Le Couloir de la Mort / The Evil

"The Evil" de Gus Trikonis. 1978. U.S.A. 1h29. Avec Richard Crenna, Joanna Pettet, Andrew Prine, Lynne Modie, Cassie Yates, George O'Hanlon Jr.

Sortie salles France: 15 Juillet 1981

FILMOGRAPHIE: Gus Trikonis est un acteur, danseur et réalisateur américain, né à Manhattan (New York) le 21 novembre 1937. 1997: Insel der Furcht1991: The Great Pretender. 1985 Délit de fuite (TV Movie).  1985 Midas Valley (TV Movie). 1985 Malice in Wonderland (TV Movie). 1983 First Affair (TV Movie). 1983 Dempsey (TV Movie). 1983 Pris au piège. 1982 Miss All-American Beauty (TV Movie). 1981 Twirl (TV Movie). 1981: Ca passe ou ça casse. 1981 Elvis and the Beauty Queen (TV Movie). 1980 Touched by Love. 1979: She's Dressed to Kill (TV Movie).  1979 The Last Convertible (TV Mini-Series) (part 3). 1979 The Darker Side of Terror (TV Movie). 1978 Le couloir de la mort. 1977 Moonshine County Express. 1976 The Student Body. 1976 Nashville Girl. 1975 The Swinging Barmaids. 1975 Supercock. 1969 Five the Hard Way.

"Le Couloir de la Mort : Train fantôme et diablerie vintage".

Hit VHS des années 80 sous l’étendard étoilé de Hollywood Video, Le Couloir de la Mort fit autant les beaux jours des rats de vidéoclub que ceux des cinéphiles lors de sa ressortie en salles à l’orée de cette décennie. J’en suis la preuve vivante : après l’avoir loué, je filai, un samedi après-midi, m’y replonger avec ferveur dans mon cinéma de quartier. Pure série B d’exploitation surfant sur la vague des demeures hantées, Le Couloir de la Mort ne prétend pas révolutionner le genre avec son intrigue éculée, dénuée de surprises - hormis un final délirant, flirtant avec le grotesque selon l’humeur du jour - car tout entier bâti sur le caractère spectaculaire de ses séquences chocs. Épaulé d’effets spéciaux artisanaux, souvent soignés et d’une efficacité redoutable, le film émaille son récit de mises à mort au réalisme parfois sidérant : main découpée à la scie circulaire, corps projeté dans les airs, viol brutal d’une malheureuse afro secouée par l’entité invisible.

Le pitch ressasse, le temps d’un week-end, la réunion de 10 convives dans un manoir scellé depuis vingt-cinq ans. Attendu pour les accueillir, le gardien sera la première victime : un incendie inexpliqué dans la cave le réduit au silence, seul le spectateur témoin de son agonie.

Dans cette séquence déjà, sourd l’aura feutrée d’une atmosphère gothique : le vieil homme inspecte les lieux, furetant l’écho de bruits suspects. Passé ce prologue ombrageux, nos hôtes s’opposent en vain aux manifestations surnaturelles, prisonniers d’une demeure carnassière. Un à un, ils plient sous l’estocade d’une force démoniaque jusqu’à ce que mort s’ensuive.

Nanti d’un rythme haletant n’accordant aucun répit aux péripéties diaboliques, Le Couloir de la Mort distrait comme un train fantôme où l’esbroufe sert de pivot vital. À ces effets spectaculaires bien troussés s’ajoute la caractérisation attachante des personnages, impliquant réellement le spectateur dans leur désarroi, malgré leur naïveté parfois désarmante. Richard Crenna campe un psychologue rationnel, réfutant mordicus la moindre théorie surnaturelle, tandis que ses seconds rôles s’évertuent à contredire l’évidence du mal rampant.

Le Couloir de la Mort captive par un charme bis irrésistible, fruit du savoir-faire d’un réalisateur s’échinant à distiller une ambiance démoniaque souvent tangible. Quant au final incongru, exhibant le diable en personne sous les traits fantasques de Victor Buono, il ose rompre la conformité pour livrer la scénographie d’un au-delà limpide toutefois fascinant. Le spectateur, dépaysé, oscille entre fascination et sourire, notamment grâce au clin d’œil d’un fantôme charitable venu prêter main forte à l’heure du glas. A privilégier toutefois la VO, le séquence gagne en réalisme auprès de la tonalité vocale de Victor Buono plus pervers et inquiétant. 

Plaisir innocent du samedi soir, série B sans prétention, Le Couloir de la Mort n’a rien perdu de son charme naïf à provoquer l’angoisse au gré de ses séquences chocs et de sa patine vintage. À l’intégrité de son auteur, soucieux de divertir, s’ajoute la spontanéité communicative de ses comédiens de seconde zone : on obtient alors un classique, aussi mineur soit-il, qu’il fait bon revisiter sans se lasser. Et j'en suis au 6è visionnage. 

B.M
22.06.25. 6èx
29.01.16
25.02.11

THE ASPHYX (l'esprit de la mort)

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmscoremonthly.com

"Spirit of the dead / L'Esprit de la Mort" de Peter Newbrook. 1972. U.S.A. 1h39. Avec Robert Stephens , Robert Powell , Jane Lapotaire , Alex Scott , Ralph Arliss.

Sortie salles U.S: Février 1973

FILMOGRAPHIE: Peter Newbrook est un réalisateur, producteur et scénariste anglais, né le 29 Juin 1920, décédé le 19 Juin 2009 à Norwich (Angleterre). Il est l'unique metteur en scène de The Asphyx.

Perle maudite inédite en salles dans l'hexagone mais exhumée de l'oubli par l'éditeur (en berne) Neo Publishing, The Asphyx traite de l'immortalité avec une audace et une originalité sans égales. Dans une ambiance gothique proche d'un Hammer Film, cet ovni horrifique tire parti de son pouvoir vénéneux grâce à la fantaisie de son concept singulier surfant sur une réflexion spirituelle et la soif d'une jeunesse insatiable. En 1875, un scientifique épaulé de son adjoint tentent des expériences occultes en prenant en photo des personnes sur le point de mourir. Par le biais d'une tâche noire inscrite sur la pellicule, Sir Hugo Cunningham pense avoir démasqué le Asphyx. Un esprit de la mort qui, selon une légende grecque, s'emparerait de notre âme au moment de trépasser. Fascinés par cette stupéfiante découverte, nos apprentis sorciers élaborent une machine capable de capturer l'asphyx afin de permettre à la victime mise en cause de se libérer du trépas et ainsi accéder à l'immortalité. 

Ce scénario saugrenu émaillé de rebondissements décapants s'avère d'une redoutable efficacité sous l'impulsion impétueuse de comédiens s'en donnant à coeur joie dans leur utopie immorale. En dépit d'une mise en scène académique, Peter Newbrook parvient pour son unique réalisation à fasciner le spectateur impliqué dans une épreuve scientifique aussi passionnante que débridée. La scénographie minimaliste du huis-clos permettant d'autant mieux de nous familiariser avec nos protagonistes confinés dans leur laboratoire victorien. Multipliant leurs expériences morbides auprès d'un mammifère puis ensuite avec des cobayes humains, nos compères se retrouvent en proie à leur obsession divine afin de permettre à l'homme d'accéder à l'immortalité sur terre. Si les effets cheap peuvent prêter à sourire quant aux diverses apparitions de l'Asphyx, sa résultante visuelle s'avère si incongrue et hallucinée que le spectateur parvient sans difficulté à croire à l'improbable lorsque l'entité parvient à s'animer sous les effets d'un faisceau de projecteur tout en exclamant un braillement primal ! Qui plus est, la spontanéité pétulante des comédiens (second point majeur après sa densité narrative) parvient sans retenue à nous convaincre de leurs expériences avec l'au-delà parmi l'appui d'un appareil photo et d'une caméra.

Par sa dimension visuelle aussi fantaisiste qu'hallucinée, The Asphyx décuple son pouvoir de fascination par l'entremise d'un scénario atypique et le brio d'interprètes totalement impliqués dans leur fonction insidieuse de savants fous. Honteusement méconnue et oubliée (bien que certains spécialistes le sacralisent comme l'un des films essentiels des années 70 !), cette merveille d'insolence macabre redore ses lettres de noblesse au terme "culte". 

Un grand merci au regretté Neo...

B.M 

THE DANISH GIRL. Queer Lion à la Mostra de Venise 2015.

                                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site actu-film.com

de Tom Hooper. 2015. U.S.A/Angleterre/Allemagne. 2h00. Avec Eddie Redmayne, Alicia Vikander, Matthias Schoenaerts, Ben Whishaw, Amber Heard, Sebastian Koch

Sortie salles France : 20 janvier 2016. U.S: 27 Novembre 2015

FILMOGRAPHIE: Thomas George « Tom » Hooper est un réalisateur britannique, né le 1er octobre 1972 à Londres. 2004 : Red Dust. 2009 : The Damned United. 2010 : Le Discours d'un roi. 2012 : Les Misérables. 2016 : The Danish Girl.

Mélodrame inspiré de l'histoire vraie de Lili Elbe, premier cobaye masculin à avoir subi une opération chirurgicale pour un changement de sexe ("chirurgie de réassignation sexuelle" nommeront les thérapeutes !), The Danish Girl aborde le thème du transgenre (confusion de l'identité sexuelle) avec pudeur d'émotion dans son refus de pathos, Spoil ! et ce en dépit de la tournure inopinée du dénouement dramatique Fin du Spoil. Par le biais de son profil psychologique singulier prônant notamment un hymne à la féminité, Tom Hooper transfigure une leçon de tolérance et d'amour du point de vue de l'épouse délaissée qu'endosse brillamment Alicia Vikander.

Cette dernière insufflant avec humanisme vaillant une grande dignité pour son sens de l'empathie, de la considération et de la passion pour la condition pathologique de son mari. Alors que certains médecins et psychiatres conservateurs diagnostiquerons le sort de leur patient d'homosexualité ou de maladie mentale (la schizophrénie), Gerda ne cessera de respecter sa nouvelle raison d'être et de soutenir son choix ardu avec constance et tendresse intarissables. Car au-delà de l'introspection poignante établie sur l'ambivalence morale de Lili, partagé entre sa peur de perdre l'être aimé, le désir viscéral de changer de corps et la crainte de se prêter à une chirurgie novatrice, The Danish Girl cultive une magnifique histoire d'amour autour de leur solidarité indéfectible. Situé à l'aube des années 30, la reconstitution soignée et les sublimes décors contrastent à merveille avec la quotidienneté intime de Lili et Gerda. Cette dernière exerçant dans son foyer la profession de peintre pendant que son mari lui sert de modèle en adoptant le rôle d'un travesti. Se focalisant sur leur rapports intimes à travers des discordes conjugales et une irrésistible cohésion amoureuse The Danish Girl distille une émotion prude sous l'impulsion de deux comédiens en émoi. Eddie Redmayne se fondant dans la peau du transsexuel avec une séduction naturelle et une ambiguïté de personnalité souvent bouleversantes.

Abordant sans racolage les tabous du transgenre et de l'homophobie autour d'une histoire d'amour pleine de passion et de tolérance, Tom Hooper nous offre un témoignage digne sur le droit à la différence du point de vue du premier patient à s'être prêté à la chirurgie de réattribution sexuelle. Outre le brio de sa mise en scène à la forme esthétisante (photo et éclairages limpides pour transfigurer la reconstitution historique des années 30), le film doit beaucoup de sa poésie et de son intensité dramatique grâce au duo magnanime Eddie Redmayne/Alicia Vikander (celle-ci volant quasiment la vedette à son acolyte au travers d'un superbe portrait de femme constante !).

B.M

BEASTS OF NO NATION

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site goldposter.com

de Cary Joji Fukunaga. 2015. U.S.A. 2h16. Avec Abraham Attah, Idris Elba, Emmanuel Nii Adom Quaye, Ama K. Abebrese, Richard Pepple, Francis Weddey, Opeyemi Fagbohungbe, Andrew Adote.

Sortie salles France: INEDIT. U.S: 16 Octobre 2015

FILMOGRAPHIE: Cary Joji Fukunaga est un réalisateur américain, né le 10 juillet 1977 à Oakland en Californie. 2009: Sin Nombre. 2011: Jane Eyre. 2012: Sleepwalking in the Rift. 2015: Beasts of No Nation.

Inédit en salles en France et directement sorti en VOD, Beasts of no nation relate avec un réalisme documenté le conditionnement d'un enfant en machine à tuer au coeur d'une guerre civile Africaine. Enrôlé par un commandant drastique dirigeant de main de fer son armée rebelle, le jeune Agu s'embourbe rapidement dans un univers de violence barbare après avoir été séparé de sa mère puis témoin du massacre de sa famille. Par l'alibi de la vengeance, son leader en profite pour l'initier à l'apprentissage de l'autorité, du combat et des armes avant de le mettre à l'épreuve du rituel criminel. Cette innocence déflorée, Agu l'endure avec courage et détermination d'une vendetta avant de saisir la manoeuvre de son mentor, gourou sans vergogne exploitant son armée dans un but égotiste.

Âpre, ultra violent, malsain, nauséeux, Cary Joji Fukunaga n'y va pas par quatre chemin pour décrier l'animosité primitive d'une guerre civile parmi l'appui d'enfants martyrs aveuglés par la haine et le sang. Voyage au bout des ténèbres, odyssée funèbre d'où plane les effluves de macchabées fraîchement assassinés ou putréfiés par le soleil, Beasts of no nation nous retranscrit avec vigueur dramatique l'introspection meurtrie d'un enfant orphelin, témoin de massacres en règle sous l'allégeance d'un dictateur obnubilé par le pouvoir. Idris Elba endossant avec sobriété un rôle perfide où la manigance de ces stratégies bellicistes Spoiler ! finit mener sa troupe vers la déroute fin du Spoiler. Poignant et bouleversant pour la dérive sanguinaire de ces enfants endoctrinés à la déchéance criminelle, Beasts of no nation ne nous laisse peu de répit pour manifester de leur déliquescence morale à exterminer sans fléchir femmes et enfants parmi la complicité tantôt indulgente d'Agu. Par un vibrant monologue alternant ses sentiments d'espoir et de désespoir face à sa foi divine, Agu devient un adulte aguerri apte à discerner la monstruosité qui vient de naître en lui. Ce message d'espoir intenté à sa parcelle d'humanité tend à rassurer sur sa destinée galvaudée parmi son souvenir traumatique d'une guerre d'un autre âge. Outre l'esthétisme crépusculaire de ces affrontements chaotiques épargnés de vainqueurs, le film gagne en intensité sous l'impulsion équivoque du jeune Abraham Attah. Ce dernier se fondant dans la peau d'un soldat infantile derrière un regard impassible peu à peu rattrapé par le regain de conscience.

Dur et sans concession car d'un réalisme parfois éprouvant pour le cheminement criminel de cette génération sacrifiée, Beasts of no nation laisse un goût de souffre dans la bouche lorsqu'il fait écho aux exactions barbares du djihadisme terroriste (Boko Haram en tête !). Poignant et bouleversant parmi le témoignage de ces enfants de la honte, l'absurdité de la guerre nous est ici illustrée sous son aspect le plus sordide lorsque ces derniers sont prêts à payer de leur âme pour se soumettre à l'idéologie la plus extrémiste. Hanté par le score envoûtant de Dan Romer, il en émane un vibrant plaidoyer contre la haine infantile dont on ne sort pas indemne... 

B.M

Récompenses: Mostra de Venise 2015 : Prix Marcello-Mastroianni du meilleur espoir pour Abraham Attah.
National Board of Review Awards 2015 : Meilleur espoir pour Abraham Attah.

UNE JOURNEE PARTICULIERE. César du Meilleur Film Etranger, 1978.

                                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site fan-de-cinema.com

"Una giornata particolare" d'Ettore Scola. 1977. Italie/Canada. 1h45. Avec Sophia Loren, Marcello Mastroianni, John Vernon, Françoise Berd, Vittorio Guerrieri, Alessandra Mussolin

Sortie salles France: 7 Septembre 1977. Italie: 12 Août 1977

FILMOGRAPHIE: Ettore Scola est un réalisateur et scénariste italien, né le 10 Mai 1931 à Trevico, province d'Avellino en Campanie.
1964: Parlons Femmes. 1965: Belfagor le Magnifique. 1968: Nos héros réussiront-ils à retrouver leur ami mystérieusement disparu en Afrique ? 1969: Le Commissaire Pepe. 1970: Drame de la Jalousie. 1972: La Plus belle soirée de ma vie. 1973: Voyage dans le Fiat-Nam. 1974: Nous nous sommes tant aimés. 1976: Affreux, sales et méchants. 1977: Bonsoir Mesdames et Messieurs. 1977: Une Journée Particulière. 1978: Les Nouveaux Monstres. 1980: La Terrasse. 1981: Passion d'Amour. 1982: La Nuit de Varennes. 1983: Le Bal. 1985: Macaroni. 1987: La Famille. 1988: Splendor. 1989: Quelle heure est-il ? 1990: Le Voyage du Capitaine Fracasse. 1993: Mario, Maria, Mario. 1995: Le Roman d'un jeune homme pauvre. 1998: Le Dîner. 2001: Concurrence Déloyale. 2003: Gente di Roma.

Drame psychologique prenant pour cadre le huis-clos d'un appartement autour des rapports indécis d'un couple en quête d'amour, une Journée particulière relate le destin infortuné de ses amants esseulés durant l'époque du fascisme Italien. Epouse et mère de 6 enfants résidant dans un vieil immeuble, Antonietta s'occupe de ses tâches ménagères quand bien même ces derniers et son mari se préparent à participer à la parade militaire au cours duquel Hitler est venu se déplacer à Rome afin de rencontrer Mussolini. Alors que son oiseau domestique vient de s'échapper de sa cage, elle aperçoit en face de son immeuble l'un de ses voisins à proximité de l'animal. Elle décide de frapper à sa porte pour lui invoquer de l'aide. C'est à ce moment aléatoire que les deux inconnus entament une sympathique conversation avant d'apprendre à se connaître et d'y délivrer leur orientation sexuelle.

Prenant pour thèmes le fascisme et l'homosexualité à l'aube de la seconde guerre mondiale, Une Journée particulière y dénonce l'intolérance, le machisme, la haine et la peur de la différence sous l'impulsion contrariée d'un couple en questionnement conjugal. Antonietta vouant un amour subitement fougueux pour son voisin, Gabriele, un homosexuel viré de son poste de présentateur radio depuis ses révélations sexuelles. Durant leurs rapports amicaux jalonnés d'intempéries, ces derniers ne vont pas tarder à se livrer des confidences intimes depuis leur condition soumise d'une existence conservatrice. Epaulé d'une photo sépia afin de renforcer le climat blafard du quartier précaire dans lequel ils évoluent parmi l'indiscrétion d'une commère fasciste, Une journée particulière insuffle une atmosphère versatile autour du couple inconciliable au rythme lassant d'une fanfare militaire perçue à travers la radio. Leur romance impossible et leurs pulsions de révolte provoquant une certaine ambiguïté chez la posture tourmentée de Gabriele, au moment où la conclusion glaçante nous révélera pour quel motif celui-ci s'était résigné Spoiler ! à ne pas perdurer leur relation sentimentale Fin du Spoiler. Si le monstre sacré Marcello Mastroianni délivre un jeu aussi dépouillé qu'intense dans son regard songeur et ses clameurs de victime molestée, Sophia Loren illumine l'écran par sa présence prude où la douceur sensuelle se chevauche parmi l'amertume du désarroi dans sa fonction d'épouse esseulée, faute du machisme d'un époux ingrat. Toute l'intensité du film reposant sur leurs rapports contradictoires, équivoques et désespérés autour d'un apprentissage amoureux.

D'un réalisme étouffant impulsé par le brio de sa mise en scène sans fard et d'une pudeur saisissante pour la prestance incandescente du couple Mastrioanni/Sophia Loren, Une journée particulière traduit une émotion finalement bouleversante pour mettre en exergue les états d'âme meurtris d'une romance impossible. Une oeuvre marquante d'un pessimisme sans échappatoire au moment où les mentalités fascistes se complaisent dans une parade musicale afin de glorifier l'obscurantisme. 

Dédicace à Rebecca Lord
B.M

Récompenses:
National Board of Review 1977 : prix du meilleur film étranger.
César du meilleur film étranger 1978.
David di Donatello 1978 :
David di Donatello du meilleur réalisateur à Ettore Scola,
David di Donatello de la meilleure actrice principale à Sophia Loren.
Globe d'or 1978 :
Globe d'or du meilleur film à Ettore Scola,
Globe d'or du meilleur acteur à Marcello Mastroianni,
Globe d'or de la meilleure actrice à Sophia Loren.
Golden Globes 1978 : Golden Globe du meilleur film en langue étrangère.
Ruban d'argent (Syndicat national des journalistes cinématographiques italiens) 1978 :
Ruban d'argent de la meilleure actrice à Sophia Loren,
Ruban d'argent du meilleur scénario à Maurizio Costanzo, Ruggero Maccari et Ettore Scola,
Ruban d'argent de la meilleure musique de film à Armando Trovajoli.
Mostra de Venise 2014 : « Venezia Classici » du meilleur film restauré pour Ettore Scola.

Cours, Lola, cours / Lola rennt

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site traileraddict.com

de Tom Tykwer. 1998. Allemagne. 1h21. Avec Franka Potente, Moritz Bleibtreu, Herbert Knaup, Nina Petri, Armin Rohde, Joachim Król

Sortie salles France: 7 avril 1999. U.S: 18 juin 1999. Allemagne: 20 Août 1998.

FILMOGRAPHIE: Tom Tykwerest un réalisateur, scénariste, producteur et compositeur allemand, né le 23 mai 1965 à Wuppertal. 1994 : Maria la maléfique. 1997 : Les Rêveurs. 1998 : Cours, Lola, cours. 2000 : La Princesse et le Guerrier. 2002 : Heaven. 2006 : Le Parfum. 2009: L'Enquête. 2010 : Drei. 2012 : Cloud Atlas: coréalisateur, scénariste, producteur et compositeur. 2015 : A Hologram for the King.

"Nous ne cesserons pas notre exploration, et au terme de notre quête nous arriverons là d'où nous étions partis et nous connaîtrons ce lieu pour la première fois. Après le match, c'est avant le match !"

Film culte au sens premier du terme, Cours, Lola, cours est une production allemande lancée à l’adrénaline d’une course désespérée contre la montre. Alors que Manni devait remettre 100 000 marks à un trafiquant, un clochard lui dérobe la somme dans un compartiment ferroviaire. Appelée à la rescousse, Lola tente d’obtenir la même cagnotte auprès de son père banquier en vingt minutes, faute de quoi Manni serait liquidé. Mais une cascade d’incidents imprévisibles pousse Lola à repenser sa situation avec une persistance farouche.

Scindé en trois actes, le film offre à l’héroïne la possibilité de rejouer son destin maudit par diverses stratégies. Tom Tykwer déploie une inventivité furieuse, transformant cette traque homérique en épopée cadencée, comme une joggeuse échappée d’une bande dessinée. Sa stature effervescente, son cri perçant, sa tenue criarde, sa chevelure rouge - que Alias imitera plus tard - en font une figure explosive. Débridé et jouissif, le film multiplie les trouvailles visuelles : séquences animées, flashforwards foudroyants qui bouleversent le destin de simples figurants. Cours, Lola, cours renouvelle sans cesse son énergie par un enchaînement de hasards et de personnages extravagants, inscrits dans une obstination fébrile.

Éloge de la constance, de la foi en son étoile, le récit ouvre des pistes philosophiques et spirituelles (la réincarnation en filigrane), tout en creusant les failles intimes d’un couple en quête d’avenir. Romance passionnelle où l’amour peut, peut-être, sauver deux destins marginaux, le film explore surtout les répercussions - heureuses ou fatales - de nos choix les plus anodins. Entre lyrisme, humour décalé et tension oppressante, la course éperdue se nourrit d’une musique techno métronomique qui galvanise chaque pas, et qui n'a toujours pas pris une ride. 

Ovni clipesque en trois mouvements, Cours, Lola, cours déborde de fougue et d’insolence, ironisant sur l’absurdité existentielle. Au-delà de la virtuosité formelle, l’œuvre est transcendée par Franka Potente, révélation viscérale : cri strident, fragilité brûlante, énergie d’anti-héroïne mue par l’amour et la rage de vaincre. Un méga-trip fulgurant, à dévorer sans modération.

— le cinéphile du cœur noir

22.01.16 (4èx)
26.08.01

Récompenses: Prix du film allemand 1999 : meilleur film, meilleur réalisateur, meilleur second rôle féminin pour Nina Petri, meilleur second rôle masculin pour Herbert Knaup, prix du public pour le film de l'année et pour Franka Potente en tant que meilleure actrice.

Prison

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinema.jeuxactu.com

de Renny Harlin. 1987. U.S.A. 1h42. Avec Viggo Mortensen, Chelsea Field, Lane Smith, Lincoln Kilpatrick, Tom Everett, Tom Lister, Jr. , Kane Hodder.

Sortie salles France, uniquement à Avoriaz: Janvier 1988. U.S: 8 Décembre 1987

FILMOGRAPHIE: Renny Harlin (Renny Lauri Mauritz Harjola), est un réalisateur et producteur américain d'origine finlandaise, né le 15 mars 1959 à Riihimäki (Finlande).
1986 : Born American. 1987 : Prison. 1988 : Le Cauchemar de Freddy). 1990 : 58 Minutes pour vivre (Die Hard 2). 1990 : The Adventures of Ford Fairlane. 1993 : Cliffhanger. 1995 : L'Île aux pirates. 1996 : Au revoir à jamais. 1999 : Peur Bleue. 2001 : Driven. 2004 : Profession profiler. 2004 : L'Exorciste, au commencement. 2006 : Le Pacte du sang. 2008 : Cleaner. 2009 : 12 Rounds. 2011 : Etat de guerre. 2013 : Dyatlov Pass Incident. 2014 : La Légende d'Hercule. 2015 : Skiptrace.

Classique des années 80, Prison est l'initiateur d'un concept original que d'autres réalisateurs s'empresseront d'exploiter (à l'instar de Wes Craven pour Shocker, James Isaac avec House 3): celui des exactions revanchardes d'un détenu d'outre-tombe, faute d'avoir été autrefois injustement condamné à la chaise électrique. En l'occurence, alors que des prisonniers sont transférés dans une ancienne prison en témoignant des consignes totalitaires de leur directeur, d'étranges phénomènes meurtriers vont intenter à leur détention. Si bien que tapi derrière les cloisons des cellules, le fantôme d'un ancien détenu serait à l'origine de ses massacres en règle. Série B photogénique par sa facture formellement gothique exploitant efficacement un scénario linéaire autour d'un huis-clos rubigineux, Prison génère un plaisir ludique au rythme percutant de séquences chocs aussi inventives que spectaculaires. On peut d'ailleurs louablement saluer le travail artisanal des maquilleurs tant le réalisme imparti aux mises à mort fascine encore aujourd'hui le spectateur ébranlé par des visions de cauchemar inscrits dans la cruauté corporelle (pour ne pas dire SM !). Servi d'une attachante distribution de seconds-couteaux issus du ciné de genre, l'intrigue exploite quelques clichés du drame carcéral (la posture outrée du directeur abusif, les châtiments punitifs conférés à ses prisonniers quand bien même ces derniers finissent par nous traduire une certaine sympathie depuis leur fonction soumise) sans que le spectateur n'éprouve toutefois le sentiment de déjà vu. 

Une gageure engendrée par l'aura diffuse du climat oppressant en interne d'une prison décatie (en rappellant aussi que pour les besoins du tournage l'utilisation d'un authentique pénitencier laissé à l'abandon fut aimablement autorisé pour tenir lieu de réalisme 4 mois durant !) et par l'attachante stature de certains marginaux comme le souligne le détenu Crésus lié à un passé hélas galvaudé. Principalement le porte parole de la troupe, Burke (que le néophyte Viggo Mortensen endosse avec un charme preux), redoublant d'audace et bravoure à tenter d'extirper de la mort quelques codétenus. Secondé d'un antagoniste sournois avide de mégalomanie, l'excellent Lane Smith se prête au cabotinage avec une rigoureuse autorité derrière son regard impassible quasi métallique. Quant à la présence de l'entité spectrale, Renny Harlin cultive à tous prix la suggestion par le biais d'une lumière azuré aveuglante (à l'instar de La Forteresse Noire !) tout en parvenant à distiller un suspense anxiogène au fil de ses exactions macabres. Enfin, on peut aussi rappeler qu'au niveau des figurants, une dizaine de véritables détenus furent recrutés pour l'occasion cinématographique alors que certains géoliers en faction étaient réellement armés durant tout le tournage afin d'éviter le moindre incident ! Qui plus est, un autre détenu (jugé pour meurtre à la suite d'une bagarre dans un bar) tient d'ailleurs un véritable rôle narratif dans celui du mastard autoritaire proposant un compromis avec Bruke (Vigo Mortensen) à la suite de son héroïsme de dernier ressort.

Psycho-killer surnaturel façonné à l'instar d'un train-fantôme pénitentiaire dénué de surenchère (en dépit du final explosif efficacement géré), Prison cultive une irrépressible fascination pour son climat feutré de claustration et sa variante de séquences-chocs aussi sanguines qu'homériques. Nanti d'un rythme sans faille culminant vers une ultime demi-heure haletante, Prison transfigure la série B à l'ancienne parmi l'originalité de son concept horrifique, et ce, en dépit d'une structure narrative convenue. Un régal d'efficacité au demeurant pour un amour de série B rétro. 

*Bruno
5èx. 28.02.24. Vostfr

TRULY MADLY DEEPLY. Prix de la Critique, Avoriaz 92.

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinema.jeuxactu.com

de Anthony Minghella. 1991. Angleterre. 1h47. Avec Juliet Stevenson, Alan Rickman, Bill Paterson, Michael Maloney, Jenny Howe, Carolyn Choa, Christopher Rozycki.

Sortie salles France: 8 Avril 1992

FILMOGRAPHIE: Anthony Minghella est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur britannique, né le 6 janvier 1954 sur l’île de Wight, décédé le 18 mars 2008.
1991: Truly, Madly, Deeply. 1993 : Mr. Wonderful. 1996 : Le Patient anglais. 1999 : Le Talentueux M. Ripley. 2003 : Retour à Cold Mountain. 2005 : Par effraction.

Célébré à Avoriaz par 2 récompenses (Prix de la Critique, Prix d'Interprétation Féminine), Truly, Madly, Deeply aura marqué une génération de spectateurs et vidéophiles en prime de son succès critique. Comédie romantique impartie à une ghost story naturaliste, cette première oeuvre d'un réalisateur néophyte distille un humanisme prude pour l'idylle amoureuse compromise entre une veuve et son mari défunt. Depuis la mort subite de son époux, Nina ne parvient pas à faire le deuil dans son inconsolable chagrin. Mais un soir, son amant réapparaît sous les traits d'un revenant afin d'apaiser sa souffrance morale. Au fil des jours, et depuis l'arrivée d'autres compagnons fantômes, une lassitude s'interpose entre eux.

Film d'auteur inscrit dans la pureté des sentiments, Truly, Madly, Deeply emprunte le conte moderne pour aborder le thème de la perte de l'être cher du point de vue d'une tragédie inéquitable. Sobrement réalisé parmi le parti-pris de ne jamais se soustraire au pathos, l'intrigue se focalise sur les rapports intimistes du couple en étreinte parmi l'intrusion cocasse de fantômes amicaux venus s'installer dans leur appartement afin de flâner devant la TV à dévorer des classiques en VHS. De par ses moments intenses de tendresse et ses situations pittoresques conçues sur la fantaisie de spectres impertinents émane un climat fantasmagorique inscrit dans un réalisme prégnant. A l'instar de la luminosité de sa photographie limpide et surtout du jeu spontané des comédiens exprimant leur tendresse commune avec une sensibilité tantôt bouleversante. Outre la présence à contre-emploi du regretté Alan Rickman en fantôme flegmatique délibéré à soutenir sa bien aimée pour l'inciter à renouer avec le bonheur, le film est transcendé par la prestance viscérale de Juliet Stevenson exprimant de manière éperdue des sentiments de fragilité, de crainte mais aussi de persévérance à s'efforcer de transgresser son insurmontable fardeau.

Hymne à la vie dans sa faculté à refonder un bonheur perdu, réflexion spirituelle sur l'au-delà, témoignage émouvant et plein de poésie sur le souvenir et la condition altruiste de nos défunts, Truly, Madly, Deeply délivre un message plein d'optimisme quant à la reconstruction sociale de l'héroïne convaincue que l'amour reste inaltérable avec l'appui d'un ange philanthrope inscrit dans la tolérance. Une oeuvre fastueuse particulièrement subtile dans son refus de fioriture, à redécouvrir avec beaucoup d'émotion sachant qu'Alan Rickman s'est aujourd'hui véritablement fondu dans la peau de son personnage mystique ! 

Dédicace à Nadine Izquierdo

Récompenses: Prix de la Critique, Prix d'Interprétation Féminine (Juliet Stevenson) à Avoriaz, 1992

DHEEPAN

                                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

de Jacques Audiard. 2015. France. 1h58. Avec Antonythasan Jesuthasan, Kalieaswari Srinivasan, Claudine Vinasithamby, Vincent Rottiers, Marc Zinga, Tarik Lamli

Sortie salles France: 26 Août 2015

FILMOGRAPHIE: Jacques Audiard est un réalisateur, scénariste et monteur français, né le 30 Avril 1952 à Paris. 1994: Regarde les Hommes tomber. 1996: Un héros très discret. 2001: Sur mes lèvres. 2005: De battre mon coeur s'est arrêté. 2009: Un Prophète. 2012: De Rouille et d'Os. 2015: Dheepan.

Auréolé de la Palme d'Or en 2015, le nouveau film évènement de Jacques Audiard aborde le choc culturel et la violence urbaine sous le témoignage d'un trio de migrants issus du Sri Lanka. Fuyant la guerre civile de leur pays, Dheepan parvient à rejoindre la France avec l'appui d'une fille et d'une jeune femme dont il ignore leur identité (stratagème planifié à l'aide de faux papiers afin de franchir la douane). Logés à l'enseigne d'un quartier défavorisé où la violence urbaine est quotidienne, ils vont tenter de survivre pour s'y faire une place. Fort d'une mise en scène extrêmement appliquée et d'une habile construction narrative suggérant l'approche d'un danger, Dheepan parvient à nous immerger dans le désarroi de cette famille indienne au sein de leur intimité. Débarqués à l'improviste dans cette nouvelle terre d'accueil que symbolise la France, nos trois migrants vont tenter de s'adapter à leur situation précaire depuis les trafics de drogue perpétrés sous leur nez par des délinquants sans vergogne.

Pourvu d'un réalisme scrupuleux, que ce soit pour les séquences d'action percutantes prises sur le vif que de la caractérisation humaine des comédiens méconnus (le couple Antonythasan Jesuthasan / Kalieaswari Srinivasan entremêle pudeur et colère avec une intensité viscérale), Dheepan nous fait donc partager leur quotidienneté sous l'amertume contrariée d'un avenir aussi incertain. Sans effet de misérabilisme et de sinistrose, Jacques Audiard parvient à magnifier leur portrait moral avec souci de vérité d'ausculter leurs sentiments internes fondés sur le dépit, l'angoisse et la révolte. Dressant un tableau terrifiant sur la violence urbaine des ghettos défavorisés au sein de l'hexagone, l'intrigue établit un parallèle sur la situation autrefois vécue par le peuple Tamoul depuis leur traumatisme de la guerre. Constat amère d'une France gangrenée par le chômage et la violence, Jacques Audiard dénonce le laxisme de nos politiques à faire fi des quartiers défavorisés transformés ici en zone de non-droit. Récit initiatique pour une délicate insertion sociale et les rapports amicaux en ascension du couple de migrants, Dheepan nous alerte sur les conséquences de la violence urbaine lorsqu'un ancien belligérant se retrouve confronté à reprendre les armes afin de prémunir son foyer.

Mis en scène avec une virtuosité sans fard et superbement incarné par des comédiens d'une bouleversante humilité, Dheepan aborde l'apprentissage de l'amour, le machisme, l'émancipation féminine et la rébellion sous l'impulsion désoeuvrée d'une guerre urbaine juvénile. Un grand film plein de dignité pour la condition humaine des migrants autant qu'un cri d'alarme sur la situation inquiétante d'une France gangrenée par la violence des cités. 

B.M. 

Hostel

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site mauvais-genres.com

d'Eli Roth. 2006. U.S.A. 1h33. Jay Hernández, Derek Richardson, Eythor Gudjonsson, Barbara Nedeljakova, Jana Kaderabkova, Jan Vlasák, Jennifer Lim.

Sortie salles France: 1er Mars 2006 (mention: Interdit aux moins de 16 ans avec avertissement : "De nombreuses images, d'une grande violence, peuvent impressionner les spectateurs".
Sortie U.S: 6 Janvier 2006.

FILMOGRAPHIE: Eli Roth est un réalisateur américain, né le 18 Avril 1972 à Boston.
2002: Cabin Fever. 2006: Hostel. 2007: Thanksgiving (faux trailer). 2007: Hostel 2. 2009: Nation's Pride - Stolz der Nation (trailer). 2013: The Green Inferno. 2015: Knock Knock.

Deux ans après le phénomène Saw, le débutant Eli Roth exploite à son tour le filon du Torture Porn, remis au goût du jour pour un public ado en quête de sensations hardcores. Devenu, comme son homologue, un petit film culte auprès de la génération 2000, Hostel s’inscrit dans la lignée du cinéma d’exploitation, celui qui sévissait autrefois sur les écrans crasseux des grindhouses, en particulier durant l’âge d’or des Seventies. À travers le thème du trafic d’humains orchestré dans les pays les plus défavorisés, Eli Roth s’épanche sur les bas instincts de rupins étrangers réunis en Slovaquie pour combler leur appétence morbide. 

Le Pitch: Trois jeunes étudiants américains font escale à Prague, attirés par l’adresse confidentielle d’un bordel clandestin. Après avoir fraternisé avec des call-girls à l’auberge, deux d’entre eux disparaissent mystérieusement. Paxton, le survivant, part à leur recherche...

Série B horrifique baignée dans une violence graphique parfois éprouvante, Hostel ne fait pas dans la dentelle pour dépeindre, avec un réalisme rugueux, les supplices infligés à des victimes capturées pour le bon plaisir de bourreaux pathologiques. Et on ne va pas s'en plaindre, du moins chez les initiés. 

Si la première partie, convenue, n’échappe pas aux figures imposées du teen movie, l’efficacité de la mise en scène et le soin accordé à la caractérisation des personnages (qu’il s’agisse de nos fêtards juvéniles ou des nymphettes aguicheuses) nous permettent de nous attacher à leur virée hédoniste entre sexe, suspicion et défonce. Outre l’érotisme stylisé des étreintes torrides, Roth instille par touches insidieuses un climat d’angoisse, une tension rampante au fil des disparitions. L’anxiété grimpe d’un cran lorsque Paxton, seul rescapé, commence à percer les rouages de cette machination ténébreuse, où les catins s’avèrent compromises dans un trafic aussi abject qu’organisé.

Par le prisme haletant du survival, la seconde partie bascule dans l’horreur pure lorsque Paxton se retrouve piégé dans une usine désaffectée, reconvertie en chambre des supplices. Roth fignole le cadre insalubre de cet antre rubigineux avec un certain stylisme — notamment les tenues fétichistes des tortionnaires, au charisme inquiétant. Hostel nous entraîne droit en enfer : chaînes, scies, pinces, scalpels, tout y est. La brutalité crue de certaines séquences (dont une fameuse énucléation) plonge le spectateur dans le dégoût, le malaise, une sensation d’inconfort physique. La victime, entravée, pantelante, nauséeuse, est contrainte d’endurer des sévices corporels sous l’œil concupiscent de bourreaux satisfaits. Le huis clos nous enferme, nous aussi, dans un univers olfactif suintant la rouille, le sang, le vomi, la sueur.

Pour culminer la tension, la dernière partie, centrée sur la condition esseulée de deux rescapés, embraye vers une traque homérique, avec l’appui d’enfants délinquants livrés à eux-mêmes. Roth en profite pour pointer du doigt la sauvagerie de cette marginalité infantile, tout en dénonçant la corruption policière et la prostitution mêlées à ce trafic d’êtres humains, nées de la décrépitude d’un monde laissé à l’abandon.

"Slovaquie Rouge Sang".

Efficace et tendu, éprouvant et parfois choquant par la crudité de ses effets gores, Hostel illustre à sa manière l’essence du divertissement horrifique : une série B d’exploitation nourrie à la transgression. Il en émane un bon moment de frousse à la fascination malsaine, dérangeante, où la bourgeoisie pervertie piétine toute morale pour assouvir ses fantasmes les plus déviants.

*Bruno

4èx. 31.05.25

La Chronique de Hostel 2: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/09/hostel-chapitre-2-hostel-part-2.html

La Place Sanglante / Blood Beach (Uncut Version)

     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Jeffrey Bloom. 1980. U.S.A. 1h31. Avec David huffman, Marianna Hill, Burt Young, John Saxon, Darrell Fetty.

Sortie salles France: 29 Juillet 1981

FILMOGRAPHIE: Jeffrey Bloom est un scénariste, réalisateur et producteur américain, né le 4 Avril 1945. 1975: Dogpound Shuffle. 1977: The Stick Up. 1980: La plage sanglante. 1984 Jalousies (télé-film). 1985: L'étoile inconnue (TV). 1986: Le droit au meurtre (TV). 1987: Juarez (TV). 1987: Flowers in the Attic

 

"La Plage était presque tranquille…"

Série B horrifique symptomatique des années 80, surfant sur la vague du "monstre aquatique" initiée par Les Dents de la Mer, La Plage Sanglante fait figure d’ersatz amusé, avec sa réalisation apathique et ses personnages gogos, dénués de toute psychologie. Les comédiens s’efforcent tant bien que mal d’exprimer leur effroi ou leur désarroi face à la menace indicible avec une naïveté bon enfant, irrésistiblement candide.

Le pitch : dans une station balnéaire californienne, de jeunes vacanciers disparaissent mystérieusement, sans laisser de traces. Le spectateur, lui, assiste, hilare et incrédule, à leur ensevelissement progressif par une menace invisible, tapie sous le sable. Dépêchée sur les lieux, la police — épaulée par le chef de la brigade portuaire — enquête sans parvenir à élucider cette vague morbide. Tandis que les morts s’accumulent en sourdine et que les fouilles piétinent, le spectateur, complice, contemple ce suspense de pacotille au second degré.

Produit d’exploitation un brin fallacieux — car aguicheur dès le premier regard, avec la fulgurance formelle de son affiche — La Plage Sanglante se déguste pourtant comme un plaisir bonnard, à mesure qu'une intrigue atone, incapable de progresser, se voit rehaussée par un casting étonnamment attachant (mention spéciale au garde-côte, qui roucoule avec sa compagne 1h30 durant tout en tentant, mollement, d’éclaircir l’enquête).

La narration se résume aux investigations policières rébarbatives et à l’éveil romanesque du couple d’amants susnommé, tandis que les victimes, l’une après l’autre, sont happées par le sable. Si l’idée horrifique s’avère originale et titille d’abord une certaine curiosité — quant à sa mise en scène spectaculaire ou à l’identité du meurtrier et son mobile éventuel —, la manière puérile dont Jeffrey Bloom étire jusqu’à l’absurde ces situations anxiogènes fait rapidement chavirer le navire vers une gaudriole gentiment bis, fort sympatoche pour qui raffole de cette belle époque aujourd’hui révolue.

Et pour accentuer la détente, on peut également compter sur nos vénérables seconds rôles : John Saxon et Burt Young, qui s’opposent gentiment avec bonhomie, contraints par des dialogues involontairement comiques à frôler la caricature pittoresque. Incapable d’insuffler un réel suspense à travers une intrigue à bout de souffle, La Plage Sanglante demeure pourtant miraculeusement plaisant, pour qui chérit le ciné bis « pour rire », jusqu’à son dénouement grotesque où l’apparition protéiforme du monstre nous replonge dans une stupeur mi-amusée, mi-interloquée.

Cerise sur le gâteau : une partition métronomique, au score ombrageux, limite auto-parodique, qui daigne provoquer une angoisse sous-jacente lorsque la présence hostile s’apprête à alpaguer sa nouvelle proie.

"L’Étrange Silence des Dunes Cannibales".

Entre situations involontairement cocasses (grâce notamment à la présence bourrue de Burt Young, en flic génialement gouailleur) et quelques effets sanglants vaguement glauques (dans cette version uncut, inédite en France), La Plage Sanglante parvient à façonner une intrigue scolaire, plaisamment ubuesque. En mode bisseux, le divertissement modeste séduit l’afficionado du genre, par le charme désuet de ses interprètes et son atmosphère horrifique — photo sépia/ocre à l’appui — délicieusement datée, et donc précieuse.

*Bruno
05.10.20.
03.06.25. 5èx. vf

Electric Dreams. Prix du Public, Antenne d'Or A2, Avoriaz 85.

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site scifi-movies.com

de Steve Baron. 1984. U.S.A/Angleterre. 1h32. Avec Lenny Von Dohlen, Virginia Madsen, Bud Cort, Maxwell Caulfield, Wendy Miller, Don Fellows, Alan Polonski.

Sortie salles France: 17 Avril 1985

FILMOGRAPHIE: Steve Barron est un réalisateur et producteur irlandais, né le 4 mai 1956 (59 ans) à Dublin (Irlande). 1984 : Electric Dreams. 1990 : Les Tortues ninja. 1992: ZZ Top : Greatest Hits (vidéo). 1993: Bowie : The Video Collection (vidéo). 1993 : Coneheads. 1996 : Pinocchio. 1998 : Merlin (TV). 2000 : Les Mille et Une Nuits (Arabian Nights) (TV). 2000 : L'Étrange histoire d'Hubert (Rat). 2001 : Mike Bassett: England Manager. 2003 : DreamKeeper (feuilleton TV). 2006 : Chocking Man. 2011 : Apocalypse 2.0 (Delete) (TV). 2012 : L'Île au trésor (Treasure Island) (TV).

Électricité sentimentale.

Film culte de la génération 80, Electric Dreams emprunte les codes de la comédie romantique sous couvert d’un argument d’anticipation débridé : un ordinateur domestique, soudain doué de vie et de sentiments après avoir été accidentellement irrigué de champagne. Ce pitch d’une naïveté fantaisiste, pour ne pas dire absurde, est transcendé par le perfectionnisme d’un surdoué du clip, Steve Barron. Sa mise en scène hyper inventive insuffle une fraîcheur galvanisante à la relation insolite d’un triangle amoureux au cœur de péripéties délicieusement pittoresques.
Car au moment d’installer son équipement informatique, Miles Harding tombe sous le charme de sa voisine de palier, Madeline, violoncelliste de renom. Fasciné par ses mélodies qu’il écoute à travers les murs, l’ordinateur, lui aussi, s’initie à la musique. Et bientôt, à l’amour. Régissant tous les appareils domestiques, il s’immisce dans leur intimité avec une jalousie de plus en plus vorace.

 

Nanti d’une bande-son envoûtante signée Giorgio Moroder, portée par les tubes effervescents de Culture Club, P.P. Arnold, Jeff Lynne, Helen Terry et Heaven 17, Electric Dreams distille une euphorie romantique au rythme enivrant. Steve Barron y combine, avec inspiration et malice, des séquences de mini-clips pop pour raconter l’éveil sentimental d’un ordinateur en quête d’amitié, de tendresse et de chaleur humaine.
Conte de fée moderne gorgé de bons sentiments, le film renouvelle avec panache les archétypes du genre grâce à cette machine avide d’émoi charnel, espiègle et roublarde, qui rivalise de malice pour s’imposer face à son rival.
Mais au-delà de l’absurdité de ce postulat où l’amour chavire tous les cœurs, le film s’illumine surtout par la complicité naissante entre ses amants. Dans le rôle du candide architecte, Lenny Von Dohlen — sosie troublant de Thierry Lhermitte — distille une bonhomie attendrissante à travers ses maladresses. Face à lui, Virginia Madsen incarne une muse solaire, sensuelle et vive, dont l’innocence charme autant qu’elle désarme.

   

Le cœur a ses bugs.

Electric Dreams est un conte de fée électronique, alimenté par la flamme de l’émoi amoureux, et habité d’une fraîcheur intacte, portée par une BO aussi galante que pétulante.
En dépit de son cachet désuet — surtout pour l’allure académique de son ordinateur anthropomorphe — cette série B décomplexée parvient à faire jaillir une émotion inattendue, poignante, pour la destinée tragique d’Edgar, machine éprise d’amour interdit.
Techniquement inventif, notamment dans l’ultra-dynamisme de son montage hérité du clip, le film se révèle être un bijou de charme et de tendresse.
Une fantaisie lumineuse, empreinte d’humour et de poésie candide… à se demander, une fois de plus, si les ordinateurs rêvent, eux aussi, de moutons électriques.

* Bruno

12.06.23. 5èx. Vostfr

Récompenses: Prix du Public, Antenne d'Or A2 au Festival du film fantastique d'Avoriaz, 1985.

FRISSONS D'OUTRE-TOMBE

                                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Arte.tv

"From beyond the grave" de Kevin Connor. 1973. 1h37. Angleterre. Avec Ian Bannen, Ian Carmichael, Peter Cushing, Ian Ogilvy, Angela Pleasance, Diana Dors, Donald Pleasence, Nyree Dawn Porter, David Warner.

Sortie salles France: Mars 1974. Angleterre: 23 février 1974

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Kevin Connor est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né en 1937 à Londres (Royaume-Uni). 1973: Frissons d'outre-tombe. 1975: Le 6è Continent. 1976: Trial by combat. 1976: Centre Terre, septième continent. 1977: Le Continent Oublié. 1978: Les 7 cités d'Atlantis. 1979: Le Trésor de la Montagne Sacrée. 1980: Nuits de Cauchemar. 1982: La Maison des Spectres.

En plein essor du film à sketchs inauguré par la célèbre firme Amicus depuis le Train des Epouvantes, Frissons d'outre-tombe renoue avec la qualité d'Histoires d'Outre-tombe réalisé 2 ans au préalable. Kevin Konnor, habile faiseur de séries B à qui l'on doit le bijou d'humour macabre, Nuits de Cauchemar, ainsi qu'une pléthore de fantaisies mythologiques (Le 6è Continent, Centre Terre, septième continent, Le Continent Oublié, Les 7 cités d'Atlantis, Le Trésor de la Montagne Sacrée), nous concocte avec soin quatre sketchs relativement surprenants ou tout du moins ludiques dans son lot de circonstances débridées auquel des protagonistes chapardeurs vont s'y retrouver mêlés. Un miroir, une médaille, une tabatière et une porte vont servir d'éléments perturbateurs avec l'au-delà depuis que des clients se sont empressés de les négocier auprès d'un vieil antiquaire (Peter Cushing se prêtant au jeu du vendeur sénile avec une ironie insidieuse). Servi par une pléiade d'acteurs notoires et de seconds couteaux bien connus des amateurs du genre (Donald Pleasance, David Warner, Ian Carmichael, Peter Cushing, Ian Ogilvy, Angela Pleasance, Diana Dors, Nyree Dawn Porter), Frissons d'outre-tombe tire parti de son capital sympathie grâce à la modeste élaboration de sa réalisation où rien n'a été laissée au hasard.

Que ce soit au niveau de l'efficacité des intrigues aussi amusantes qu'intrigantes dans leur invention machiavélique, de la caractérisation mesquine des personnages n'hésitant pas à frauder la mise de l'objet convoité, que de l'ambiance tout à fait envoûtante que Kevin Konnor fignole parfois par le biais d'éclairages saturés (la dernière anthologie renouant avec l'aspect gothique d'un Bava). Outre les composantes traditionnelles du film à sketchs (dérision, épouvante et suspense), la chute sardonique reste à nouveau tributaire d'ultime estocade pour la victime sévèrement châtiée, quand bien même l'une d'elle bénéficiera d'une faveur d'indulgence. Grâce à la volonté intègre de son auteur à tenter d'émuler son homologue notoire (Histoire d'outre-tombe), Frissons d'outre-tombe attise un pouvoir de séduction émanant d'une ambiance mortuaire délicieusement archaïque. Principalement le premier et le dernier sketch où des revenants tentent de s'extraire d'outre-tombe par le biais d'un miroir ou d'une porte en tourmentant l'esprit de leurs propriétaires. L'humour noir ne cessant de ricocher au fil du comportement versatile des ces derniers attirés dans un univers fantasmagorique sensiblement démoniaque. Prenant pour thème le vaudou par le biais d'une médaille militaire, le second segment ne manque pas non plus de fantaisies et de rebondissements quant à la destinée infortunée du mari préalablement molesté par une épouse abusive. Si le troisième sketch (la tabatière) manque un peu de densité et de surprises par son cheminement prévisible, l'humour cocasse acheminé autour d'un exorcisme et de l'entité indicible permet de transcender ses carences avec un soupçon de méchanceté sarcastique (sa chute espiègle).

Nanti de sketchs (futilement) inégaux mais toujours amusants, insolents et irrésistiblement ensorcelants (j'insiste sur l'ambiance spectrale qui irrigue de son empreinte chaque récit !), Frissons d'Outre-tombe honore le genre d'épouvante sans esprit de prétention et avec l'aimable autorité de comédiens en posture indélicate (mention spéciale au sourire livide de l'étonnamment trouble Angela Pleasance dans le 3è segment). Un petit fleuron d'épouvante archaïque à redécouvrir car d'une fraîcheur insoupçonnée !  

B.M.
2èx