'Attaque des Crabes Géants. 1957: Not of this Earth. 1957: Vicking Women. 1957: The Undead. 1958: War of the Satellites. 1958: She-Gods of Shark Reef. 1958: Swamp Women. 1958: Teenage Caveman. 1958: Mitraillette Kelly. 1959: Un Baquet de Sang. 1960: La Petite Boutique des Horreurs. 1960: La Chute de la Maison Usher. 1961: Ski Troop Attack. 1961: La Chambre des Tortures. 1961: Atlas. 1962: The Intruder. 1962: l'Enterré Vivant. 1962: l'Empire de la Terreur. 1962: La Tour de Londres. 1963: Le Corbeau. 1963: La Malédiction d'Arkham. 1963: l'Horrible cas du Dr X. 1963: l'Halluciné. 1964: Le Masque de la Mort Rouge. 1964: l'Invasion Secrète. 1965: La Tombe de Ligeia. 1965: Not of this Earth. 1966: Les Anges Sauvages. 1967: l'Affaire Al Capone. 1967: The Trip. 1970: Bloody Mama. 1971: Gas-s-s-s. 1971: Le Baron Rouge. 1990: La Résurrection de Frankenstein.

"Les frontières de la vie et de la mort ne peuvent être au mieux qu'indécises et vagues. Qui dira l'endroit où s'arrête l'une et où commence l'autre ?". Poe.

Huitième et dernière adaptation d'un récit d'Edgar Poe chez Corman, la Tombe de Ligeia est sans doute son oeuvre la plus subtile et aboutie en matière de stylisme et d'énigme tortueuse où l'amour fou s'harmonise avec la hantise d'une possession morbide. Alors qu'il vient de perdre son épouse Ligeia, Verden Fell reste persuadé qu'elle est encore en vie puisque sa ferme volonté était de surpasser la mort par sa passion pour l'existence. Quelques jours après son enterrement, il rencontre une charmante inconnue ressemblant étrangement à sa défunte, Lady Rowena. Une étrange relation naît entre eux sachant que Verden adopte un comportement des plus versatile. 

D'une beauté plastique singulière dans son univers gothique d'abbaye en ruine et de sculptures égyptiennes ornant une des pièces du château, La Tombe de Ligeia se pare d'une ambition baroque pour nous séduire. Etrange et inquiétant, l'atmosphère que Roger Corman façonne assidûment s'avère d'une sensualité morbide autour de la présence d'une nouvelle épouse victime de persécutions. Que ce soit parmi l'hostilité d'un chat redoutablement agressif, du comportement interlope de son amant ou de l'aura invisible de Ligeia. Si le rythme latent du récit peut rebuter certains spectateurs, son cheminement narratif laisse planer un suspense sous-jacent où le sentiment d'inquiétude est subtilement diffus par l'entremise de Rowena. En empruntant les thèmes de l'amour, de la folie, de la réincarnation, de la vie et de la mort, le cinéaste nous conte un magnifique poème sur le refus de mourir et la peur de l'oubli du point de vue du défunt. Ligeia est-elle revenue d'entre les morts pour persécuter la nouvelle maîtresse de son ancien époux, Rowena en est-elle sa réincarnation ou s'agit-il d'une horrible machination ? La vérité cinglante éclatera lors d'un final mémorable car truffé de rebondissements et savamment pensé, là où le pouvoir de l'amour et celui de la mort fricotent communément parmi l'allégeance d'un chat et parmi la démence d'une victime. Affublé d'une paire de lunettes noires car trop sensible à la lumière du jour, Vincent Price adopte une posture extravagante et ne cesse de jouer avec l'ambiguïté de son caractère lunatique. Victime ou coupable, son interprétation s'avère autrement plus raffinée que celles du Masque de la mort rouge et de la Chute de la maison Usher. Secondé par Elizabeth Shepherd, elle lui partage la vedette avec une élégance candide en traînant d'un pas hésitant une silhouette soyeuse au sein du château. A eux deux, ils forment un tandem plutôt austère dans leur ligne de conduite nébuleuse et leur relation d'affection en voie de perdition. 

Cette fascination exercée par le pouvoir du mal et la hantise de la mort, La Tombe de Ligeia l'exploite avec suggestion et intelligence d'un scénario retors. D'un esthétisme aussi baroque que fulgurant, il s'agit sans doute de l'oeuvre la plus trouble dans la carrière de Corman pour son surnaturel éthéré où la vie et la mort ne cessent de se disputer la mise.

Dédicace à Berangere Soustre De Condat-Rabourdin
Bruno Matéï

3èx

La critique du Masque de la mort rouge: http://brunomatei.blogspot.fr/2012/10/le-masque-de-la-mort-rouge-masque-of.html
La critique de la Chute de la maison Usher: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/09/la-chute-de-la-maison-usher-house-of.html

Les Tueurs de la Lune de miel / The Honeymoon Killers

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Leonard Kastle. 1969. U.S.A. 1h47. Avec Shirley Stoler, Tony Lo Bianco, Mary Jane Higby, Doris Roberts, Kip McArdle, Marilyns Chris.

Sortie salles U.S: 4 Février 1970

FILMOGRAPHIE:  Leonard Kastle est un réalisateur et scénariste américain, né le 11 Février 1929 à New-York, décédé le 18 Mai 2011 à New-York.
1969: Les Tueurs de la lune de miel.

 

"Jalousie crasse et crimes tendres".

Unique réalisation de Leonard Kastle, Les Tueurs de la lune de miel retrace l’histoire vraie des amants assassins Raymond Fernandez et Martha Beck, avec un réalisme quasi documentaire. La photo en noir et blanc accentue la dimension de vérité dans cette histoire d’amour dévoyé, corrompu par le vice et le sang. Surnommés les « Tueurs aux petites annonces », ils sont soupçonnés d’avoir commis pas moins de dix-sept homicides entre 1947 et 1949.

Jeune infirmière solitaire, Martha Beck tente de combler son vide affectif en s’inscrivant dans une agence matrimoniale. Raymond Fernandez, gigolo de bas étage vivant aux crochets de veuves esseulées, lui répond, et l’attire dans sa toile. Une étrange liaison adultérine naît entre eux : Martha, endossant le rôle fictif de sa sœur, accompagne Raymond dans ses escroqueries jusqu’à franchir, à deux, le seuil du meurtre.

En matière de crudité et de malaise palpable, Leonard Kastle frappe fort : il épouse avec une rigueur glaçante le quotidien pathétique d’un couple rongé par l’obsession amoureuse et la cupidité, complices dans la perversion. À travers leur relation dévorante, leur aplomb à flouer les femmes seules, le cinéaste dresse surtout le portrait sentimental de Martha : infirmière bedonnante, physique trivial, rongée par la jalousie. Sa rancœur envers les femmes que Raymond séduit sans répit se manifeste d’abord par des tentatives de suicide, pour éprouver sa fidélité. Mais cette aversion finit par la mener à l’irréparable, sous l’œil complice et trouble de son amant.

Dans un souci d’authenticité, Kastle s’attarde sur leur quotidien véreux, à mesure qu’ils s’infiltrent dans la vie de chaque nouvelle proie. Leur duplicité, leur cynisme distillent un malaise croissant, jusqu’au moment où Martha franchit le pas — et Raymond, ébranlé, découvre le poids du crime. Littéralement possédés par leur ignominie, Shirley Stoler et Tony Lo Bianco incarnent avec une intensité crasse un couple aussi paumé socialement que répugnant dans ses actes.

Avec son climat oppressant, quasi irrespirable, Les Tueurs de la lune de miel nous entraîne dans une spirale de violence d’autant plus brutale qu’elle semble surgir sans prévenir. Cette love story fangeuse se referme sur un épilogue sardonique.

 

"L'amour au bout du couteau".

Poisseux, malsain, incommodant jusqu’à l’écœurement, Les Tueurs de la lune de miel demeure l’un des portraits de serial killers les plus glaçants du septième art. Par son réalisme implacable et le jeu incandescent de ses comédiens, il s’inscrit sans honte aux côtés des mastodontes du genre : Maniac, Henry, Schizophrenia.

Public averti.

*Bruno
3èx

  

Retour vers le futur / Back to the futur

                                                                                              Photo emprunté sur Google, appartenant au site esquire.com

de Robert Zemeckis. 1985. U.S.A. 1h56. Avec Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Crispin Glover, Thomas F. Wilson, James Tolkan.

Sortie salles France: 30 Octobre 1985. U.S: 3 Juillet 1985

FILMOGRAPHIE: Robert Zemeckis est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 14 Mai 1951 à Chicago (Illinois). 1978: Crazy Day. 1980: La grosse Magouille. 1984: A la Poursuite du diamant vert.1985: Retour vers le Futur. 1988: Qui veut la peau de Roger Rabbit. 1989: Retour vers le Futur 2. 1990: Retour vers le Futur 3. 1992: La Mort vous va si bien. 1994: Forrest Gump. 1997: Contact. 2000: Apparences. 2000: Seul au monde. 2004: Le Pôle Express. 2007: La Légende de Beowulf. 2009: Le Drôle de Noël de Mr Scrooge. 2013: Flight.

Enorme succès commercial à travers le monde, la trilogie Retour vers le futur est le fruit de la collaboration entre Steven Spielberg (producteur) et Robert Zemeckis (réalisateur). Divertissement familial par excellence, il doit son potentiel amical grâce à un pitch des plus facétieux et à la complémentarité extravagante de deux héros débrouillards. Synopsis: A l'aide d'une voiture à voyager à travers le temps, Marty, jeune collégien, se retrouve projeté 30 ans en arrière après avoir tenté d'échapper à des terroristes. Délibéré à retourner dans le futur mais ayant modifié quelque peu son destin, il doit également essayer de rétablir un contact amoureux entre ses propres parents. Ainsi, en modernisant le concept du voyage temporel par le biais d'une voiture futuriste issue des années 80, Robert Zemeckis succède également à la nostalgie des années 50 lorsque notre héros se retrouve malencontreusement exposé au sein de cette période rétro. Mêlant teen movie et science-fiction, le cinéaste utilise les mécaniques de suspense, d'humour et d'action sous l'impulsion d'un scénario calibré multipliant rapports de force (George et Marty sévèrement mis à mal par les provocations récurrentes de Biff !) et vaudeville bâti sur le flirt. 

Puisque après avoir rencontré ses jeunes parents en 1955, et à cause d'un évènement accidentel ayant modifié un paradoxe temporel, notre jeune héros devra déjouer les avances amoureuses de sa propre mère ! Tout l'intérêt de l'intrigue se focalisant sur leurs rapports délicats quand bien même Marty tentera de convaincre son (futur) père de courtiser sa (future) mère lors d'un bal de promotion. Outre la complicité amicale irrésistible exercée par nos deux héros indissociables, mutuellement campés par Michael J. Fox, en collégien plein d'entrain, et Christopher Lloyd, en savant-fou utopiste, Retour vers le Futur tire-parti d'un scénario inventif exploitant intelligemment la caractérisation des protagonistes. A l'instar du père pathétique de Marty car souffre-douleur depuis son enfance d'un camarade de classe goguenard. Alors qu'au fil de son cheminement initiatique d'oser s'affirmer aux yeux des autres, Robert Zemeckis établit une réflexion sur le dépassement de soi. C'est à dire braver ses peurs pour préserver l'estime et la confiance et émuler la concurrence afin d'accéder à la réussite. Au-delà de son enjeu majeur (renouer le contact amoureux d'une cause parentale), le film cède place ensuite au suspense d'une course contre la montre que Marty et son comparse doivent finalement entreprendre pour un retour vers le futur sans dommage collatéral. 

Sur fond d'hommage au Rock and Roll des années 50 (Marty s'improvisera d'ailleurs avant-coureur dans sa prestation musicale littéralement effrontée !) et d'un tube des eighties resté dans les mémoires (The Power Of Love incarné par Huey Lewis and The News), Retour vers le Futur confond ces deux décennies de par l'alibi du paradoxe temporel. Outre l'efficacité indéniable d'un script retors accumulant péripéties et gags verbaux, il doit autant de sa fantaisie et de sa fraîcheur à l'autorité amicale de ces personnages remarquablement dessinés. Un classique immuable d'une fraîcheur, d'une fringance et d'une cocasserie immodérées admirablement conçu pour chatoyer toute la famille. 

La critique de Retour vers le Futur 2: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/09/retour-vers-le-futur-2-back-to-
La critique de Retour vers le Futur 3: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/09/retour-vers-le-futur-3-back-to-future.html

Bruno Matéï

3èx

LA CHUTE DE LA MAISON USHER (House of Usher)

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Roger Corman. 1960. U.S.A. 1h19. Avec Vincent Price, Mark Damon, Myrna Fahey, Harry Ellerbe, Mike Jordan, Eleanor LeFaber.

Sortie salles France: 11 Mars 1964. U.S: 22 Juin 1960

FILMOGRAPHIE: Roger Corman est un cinéaste américain, né le 5 avril 1926 à Détroit, Michigan
1955: Day the World Ended. 1956: It's Conquered the World. 1957: Rock all Night. 1957: l'Attaque des Crabes Géants. 1957: Not of this Earth. 1957: Vicking Women. 1957: The Undead. 1958: War of the Satellites. 1958: She-Gods of Shark Reef. 1958: Swamp Women. 1958: Teenage Caveman. 1958: Mitraillette Kelly. 1959: Un Baquet de Sang. 1960: La Petite Boutique des Horreurs. 1960: La Chute de la Maison Usher. 1961: Ski Troop Attack. 1961: La Chambre des Tortures. 1961: Atlas. 1962: The Intruder. 1962: l'Enterré Vivant. 1962: l'Empire de la Terreur. 1962: La Tour de Londres. 1963: Le Corbeau. 1963: La Malédiction d'Arkham. 1963: l'Horrible cas du Dr X. 1963: l'Halluciné. 1964: LeMasque de la Mort Rouge. 1964: l'Invasion Secrète. 1965: Le Tombe de Ligeia. 1965: Not of this Earth. 1966: Les Anges Sauvages. 1967: l'Affaire Al Capone. 1967: The Trip. 1970: Bloody Mama. 1971: Gas-s-s-s. 1971: Le Baron Rouge. 1990: La Résurrection de Frankenstein.

Première des huit adaptations d'un récit d'Edgar Poe, La Chute de la Maison Usher baigne dans le gothisme flamboyant sous la houlette du maître de la série B, Roger Corman. Particulièrement inspiré, le cinéaste fignolant une intrigue funèbre des plus subtile d'où plane la folie et l'aura surnaturelle ! Le spectateur ne sachant jamais si les évènements décrits sont le fruit de l'obsession d'un aristocrate souffrant d'hypersensibilité ou celui du pouvoir surnaturel de fantômes voués à perdurer le mal sur sa lignée. A l'entrée de la demeure des Usher, Frédéric est froidement accueilli par un majordome. Il persiste à vouloir s'introduire dans la maison pour retrouver sa fiancée Madeline afin de la demander en mariage. Mais le frère de cette dernière, Roderick Usher, s'oppose fermement à sa requête prétextant qu'elle est alitée. Philip décide alors de séjourner parmi eux afin de tenter de convaincre sa compagne de fuir les environs. 

Série B à petit budget particulièrement soignée dans l'esthétisme gothique de sa nature environnante et d'une demeure vétuste en état de délabrement, La Chute de la maison Usher est d'abord un plaisir des yeux pour tous les amateurs d'atmosphère funèbre. Dominé par la présence du notable Vincent Price, le film renforce son impact envoûtant lorsque ce dernier endosse la posture hautaine d'un châtelain hanté par la mort, la maladie et peut-être la folie. Jouant habilement avec la suggestion de répliques ciselés pour expliquer sa besogne de rester cloîtré en huis-clos, l'acteur se prend un malin plaisir à convaincre son entourage que sa demeure vitale est habitée par d'obscurs descendants. Anciennement assassins, voleur, escroc, faussaire, catin, contrebandier ou demeuré, la lignée Usher est inscrite dans la marginalité la plus sordide. Persuadé que lui et sa soeur sont condamnés à la malédiction d'un deuil sans repos, il se résigne à attendre le bon moment pour opter le sacrifice afin de rejoindre ses ancêtres inhumés sous la crypte même de la maison. Rationnel, Philip se convainc néanmoins que sa fiancée Madeline n'est qu'une victime influençable, l'objet de manipulation exercé par un frère préférant la solitude de la mort plutôt que celle de la vie. Ultra sensible au moindre bruit, aux odeurs et au contact du touché, Roderick se lamente à survivre dans la mélancolie ! Jouant sans cesse sur la nature surnaturelle de ses allégations et sur l'emprise diabolique que semble exercer la maison, Roger Corman insuffle un climat d'étrangeté palpable au sein de cette demeure archaïque prête à s'écrouler par son âge avancé ! Pour autant, le cinéaste n'oublie pas dans sa dernière demi-heure d'accélérer le rythme d'une course contre la mort lorsque Philip tente de sauver Madeline d'une mort certaine, le suspense tendu s'avérant réellement immersif !

Délicieusement envoûtant dans son esthétisme gothico-flamboyant et bénéficiant d'un scénario passionnant laissant libre court à l'imagination du spectateur, La Chute de la maison Usher est un magnifique exemple de fantastique éthéré où la suggestion prime pour embarquer le spectateur dans un poème diaphane, à la lisière de la vie et de la mort.

Bruno Matéï
22.04.25. 3èx

La critique du Masque de la mort rouge: http://brunomatei.blogspot.fr/2012/10/le-masque-de-la-mort-rouge-masque-of.html

La critique de La Tombe de Liegia: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/09/la-tombe-de-liegia-tomb-of-ligeia.html

Survivance / Just Before Dawn. Grand Prix du film d'angoisse au Rex de Paris.

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site identi.li

de Jeff Lieberman. 1981. U.S.A. 1h37. Avec Gregg Henry, Deborah Benson, George Kennedy, Chris Lemmon, Jamie Rose, Ralph Seymour, Katie Powell, John Hunsaker.

Sortie salles France: 25 Novembre 1981. U.S: 27 Novembre 1981

FILMOGRAPHIE: Jeff Lieberman est un réalisateur et scénariste américain né en 1947 à Brooklyn, New-York. 1972: The Ringer. 1976: Le Rayon Bleu, La Nuit des Vers Géants. 1980: Dr Franken (TV). 1981:Survivance. 1988: Meurtres en VHS. 1994: But... Seriously (TV). 1995: Sonny Liston: The Mystérious Lie and Death of a Champion (TV).2004: Au Service de Satan.

                                    

Honnête artisan franc-tireur, Jeff Lieberman conquiert les amateurs d’horreur en 1976 en livrant coup sur coup deux séries B débridées, aussi originales que bien troussées : La Nuit des Vers Géants et Le Rayon Bleu. Mais en 1981, il revigore le survival forestier avec Survivance, récompensé à juste titre du Grand Prix du film d’Angoisse, et du Prix d’interprétation féminine pour Deborah Benson, au festival du Rex à Paris. Rien que son générique liminaire, résolument crépusculaire, envoûte déjà nos sens, porté par une partition ombrageuse terriblement évocatrice.

Synopsis :

Cinq amis partent camper dans une forêt reculée, alors qu’un meurtre vient d’être commis à proximité d’une église désaffectée. Un témoin de la scène les avertit : un démon armé d’une machette rôde dans les parages. Mais croyant avoir affaire à un ivrogne demeuré, le groupe poursuit sa route, s’enfonçant dans la contrée montagneuse.

                                 

Dans la mouvance de Délivrance et Vendredi 13, Survivance s’impose comme une référence d’efficacité horrifique (Tarantino la qualifie d’ailleurs de film culte), fascinante par l’ambiance anxiogène diffuse qu’elle distille et le cheminement ombrageux emprunté par ses protagonistes au cœur d’une végétation sépulcrale. Dès l’ouverture, le spectateur est happé par un prologue meurtrier : deux comparses éméchés se retrouvent confinés dans une église en ruine. L’un croit apercevoir, depuis le plafond fissuré, la silhouette d’un être étrange. Saisi par la présence, il s’élance hors de l’oratoire pour tenter de le démasquer. Mais chut… n’en disons pas plus. Cette séquence, brutale et crue, glace le sang par la manière viscérale dont Lieberman filme la mise à mort : la stupeur du mourant est accentuée par un montage habile, préférant le hors-champ aux facilités gore. Filmée en plan serré, cette scène organique noue d’emblée la gorge.

L’intrigue se recentre ensuite sur la randonnée des cinq vacanciers, partis camper dans un isolement absolu. Au-delà de l’interprétation convaincante de ce casting juvénile, les événements prennent une tournure singulière, portés par une tension faite de perplexité et d’appréhension. En prime, la partition funèbre signée Brad Fiedel (et son sifflement entêtant résonnant dans la nuit) exacerbe le climat insécure d’un décor forestier à la fois charismatique et menaçant. Car si l’on met à part la photogénie cauchemardesque de Délivrance ou du Projet Blair Witch, rarement nature n’aura semblé aussi ensorcelée, comme habitée d’une entité maudite.

                               

Dans cette errance funèbre, les protagonistes, de plus en plus désorientés, plongent dans une spirale d’angoisse. Lieberman y façonne une tension lente, étouffante, avant que ne s’abattent des meurtres rigoureusement cruels. Chaque séquence hostile est orchestrée dans une logique de latence : le suspense prime sur les effets spectaculaires, préférant la menace insidieuse à l’éclat gore. Et pour parachever le tout, un rebondissement sardonique vient ébranler les survivants, les poussant à une vigilance désespérée face à l’inéluctabilité de la mort. Le point d’orgue : une traque nocturne, où un couple, en état de légitime défense, tente de repousser l’horreur.

En cela, Survivance célèbre aussi la cause féminine. Deborah Benson, saluée pour sa prestation au Rex, impose une prestance stoïque, d’une sobriété inédite dans ce genre souvent misogyne. Loin des potiches écervelées, elle incarne une héroïne aux intuitions tranchantes, qui, au fil de son initiation, développe un instinct primal, forcené, apte à rivaliser avec la violence du tueur.

En second plan, les amateurs reconnaîtront un jeune Gregg Henry (futur visage des Héritiers ou du Body Double de De Palma). S’il impose une présence avenante, il se voit malgré lui éclipsé par sa partenaire, qui lui vole la vedette.

Quant aux antagonistes, leur portrait de famille rappelle immanquablement les rednecks dégénérés de La Colline a des Yeux, Délivrance ou Massacre à la Tronçonneuse — avec, ici aussi, une morphologie mongoloïde dérangeante, presque archaïque.

                                    

Des décennies et une flopée d’épigones (souvent sans âme) plus tard, Survivance conserve son pouvoir anxiogène. Grâce d’abord à l’empreinte de son décor forestier, véritable personnage du film. Grâce aussi à la qualité rare de son casting, à sa bande-son magnétique, et à ses séquences de violence sèche, brutale mais jamais gratuite. Et surtout, grâce à cette héroïne pugnace, qui pulvérise les clichés. Sans détour, Jeff Lieberman signe là son œuvre la plus marquante : malsaine, blafarde, atmosphérique, fascinante. Et ce combat primal, à mains nues, reste un sommet d’intensité dégénérée dans toutes les mémoires.

Note : À sa sortie dans certaines salles (notamment celle où j’ai eu le privilège de le découvrir, au cinéma Cantin de Lens), le film était interdit aux moins de 13 ans. 

Or, lors de sa sortie en vidéo, il fut brusquement proscrit aux moins de 18 ans.

À cela s’ajoute une autre déconvenue : la version éditée sous le label Hollywood Vidéo s’avère trompeuse, puisqu’elle ne propose pas le montage intégral du film.

*Bruno

Dédicace à Guillaume Matthieu.
16.08.11. 6

Récompenses: Grand Prix du film d'Angoisse au Festival du Rex à Paris, en 1981.
Prix d'interprétation Féminine pour Deborah Benson.

L'avis de Mathias Chaput:

Il existe des films qui bonifient le genre auquel ils s’apparentent par leur force, leur charisme et l’aura qu’il dégage irrémédiablement, on peut dire aisément que « Survivance » se range dans cette catégorie, en liaison avec le slasher, mais en y imputant une telle vision immersive, une telle grâce et un tel talent dans l’insolite que le spectateur s’imprègne instantanément dans le métrage et ce, dès les premières secondes…

Tout est configuré pour exercer une fascination, en partie due à la beauté des paysages et à la sensation d’étouffement lors des séquences nocturnes, le sentiment de « piège » irradie aussi bien les protagonistes du film que le spectateur, pris en tenailles dans un long cauchemar stressant et délicieux en même temps…

L’aspect de géméléité consanguine rajoute un degré dans l’horreur et amplifie le malaise provoqué, exactement comme dans des films comme « La colline a des yeux », « Tourist trap » ou plus récemment « Wolf creek », les références sont nombreuses mais « Survivance » se démarque en sortant du lot pour imposer sa patte, son style savoureux inhérent aux chefs d’œuvre du survival américain, sa filiation directe est bel et bien le « Délivrance » de John Boorman…

La neutralité des personnages principaux fait que l’on n’a pas envie de les voir se faire zigouiller, à contrario de la saga des « Vendredi13 » avec ses jeunes débiles et peu attrayants, ici on suit le déroulement de l’histoire sans parti pris grâce à une mise en scène intelligente de la part de Lieberman, qui évite les raccourcis et la facilité, souvent employée dans les slashers de cette époque…

Son film se rapproche plus de films comme « Unhinged » ou même de « Psychose » que des succédanés horrifiques qui florissaient à la pelle dans le cinéma américain des eighties, plombés par la vénalité et la réalisation faite à la va-vite…

Non seulement « Survivance » est une grande réussite mais, outre le fait de passer un bon moment, il arrive à revigorer le genre du slasher en étant INSOLITE, c’est exactement le terme qui m’est venu à l’esprit lorsque j’ai achevé le visionnage…

Sous couvert d’un style, « Survivance » le réinvente totalement, effaçant les codes pour les récréer lui-même, sans besoin de quiconque…

Imparable et ayant bâti le renouveau d’un cinéma balbutiant et victime d’embolies stylistiques dès sa naissance, « Survivance » est un film qu’il faut voir impérativement, tout vient de ce film magistral qui redonna ses lettres de noblesse au slasher…

Note : 10/10

SALVADOR

                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site web-libre.org

d'Oliver Stone. 1986. U.S.A. 2h01. Avec James Woods, James Belushi, John Savage, Elpedia Carrillo, Cindy Gibb.

Sortie salles France: 21 Mai 1986 U.S: 23 Avril 1986

FILMOGRAPHIE: Oliver Stone (William Oliver Stone) est un réalisateur, scénariste et producteur américain né le 15 septembre 1946 à New-York.
1974: La Reine du Mal, 1981: La Main du Cauchemar, 1986: Salvador, Platoon, 1987: Wall Street, 1988: Talk Radio, 1989: Né un 4 Juillet, 1991: Les Doors, 1991: JFK, 1993: Entre ciel et Terre, 1994: Tueurs Nés, 1995: Nixon, 1997: U-turn, 1999: l'Enfer du Dimanche, 2003: Comandante (Doc), 2003: Persona non grata, 2004: Looking for Fidel (télé-film), 2004: Alexandre, 2006: World Trade Center, 2008: W.: l'Impossible Président, 2009: Soul of the Border, 2010: Wall Street: l'argent ne dort jamais. 2014: Savage.

                               

5 ans après la Main du Cauchemar, Oliver Stone change de registre pour porter à l'écran Salvador, un 3è long-métrage faisant office de fresque documentée car évoquant la situation chaotique d'une guerre civile au début des années 80. Alors que les américains tentent d'apaiser le conflit entre les guerilleros et la dictature militaire, le journaliste Richard Boyle décide de se rendre au Salvador pour y relancer sa carrière en photographiant les massacres de la population.

Film coup de poing d'un réalisme rigoureux, notamment tous les affrontements belliqueux filmés en interne de la caméra portée, Salvador retransmet avec une rare intensité une situation de crise dans les bas-fonds de l'Amérique centrale. En s'inspirant de la vie du véritable reporter Richard Boyle, le film se porte également en témoignage pour décrire la profession à risque du journalisme lorsque ce dernier est prêt à s'infiltrer au sein des combats pour rapporter le cliché le plus incisif. A travers l'ambition lucrative de Richard Boyle, un alcoolo fauché bonimenteur mais loquace et plein d'audaces, c'est son évolution humaniste qui nous ait dépeint lorsqu'il observe avec impuissance les exactions barbares pratiquées sur les femmes et les enfants, sans compter viols et crimes perpétrés sur des témoins étrangers. Outre l'illustration crue de cette guerre aussi injuste que barbare, c'est également une romance poignante qu'Oliver Stone retransmet avec l'empathie de notre reporter épris d'amour pour une jeune salvadorienne. Son intégrité à vouloir la protéger l'amènera finalement à tenter de l'expatrier aux Etats-Unis en encourant des risques inconsidérés. Avec une efficacité imparable dans la conduite du récit et les rebondissements dramatiques qui interfèrent (notamment l'assassinat terroriste de l'archevêque Oscar Romero), Oliver Stone entremêle récit d'aventures, romance et drame politique en dénonçant le rôle insidieux du gouvernement américain et celui de la CIA pour sa participation criminelle avec les militaires. Si Salvador s'avère toujours aussi passionnant, révoltant et bouleversant, il le doit notamment à l'interprétation furibonde de James Woods. Habité par la fougue de dénoncer les horreurs d'une guerre ignorée des médias, l'acteur exprime une frénésie viscérale dans son comportement suicidaire eu égard de sa condition déchue de reporter.

Parfois éprouvant dans son imagerie sordide de charnier et victimes sacrifiées, Salvador invoque l'aspect reportage d'une guerre civile opiniâtre parmi l'héroïsme suicidaire de reporters en mal de notoriété. D'une grande intensité dramatique, ce réquisitoire engendre également la désillusion d'une romance impossible auquel James Woods apporte tout son talent avec une spontanéïté bouleversante.

Bruno Matéï

Les Ruines / The Ruins

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site firstshowing.net

de Carter Smith. 2008. Allemagne/Australie/U.S.A. 1h33 (version intégrale inédite en France). Avec
Jonathan Tucker, Jena Malone, Shawn Ashmore, Laura Ramsey, Joe Anderson.

Sortie salles France: 11 Juin 2008. U.S: 4 Avril 2008

FILMOGRAPHIE: Carter Smith est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 6 Septembre 1971. 2008: Les Ruines. 2014: Jamie Marks is dead.

Une référence choc d'une cruauté escarpée intolérable. 

Premier long-métrage de Carter Smith, Les Ruines reprend le concept du survival en milieu hostile lorsqu'une poignée de jeunes touristes ont décidé de rejoindre le frère d'un de leurs amis parti en archéologie sur un temple Maya. Modeste série B édifiée autour du huis-clos singulier, Les Ruines exploite à merveille son décor restreint d'une pyramide lorsque des vacanciers s'y sont réfugiés après avoir été placé en quarantaine par la population locale. Car craignant une contamination irréversible, des villageois indiens les contraignent de s'exiler jusqu'au sommet de la pyramide. La raison de cet embrigadement forcé provient de la végétation qui harponne tout le temple, une plante carnivore capable de s'infiltrer sous la peau des victimes afin de les forcer à se mutiler. Entièrement alloué à l'enjeu de survie, les Ruines réussit très habilement à provoquer inquiétude et surtout l'effroi à moult reprises insupportables autour de protagonistes sévèrement molestés par une menace particulièrement insidieuse. A l'instar du son que la végétation réussit à imiter pour mieux les tromper et les vouer à l'échec ! Qui plus est, sous un climat solaire irrespirable, le film insuffle un sentiment de claustration palpable autour de la détresse de ces victimes confrontées à une épreuve de force toujours plus ardue. 

De par les divers incidents qu'ils vont devoir produire par inadvertance (la descente du puits pour récupérer un portable leur portera de lourds préjudices) et par la dangerosité de cette végétation particulièrement finaude lorsqu'elle s'accapare de leur corps. Totalement livrés à l'abandon, épuisés et assoiffés mais solidaires entre eux, ils vont user de bravoure et constance pour éviter le pire, c'est à dire la mutilation corporelle en désespoir de cause. Ainsi donc, en jouant sur le caractère révulsif des situations proprement horrifiques (pour ne pas dire insoutenables), Carter Smith redouble d'efficacité à élaborer des séquences d'anthologies éprouvantes de par l'ultra réalisme d'un gore aussi rugueux qu'acéré. Tant auprès de l'idée improbable d'y charcuter les jambes d'un estropié à l'aide d'un simple couteau de chasse ou d'entailler diverses plaies d'une camarade pour y extraire les brindilles rampantes ! Jusqu'au-boutiste donc, le cinéaste n'y va pas avec le dos de la cuillère pour répugner le spectateur à renfort d'une horreur viscérale franchement éprouvante mais dépendante au déroulement du récit. Un réalisme d'autant plus exacerbé de la dimension humaine des personnages toujours plus brimés par l'hostilité végétale au point de se réserver en dernier ressort l'exutoire du suicide.

De par son âpre réalisme d'une cruauté intolérable et des acteurs en herbe dont on éprouve une réelle empathie, Les Ruines puise sa force émotionnelle dans l'impact horrifique de ces redoutables scènes gores, dans la menace originale d'une végétation aride et la radicalité d'un contexte de survie poussé au paroxysme de la folie. Pour les fans purs et durs, il s'agit d'un sommet de terreur feutrée régie sous un soleil écrasant dont certaines images viscérales restent gravées bien au-delà de la projo. L'une des meilleures séries B des années 2000 d'un vérisme horrifiant si implacable qu'il confine au trama au point de le réserver à un public rigoureusement averti.

P.S: la version Uncut inédite en France (4' en sus) n'est dispo qu'en Blu-ray import toutes zones avec VOSTFR.

Budget: 8 millions de dollars. 

*Bruno 
09.01.25. 3èx. Vostf.

La Mariée Sanglante / La Novia Ensangrentada

                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Ecranlarge.com

de Vicente Aranda. 1972. Espagne. 1h42 (version intégrale). Avec Simon Andreu, Maribel Martin, Alexandra Bastedo, Dean Selmier, Angel Lombarte.

Sortie salles : 12 Février 1975

FILMOGRAPHIE: Vicente Aranda est un réalisateur et scénariste espagnol, né le 9 Novembre 1926 à Barcelone. 1969: Les Cruelles. 1972: La Mariée Sanglante. 1984: A coups de crosse. 1986: Tiemp de silencio. 1987: El Lute, marche ou crève. 1991: Amants. 1993: Intruso. 1994: La Passion turca. 1995: Lumière et Compagnie. 1996: Libertarias. 1998: La mirada del otro. 1999: Celos. 2001: Juana la Loca. 2003: Carmen. 2006: Tirant le Blanc. 2007: Lolita's Club.

Trésor ibérique exhumé de l'oubli par l'éditeur Artus Films, La Mariée Sanglante s'inspire d'un roman de Cheridan Le Fanu pour traiter du vampirisme, entre singularité et audace. On est d'abord frappé par la beauté de ces images oniriques sublimant une nature paisible et les monuments de pierre, quand bien même l'apparence soyeuse des héroïnes se charge d'une aura érotico-sensuelle. Les couleurs du mauve, du vert et du blanc se complétant à merveille pour styliser leur présence quasi surnaturelle. En parallèle, et avec défiance pour l'époque, le cinéaste saupoudre par intermittence des moments horrifiques parfois très sanglants (le rituel d'un arrachage de coeur durant un songe de Susan) dont la poésie morbide nous rappelle les excès esthétiques d'Argento à son apogée. Ainsi, en abordant les thèmes du sadomasochisme, de la phallocratie, du saphisme et du féminisme, Vicente Aranda construit un récit de prime abord abscons et tortueux pour mieux nous égarer face aux persécutions qu'une jeune mariée témoigne durant ses nuits de cauchemar. Car à peine emménagée dans le manoir de son époux, châtelain plus âgé qu'elle n'hésitant pas à lui infliger des jeux sexuels particulièrement cruels, Susan est hantée par l'emprise d'une mystérieuse Carmilla ! Régulièrement, durant ses sommeils, elle se voit contrainte d'assassiner son époux à l'aide d'un poignard affûté. Un peu plus tard, elle apprendra d'ailleurs qu'une ancêtre de son mari avait sauvagement tué son conjoint dans la même tradition. 

Quelques jours plus tard, aux abords d'une plage, le mari de Susan fait la rencontre d'une étrange inconnue ensevelie sous le sable. Souffrante d'amnésie, il décide de l'accueillir chez elle afin de lui prêter main forte. Rapidement, une étrange relation d'affection et de cohésion naît entre les deux femmes, quand bien même Susan est de plus en plus persuadée qu'il s'agit bien de la Carmilla de ses rêves ! Ce bref résumé jouant incessamment avec les notions de rêve et de réalité témoigne d'un intense pouvoir de fascination chez le spectateur embarqué Spoiler ! dans une liaison vampirique où deux lesbiennes vont s'unir amoureusement pour extérioriser leur haine auprès des hommes. Fin du Spoiler. En particulier ceux témoignant d'un goût masochiste pour la cruauté perverse que le mari de Susan et sa descendance ont acquis dans la tradition. Si la première moitié du récit nous laisse dans la confusion à savoir si Susan souffre véritablement d'hallucinations, Spoiler ! la seconde partie lève le voile sur l'identité de Carmilla et ses motivations avec l'entremise de sa nouvelle proie asservie par une morsure de vampire Fin du Spoiler. Or, la manière originale dont Vicent Aranda structure son intrigue est d'autant plus déconcertante qu'il distille un climat d'étrangeté ensorcelant parmi l'érotisme candide de ces deux misandres. Quand au final en demi-teinte déployant une violence sanglante radicale, il laisse place à un rebondissement cynique quand à découvrir qui emportera la victoire entre les deux sexes.

Cauchemar éveillé faisant office de romance macabre parmi la beauté épurée de ses actrices, la Mariée Sanglante sous-tend une plaidoirie pour l'émancipation féminine lorsque le machisme primaire de l'homme laisse transparaître un goût douteux pour la violence perverse. Erotique et sensuel, trouble et vertigineux, baroque et parfois ultra sanglant (avec en sus une séquence anthologique toujours aussi bluffante), il empreinte le mythe du vampire avec autant d'esthétisme pictural que d'originalité scabreuse. L'une des pièces fondatrices du cinéma fantastique espagnol en somme.

Bruno 
23.04.23. 3èx