Dagon

                                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site dvdpascher.net 

de Stuart Gordon. 2001. Espagne. 1h38. Avec Ezra Godden, Raquel Meroño, Francisco Rabal, Macarena Gómez, Brendan Price.

Sortie salles Espagne: 31 octobre 2001. Sortie video France: 17 Juin 2003 

FILMOGRAPHIE: Stuart Gordon est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né le 11 Août 1947 à Chicago (Illinois). 1979: Bleacher Bums (télé-film). 1985: Ré-Animator. 1986: Aux portes de l'au-delà. 1987: Dolls. 1988: Kid Safe (télé-film). 1990: Le Puits et le Pendule. 1990: La Fille des Ténèbres. 1990: Robojox. 1993: Fortress. 1995: Castle Freak. 1996: Space Truckers. 1998: The Wonderful ice cream suit. 2001: Dagon. 2003: King of the Ants. 2005: Edmond. 2005: Masters of Horror (le cauchemar de la sorcière - Le Chat Noir). 2007: Stuck. 2008: Fear Itself.

"L'appel fangeux des profondeurs."

Inédit en salles et directement relégué à la case DTV chez nous, Dagon est une série B horrifique qui sort des sentiers battus, adaptée de la nouvelle de H.P. Lovecraft Le Cauchemar d’Innsmouth. Révélé par Re-Animator, From Beyond et Dolls, Stuart Gordon retrouve ici une inspiration noire et féconde : Dagon s’impose comme une véritable perle d’atmosphère macabre, lovée dans un univers côtier d’une perversité redoutable.

Synopsis : Deux couples s’égarent en mer lors d’une tempête soudaine. Quand l’une des femmes est grièvement blessée, le jeune couple gagne la rive pour chercher de l’aide auprès des habitants d’un hameau proche. Mais, séparé de sa compagne, Paul découvre une communauté d’étranges citadins à la démarche dégingandée, à la voix râpeuse, comme rongés par une dégénérescence millénaire.

À partir de ce pitch délicieusement intrigant, baigné d’un mystère palpable et du charisme sinistre des villageois encapuchonnés, Gordon tisse un suspense oppressant, mu par le principe d’un survival sans relâche. Les tentatives d’évasion du héros, piégé dans ce village spectral et labyrinthique, se succèdent avec fièvre, relançant sans cesse l’enjeu de survie - moteur désespéré de sa quête : retrouver l’épouse disparue. L’action rebondit sans répit, nourrie par la diversité de décors glauques et perméables, que Paul traverse à bout de souffle sous une pluie diluvienne. Immersion aqueuse garantie.

Au fil de ce cauchemar éveillé, chaque rencontre devient menace, chaque ruelle une gorge humide prête à l’engloutir. Et quand surgit la fascinante Uxía Cambarro - Macarena Gómez, vénéneuse et terrifiante, regard reptilien à l’éclat de fièvre -, le récit bascule dans un vertige charnel et mythologique. Soutenu par une densité narrative traversée de rebondissements et de révélations traumatiques (jusqu’à ce final explosif, tordant le cou au traditionnel happy end), Dagon nous entraîne vers une abysse aquatique d’une beauté sépulcrale.

Malgré quelques CGI datés, les trucages artisanaux confèrent au film une physicalité viscérale, notamment lors des séquences les plus draconiennes. Certaines scènes de gore poisseux - tel le dépeçage d’un visage en plan serré - flirtent avec l’insoutenable.

Série B formellement soignée, redoutablement ensorcelante, Dagon suinte la moisissure, l'eau et la peur. Gordon transcende un univers malsain pour démystifier le sectarisme d’une confrérie dévote à une divinité amphibienne. Captivant, étrange, terrifiant - sans jamais sombrer dans l’outrance —, il sculpte le cadre de son archipel avec la densité d’un conte baroque et fétide. En définitive, une référence du genre, au parfum de soufre, moite et vertigineux. Peut-être bien la plus belle réussite horrifique de son auteur.

— le cinéphile du cœur noir

18.10.25 4èx. Vost

Carnival of Souls

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com 

de Herk Harvey. 1962. U.S.A. 1h24. Avec Candace Hilligoss, Frances Feist, Sidney Berger, Art Ellison, Stan Levitt, Tom McGinnis.

Sortie salles France: 26 Septembre 1962

FILMOGRAPHIE: Herk Harvey est un réalisateur américain né le 3 juin 1924 et décédé le 3 avril 1996. 1962: Carnival of Souls.

Une expérience hallucinée avec le mysticisme.
Film culte au sens étymologique alors qu'il fut un bide en salles, Carnival of Souls gagna sa réputation notoire parmi des fans toujours plus nombreux au fil des décennies. Réalisé avec des moyens précaires sur une durée de trois semaines de tournage, Carnival of Souls constitue une expérience visuelle vénéneuse alors qu'il s'agit de l'unique réalisation de Herk Harvey. 

Le Pitch: A la suite d'un accident de voiture, une jeune femme s'égare dans un dédale urbain peuplé d'étranges quidams. Alors qu'elle vient de trouver un emploi d'organiste dans une église, les phénomènes inexpliqués se multiplient sans qu'elle puisse acquérir une quelconque logique à sa condition esseulée. 

A partir de ce pitch minimaliste, le réalisateur en extirpe un cauchemar éveillé du point de vue de l'héroïne, quand bien même le spectateur aussi désorienté se laisse border par la main par ce maelstrom d'images anxiogènes sorties de son esprit torturé. De par son climat fantasmagorique en roue libre et la posture nonsensique des personnages secondaires, Carnival of Souls laisse libre court à une fantaisie surréaliste dénuée de cohérence. A raison lorsque l'on connait finalement la résolution de l'énigme mainte fois reprise depuis chez d'autres réalisateurs en herbe (Night M. Shyamalan en tête). En faisant notamment référence au cinéma muet, Herk Harvey parvient à susciter l'angoisse et parfois même l'effroi lors des multiples apparitions de spectres (grimés de fond de teint blanc) que l'héroïne redoute dans sa paranoïa en chute libre. Baignant dans une fascinante atmosphère d'onirisme macabre (notamment ce fameux bal des âmes) que sa photo monochrome exacerbe avec stylisme, Carnival of Souls nous plonge dans une dérive schizo sous l'impulsion de situations affolantes. Le jeu assez amateur des comédiens néophytes et la présence attachante de Candace Hilligoss amorçant une habile contradiction pour renchérir notre perte des repères. Sans omettre ce travail retors sur sa bande-son musicale entièrement conçue à l'orgue et sur ces bruitages parfois mutiques que l'héroïne ET le spectateur s'interpellent communément !

La vie n'est qu'un long rêve dont la mort nous réveille. 
Bad trip sensitif d'une puissance formelle aussi diaphane que fulgurante, Carnival of Souls est à prescrire à tous les amoureux d'ambiance éthérée sachant que l'onirisme macabre et le baroque se télescopent avec une fluide alchimie ! Source d'inspirations auprès de générations de cinéastes (Lynch, Romero et Shyamalan en tête), cet ovni singulier laisse des traces dans l'encéphale si bien qu'il tend aussi à souligner une réflexion existentielle sur notre perception (chimérique) de la réalité et sur l'éventuelle foi en l'"au-delà" ! (on peut même y déceler une certaine influence chez l'Aldila de Fulci lors d'une itinérance routière). 

B-M. 3èx

GREYSTOKE, LA LEGENDE DE TARZAN

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com 

"Greystoke: The Legend of Tarzan, Lord of the Apes" de Hugh Hudson. 1984. Angleterre. 2h15. Avec Christophe Lambert, Ralph Richardson, Ian Holm, James Fox, Andie MacDowell, Cheryl Campbell, Ian Charleson, Nigel Davenport.

Sortie salles France: 3 Octobre 1984. U.S: 30 Mars 1984

FILMOGRAPHIE: Hugh Hudson est un réalisateur britannique né le 25 août 1936 à Londres.
1981 : Les Chariots de feu. 1984 : Greystoke, la légende de Tarzan. 1985 : Révolution. 1989 : Le Carrefour des Innocents. 1995 : Lumière et Compagnie (Doc). 1999 : My Life So Far. 2000 : Je rêvais de l'Afrique. 2016: Altamira.

Hymne à la vie, à la faune et à la flore dans son cadre le plus humble et authentique, Greystoke, la Légende de Tarzan transcende toutes les versions portées à l'écran d'après le célèbre roman d'Edgar Rice Burroughs. A contre-emploi d'une lignée de divertissements de séries B immortalisées par l'acteur Johnny Weissmuler, Greystoke imprime avec sa mise en scène classieuse une aventure flamboyante sous l'impulsion d'un souffle romanesque tantôt bouleversant. Si la première partie épique condense en 50 minutes la jeunesse primitive de notre héros éduqué par les singes en forêt africaine, le second acte plus grave bifurque vers le drame existentiel lorsque John Clayton est accueilli dans la riche propriété de son grand-père aristocrate.

Outre sa petite romance partagée avec Miss Jane Porter et sa grande amitié nouée avec Philippe D'Arnot, John s'efforce de trouver un centre d'intérêt à sa nouvelle condition humaine depuis le comportement matérialiste de l'homme esclave de son confort. Réflexion sur notre cupidité humaine à cultiver le profit sous toutes ses coutures et en exploitant les plus faibles, Greystoke se porte également garant de la cause animale lorsque la haute bourgeoisie se soumet d'empailler des animaux pour les exhiber fièrement dans leurs musées d'histoire. Irrespectueux et meurtrier envers l'animal, l'homme moderne se dévoile sous les yeux de Greystoke comme un charlatan mégalo dénué de sens moral. Au-delà des comédiens notoires issus de l'ancienne (Ralph Richardson; Ian Holm) et la nouvelle génération (la sémillante Andie MacDowell du haut de ses 26 ans !), Christophe Lambert constitue LA révélation du film tant celui-ci parvient à donner chair à l'homme-singe avec une vérité humaine aussi vibrante que bouleversante. Tant pour son talent du mimétisme primal que de son expressivité mélancolique à travers la chaleur de son regard candide.

Avec ses décors grandioses de forestation sauvage et l'architecture baroque d'un royaume monarque; Greystoke établit un saisissant contraste entre l'ancienne et notre nouvelle civilisation. A travers le témoignage candide d'un homme singe pétri de valeurs et déférence pour sa famille (celle des primates), Greystoke tend à faire écho à la citation de Ghandi ("on reconnait la grandeur d'une nation à la manière dont elle traite les animaux") pour fustiger la cruauté de l'homme moderne envers son descendant. Une oeuvre magnifique émaillée d'intenses fragments dramatiques sous l'impulsion lyrique du thème classique de John Scott et du jeu viscéral de Christophe Lambert.  

B-M. 3èx

LA MOUCHE NOIRE

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site alamy.com

"The Fly" de Kurt Neumann. 1958. U.S.A. 1h35. Avec Vincent Price, David Hedison, Patricia Owens, Herbert Marshall, Charles Herbert, Kathleen Freeman.

Sortie salles: 29 Août 1958

FILMOGRAPHIE: Kurt Neumann est un réalisateur, producteur et scénariste américain d'origine allemande, né le 5 Avril 1908 à Nuremberg, décédé le 21 Août 1958. 1932: Mon copain le roi. 1935: Solitude. 1937: Espionage. 1939: Island of lost men. 1945: Tarzan et les amazones. 1946 : Tarzan et la Femme léopard. 1947: Tarzan et la Chasseresse. 1950 : Le Kid du Texas. 1950 : Vingt-quatre heures chez les Martiens. 1952: Le Fils d'Ali Baba. 1956: L'Attaque du Fort Douglas. 1958: La Mouche Noire. 1958 : Machete. 1959 : Watusi. 1959 : Counterplot.

Bien avant le chef-d'oeuvre bouleversant de Cronenberg, Kurt Neumann s'était approprié en 1958 de la nouvelle de George Langelaan pour transposer à l'écran les expériences amorales d'un scientifique convaincu de pouvoir sauver le monde de la famine et de la pollution grâce à un désintégrateur ! Ou plus communément appelé de nos jours "téléportation" dans le but de substituer nos traditionnels moyens de locomotion. Après avoir tenté l'expérience sur un chat (désintégré dans l'espace !) et un cochon d'Inde, il décide de servir de cobaye afin de parfaire son ambition et la promulguer au monde. Seulement, au moment d'entrer dans la machine, une mouche s'y est incidemment invitée ! La suite, vous la connaissez, du moins pour ceux ayant déjà découvert la version (organique) de Cronenberg. Ce pitch aussi improbable que débridé, Kurt Neumann nous le conte avec souci informatif par l'entremise d'un long flash-back.

L'épouse du savant ayant été contrainte de le sacrifier selon sa dernière volonté, elle finit par se confesser à la police afin de leur expliquer les conséquences tragiques de l'invention. De par la spontanéité des comédiens aussi rigoureux dans leur émoi et désarroi et sa structure narrative militant la suggestion en retardant au possible l'effet de surprise d'une vision d'effroi, La Mouche Noire nous plonge dans une intrigue ombrageuse où le suspense maintient l'attention. Le savant ayant durant la quasi totalité du métrage un drap noir sur la tête afin de préserver à son épouse son horrible métamorphose, nous nous amusons de notre curiosité voyeuriste sous le joug de l'expectative. Bien que les effets-cheaps feront aujourd'hui sourire le public, la posture aussi convaincante qu'attachante de chacun des interprètes parviennent à les transcender si bien que nous croyons à l'infortune de ce scientifique davantage gagné par la déroute alors que son épouse bouleversée tente vainement de le rassurer. Outre l'aspect captivant de sa narration convergeant à une issue dramatique, on se surprend également de la tournure délirante d'une "chasse à mouche blanche" que nos héros effectuent à perdre haleine dans la maison et le jardin (lors de la transmission de matière, la tête humaine du savant fut transplantée sur l'insecte aujourd'hui en liberté !).

Intriguant, délirant et cauchemardesque (à l'instar de son point d'orgue anthologique d'une cruauté viscérale encore perturbante !), La Mouche Noire continue de perdurer son petit pouvoir de fascination sous l'impulsion de comédiens loquaces (notamment Vincent Price dans un second rôle avenant !) et d'une efficacité narrative signalant en sous texte les dérives technologiques. A redécouvrir avec un oeil aussi distrait que diligent !

B-M. 3èx

POUR UNE POIGNEE DE DOLLARS

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site actionmovie.kronosline.com 

"Per un pugno di dollari" de Sergio Leone. 1964. Italie. 1h36. Avec Clint Eastwood, Gian Maria Volontè, Sieghardt Rupp, Wolfgang Lukschy, Marianne Koch, José Calvo, Joseph Egger, Antonio Prieto.

Sortie salles France: 16 Mars 1966. Italie: 12 Septembre 1964.

FILMOGRAPHIE: Sergio Leone est un réalisateur, scénariste et producteur italien, né le 3 Janvier 1929 à Rome, décédé le 30 Avril 1989.
1959: Les Derniers Jours de Pompéi, 1960: Sodome et Gomorrhe, 1961: Le Colosse de Rhodes, 1964: Pour une poignée de Dollars, 1965: Et pour quelques Dollars de plus, 1966: Le Bon, la Brute et le Truand, 1968: Il Etait une fois dans l'Ouest, 1971: Il était une fois la Révolution, 1973: Mon Nom est Personne (co-réalisé avec Tonino Valerii), 1975: Un Génie, deux Associés, une Cloche (co-réalisé avec Damiano Damiani), 1984: Il Etait une fois en Amérique, 1989: Les 900 jours de Leningrad (inachevé).

Succès international célébrant l'avènement du Western Spaghetti,  Pour une poignée de dollars fut sifflé par les critiques françaises de l'époque lui reprochant sans doute sa violence et son sadisme au sein d'un climat poisseux de dégénérescence immorale. A l'instar du massacre lâchement perpétré par Ramon et ses sbires contre les Baxter ou lors de leur passage à tabac infligé sur l'homme sans nom. S'inspirant d'un classique d'Akira Kurosawa, Yojimbo, Pour une poignée de dollars dépeint avec stylisme singulier (entendez par là, pour le genre !) la confrontation ardue entre deux clans de contrebandiers quand bien même un étranger américain viendra s'immiscer entre eux pour y semer la zizanie et réparer justice auprès de la population et du gouvernement.

Dans un rôle taillé sur mesure, Clint Eastwood crève l'écran dans sa carrure placide de redresseur de tort inscrit dans la loyauté et la bravoure. Nanti d'un charisme viril à travers l'intensité d'un regard reptilien, il magnétise ses rivaux lors de duels déjà emphatiques (zooms sur les regards en sueur, plans larges et iconiques de tronches insalubres aux yeux perçants) que Sergio Leone peaufinera avec d'autres westerns plus emblématiques (Et pour quelques dollars de plus, Il était une fois la Révolution, Le Bon, la Brute et le Truand et surtout le légendaire et inoxydable Il Etait une fois dans l'Ouest). Dosant efficacement humour noir, drame et action sous l'impulsion de subterfuges qu'exécute en catimini l'Etranger, Pour une poignée de dollars enchaîne les attaques et contre-attaques entre clans avant que ces derniers ne cernent la cause de leur discorde. Fort d'une violence réaliste inhabituelle pour le genre, et outre sa galerie de trognes burinées que les seconds-rôles se partagent de façon viciée, la présence cynique de Gian Maria Volontè renforce à merveille le climat putassier du cadre asséché de l'action ! Littéralement habité par sa prestance impudente, l'acteur se prête au jeu du leader sans vergogne avec une expressivité sadique. Outre le soin imparti à la structure narrative et à l'esthétisme vétuste du climat de désolation (photo sépia à l'appui), Sergio Leone convoque également le maestrio Ennio Morricone pour parfaire l'émotion des enjeux humains. Ce dernier composant avec une ambition sans retenue diverses mélodies par l'entremise d'un lyrisme tantôt solennel, tantôt enjoué.

Bien que Pour une poignée de dollars s'avère le western spaghetti le moins réussi de sa filmographie, Sergio Leone est tout de même parvenu avec ce premier essai à créer et imposer son style si bien que les duels archétypaux qui empiètent parfois l'intrigue font déjà preuve d'une vibrante intensité émotionnelle ! Un classique du genre avant-gardiste dont les effluves du temps ne semblent avoir aucune emprise.  

B-M

IN THE DEEP / 47 METERS DOWN

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Johannes Roberts. 2016. U.S.A. 1h29. Avec Matthew Modine, Mandy Moore, Claire Holt, Santiago Segura, Yani Gellman, Chris J. Johnson, Axel Mansilla.

Inédit en salles en France. Sortie Dtv France: 28 Septembre 2017

FILMOGRAPHIE: Johanne Roberts est un réalisateur, producteur, scénariste américain, né le 24 Mai 1976 à Cambridge. 2016: In the Deep. 2016 The Door. 2012 Storage 24. 2011 Roadkill (TV Movie). 2010: F.  2005 Forest of the Damned. 2004 Darkhunters. 2004: Hellbreeder. 2002/II Alice. 2001: Sanitarium (Video).

Uniquement disponible en Dtv sur notre territoire, In the Deep emprunte la démarche modeste d'une série B pour exploiter à nouveau la peur du requin. En villégiature au Mexique, deux soeurs décident de partir en croisière avec des inconnus rencontrés la veille d'une soirée festive. Pour contempler d'un peu plus près les requins, ces derniers les sollicitent à descendre au fond de l'océan à l'aide d'une cage d'observation. Mais un incident technique contraint les plongeuses à y rester embrigadées en attendant les secours. Alors que les requins sont à l'affût, leur masque de plongée commence à manquer d'oxygène. Sous le principe du survival tendu et oppressant, Johanne roberts surprend habilement dans sa capacité à décupler les situations de danger sans faire preuve d'esbroufe. Si les dix premières minutes présagent le pire dans ses clichés éculés (le dépit amoureux que l'une des héroïnes éprouve, la fiesta arrosée qui s'ensuit pour opérer le deuil), la suite embraye rapidement vers des enjeux de survie à couper le souffle (au sens littéral du terme !).

Fort d'une idée aussi ingénieuse que singulière (embrigader deux plongeuses dans une cage d'acier à plus de 50 mètres de profondeur alors que des requins accourent !), le réalisateur s'avère redoutablement inspiré pour faire monter la pression anxiogène d'une menace binaire (celle des requins et de l'oxygène en instance de ravitaillement). Qui plus est, l'utilisation d'authentiques requins à l'écran nous immerge dans l'action avec un réalisme cauchemardesque ! Nos deux héroïnes démunies s'efforçant de se triturer les méninges afin de solutionner leur espoir d'évasion tout en redoublant de vigilance pour l'hostilité des squales. Véritable descente aux enfers marins, In the Deep dépayse en diable afin d'extérioriser une angoisse viscérale permanente lorsque nos survivantes s'efforcent de s'épauler et de relever les défis avec une stoïcité teintée de désespoir. En instaurant une perpétuelle pression durant leur épreuve de force (notamment ce risque d'azote contracté dans le sang causant ainsi des hallucinations), Johanne Roberts pousse le vice jusqu'au bout pour culminer vers un final couillu aussi palpitant qu'escarpé (au risque de déconcerter une partie du public).

Filmant l'immensité de l'océan comme un enfer aquatique privé de tous repères, In the Deep immerge de plein fouet le spectateur dans une épreuve de survie aussi haletante que suffocante. Exploitant intelligemment son concept original d'embrigadement restreint à l'intérieur même d'un grand bleu sans échappatoire, Johanne Roberts recourt à un réalisme acerbe pour osciller angoisse et terreur sous l'impulsion solidaire d'héroïnes en perdition (sobre talent des comédiennes fondé sur une expression viscérale ). Une excellente pépite donc que les amateurs de requins-tueurs auraient tort de zapper !

B-M

JACK L'EVENTREUR

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site alchetron.com

"Jack the Ripper" de Robert S. Baker et Monty Berman. 1959. Angleterre. 1h24. Avec Lee Patterson, Eddie Byrne, Betty McDowall, Ewen Solon, John Le Mesurier, Garard Green.

Sortie salles France: 10 Août 1960

FILMOGRAPHIE:  Robert S. Baker est un producteur, réalisateur et directeur photo britannique né le 17 octobre 1916 et mort le 30 septembre 2009.
1949 : Melody Club co-réalisé avec Monty Berman. 1950 : Blackout. 1952 : 13 East Street. 1953 : The Steel Key. 1956 : L'ennemi invisible. 1959 : Jack l'Éventeur co-réalisé avec Monty Berman. 1960 : The Siege of Sidney Street co-réalisé avec Monty Berman. 1961 : Les Chevaliers du démon co-réalisé avec Monty Berman. 1961 : Le Secret de Monte Cristo co-réalisé avec Monty Berman.
Monty Berman est un producteur, réalisateur et directeur photo britannique né le 26 mars 1905 et mort le 14 juin 2006. 1959 : Jack l'Éventeur coréalisé avec Robert S. Baker. 1961 : Les Chevaliers du démon (The Hellfire Club) coréalisé avec Robert S. Baker. 1961: Le Secret de Monte Cristo.

Alors qu'ils venaient de produire la même année le chef-d'oeuvre de John Gilling, l'Impasse aux Violences, Robert S. Baker et Monty Berman repassent derrière la caméra pour mettre en scène les exactions d'un des plus illustres serial-killers de l'histoire criminelle, Jack l'Eventreur ! Filmé dans un noir et blanc sépulcrale, cette réactualisation surprend de prime abord par sa violence réaliste (son prélude aussi angoissant que percutant !) même si le contre-champ est de rigueur. De par les expressions de terreur que les victimes laissent en exergue sur leur visage et la manière âpre, cinglante, impassible dont le tueur fait preuve pour les trucider ! En se replaçant dans le contexte de l'époque, on se surprend encore aujourd'hui de l'aspect cru des mises à mort quand bien même les auteurs parviennent à écarter le racolage parmi l'effet de suggestion ! Le stylisme imparti aux cadrages obliques lorsque le tueur passe à l'action insufflant en outre une étonnante modernité à la réalisation.  On se surprend aussi du brio d'une direction d'acteurs très expressifs dans leur posture autoritaire (le personnel policier, le gérant de l'hôpital, le directeur du cabaret) ou lubrique (les prostituées ainsi qu'une novice fragile aussi influençable que vulnérable).

Jack l'Eventreur, tueur misogyne adepte du scalpel s'en prend donc aux prostituées du quartier populaire de Whitechapel en cette époque victorienne. Mais juste avant de perpétrer son rituel morbide, une question est proférée à chacune des victimes ! Etes-vous Mary Clarke ? Répondant par la négation, elles finissent étranglées, égorgées ou éventrées dans les rues les plus malfamées du quartier. Alors que la populace sombre rapidement dans une paranoïa collective depuis l'incompétence de la police, l'inspecteur O'Neill tente d'élucider l'affaire avec l'appui de sa compagne Anne Ford. A partir d'une trame convenue, le duo Baker/Berman parvient à renouveler l'intérêt des exactions de Jack l'Eventreur grâce à l'audace de sa résolution criminelle (que seul le spectateur connaîtra !) et à l'identité de l'assassin divulguée en toute dernière partie. Outre son effet de surprise imparti aux tenants et aboutissants de ce dernier, Jack l'Eventreur fascine irrémédiablement grâce à la maîtrise d'une réalisation s'efforçant de rendre le plus réaliste possible une situation de crise rendue ingérable parmi les mentalités archaïques. A l'instar de la posture irascible d'un magistrat trop imbu de sa personne pour se juger de son incompétence ou celle décervelée des habitants de Whitechapel proclamant la loi du talion de la manière la plus expéditive. Ce climat de paranoïa populaire, cette décadence humaine (la clientèle dépravée du cabaret) et cette appréhension permanente du danger sont rehaussés d'une atmosphère diaphane d'un Whitechapel enveloppé de brouillard.

Affichant modernité technique, audace conceptuelle et efficacité narrative afin de dépoussiérer les exactions sordides du tueur sous le ressort d'un réalisme étonnamment malsain (en tenant compte également du contexte de l'époque), Jack l'Eventreur fascine par son climat vénéneusement pervers ! Un authentique classique d'une horreur rétro délicieusement sulfureuse alors que le hors-champ est toujours de mise ! 

B-M. 4èx

THE WAVE

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com 

"Bølgen" de Roar Uthaug. 2015. 1h44. Norvège. Avec Kristoffer Joner, Thomas Bo Larsen, Fridtjov Såheim, Ane Dahl Torp, Jonas Hoff Oftebro, Edith Haagenrud-Sande, Arthur Berning

Sortie salles France: 27 Juillet 2016. Norvège: 28 Août 2015.

FILMOGRAPHIE: Roar Uthaug est un réalisateur, scénariste et producteur norvégien, né le 25 août 1973 à Lørenskog dans le comté d'Akershus. 2006: Cold Prey. 2008: Cold Prey 2. 2009: Le Secret de la montagne bleue. 2012: Dagmar : L'Âme des vikings. 2012: The Wave. 2018: Tomb Raider.

S'étant fait connaître auprès du public français grâce à de sympathiques séries B plutôt bien torchées (Cold Prey 1 et 2, Dagmar), le réalisateur norvégien Roar Uthaug semble s'essayer à tous les genres si on en juge son dernier-né, The Wave. Surfant sur le genre catastrophe sans faire preuve d'esbroufe et encore moins de surenchère, Roar Uthaug exploite la menace d'un Tsunami en plein coeur d'une vallée norvégienne. Après l'éboulement d'une montagne dans un lac, un père de famille tente désespérément de retrouver les siens au milieu des décombres. Situés à l'autre bout du hameau, sa femme et son fils sont parvenus à s'isoler avec un survivant dans le sous-sol d'un hôtel en dépit de la montée des eaux. Un pitch simpliste, éculé, sans surprise que le cinéaste exploite néanmoins avec une évidente efficacité. De par les situations de survie que nos protagonistes sont contraints de surpasser en se disputant leurs sentiments de vaillance et de désespoir, et les tentatives de sauvetage de dernier ressort.

Focalisant l'essentiel de l'intrigue sur la cohésion familiale du géologue Kristian Eikjord, Roar Uthaug parvient à nous attacher à leur caractérisation démunie sous l'impulsion de comédiens modestement expansifs. Sa facture série B de souche norvégienne ajoutant au charme de l'entreprise si bien que les interprètes s'avèrent inconnus du public français. Suspense, tension, asphyxie (la claustration en apnée de la mère et du fils) se chevauchent donc avec assez de succès pour nous impliquer émotionnellement à la précarité des protagonistes en porte-à-faux. Quand à la séquence catastrophe aussi escomptée que redoutée, le cinéaste mise sur la qualité d'effets spéciaux numériques et l'habileté du découpage pour provoquer l'effroi, notamment en insistant sur l'affolement d'une foule de masse après leur départ furtif en véhicule ! Sous le pilier de quelques séquences spectaculaires très convaincantes, The Wave s'inscrit donc dans une logique de réalisme plutôt que d'exploiter tous azimuts des séquences racoleuses aussi vaines que gratuites (remembre 2012 !). Au-delà de la fulgurance graphique impactée par le Tsunami, Roar Uthaux met également en lumière (crépusculaire) des images de cauchemars sitôt la résultante du chaos ! A l'instar des déambulations nocturnes de notre héros serpentant les chemins de traverse au sein de carcasses de voitures et de cadavres.

Sans aucune prétention puisque refusant de céder à la facilité d'une action redondante, Roar Uthaux respecte le cahier des charges du genre en n'oubliant jamais de faire vivre ses personnages d'un humanisme fébrile. Un sympathique divertissement un peu plus convaincant que les produits standards du Blockbuster ricain.    

B-M

Récompenses: Kosmorama, Festival du film international de Trondheim 2016 :
Meilleur montage pour Christian Siebenherz
Meilleure production pour Martin Sundland et Are Heidenstrom
Meilleur acteur dans un second rôle pour Kristoffer Joner

La Louve Sanguinaire / la louve se déchaîne / La Lupa Mannara

                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site todoelterrordelmundo.blogspot.com

de  Rino Di Silvestro. 1976. Italie. 1h39. Avec Annick Borel, Frederick Stafford, Howard Ross, Tino Carraro, Andrea Scotti, Elio Zamuto, Dagmar Lassander, Ollie Reynolds, Karen Carter.

Sortie salles France: 1982 (Int - 18 ans). Italie: 18 Mars 1976

FILMOGRAPHIE: Rino Di Silvestro (1932-2009) est un réalisateur, scénariste et acteur italien. 1985: Les nuits chaudes de Cléopâtre. 1984 À seize ans dans l'enfer d'Amsterdam. 1980 Bello di mamma. 1979 Baby Love. 1976 Les déportées de la section spéciale SS. 1976 La louve sanguinaire. 1974 Prostituzione. 1973 La vie sexuelle dans une prison de femmes.

Plus connue des fantasticophiles lors de son exploitation VHS sous la bannière Super Video Production, La Louve Sanguinaire fait figure d’ovni, hybride malsain mêlant horreur gothique, érotisme racoleur et rape and revenge. Typiquement transalpine dans son goût pour les meurtres graphiques, l’œuvre baigne dans une atmosphère macabre, trouble et poisseuse, malgré un scénario itératif, certes prévisible, mais assez vénéneux et captivant pour les aficionados de bisserie faisandée. 

Le Pitch: hantée par des cauchemars nocturnes d’une rare violence, Daniella s’imagine lycanthrope les soirs de pleine lune - à moins qu’elle ne soit la véritable réincarnation d’une ancêtre sacrifiée sur le bûcher deux siècles plus tôt. Depuis l’arrivée de sa sœur et de son nouvel amant au domicile paternel, Daniella épie jalousement leurs ébats nocturnes. Sexophobe depuis une agression brutale subie à l’âge de quinze ans, elle se laisse peu à peu submerger par des pulsions meurtrières incontrôlables.

En abordant la figure du loup-garou par un prisme féminin - parti pris identitaire encore rare dans le genre - La Louve Sanguinaire s’imprègne d’un climat onirico-macabre singulier. Le réalisateur, issu de l’écurie bis, accumule sans relâche les séquences d’érotisme polisson et de gore outrancier, zooms grossiers à l’appui, façon Fulci. L’étrangeté qui s’en dégage - du climat blafard et feutré de l’hôpital aux confessions d’une patiente nymphomane -, la partition musicale légèrement envoûtée, et surtout le jeu inquiétant d’Annick Borel, gesticulant et vociférant des insanités telle une possédée, instaurent une aura quasi ineffable. La narration, ouvertement misandre, fustige une gent masculine réduite à des phallocrates lubriques, avides de chair, que Daniella séduit dans son plus simple appareil.

Physiquement molestée après s’être laissée aguicher, Daniella s’abandonne alors à une riposte primitive, nourrie par le trauma de son agression infantile et ses visions de sorcière lycanthrope. Seul un cascadeur philanthrope lui offrira amour et déférence dans un dernier acte encore plus baroque et déroutant que tout ce qui précède. Car en adoptant pleinement les codes du rape and revenge dans un cadre fictif de cinéma - un village western -, La Louve Sanguinaire renchérit dans une violence crue (la séquence scabreuse du viol et le meurtre qui s’ensuit), après nous avoir trompés par la promesse des sentiments, pour mieux nous désorienter avec un épilogue aussi banal qu’étrangement insolite.

Série B d’exploitation soulignant sans retenue la dérive schizophrène d’une féministe sexuellement réprimée par un traumatisme archaïque, La Louve Sanguinaire cultive un art de la provocation putassière dont seuls les Italiens semblent détenir la clé. À mi-chemin entre érotisme ostentatoire et épouvante crasseuse, cette curiosité émaillée de détails saugrenus se destine aux inconditionnels. Son ambiance baroque parvient néanmoins à ensorceler, portée par l’énergie névralgique d’une Annick Borel étonnamment habitée, corps et âme, par ses pulsions désaxées.
À découvrir.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

4èx
03.11.23. Version Italienne stfr

Predator 2

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Stephen Hopkins. 1990. U.S.A. 1h48. Avec Danny Glover, Gary Busey, Rubén Blades, María Conchita Alonso, Bill Paxton, Kevin Peter Hall, Adam Baldwin, Robert Davi.

Sortie salles France: 30 Avril 1991. U.S: 21 Novembre 1990.

FILMOGRAPHIE: Stephen Hopkins est un réalisateur américain né en 1958 en Jamaïque.
1987: Dangerous Game. 1989: Freddy 5. 1990: Predator 2. 1993: La Nuit du Jugement. 1994: Blown Away. 1996: L'Ombre et la Proie. 1998: Perdus dans l'Espace. 2000: Suspicion. 2004: Moi, Peter Sellers. 2007: Les Châtiments. 2016: La Couleur de la Victoire.

Réalisateur prometteur ayant fait ses preuves avec Dangerous Game et surtout Freddy 5, Stephen Hopkins succède à John Mc Tiernan pour donner suite au chef-d'oeuvre Predator. Délocalisant l'action des confrontations en pleine jungle urbaine, le cinéaste joue à fond la carte de la série B décomplexée si bien que Predator 2 est à juger au second degré pour en apprécier sa pleine saveur. A l'instar des touches de cocasserie insérées entre deux actions pétaradantes et de la cool attitude de flics réactionnaires sévèrement contrariés ! Mais faute du désistement de la montagne de muscle Schwarzy, Stephen Hopkins recrute donc l'étoile montante Danny Glover récemment célébré dans les 2 premiers opus de l'Arme Fatale. Bien que l'acteur black fait preuve d'un jeu expressif plutôt timoré dans sa fonction pugnace de redresseur de tort, il parvient tout de même à nous attacher par sa volonté teigneuse à pourchasser fébrilement le predator.

Autour de lui, Bill Paxton et Maria Conchita Alonso lui prêtent main forte avec une spontanéité plus convaincante, notamment sous l'impulsion de réparties salaces que se disputent le couple. En dépit d'un schéma narratif malingre digne d'une série B lambda, Stephen Hopkins imprime sur pellicule une énergie insolente pour laisser libre court à des séquences d'actions aussi spectaculaires que violentes (effusions de sang à l'appui par l'entremise de règlements de compte primitifs !). Le predator se réjouissant d'y perdurer sa chasse à l'homme au sein d'un Los Angeles laminé par la criminalité de trafiquants basanés (colombiens et jamaïcains s'exterminant pour un enjeu de pouvoir dans une confusion totale !). D'ailleurs, sa séquence d'ouverture fait office de morceau de bravoure jouissif lorsque, sous un soleil écrasant, une guerre de gangs éclate en plein centre urbain face au témoignage d'une police stérile (du moins avant que n'intervienne stoïquement le lieutenant Harrigan !). Epaulé d'un montage aussi nerveux que maîtrisé, les échanges de fusillades se succèdent sans répit jusqu'au bain de sang que le predator renchérit avec sa traditionnelle lâcheté (son fameux camouflage invisible établi en vision thermique). Exploitant efficacement la diversité de ses décors urbains (métro, toits d'immeuble, abattoir, grotte souterraine), le cinéaste relance l'action des enjeux par le biais d'une traque inlassable entre Harrigan et le predator, quand bien même des agents spéciaux sont sur le point de démasquer la créature avec l'appui d'un stratagème technologique.

Pure série B aux allures de bande-dessinée sensiblement baroque (notamment l'intervention du vaudou que les jamaïcains pratiquent afin de terroriser l'ennemi), Predator 2 parvient miraculeusement à s'extraire de la routine dans un esprit bis de divertissement très musclé. Stephen Hopkins culminant la traque sanglante vers une ultime demi-heure généreusement épique ! Bougrement sympa donc même si on est à 100 lieux du chef-d'oeuvre initial estampillé Tiernan.

La Chronique de Prédator: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/04/predator.html

B-M. 4èx

Des Monstres attaquent la ville / Them !

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site horreur-web.com

de Gordon Douglas. 1954. U.S.A. 1h34. Avec James Whitmore, Edmund Gwenn, Joan Weldon, James Arness, Onslow Stevens, Sean McClory.

Sortie salles France: 3 Juin 1955. U.S: 19 Juin 1954

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Gordon Douglas est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur américain né le 15 décembre 1907 à New York (États-Unis), et décédé le 29 septembre 1993 à Los Angeles (Californie) d'un cancer. 1935 : Lucky Beginners. 1935: The Infernal Triangle. 1950 : Les Nouvelles Aventures du capitaine Blood (Fortunes of Captain Blood). 1953 : La Charge sur la rivière rouge (The Charge at Feather River). 1954: Des monstres attaquent la ville (Them!). 1959 : Quand la terre brûle (The Miracle) coréalisé avec Irving Rapper. 1967 : Tony Rome est dangereux. 1968 : Le Détective. 1968 : La Femme en ciment. 1975 : Nevada Smith (TV). 1977 : Le Casse-cou (Viva Knievel !).

Classique du Monster Movie des fifties, Des monstres attaquent la ville explore la thématique de l'insecte mutant depuis les effets radioactifs d'essais nucléaires causés par l'homme en 1945. Manifeste contre le péril atomique (comme l'avait déjà traité la même année Hinoshiro Honda avec le bouleversant Godzilla ou encore un an au préalable Eugène Lourie avec Le Monstre des temps perdus), Gordon Douglas cultive sa métaphore avec réalisme documenté si bien que l'intrigue rigoureusement efficace parvient à nous convaincre de sa menace improbable.

Celle de fourmis géantes retranchées dans des nids du désert du Nouveau-Mexique quand bien même une fillette rescapée parvient à se blottir dans sa maison en attendant les secours d'un duo de policiers. Inévitablement, les effets mécaniques des fourmis grossièrement articulées par des câbles suscitent aujourd'hui le sourire lorsque ces dernières tentent de nous terroriser par le biais d'une démarche trop hachée pour impressionner. Sur ce point, des trucages en Stop Motion auraient été une plus-value pour rendre un peu plus agiles la maniabilité de ces fourmis atteintes de gigantisme. Pourtant, en nous documentant avec souci du détail sur les us et coutumes de leur coexistence coloniale, Gordon Douglas parvient à nous convaincre de leur prochaine invasion lorsque deux reines sont parvenues à se délocaliser vers les canalisations souterraines de la ville adjacente. Mais bien avant ce suspense haletant présageant une invasion d'un genre singulier, le cinéaste aura pris soin de nous caractériser une foule d'investigateurs s'efforçant de géolocaliser les dernières reines (scientifiques, médecins et militaires se concertant avec un sérieux imperturbable !).

Grâce à la maîtrise de sa réalisation imprimant un réalisme documentaire (à l'instar du génial La Chose d'un autre monde !) et à l'aplomb des comédiens, Des monstres attaquent la ville renforce l'authenticité de cette invasion animale en dépit de ses trucages obsolètes. Pour parachever de la manière la plus haletante et spectaculaire, il clôture sa dernière partie avec la montée en puissance d'un suspense quant à la survie de deux bambins que l'armée tente d'extraire des égouts !  

*Bruno
20.06.24. Vostf. 4èx

Psychose 3

                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site mauvais-genres.com

"Psycho 3" de Anthony Perkins. 1986. U.S.A. 1h30. Avec Anthony Perkins, Diana Scarwid, Jeff Fahey, Roberta Maxwell, Hugh Gillin, Lee Garlington, Robert Alan Browne, Gary Bayer, Patience Cleveland, Juliette Cummins.

Sortie salles France: 6 Aout 1986. U.S: 2 Juillet 1986.

FILMOGRAPHIE: Anthony Perkins est un acteur et réalisateur américain né le 4 avril 1932 à New-York, mort le 12 Septembre 1992, à Hollywood, Californie.
1985: Psychose 3. 1988: Le Dindon de la Farce.

Echec critique et public en salles, même si en France il engrange tout de même 1 294 469 entrées, Psychose 3 constitue un nouveau cas de film maudit depuis sa réputation timorée. Car si Richard Franklin su brillamment rendre hommage au maître du suspense avec l'excellent Psychose 2, Anthony Perkins, acteur et réalisateur, nous offre ici une amusante relecture du cas Norman Bates avec un goût prononcé pour la dérision macabre (tant par l'inventivité des meurtres référentiels que de son final tragique paradoxalement sarcastique). Après avoir assassiné Mme Spool dans le précédent volet (sa véritable mère préconisera Richard Franklin), Norman continue d'exercer au sein de son motel en l'attente d'une nouvelle clientèle. Mais depuis l'arrivée d'une jeune religieuse mécréante, le fantôme de Mme Spool refait surface afin d'influencer son rejeton au châtiment criminel. Dans son format clinquant de série B formellement stylisée (photo flamboyante à l'appui) et maîtrisé (cadrages alambiqués, montage retors truffé de clins d'oeil à Psycho), Psychose 3 fignole le cadre gothique du Motel sous l'impulsion schizo d'un Norman sur la corde raide.

Epaulé d'un scénario aussi efficace que surprenant (bien qu'inachevé et expédié pour son final un tantinet frustrant), l'intrigue alterne les ruptures de ton (slasher ludique / drame psychologique / réflexion spirituelle) face au témoignage aigri d'une religieuse en quête de rédemption. Si bien qu'après deux tentatives ratés de suicide, Maureen Coyle croit voir en Norman Bates son sauveur spirituel depuis que ce dernier est venu à son secours. Pied de nez à la religion (rien que le hors-champ sonore introductif - "il n'y a pas de Dieu !" - annonce immédiatement la couleur), Anthony Perkins malmène sévèrement son héroïne depuis son nouvel espoir de se rattacher à la cause divine. Fragilisée par sa culpabilité et ses remords (celle d'avoir incidemment causé la mort d'une bonne soeur) et aveuglée par son idéologie christique, Maureen Coyle croit trouver refuge dans les bras de Norman en espérant aussi déflorer sa virginité (ils ont comme point commun ce même refoulement sexuel). Cette douce romance impossible entre elle et Norman est contrebalancée d'une ambiance trouble et suspicieuse depuis la reconversion criminelle de ce dernier. Sous le témoignage trivial de seconds-rôles dépravés (formidable Jeff Fahey dans celui du dragueur sans vergogne !), Anthony Perkins se raille d'un des préceptes religieux fondés sur le pêcher capital de la luxure. Paradoxalement, et pour aviver une aura vénéneuse hybride, Anthony Perkins amorce efficacement des séquences-chocs davantage réalistes si bien que le climat pesant de sa dernière partie adopte une tournure dramatique aussi (étonnamment) cruelle qu'escarpée.

Flirtant subtilement avec la semi-parodie auprès de la caractérisation versatile d'un Norman toujours aussi perturbé dans sa sexualité refoulée, Psychose 3 oscille brillamment les genres (romance, drame, horreur) avec une dérision goguenarde (le corps religieux complexé par l'émancipation sexuelle). Scandé du magnifique score élégiaque de Carter Burwell planant sur le récit à l'instar d'une tragédie humaine, Psychose 3 constitue un savoureux cocktail de farce macabre au vitriol ! (réparties ciselées à l'appui).

Psychose: http://brunomatei.blogspot.fr/2015/06/psychose.html
Psychose 2: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/05/psychose-2-psycho-2.html

B.M.  (02.09.11)
01.09.24. 6èx. Vostfr

L'ARME FATALE

                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site fanforum.com   

de Richard Donner. 1987. U.S.A. 1h50. Avec Mel Gibson, Danny Glover, Gary Busey, Mitch Ryan, Tom Atkins, Darlene Love, Traci Wolfe.

Sortie salles France: 5 Août 1987. U.S: 6 Mars 1987

FILMOGRAPHIE: Richard Donner (Richard Donald Schwartzberg) est un réalisateur et producteur américain, né le 24 Avril 1930 à New-York. 1961: X-15. 1968: Sel, poivre et dynamite. 1970: l'Ange et le Démon. 1976: La Malédiction. 1978: Superman. 1980: Superman 2 (non crédité - Richard Lester). 1980: Rendez vous chez Max's. 1982: Le Jouet. 1985: Ladyhawke, la femme de la nuit. 1985: Les Goonies. 1987: l'Arme Fatale. 1988: Fantômes en Fête. 1989: l'Arme Fatale 2. 1991: Radio Flyer. 1992: l'Arme Fatale 3. 1994: Maverick. 1995: Assassins. 1996: Complots. 1998: l'Arme Fatale 4. 2002: Prisonnier du temps. 2006: 16 Blocs. 2006: Superman 2 (dvd / blu-ray).

Gros succès commercial à travers le monde même si en France on aurait pu espérer quelques millions d'entrées en sus (on en comptabilise 1 857 521), l'Arme Fatale est le premier volet d'une série de films d'actions ludiques reposant sur la complémentarité (très) attachante d'un duo légendaire, Mel Gibson / Danny Glover. Et sur ce point, le film s'avère éminemment jouissif de par leur initiation amicale tant ces derniers se disputent leur contradiction avec une verve bonnard. Mel Gibson endossant la carrure d'un jeune flic stoïque et suicidaire depuis la mort accidentelle de sa femme, et donc constamment sur le fil du rasoir à se laisser gagner par le désespoir. Mais sa nouvelle relation professionnelle entamée avec Roger lui permettra de reprendre goût à la vie depuis leur sens fraternel et leur concertation à démasquer pugnacement les coupables d'une enquête rigoureuse ! En père de famille et sergent émérite beaucoup plus cérébral et prudent, Danny Glover lui prête la vedette en posture paternelle depuis que son partenaire multiplie les bravoures avec un héroïsme finalement payant. Si l'intrigue canonique reposant sur l'éminent réseau d'un trafic de drogue nous offre le minimum syndical, le réalisateur possède suffisamment de métier pour insuffler une incroyable efficacité au fil conducteur, notamment à travers sa construction narrative et son lot d'action et de poursuites en règle sobrement dosées. Parmi la vigueur de ses scènes les plus homériques (le point d'orgue explosif et le combat au corps à corps qui s'ensuit entre Riggs et Joshua !) et les tempéraments irrésistibles des deux acteurs, l'Arme Fatale s'accompagne d'une orchestration musicale d'Eric Clapton, Michael Kamen et David Sanborn ! Des sonorités épiques ou jazzy exacerbant un dynamisme acerbe à l'ensemble du récit.

 

En tant que film d'action moderne tributaire du Buddy Movie, l'Arme Fatale constitue sans doute l'un des meilleurs archétypes du divertissement commercial de par son efficacité haletante et l'extrême sympathie que sacralisent communément Mel Gibson / Danny Glover. Assurément l'un des tandems les plus amiteux et expansifs du genre !

B-M. 3èx