BOYHOOD. Ours d'Argent du Meilleur Réalisateur, Berlin 2013.

                                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site nightlightcinema.com

de Richard Linklater. 2002/2014. U.S.A. 2h46. Avec Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Ethan Hawke, Lorelei Linklater, Zoe Graham, Tamara Jolaine, Nick Krause.

Sortie salles France: 23 Juillet 2014. U.S: 11 Juillet 2014.

FILMOGRAPHIE: Richard Linklater est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 30 Juillet 1960 à Houston, Texas. 1985: Woodshock (court-métrage). 1988: It's Impossible to learn to plow by reading books. 1991: Slacker. 1993: Génération Rebelle. 1995: Before Sunrise. 1996: SubUrbia. 1998: Le Gang des Newton. 2001: Waking Life. 2001: Tape. 2003: Rock Academy. 2004: Before Sunset. 2005: Bad News Bears. 2005: Fast Food Nation. 2006: A Scanner Darkly. 2008: Inning by inning: a portrait of a coach (doc). 2009: Me and Orson Welles. 2012: Bernie. 2013: Before Midnight. 2014: Boyhood. 2015: That's What I'm Taljing About.

Chronique familiale centrée sur le cheminement initiatique d'un enfant de 6 ans jusqu'à l'âge de sa majorité, Boyhood présente la particularité d'avoir été tourné durant plus de 12 ans afin de coller au plus près de la transformation physique des personnages. Pas de recours au maquillage donc ou de substituer l'acteur par un sosie pour divulguer leur nouvelle morphologie de maturité, mais simplement miser sur la présence naturelle de comédiens physiquement marqués par l'avancement de l'âge. Cet aspect inédit et couillu d'avoir osé suivre durant 12 longues années leur croissance physique engendre un parfum d'authenticité assez troublant dans la peinture de cette famille frappée par les aléas de l'existence.

Le réalisateur comptant notamment sur le jeu naturel de ces comédiens confondants d'aplomb ou de spontanéité dans leur condition humaine en constante mutation. Particulièrement le jeune Ellar Coltrane se fondant dans la peau d'un adolescent discret avec retenue et sagesse de son caractère flegme. Par son tempérament docile et tolérant s'y dégage une sobre émotion d'une intensité parfois accrue dans le reflet de ses sentiments. Fresque fleuve étalée sur une durée de 2h46, Boyhood transfigure l'intimisme d'une famille désunie avec un sens de vérité proche du reportage. On peut peut-être même évoquer une certaine allusion au cinéma de John Cassavetes dans certains sujets traités et la manière prude dont Richard Linklater filme les sentiments des personnages parmi la véracité de leur fragilité humaine. En abordant les thèmes universels de la famille, de l'amour, de la réussite professionnelle, de la puberté, de la maturité, de l'éducation parentale, puis ceux, plus graves, du divorce, de l'alcoolisme et la violence au sein du couple, Boyhood se condense en hymne à la vie du point de vue d'un adolescent en éveil de raisonnement. Le spectateur observant méticuleusement les points essentiels de son évolution à travers le témoignage de la responsabilité parentale, des camarades de classe, des premiers flirts de l'amour puis la déception qui s'ensuit avant de renouer avec l'optimisme d'une nouvelle rencontre. La manière habile et scrupuleuse dont la mise en scène fait preuve pour véhiculer l'émotion est entièrement adaptée à la caractérisation autonome des personnages confrontés au désordre de l'existence (la désillusion amoureuse, la discorde parentale, la crainte de l'échec, la peur de la solitude) mais épris d'une inévitable ambition à braver les difficultés sociales et humaines. C'est à dire celles de concrétiser leur carrière professionnelle, affirmer l'estime de soi et continuer de cueillir les nouvelles rencontres.

Sans aucun artifice dans son souci avisé de filmer la vie dans sa plus sobre intimité, Boyhood évite tout écueil de complaisance ou de pathos pour faire naître l'émotion. Outre la virtuosité de la mise en scène documentée, le cinéaste misant sur la candeur des ces comédiens habités par la fougue existentielle et la passion des sentiments, sans fioriture et encore moins d'emphase. 

Bruno Matéï

Récompenses:
Festival international du film de Berlin 2014 :
Ours d'argent du meilleur réalisateur pour Richard Linklater
Reader Jury of the Berliner Morgenpost
Prize of the Guild of German Art House Cinemas
Festival international du film de Melbourne 2014 : People's Choice Award du meilleur film (1re place)
Festival international du film de Saint-Sébastien 2014 : Grand prix de la FIPRESCI7
Festival international du film de San Francisco 2014 : Founder’s Directing Award pour Richard Linklater
Festival international du film de Seattle 2014 :
Golden Space Needle du meilleur film
Meilleur réalisateur pour Richard Linklater
Meilleure actrice pour Patricia Arquette
South by Southwest 2014 :
Louis Black Lone Star Award
Special Jury Recognition
American Film Institute Awards 2014 : top 10 des meilleurs films de l'année
Boston Society of Film Critics Awards 2014 :
Meilleur film
Meilleur réalisateur pour Richard Linklater
Meilleure distribution
Meilleur scénario pour Richard Linklater (ex-æquo avec Alejandro González Iñárritu pour Birdman)
Meilleur montage pour Sandra Adair
British Independent Film Awards 2014 : meilleur film indépendant international
Chicago Film Critics Association Awards 2014 :
Meilleur film
Meilleur réalisateur pour Richard Linklater
Meilleure actrice pour Patricia Arquette
Gotham Awards 2014 : Audience Award
Los Angeles Film Critics Association Awards 2014 :
Meilleur film
Meilleur réalisateur pour Richard Linklater
Meilleure actrice pour Patricia Arquette
Meilleur montage pour Sandra Adair
National Board of Review Awards 2014 : top 2014 des meilleurs films
New York Film Critics Circle Awards 2014 :
Meilleur film
Meilleur réalisateur pour Richard Linklater
Meilleure actrice dans un second rôle pour Patricia Arquette
Washington D.C. Area Film Critics Association Awards 2014 :
Meilleur film
Meilleur réalisateur pour Richard Linklater
Meilleure actrice dans un second rôle pour Patricia Arquette
Meilleur espoir pour Ellar Coltrane
National Society of Film Critics Awards 2015 :
Meilleur réalisateur pour Richard Linklater (1re place)
Meilleure actrice dans un second rôle pour Patricia Arquette (1re place)
Meilleur film (2e place)

DRACULA, PERE ET FILS

                                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site team-hush.org

d'Edouard Molinaro. 1976. France. 1h35. Avec Bernard Menez, Christopher Lee, Marie-Hélène Breillat, Catherine Breillat, Bernard Alane, Jean-Claude Dauphin.

Sortie salles France: 15 Septembre 1976

FILMOGRAPHIE: Edouard Molinaro est un réalisateur et scénariste français, né le 13 Mai 1928 à Bordeaux, en Gironde, décédé le 7 Décembre 2013 à Paris.
1958: Le Dos au mur. 1959: Des Femmes disparaissent. 1959: Un Temoin dans la ville. 1960: Une Fille pour l'été. 1961: La Mort de Belle. 1962: Les Ennemis. 1962: Les 7 Pêchers capitaux. 1962: Arsène Lupin contre Arsène Lupin. 1964: Une Ravissante Idiote. 1964: La Chasse à l'Homme. 1965: Quand passent les faisans. 1967: Peau d'Espion. 1967: Oscar. 1969: Hibernatus. 1969: Mon Oncle Benjamin. 1970: La Liberté en Croupe. 1971: Les Aveux les plus doux. 1972: La Mandarine. 1973: Le Gang des Otages. 1973: L'Emmerdeur. 1974: L'Ironie du sort. 1975: Le Téléphone Rose. 1976: Dracula, père et fils. 1977: L'Homme pressé. 1978: La Cage aux Folles. 1979: Cause toujours... tu m'intéresses ! 1980: Les Séducteurs. 1980: La Cage aux Folles 2. 1982: Pour 100 briques t'as plus rien... 1984: Just the way you are. 1985: Palace. 1985: L'Amour en douce. 1988: A gauche en sortant de l'ascenseur. 1992: Le Souper. 1996: Beaumarchais, l'insolent. 1996: Dirty Slapping (court-métrage).

Comédie pittoresque tournée vers la fin des années 70, Dracula, père et fils exploitait le filon en vogue de la parodie parmi l'association improbable d'un duo de comédiens antinomiques. C'est d'ailleurs ce que nous suggère l'intrigue puisque, après avoir fui la Roumanie communiste pour s'expatrier en France, Dracula, père et fils, se retrouvent en rivalité afin de courtiser une jolie pubard ! Dans sa condition précaire d'être mi-vampire, mi-humain et avant de pouvoir s'émanciper de sa déveine, Ferdinand essaie de ressembler à son père mais se retrouve travailleur immigré dans une province touchée par le chômage. De son côté, après s'être exilé en Grande-Bretagne, et fort de sa stature aristocrate, Dracula est rapidement enrôlé pour accepter le rôle d'un vampire dans une production horrifique. Si Ferdinand s'acharne infructueusement à se nourrir de sang frais en essayant de mordre à maintes reprises de quelconques victimes, Dracula est tombé sous le charme de Nicole abordée sur le plateau du tournage. Tout aussi amoureux, son fils va tout mettre en oeuvre pour la sauvegarder de la morsure immortelle de son père !

Il fallait oser, faire réunir à l'écran le légendaire Christopher Lee et le boute-en-train Bernard Menez sous l'égide du réalisateur de l'Emmerdeur et de la Cage aux Folles ! Vaudeville horrifique centré autour des vicissitudes de Dracula et de son fils, car communément épris de rivalité filiale, Dracula, Père et Fils peine à insuffler une quelconque drôlerie dans son lot de gags visuels ou verbaux aussi obsolètes que lourdingues. Epaulé d'un Christopher Lee manifestement gêné d'avoir eu à participer à telle pantalonnade, la comédie prête plus à engendrer le timide sourire dans son lot de situations farfelues incrédules. Néanmoins, en faisant preuve d'indulgence et d'un soupçon de nostalgie, l'aventure peut tout de même s'avérer sympathique parmi la complicité improbable de nos deux comédiens. Si son analyse sur le paraître (notamment celle de Ferdinand dans sa condition de faux vampire !), le chômage et la situation des immigrés au milieu des années 70 fait preuve de lucidité à opposer l'inégalité des classes sociales et le besoin d'affirmation (le cheminement évolutif de Ferdinand), le scénario peine malgré tout à captiver par son manque de drôlerie et la mollesse d'une réalisation peu inspirée.

Inévitable nanar franchouillard à l'humour bon enfant, Dracula, père et fils peut engendrer la sympathie dans ces facéties archaïques à répétition et dans l'effet de curiosité imparti au duo insolent, Christopher Lee/Bernard Menez.

Bruno Matéï
2èx

Peur Bleue (Silver Bullet)

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site fan-de-cinema.com

de Daniel Attias. 1985. U.S.A. 1h35. Avec Gary Busey, Everett McGill, Corey Haim, Megan Follows, Robin Groves, Leon Russom.

Sortie salles France: 15 Janvier 1986. U.S: 11 Octobre 1985

FILMOGRAPHIE: Daniel Attias est un réalisateur et producteur américain, né le 4 Décembre 1951 à Los Angeles. 1985: Peur Bleue.

 

"La Bête et l’Enfant : Stephen King en série B solaire".

Adaptation dégingandée d’un roman de Stephen King, Peur Bleue trouva pourtant son public -- principalement adolescent -- lors de sa sortie en salles puis en VHS, au point qu’aujourd’hui encore, certains aficionados lui vouent un statut de classique bisseux.

Le pitch : alors qu’un loup-garou sème la mort dans une bourgade bucolique du Maine, le jeune paraplégique Marty en vient à soupçonner le révérend local d’être la bête sanguinaire. Avec l’aide de sa sœur et de son oncle, il façonne une balle d’argent pour tenter d’en finir. 

Sur la foi d’un scénario superficiel et elliptique, d’une réalisation passable mais appliquée, et de situations parfois farfelues (Marty hurlant dans une grange pour alerter un tracteur assourdissant à l’extérieur !), Peur Bleue ne révolutionne guère l’inspiration du maître King.

 

Et pourtant — aussi improbable que cela paraisse — le film séduit, porté par une émotion naïve et un charme de village solaire où chaque âme se croise en douce harmonie. On croirait frôler un Spielberg champêtre, ou l’innocence rebelle d’un Stand by Me. Peur Bleue ensorcelle l’œil et le cœur par sa fantaisie horrifique de hasard. Bien mené dans son rythme de croisière — entre enquête maladroite, braconnage nocturne, poursuites haletantes et morsures sanglantes — il se pare parfois d’un sang inattendu (le prologue en tête) tandis que ses métamorphoses minimalistes, latex bricolé en renfort, conservent une touche artisanale presque attendrissante.

Mais si cette aventure sans surprise évite le naufrage, elle le doit à ses héros bonnards et bancals : l’oncle obtus et jovial, protecteur de fortune, que Gary Busey incarne d’une bonhomie gentiment grotesque ; et surtout Marty, petit paralytique à l’innocence nue, que Corey Haim habite de sa douceur vive, entre camaraderie frondeuse et conflits tendres avec sa sœur.

Soutenu par la voix d’une narratrice suave murmurant l’amour filial sur une mélodie attendrie, Peur Bleue illustre la définition du « plaisir innocent » : une série B brinquebalante, sincère dans sa maladresse, touchante dans sa modestie. Ce sera l’unique incursion de Daniel Attias au cinéma, avant qu’il ne se réfugie dans le confort du petit écran. À prioriser aux nostalgiques d’un cinéma d’époque, quand le charme ludique se buvait encore au parfum du magnétoscope.

Bruno 

25.11.21. 4èx

18.08.24. 5èx. Vostfr

Jason et les Argonautes / Jason and the Argonauts

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Moviecovers.com

de Don Chaffey. 1963. U.S.A/Angleterre 1h44. Avec Todd Armstrong, Nancy Kovack, Gary Raymond, Laurence Naismith, Nigel Green, Niall MacGinnis.

Sortie salles France: 9 Octobre 1963. U.S: 19 Juin 1963

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Don Chaffey est un réalisateur britannique, né le 5 Août 1917 à Hastings, décédé le 13 Novembre 1990 à L'île Kawau (Nouvelle-Zélande).
1963: Jason et les Argonautes. 1966: Un million d'années avant J.C. 1967: Les Reine des Vikings. 1968: Du sable et des diamants. 1977: Peter et Elliott le dragon. 1978: La Magie de Lassie. 1979: C.H.O.M.P.S.

Chef-d’œuvre du film d’aventures mythologiques, Jason et les Argonautes s’impose comme le plus éclatant représentant d’un genre auquel le regretté Ray Harryhausen offrit son génie artisanal, avec une maîtrise sans faille.

Afin de reconquérir le trône de son père, mort vingt ans plus tôt, Jason doit rejoindre la Colchide et s’emparer de la Toison d’or. Gouvernant alors le royaume, le souverain Pélias lui confie cette mission périlleuse - prétendument bénie par les dieux - pour sauver son peuple de la misère. Mais l’expédition dissimule une ruse : s’approprier la Toison avec la complicité de son propre fils, que Jason accepte d’intégrer à son équipage. Épaulé par une armée d’Argonautes stoïques, il embarque à bord d’un navire pour un périple aussi long qu’éprouvant.

Spectacle flamboyant, porté par une succession quasi ininterrompue de morceaux de bravoure surréalistes, Jason et les Argonautes est un éblouissement visuel auquel le maître du stop-motion apporte une contribution décisive, donnant chair à d’incroyables créatures issues de la mythologie grecque. De la résurrection de Talos, géant de bronze rubigineux, au harcèlement de deux harpies auprès d’un vieil aveugle affamé ; de l’intervention d’un dieu marin pour libérer le navire coincé entre deux roches, à l’assaut d’une hydre à sept têtes ; jusqu’à l’affrontement belliqueux d’une armée de squelettes - hommage assumé que Sam Raimi rendra plus tard dans Evil Dead 3 - cette armada monstrueuse décuple l’intensité du récit sous l’autorité sagace d’Argonautes en quête de trésor. Le sentiment d’émerveillement né de ces instants de pure poésie, leur enchaînement fluide au sein d’une structure narrative captivante, célèbrent aussi la fraternité altruiste des héros : des combattants dont la force d’âme et le courage s’unissent pour déjouer les subterfuges de traîtres mégalos, les caprices de dieux goguenards, et surtout affronter l’hostilité imprévisible de créatures pernicieuses.

Porté par le score épique de Bernard Herrmann, insufflant une harmonie vibrante à la fureur des combats, et par l’aplomb de comédiens animés par l’esprit d’équipe et la bravoure, Jason et les Argonautes conserve intact son pouvoir de fascination, grâce à la vélocité d’une mise en scène rendant un hommage éclatant au bestiaire immortel de Ray Harryhausen.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

25.12.25. 5èx. Vostf

A HISTORY OF VIOLENCE

                                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site ign.com

de David Cronenberg. 2005. Allemagne/U.S.A. 1h36. Avec Viggo Mortensen, Maria Bello, Ashton Holmes, Ed Harris, William Hurt, Heidi Hayes.

Sortie salles France: 2 Novembre 2005. U.S: 30 décembre 2005

FILMOGRAPHIE: David Cronenberg est un réalisateur canadien, né le 15 mars 1943 à Toronto (Canada).
1969 : Stereo, 1970 : Crimes of the Future, 1975 : Frissons, 1977 : Rage,1979 : Fast Company, 1979 : Chromosome 3, 1981 : Scanners, 1982 : Videodrome, 1983 : Dead Zone, 1986 : La Mouche, 1988 : Faux-semblants,1991 : Le Festin nu, 1993 : M. Butterfly, 1996 : Crash, 1999 : eXistenZ, 2002 : Spider, 2005 : A History of Violence, 2007 : Les Promesses de l'ombre, 2011 : A Dangerous Method. 2012: Cosmopolis. 2014: Maps to the Stars.

Jeu de massacre segmenté en trois actes, History of Violence relate l'odyssée meurtrière d'un paisible restaurateur américain, un père de famille sans histoire mais dont le passé criminel va ressurgir depuis l'intrusion fortuite de tueurs professionnels au sein de son foyer. Après avoir échappé à la mort et sauvé la clientèle de son restaurant braqué, Tom Stall devient du jour au lendemain un héros aux yeux des médias et de sa population. Mais alors qu'il pensait avoir mis un terme avec son ancienne identité, un trio de mafieux a décidé de prendre leur revanche et de le rappeler à la raison de sa culpabilité. 

Réflexion sur l'influence et l'endoctrinement de la violence (voir les répercussions qu'elle peut engendrer chez l'épouse et le fils de Tom Stall !), sur la rancoeur convergeant à la rébellion et les conséquences de la légitime violence, David Cronenberg provoque un malaise trouble dans le cadre rassurant d'un quotidien bafoué par la paranoïa du danger. Sa mise en scène scrupuleuse prenant soin de dessiner le portrait d'une famille en crise depuis les conséquences traumatisantes d'une violence explosive au sein de leur intimité. Avec réalisme dérangeant, Cronenberg dresse le constat de la corruption de la violence, notamment du point de vue de la mutation morale d'une mère et de son fils, témoins malgré eux de règlements de compte inexpliqués et adoptant peu à peu par cette occasion une position hostile dans leurs pulsions de révolte. Jusqu'au moment où Tom Stall décide de lever le voile sur son ancienne identité afin d'apaiser leurs tensions, voir même expurger cette rancoeur grandissante par l'acte sexuel (la coucherie avec son épouse improvisée dans les escaliers). Dès lors, difficile de se débarrasser de ses anciens démons, de ses instincts criminels lorsqu'ils reviennent titiller vos anciennes habitudes pour réveiller le monstre tapi en vous. Avec une trouble ambiguïté dans sa psychologie insidieuse et sa posture rassurante de (anti) héros, Viggo Mortensen s'avère d'une sobriété ambivalente pour sa fonction d'aimable père de famille se fondant l'instant d'après dans celui d'un exterminateur méthodique. L'aura malsaine qui émane de ses exactions de défense, la manière explicite dont Cronenberg provoque le malaise dans l'imagerie sanglante assénée aux victimes moribondes, renforcent le caractère éthéré d'une atmosphère d'étrangeté au sein de la banalité du quotidien. 

Poisseux dans son ultra-violence parfois organique mais rehaussé d'un climat diaphane encore plus déstabilisant, A History of Violence aborde avec lucidité les effets pervers de la violence (notamment les conséquences de l'entourage) par le principe d'une légitime défense. Juste avant de nous dévoiler le visage hideux (mais fascinant !) d'un ange exterminateur tributaire de son ancienne déchéance et de nous laisser méditer sur son équivoque rédemption...

Bruno Matéï

2èx

KISS OF THE DAMNED

                                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Xan Cassavetes. 2012. U.S.A. 1h37. Avec Joséphine de La Baume, Milo Ventimiglia, Roxane Mesquida, Anna Mouglalis, Michael Rapaport, Riley Keough.

Inédit en salles en France. U.S: 3 Mai 2013

FILMOGRAPHIE: Xan Cassavetes (Alexandra Cassavetes) est une réalisatrice, scénariste et actrice américaine, née le 21 Septembre 1965 à Los Angeles, Californie.
2000: Dust. 2004: Z Channel: A Magnificent Obsession (Doc). 2012: Kiss of the Damned. 

Inédit en salles dans nos contrées, en dehors de sa projection hors compétition à Gérardmer, Kiss of the Damned définie l'exercice de style indépendant pour cette première oeuvre particulièrement stylisée. Que ce soit au niveau de sa photographie saturée de couleurs criardes, des décors d'architecture au sein d'une demeure baroque ou des paysages naturels à l'onirisme crépusculaire, la mise en scène s'efforce à soigner ses prises de vue alambiquées parmi le score éclectique d'une BO entraînante. En illustrant la thématique du vampire moderne infiltré dans le cadre de notre quotidienneté, Xan Cassavetes ne souhaite aucunement renouveler le genre avec son intrigue linéaire éludée de surprise, mais plutôt d'expérimenter une ambiance poético-baroque autour du cheminement idyllique d'un couple de vampires, Djuna et Paolo.

Résidant dans un vaste pavillon bucolique, ils sont toutefois perturbés par l'intrusion inopinée de la soeur de Djuna, une jeune marginale plutôt jalouse et sans vergogne dans ses virées urbaines meurtrières. Car depuis son arrivée précipitée, de nombreux incidents vont ébranler la tranquillité des deux amants. Outre le caractère superficiel de sa narration, Kiss of the Damned tire parti d'une certaine originalité à illustrer le comportement diplomatique de vampires bon chic bon genre réfutant le sacrifice humain. Car se nourrissant exclusivement du sang des animaux, leur nouvelle déontologie est de préserver cette doctrine réglementée depuis un siècle par leur matriarche. Sauf qu'un élément perturbateur n'a jamais daigné respecter cette consigne pour son libre arbitre ! Convaincant dans la peinture intimiste de ces personnages, Kiss of the Damned se focalise surtout à nous dépeindre l'ascension extatique du jeune couple, Djuna / Paolo, et d'insister sur le caractère fantasmatique de leur relation. Traversé d'éclairs de violence gore que n'aurait pas renié Argento, sa poésie sensuelle en est parfois contrebalancée avec la fureur rebelle d'une vampire férue de sang humain.

Correctement interprété par des comédiens méconnus, si on écarte certains illustres seconds rôles, et soigneusement mis en scène dans son stylisme aussi baroque que charnel (érotisme torride à l'appui !), Kiss of the Damned relève du fantasme parmi l'étreinte immortelle du couple avenant. En dépit de la futilité de son intrigue, il en émane une sympathique curiosité au capital séducteur fascinant et auquel l'intégrité de sa réalisatrice ne peut être remise en doute.

Bruno Matéï

QUAND VIENT LA NUIT (The Drop)

                                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Michaël R. Roskam. 2014. U.S.A. 1h47. Avec Tom Hardy, Noomy Rapace, Matthias Schoenaerts, James Gandolfini, John Ortiz, Elizabeth Rodriguez, James Frecheville.

Sortie salles France: 12 Novembre 2014. U.S: 12 Septembre 2014

FILMOGRAPHIE:  Michaël R. Roskam est un réalisateur et scénariste belge, né le 9 Octobre 1972 à Saint-Trond.
2011: Bullhead. 2014: Quand vient la nuit.

Après avoir été révélé par Bullhead, le cinéaste belge Michaël R. Roskam confirme le brio de son talent avec son second long, Quand vient la Nuit. Un polar à suspense redoutablement efficace dans sa dramaturgie en dent de scie où l'on présage hardiment un dénouement aussi cru qu'imprévisible. C'est également un superbe numéro d'acteurs aux personnalités bien trempées dans leur fonction marginale en déclin quand bien même l'un des protagonistes va pouvoir nous dévoiler son véritable penchant au moment le plus alarmiste. Pour l'anecdote, il s'agit du dernier rôle de James Gandolfini, l'inoubliable interprète du parrain dans la série TV, les Sopranos. A Brooklyn, Bob Saginowski s'est associé avec son cousin Marv pour entretenir un bar où les paris clandestins servent de dépôt au blanchiment d'argent de la pègre urbaine. Après avoir trouvé un chiot au fond d'une poubelle, Bob décide de l'adopter jusqu'au jour où son propriétaire vient lui réclamer. Alors qu'un braquage vient d'avoir lieu dans leur bar, nos tenanciers sont rapidement intimidés par un clan mafieux leur ordonnant de rembourser la dette. C'est le début d'un chantage collectif où les coups les plus mesquins vont enchaîner la mort.  

Dans la lignée des oeuvres crépusculaires de James Gray, Quand vient la Nuit s'efforce de narrer studieusement un récit criminel à la violence contenue de prime abord afin de privilégier le dessein psychologique de protagonistes pris dans la tourmente et de nous immerger dans leur sombre univers où chantage, jalousie et trahison vont finalement laisser exploser les règlements de compte. La maîtrise de la mise en scène est également d'avoir su gérer un suspense graduel où la tension préalablement sous-jacente va pouvoir s'accroître de manière toujours plus exponentielle. Inévitablement, nous nous prenons de sympathie pour ses deux escrocs familiaux ainsi que la romance impartie entre Bob et Nadia, juste avant que l'intrusion de braqueurs et d'un antagoniste arrogant ne vienne ébranler leur routine. En loup solitaire plutôt discret, timoré et laconique, Tom Hardy insuffle l'empathie dans sa fonction secondaire de barman tour à tour molesté par la police, la pègre et une crapule à la réputation psychotique. Matthias Schoenaerts se délectant à endosser celui du maître chanteur avec esprit de provocation et rancune intraitable. Inscrite dans la fragilité mais également ferme d'autorité, Noomi Rapace endosse la petite amie de Bob dans un esprit de paranoïa où l'amertume laisse planer le passé torturé d'une femme battue. Enfin, James Gandolfini profite de sa robuste carrure pour incarner un patron aussi mesquin qu'insidieux dans ses combines burnées.

Rigoureusement tendu car pourvu d'un suspense à couper au rasoir, Quand vient la Nuit exploite le genre du polar avec la dramaturgie d'un script détonnant et à l'émotion contenue dans les rapports de force impartis à ces marginaux en perdition. Pour parachever, on reste ébranlé par la tournure poisseuse du dénouement nous laissant un goût amer de souffre dans la bouche pour l'instinct meurtrier imparti à un personnage clef. Ou quand les fantômes du passé reviennent corrompre l'âme d'un proscrit...

Bruno Matéï

INVASION LOS ANGELES (They Live)

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site mauvais-genres.com

de John Carpenter. 1988. U.S.A. 1h33. Roddy Piper, Keith David, Meg Foster, George Buck Flower, Peter Jason, Raymond St. Jacques

Sortie salles France: 19 Avril 1989. U.S: 4 Novembre 1988

FILMOGRAPHIE: John Howard Carpenter est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur, compositeur et producteur de film américain né le 16 janvier 1948 à Carthage (État de New York, États-Unis). 1974 : Dark Star, 1976 : Assaut, 1978 : Halloween, la nuit des masques 1980 : Fog, 1981 : New York 1997, 1982 : The Thing, 1983 : Christine, 1984 : Starman, 1986 : Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin, 1987 : Prince des ténèbres 1988 : Invasion Los Angeles, 1992 : Les Aventures d'un homme invisible, 1995 : L'Antre de la folie, 1995 : Le Village des damnés, 1996 : Los Angeles 2013 1998 : Vampires, 2001 : Ghosts of Mars 2010 : The Ward.

Un an après Prince des Ténèbres, John Carpenter s'approprie une fois de plus d'un budget modeste pour mettre en scène Invasion Los Angeles après la déconvenue commerciale des Aventures de Jack Burton. Pamphlet satirique contre le capitalisme commandité en son temps par la présidence de Regan, John Carpenter redouble d'ironie caustique à railler toute forme de politique répressive implantée dans nos états sous l'entremise d'une paire de lunettes. Car cet instrument de consommation est ici détourné au profit d'une technologie inédite afin de nous divulguer le vrai visage de la propagande fasciste que nos sociétés modernes nous ont inculqué. En traitant des thèmes de l'exclusion et du chômage auquel le prolétariat est prioritairement préjudiciable, John Carpenter se porte en pourfendeur pour dénoncer l'inégalité des classes sociales et l'intolérance d'un système dictatorial où les forces de l'ordre n'hésitent pas à faire parler les armes dans une fonction d'épuration. 

Affublé de son sac à dos, John Nada parcourt Los Angeles afin de trouver un emploi de maçonnerie. Sur place, il découvre qu'une milice anarchiste est sur le point de divulguer au monde le vrai visage d'extraterrestres implantés sur notre territoire. Grâce à la confection d'une paire de lunettes noires capables de déceler la réalité d'un leurre, il découvre l'envers du décor subliminal que les extra-terrestres ont réussi à falsifier à travers nos médias, la publicité et les magazines pour mieux nous contrôler. Epaulé d'un comparse de chantier, ils partent à l'assaut de ces envahisseurs insidieusement infiltrés dans les postes d'emploi les plus lucratifs. Série B d'action purement ludique et jouissive dans la complicité musclée impartie à deux résistants partis en guerre contre l'asservissement, Invasion Los Angeles s'impose en farce sociale pour caricaturer à outrance nos notables politiques, financiers et pubards camouflés ici sous une panoplie d'extra-terrestre. Avec une bonne dose de violence aussi corrosive que débridée, John Carpenter s'en donne à coeur joie dans le politiquement incorrect pour canarder à tout va la classe bourgeoise engluée dans le confort de sa cupidité. Sans jamais se prendre au sérieux, il prend autant plaisir à parodier l'attitude désinvolte de notre (anti) héros redresseur de tort exterminant avec ferveur tous ces envahisseurs codifiés en costard. Enchaînant quiproquos et déconvenues impromptus, telle cette baston interminable échangée entre nos deux acolytes en pleine discorde, puis les offensives explosives entre rivaux armés jusqu'aux dents, John Carpenter surfe sur l'efficacité de ses situations alarmistes avec une bonne humeur infaillible ! 

Jouissif en diable, car aussi drôle que violemment cartoonesque, et mené par un duo de prolétaires en pleine sédition, Invasion Los Angeles n'a rien perdu de son mordant politique dans sa satire imposée au consumérisme, au contrôle des médias et à l'esclavagisme de masse auquel nous dépendons dans nos sociétés modernes. 

Bruno Matéï

4èx

LADYHAWKE, LA FEMME DE LA NUIT (Ladyhawke)

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Richard Donner. 1985. U.S.A. 2h01. Avec Rutger Hauer, Matthew Broderick, Michelle Pfeiffer, Leo McKern, John Wood, Ken Hutchison, Alfred Molina.

Sortie salle France: 27 Mars 1985. U.S: 12 Avril 1985

FILMOGRAPHIE: Richard Donner (Richard Donald Schwartzberg) est un réalisateur et producteur américain, né le 24 Avril 1930 à New-York.
1961: X-15. 1968: Sel, poivre et dynamite. 1970: l'Ange et le Démon. 1976: La Malédiction. 1978: Superman. 1980: Superman 2 (non crédité - Richard Lester). 1980: Rendez vous chez Max's. 1982: Le Jouet. 1985: Ladyhawke, la femme de la nuit. 1985: Les Goonies. 1987: l'Arme Fatale. 1988: Fantômes en Fête. 1989: l'Arme Fatale 2. 1991: Radio Flyer. 1992: l'Arme Fatale 3. 1994: Maverick. 1995: Assassins. 1996: Complots. 1998: l'Arme Fatale 4. 2002: Prisonnier du temps. 2006: 16 Blocs. 2006: Superman 2 (dvd / blu-ray).

Titre notoire de l'Heroic-Fantasy issu des années 80, Ladyhawke ne rencontra pas le succès escompté lors de sa sortie public, la faute incombant peut-être à sa modestie visuelle faisant fi d'effets spéciaux démonstratifs. Car outre l'aspect foncièrement fantastique de son intrigue mythologique, Richard Donner compte sur la noblesse des sentiments pour nous conter une superbe histoire d'amour dévalorisée par l'imprécation d'un religieux sans vergogne. Si l'on pouvait contester à l'époque l'audace de son score musical alternant orchestration classique et rock progressif de manière décalée pour le contexte médiéval, son extravagance s'avère aujourd'hui plus en harmonie avec la vigueur du récit déployant action, humour et fantastique autour d'une romance impossible. Poème médiéval illustrant avec sobriété l'amour improbable de deux amants frappés par un sortilège, Ladyhawke transfigure de manière fort originale leur relation singulière puisque contraints de se prémunir dans une condition animale. 

Transformé en loup au soir du crépuscule, Etienne de Navarre peut enfin retrouver son apparence humaine dès l'aube matinale. De son côté, sa bien-aimée Isabeau est condamnée à se métamorphoser en faucon durant le jour pour ensuite retrouver son enveloppe corporelle dès la nuit tombée. Incessamment ensemble mais séparés par leur condition animale, ils sont incapables de se voir et de se toucher dans la peau d'êtres humains. En désespoir de cause, Etienne de Navarre envisage alors de mettre un terme à leur fardeau. C'est avec l'aide d'un jeune voleur et d'un moine solitaire qu'il va tenter de briser la malédiction puis se venger du principal responsable, un évêque rendu fou d'amour et de jalousie pour la belle Isabeau ! Baignant dans une atmosphère onirique où la splendeur des décors naturels contraste avec la sensualité d'une Michelle Peiffer touchée par la candeur d'un physique de porcelaine, Ladyhawke transcende la romance déchue autour de moult péripéties et rebondissements, et avant le dénouement d'une éventuelle rédemption. Epaulé des présences attachantes du jeune Matthew Broderick incarnant avec verve un jeune voleur aussi véloce qu'espiègle, et de Leo McKern, dans celui du moine acariâtre au grand coeur, le film insuffle une cocasserie attendrissante dans leur contribution héroïque, quand bien même l'inventivité des combats est renforcée par la main secourable d'Etienne de Navarre. Indubitablement, c'est au duo de charme formé par Rutger Hauer et Michelle Pfeiffer que l'on doit la force émotionnelle du récit insufflant une poésie diaphane dans le rapport contradictoire alloué à la cause de la nature (voir la sublime séquence où les amants tentent de s'effleurer la main au rayon d'un crépuscule !), quand bien même l'espèce animale sert de métaphore pour nous rappeler l'essence du mot liberté.

Se clôturant par un point d'orgue aussi féerique qu'homérique, à l'instar de ces duels interminables qu'Etienne de Navarre doit déjouer contre l'ennemi en guise de baroud d'honneur, Ladyhawke distille une émotion épurée dans la romance du duo maudit tout en alternant l'action des péripéties parmi la cocasserie de comparses incorrigibles venus prêter main forte avec une spontanéité attendrissante. Un spectacle familial esthétiquement immaculé, notamment par son onirisme naturel.

Bruno Matéï

4èx 

Conan le Barbare / Conan the Barbarian

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Moviecovers.com

de John Milius. 1982. U.S.A. 2h11. Avec Arnold Schwarzenegger, James Earl Jones, Sandahl Bergman, Gerry Lopez, Mako, Max Von Sydow, Ben Davidson.

Sortie salles France: 7 Avril 1982. U.S: 14 Mai 1982

FILMOGRAPHIE: John Milius est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né le 11 Avril 1944 à Saint-Louis, dans le Missouri, Etats-Unis. 1973: Dillinger. 1975: Le Lion et le Vent. 1978: Big Wednesday. 1982: Conan le Barbare. 1984: L'Aube Rouge. 1989: L'Adieu au Roi. 1991: Le Vol de l'Intruder. 1994: Motorcycle Gang (télé-film). 1997: Rough Riders (télé-film).

"Entre l'époque où les océans ont englouti l'Atlantide et l'avènement des fils d'Arius, il y eut une période de l'histoire fort peu connue dans laquelle vécut Conan, destiné à poser la couronne d'Aquilonia, ornée de pierres précieuses, sur un front troublé. C'est moi, son chroniqueur, qui seul peut raconter son épopée. Laissez-moi vous narrer ces jours de grandes aventures..."

Chef-d’œuvre d’heroic fantasy surgissant à l’orée des années 80, Conan le Barbare fut inexplicablement boudé par une partie de la critique, fustigeant un spectacle jugé primaire, desservi par la supposée confusion de son scénario et le jeu inexpressif de l’acteur autrichien Arnold Schwarzenegger. Injustifiable aveuglement, tant le néophyte incarne à merveille ce guerrier laconique, taillé dans l'acier brut, silhouette herculéenne sculptée dans la douleur. Réduit à l’état bestial dans sa condition d’esclave, Conan s’élève dans une mutité tragique, mû par une seule force : la vengeance.

À le revoir aujourd’hui, on est saisi par l’ampleur majestueuse de cette mise en scène habitée, rigoureuse dans ses moindres détails : paysages telluriques, décors titanesques (comme l’immense palais de la secte des serpents), effets spéciaux artisanaux, photo sépia, figuration monumentale, et surtout, ce score fulgurant de Basil Poledouris, cœur battant de l’épopée. John Milius orchestre le tout avec la ferveur d’un forgeron de légendes, transposant à l’écran le souffle antique d’une mythologie oubliée.

Rappel des faits: Depuis la mort atroce de ses parents - sa mère décapitée sous ses yeux figés d’enfant - Conan, voué à l’esclavage, polit sa rage dans l’arène des gladiateurs. Devenu invincible, il est affranchi par un mentor énigmatique. Flanqué d’un voleur narquois et d’une guerrière farouche, il entreprend l’assaut d’un refuge sectaire, royaume d’un roi-sorcier, Thulsa Doom, métamorphe enserpenté, pour y libérer la fille d’un roi... et affronter son passé.

Mythologie, drame, fantastique : les registres s’entrelacent dans un ballet brutal et lyrique. La violence, primitive, y est sidérante : coups de masse, lames acérées, pieux entaillant la chair dans des gerbes de sang rouge sombre. Mais Conan le Barbare ne se résume pas à ses affrontements belliqueux ; il épouse aussi la forme d’une tragédie. La vengeance se teinte de douleur. Qui peut oublier l’exécution de sa mère, dans une scène d’une intensité névralgique à la chorégraphie presque sacrée ? Ou la mort de sa compagne d’armes, frappée lâchement par ce roi fanatique allié aux forces obscures ?

Magie noire, sorcellerie, fatalité... Tous ces éléments s’enracinent dans une narration limpide, sans fioriture, tendue vers l’os. Milius filme avec une rigueur quasi spirituelle, sublimant les grands espaces, magnifiant la camaraderie guerrière et la résilience. Il en résulte une intensité émotionnelle d’une pureté étrange, élégiaque : deuils, renaissances, douleurs muettes. Et au cœur de cette odyssée, le surgissement du Surhomme, figure nietzschéenne portée par la devise : "ce qui ne nous tue pas nous rend plus fort."

"Le trône de fer"
Éloge à la puissance de l’acier, au courage de vaincre et à l’instinct de vengeance, Conan le Barbare transcende avec panache un spectacle barbare, baroque et grandiose dans une dimension tragique bouleversante. Un chef-d’œuvre immuable, d’une beauté brutale, porté par une fureur ancestrale aussi primitive que la virilité sacrée de son héros, enracinée dans la légende hyborienne.

- Celui du coeur noir des images

4èx 

Dédicace à Franck Gossard

COLD PREY (Fritt Vilt)

                                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site mazika2day.com

de Roar Uthaug. 2006. Norvège. 1h37. Avec Ingrid Bolso Berdal, Rolf Kristian Larsen, Tomas Alf Larsen, Endre Midtstigen, Viktoria Winge.

Sortie salles France: 5 Janvier 2010 (uniquement en Dvd et Blu-ray). Norvège: 13 Octobre 2006.

FILMOGRAPHIE: Roar Uthaug est un réalisateur, scénariste et producteur norvégien, né le 25 Août 1973 à Lorenskog dans le comté d'Akershus en Norvège.
1994: En aften i det gronne. 1996: DX13036. 1998: A fistful of kebab. 2002: Regjeringen Martin. 2006: Cold Prey. 2009: Le secret de la Montagne Bleue. 2012: Flukt (Dagmar).

Modeste série B venue de Norvège, directement sortie en support numérique chez nous, Cold Prey se réapproprie des codes du psycho-killer dans une narration éculée mais dont la foi des personnages débrouillards relance l'intrigue avec réelle efficacité. Confinant l'action dans le cadre hivernal de montagnes enneigées, puis celui, beaucoup plus restreint, d'un hôtel abandonné, Cold Prey dépeint l'expédition ludique d'un groupe de vacanciers partis skier dans les montagnes de Jotunheinem. Alors que l'un d'eux vient de se blesser grièvement la jambe en dévalant une pente en snowboard, ils réussissent par chance à faire escale dans une station abandonnée. Mais sur place, une menace tapie dans l'ombre les attend, sachant qu'ils vont avoir affaire aux exactions d'un dangereux psychopathe. 

Ce pitch orthodoxe mainte fois traité depuis les modèles Black Christmas et Halloween, ne compte donc que sur l'efficacité des péripéties et rebondissements haletants pour captiver le spectateur immergé autour d'une nature réfrigérante. Mais à contre-courant d'un Vendredi 13 routinier, le film fait preuve d'intelligence pour exploiter les ficelles du "ouh fais moi peur !" dans un concours de circonstances malchanceuses plutôt convaincantes. Exploitant habilement les recoins inquiétants d'un hôtel désaffecté (l'ombre de Shining semble d'ailleurs planer au détour d'une vue d'ensemble !), le film distille d'abord une atmosphère ombrageuse assez séduisante pour attiser l'expectative, quand bien même la spontanéité rafraîchissante des protagonistes nous permet de nous attacher facilement à leurs caractères et de nous identifier à leurs vicissitudes. C'est d'ailleurs une des principales qualités du film d'avoir su "humaniser" ses personnages vigilants, couards ou valeureux par le jeu naturel de comédiens avenants. Les estocades meurtrières s'avérant notamment assez percutantes dans leur effet de brutalité et de stupeur, voires parfois même surprenantes dans les rebondissements aléatoires lorsque nos protagonistes sont appréhendés par surprise ou lorsqu'ils tentent de se défendre avec fraternité. Sur ce dernier point, je pense particulièrement aux deux derniers survivants rivalisant de stratégies de défense afin de ne pas se laisser alpaguer par les coups de pioche du tueur. En prime, une certaine empathie déjà suggérée au préambule est allouée à la cause du meurtrier lorsque l'épilogue nous dévoile ouvertement son visage et qu'un flash-back va lever le voile sur les véritables responsables de sa déficience mentale. Sans esbroufe sanglante et un savoir-faire dans la mise en scène, Roar Uthaug préfère donc se focaliser sur l'atmosphère anxiogène de son décor d'insécurité auquel nos protagonistes tentent de s'y extraire en tirant parti de leur ressource.   

Avec modestie et aucune prétention, Cold Prey souhaite rendre hommage au psycho-killer parmi l'efficacité de situations horrifiques assez tendues et parmi la caractérisation humaine de survivants plein d'audaces et de bravoures pour se défaire de leur déveine. Il en résulte un sympathique survival un plus finaud que la traditionnelle du genre et assez bien géré dans sa réalisation circonspecte.

Bruno Matéï

2èx

Morse (Låt den rätte komma in / Let The Right One in). Grand Prix, Gérardmer, 2009.

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Tomas Alfredson. 2008. Suède. 1h55. Avec Kare Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar, Henrik Dahl, Karin Bergquist, Peter Carlberg.

Sortie salles France: 4 Février 2009. Suède: 24 Octobre 2008

FILMOGRAPHIE: Tomas Alfredson est un réalisateur suédois, né le 1er Avril 1965 à Lidingo en Suède. 1994: Bert: The Last Virgin (Bert: Den siste oskulden). 2003: Office Hours (Kontorstid)
2004: Four Shades of Brown (Fyra nyanser av brunt). 2008: Morse (Låt den rätte komma in). 2011: La Taupe (Tinker, Tailor, Soldier, Spy).

Réalisateur suédois inconnu chez nous, Tomas Alfredson s'est fait connaître en 2008 avec Morse, un film fantastique indépendant ovationné à travers le monde par une pléthore de récompenses. Empruntant au mythe du vampire, la trame nous illustre avec pudeur et sensibilité contenues l'amitié naissante d'une fillette vampire de 12 ans avec son voisin d'immeuble, un adolescent timoré du nom d'Oskar. Au fil de leur relation intime, ils vont apprendre à se connaître et s'échanger des confidences en dépit des exactions meurtrières qu'Eli doit commettre afin de survivre. Sur le papier, si ce pitch superficiel semble concourir la carte des bons sentiments dans la mouvance d'un Twilight suédois, Tomas Alfredson a suffisamment d'ambition et de personnalité pour transcender à l'écran un poème macabro-féerique touché par la grâce de ses têtes blondes. 

Ecartant les conventions éculés, ces vampires suédois sont ici marqués par la solitude dans leur comportement criminel et monstrueux, préférant parfois même céder au sacrifice du dernier ressort plutôt que de transmettre la contagion auprès d'un innocent. Outre le soin formel d'une réalisation maîtrisée laissant libre court à l'esthétisme immaculé d'une banlieue enneigée, et auscultant au plus près la pureté des sentiments de nos héros, Morse fait appel à l'émotion prude pour nous interpeller face à leur posture amoureuse difficilement concrétisable. Car prisonnière dans le corps d'une adolescente de 12 ans et affermie par sa maturité, Eli ne peut entamer une relation durable avec le premier venu, spécialement ce jeune Oskar fragilisé par la persécution et la vengeance. En alternant l'horreur d'agressions perpétrées au coeur d'une urbanisation enneigée et l'intimisme de leur frêle relation, Tomas Alfredson déploie un saisissant contraste dans la ténuité sentimentale et la violence viscérale. A travers leurs rapports amicaux davantage bienveillants, c'est une initiation à la révolte et à la mort qu'Oskar doit emprunter en tant qu'auditeur puis témoin afin de s'affirmer aux yeux des autres. En particulier celui de braver les quotidiennes brimades imposées à un trio de camarades délinquants inscrits dans la lâcheté. La démission parentale est également soulignée dans la condition esseulée d'Oskar vivant reclus avec une mère effacée, alors qu'Eli, co-habite avec un paternel corrompu par sa connivence meurtrière. L'identification pour ce jeune couple livré à l'abandon n'en n'est alors que plus empathique dans leur situation démunie d'amants en quête rédemptive. 

Récit initiatique auquel un garçon timoré affronte la cruauté de l'adolescence du point de vue d'une délinquance juvénile et de celle d'une vampire infortunée, Morse insuffle avec originalité et poésie une justesse d'émotion dans le cheminement d'une romance trouble destinée à l'isolement. Leçon de tolérance pour le droit à la différence, on est d'autant plus bouleversé par le score mélancolique de Johan Soderqvist accompagnant cette odyssée prude avec une acuité vertigineuse. Un chef-d'oeuvre d'une pudeur à fleur de peau contrastant avec le stylisme des situations morbides. 

Bruno Matéï

 

Récompenses:
Meilleur film et meilleur photographie au 31e Festival international du film de Göteborg.
Meilleur film au Festival du film de TriBeCa 2008.
Méliès d'argent au 8e Festival International du film Fantastique de Neuchâtel.
Meilleur film, meilleur réalisateur et meilleure photographie au festival Fantasia 2008
Meilleur film, meilleur réalisateur et meilleure photographie aux European Independent Film Critics Awards
Prix de la critique et meilleur réalisateur au 12e festival international du film fantastique de Puchon
Prix de la critique au festival NatFilm 2008
Prix de la critique au Festival international du film de Toronto 2008
Méliès d'or du meilleur film fantastique européen de 2008
Grand prix du festival Fantastic'Arts de Gérardmer en 2009
Prix de la critique au festival Fantastic'Arts de Gérardmer en 2009
Silver Scream Award au Festival du film fantastique d'Amsterdam en 2009
Meilleur film étranger à la British Independent Film Awards 2009