LE CONTINENT DES HOMMES POISSONS

                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site horrormovie.forumfree.it

"L'Isola degli uomini pesce" de Sergio Martino. 1979. Italie. 1h39. Avec Barbara Bach, Claudio Cassinelli, Richard Johnson, Beryl Cunningham, Joseph Cotten, Franco Iavarone.

Sortie salles France: 28 février 1979. Italie: 18 Janvier 1979

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Sergio Martino est un réalisateur, producteur et scénariste italien né le 19 Juillet 1938 à Rome (Italie).
1970: l'Amérique à nu. Arizona se déchaine. 1971: l'Etrange vice de Mme Wardh. La Queue du Scorpion. l'Alliance Invisible. 1973: Mademoiselle Cuisses longues. 1973: Torso. 1975: Le Parfum du Diable. 1977: Mannaja, l'homme à la hache. 1978: La Montagne du Dieu Cannibale. 1979: Le Continent des Hommes poissons. Le Grand Alligator. 1982: Crimes au cimetière étrusque. 1983: 2019, Après la Chute de New-York. 1986: Atomic Cyborg. 1989: Casablanca Express. 1990: Mal d'Africa. Sulle tracce del condor.

Hommage:
Inspiré par l'île du Dr Moreau tourné 2 ans au préalable, Le Continent des Hommes poissons joue la carte de l'aventure fantastique dans une facture typiquement Bis. Principalement pour la physionomie cheap, car caoutchouteuse, des hommes poissons, la musique latine de Luciano Michelini et les trognes vénérables d'acteurs de seconde zone. Richard Johnson dominant la troupe avec un charisme impassible dans sa posture rigide de tyran sans vergogne, quand bien même la sublime Barbara Bach tente de se démener de sa soumission avec une affable sobriété. De par sa présence sensuelle magnétique et sa force de caractère, l'actrice parvient efficacement à se débarrasser de la caricature "potiche". Succès commercial considérable à sa sortie, le film fut également reconnu auprès des vidéophiles grâce à sa superbe jaquette éditée chez Carrere Video dans les années 80.

1891. Le lieutenant Claude de Ross et quelques un de ses prisonniers trouvent naufrage sur une petite île dirigée par l'autoritaire Edmond Rackham. Sur place, ils sont agressés par d'étranges créatures amphibiennes. Unique survivant, De Ross va tenter de percer le mystère impliquant l'intransigeant Rackham et un savant utopiste. A la base d'une intrigue simpliste exploitant plusieurs clichés du cinéma d'aventures et Fantastique, Le Continent des Hommes poissons parvient à se démarquer de la routine grâce au savoir-faire technique de Martino (notamment la vigueur des corps à corps) emprunt de modeste poésie. Tant par les troubles rapports entamés entre la belle et ses monstres que l'exploitation de décors marins et caverneux plutôt photogéniques. Outre l'aspect débridé (mais aussi féerique !) de son récit fertile en péripéties et rebondissements, Sergio Martino cultive l'art de narrer une histoire sous l'alibi du mythe de l'Atlantide. Le film ne cessant d'attiser la sympathie dans le brassage de ses composantes liées à l'aventure et au Fantastique parmi un soupçon d'horreur. A savoir, l'action explosive (la dernière partie marque la cadence !), la romance houleuse, la menace monstrueuse, les expérimentations génétiques d'un dictateur et d'un savant, la quête au trésor d'une cité engloutie et enfin la prophétie du dieu soleil annonçant une éruption volcanique !

En abordant en sous-texte le totalitarisme et l'exploitation de l'homme au profit d'expériences génétiques, le Continent des Hommes poissons s'interroge sur l'avenir de la famine dans le monde. Façonné dans un esprit décomplexé de divertissement exotique, cette série B aussi attachante que charmante parvient à crédibiliser son concept fantaisiste grâce à l'intégrité consensuelle d'une entreprise fidèle au genre.  

Dédicace à Sylvain Marage
B.M
3èx

La Galaxie de la Terreur / Galaxy of Terror

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

de Bruce D. Clark. 1981. U.S.A. 1h21. Avec Edward Albert, Erin Moran, Ray Walston, Bernard Behrens, Zalman King, Robert Englund.

Sortie salles France: 16 juin 1982. U.S: Octobre 1981.

FILMOGRAPHIE: Bruce D. Clark est un réalisateur, producteur, scénariste et acteur, né le 29 Juin 1945 à Christchurch, Nouvelle-Zélande. 1969: Les anges nus. 1971 Slalom aquatique. 1972 Hammer. 1981: La galaxie de la terreur.

"Monstres et mirages : la VHS comme chambre d’agonie".

Au même titre que le génialement pétulant Mutant d’Allan Holzman, La Galaxie de la Terreur est une production Roger Corman réalisée un an plus tôt. Film culte de l’ère VHS, dont l’affiche bigarrée reste l’une des plus belles offrandes iconographiques du cinéma horrifique, La Galaxie de la Terreur tire parti de son pouvoir d’attraction dans la scénographie littéralement envoûtante de sa planète inhospitalière. Largement influencé par Alien de Ridley Scott, Bruce D. Clark reprend une trame similaire : une poignée d’astronautes s’échoue sur une galaxie inconnue lors d’une mission de secours. En inspectant les lieux du vaisseau "Rebus", ils ne retrouvent aucun survivant. Attirés par l’aura mystérieuse d’une pyramide monumentale, ils s’y engouffrent à la recherche d’éventuels rescapés. Mais, sur place, ils deviennent la proie de monstres hybrides surgis des ténèbres. Dès lors, une lutte pour la survie s’enclenche dans un ballet d’horreur organique.

Épreuve de force menée la peur au ventre, La Galaxie de la Terreur déploie une atmosphère ombrageuse au cœur de décors baroques d’une photogénie hypnotique, où les trucages artisanaux — bien que souvent rudimentaires — contribuent à un esthétisme pictural et immersif. On salue l’efficacité des maquillages gores, débordants d’inventivité pour infliger aux victimes des sévices d’une cruauté brute. À ce titre, la séquence visqueuse du viol d’une astronaute par un ver géant reste un sommet d’abjection dérangeante, une scène d’anthologie aussi malsaine qu’imprimée dans la rétine. Fidèle à la tradition du slasher, l’intrigue suit les errances méthodiques de l’équipage, chacun inspectant les lieux avant d’être happé, un à un, par un ennemi aux pulsions meurtrières. Submergés par la peur de périr à chaque détour, certains opposent à la panique une vaillance tragique — mais tous, paradoxalement, persistent dans leur exploration comme poussés par une fatalité absurde.

Et malgré une narration balisée, Bruce D. Clark parvient à maintenir l’attention, dynamisant le récit par une suite de rebondissements horrifiques, jusqu’à un dénouement débridé, véritable justification du cauchemar vécu. Au-delà du plaisir ludique des déambulations dans des galeries hétéroclites, La Galaxie de la Terreur révèle une cocasserie involontaire, amplifiée par le cabotinage de seconds rôles hauts en couleur. Leur jeu outré, leur posture maladroite, dégagent une loufoquerie presque touchante, une solidarité houleuse où certains protagonistes versatiles brillent par leur zèle exubérant, leurs humeurs incohérentes — pour notre plus grand bonheur d’humour involontaire.

"Carnage sous les étoiles : hallucination VHS".

S’appuyant sur un jeu d’acteurs risible, mais livré avec un sérieux (génialement) imperturbable, La Galaxie de la Terreur joue pleinement la carte de la série B, avec une naïveté pittoresque. Grâce à cette facture bisseuse profondément attachante, Bruce D. Clark parvient à transfigurer la pauvreté des moyens pour esquisser un univers stellaire à la fois glauque, flamboyant et saturé d’ombres. Porté par un esprit ludique, sincère, et une dévotion totale à son imaginaire gore, La Galaxie de la Terreur s’impose comme l’une des perles hallucinées des années 80 — au même titre que Mutant ou Inseminoïd. Incontournable.

*Eric Binford.

29.04.24. 5èx. vf très bonne VF

Ci-joint la chronique video de Jean-Marc Micciche: 

La Chronique de Mutant (1982): http://brunomatei.blogspot.com/2012/01/mutant-forbidden-world-grand-prix-du.html

LE CAVEAU DE LA TERREUR

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site adventuresinpoortaste.com  

"Vault of Horror" de Roy Ward Baker. 1973. Angleterre. 1h23. Avec Terry-Thomas, Curd Jürgens, Tom Baker, Dawn Addams, Denholm Elliott, Michael Craig

Sortie salles Angleterre: Mars 1973

FILMOGRAPHIE PARTIELLE: Roy Ward Baker est un réalisateur, producteur, scénariste anglais, né le 19 Décembre 1916 à Londres (Royaume-Uni), décédé le 5 Octobre 2010.
1947: L'Homme d'Octobre. 1952: Troublez moi ce soir. 1968: Les Champions. 1969: Mon ami le fantôme. 1970: The Vampire Lovers. 1970: Les Cicatrices de Dracula. 1971: Dr Jekyll et Sr Hyde. 1972: Asylum. 1973: Le Caveau de la Terreur. 1973: And now the Screamin starts. 1974: Les 7 vampires d'or. 1980: Le Club des Monstres. 1984: Les Masques de la mort (télé-film).

Hommage:
Réalisé entre Histoires d'outre-Tombe et Frissons d'outre-tombe, Le Caveau de la Terreur continue d'exploiter le filon du film à sketchs inspirés des bandes dessinés EC. Comics des années 50. Sous la houlette de l'illustre Roy Ward Barker, cette nouvelle anthologie de l'horreur relate avec un habituel sens de l'humour sardonique 5 histoires plus ou moins originales autour d'une galerie peu recommandable d'antagonistes mesquins. Si le premier segment imparti au thème du vampirisme s'avère peut-être le plus faible, son ambiance feutrée et inquiétante confinée au sein d'une bourgade anglaise puis celle d'un restaurant, le cynisme accordé au meurtrier parental ainsi que l'ironie débridée de son destin ne manquent pas de piquant. Passionnant de cocasserie pour dépeindre la dérive conjugale d'un couple néophyte (le mari étant un maniaque du rangement et de la propreté alors que l'épouse s'avère contrairement désordonnée) et véhiculant une intensité exponentielle autour de la condition parano de cette dernière, la seconde histoire s'avère sans doute la plus jouissive pour sa peinture ubuesque allouée au matérialisme du machiste intarissable.

Nanti d'une ambiance exotique parmi la contrée touristique de l'Inde, le 3è sketch s'intéresse aux villégiatures d'un couple cupide avant d'improviser leurs stratégies meurtrières autour des pouvoirs surnaturels d'une magicienne. Un récit assez captivant se jouant avec dérision du simulacre et de l'authenticité de la magie avant qu'une sorcellerie d'outre-tombe ne vienne rendre des comptes aux oppresseurs. D'une durée concise, le 4è sketch affiche un esthétisme gothico-macabre autour d'une scénographie sépulcrale depuis qu'un duo de malfrats ont élaboré un plan machiavélique afin d'empocher une prime d'assurance. L'un d'eux ayant décidé de simuler sa mort dans le caveau d'un cimetière ! Bien rythmée, cette farce claustro surprend et amuse, notamment grâce à l'intervention impromptue de deux étudiants lors de son final fertile en rebondissements et subterfuge. Enfin, le dernier segment renoue avec l'ambiance exotique du 3è lorsqu'un artiste peintre décide de s'exiler sur une île afin d'élaborer une vengeance auprès de ses commanditaires. Après avoir participé à une séance vaudou lui permettant de s'octroyer d'un sort, il repart au pays natal afin de parfaire sa cruelle punition. Une intrigue soigneusement charpentée laissant libre court à l'inventivité gore des diverses mises à mort, quand bien même sa chute potentiellement prévisible parvient tout de même à nous surprendre pour le châtiment réservé au sorcier comme le souligne la règle élémentaire de chaque anthologie.

Bien qu'inférieur aux Histoires d'Outre-Tombe et à Frissons d'outre-tombe, Le Caveau de la Terreur ne manque toutefois pas de charme dans son lot de suspense, d'humour macabre et de fantaisie rocambolesque afin de se gausser de l'appétence criminelle de cinq condamnés trop orgueilleux pour se convaincre de leurs bassesse. Un sympathique divertissement rehaussé d'une ambiance horrifique vintage inscrite dans la dérision du gag saignant !

B.M

MADE IN FRANCE

                                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allociné.fr

de Nicolas Boukhrief. 2014. France. 1h29. Avec Malik Zidi, Dimitri Storoge, François Civil,
Nassim Si Ahmed, Ahmed Dramé, Franck Gastambide, Judith Davis.

Inédit en salles en France.

FILMOGRAPHIE: Nicolas Boukhrief est un réalisateur et scénariste français né le 4 juin 1963 à Antibes. 1995 : Va mourire. 1998 : Le Plaisir (et ses petits tracas). 2003 : Le Convoyeur. 2008 : Cortex. 2009 : Gardiens de l'ordre. 2015 : Made in France. 

Hommage: 
Prévu à l'origine pour une sortie salles le 18 novembre 2015 mais repoussé à Janvier 2016 puis annulé en raison des tragiques attentats ayant secoué la France le 13 Novembre 2015, Made in France passa finalement par la case VOD ce 29 Janvier 2016. Thriller choc s'attardant scrupuleusement sur les stratégies terroristes d'une cellule djihadiste au sein de la capitale parisienne, alors qu'un journaliste musulman est parvenu à s'y infiltrer afin de les déjouer, Made in France insuffle une atmosphère crépusculaire autour de leurs agissements délétères. Fort d'une mise en scène stylisée renouant avec l'âpreté des polars modernes des années 80, Nicolas Boukhrief redouble d'ambition et de sincérité à fignoler un thriller politique d'une brûlante actualité. Soutenu d'une partition électro entêtante, cette plongée ténébreuse dans l'univers du djihadisme nous dépeint sobrement les motivations morales, l'apprentissage et le passage à l'acte du terrorisme de jeunes intégristes agrégés à leur guerre sainte d'Allah.

Sans chercher à parfaire un documentaire sur l'islamisme radical, Nicolas Boukrhief privilégie avant tout la forme cinégénique d'un thriller vénéneux remarquablement troussé. Par le biais du personnage de l'indic contraint de collaborer avec le chantage policier, Made in France cultive un suspense sous-jacent autour de sa fausse identité. Outre le fait de redouter sa culpabilité aux yeux de ces adjoints, l'intrigue met en exergue les projets insensés d'attentats meurtriers, un terrorisme interne (mais aussi autonome) faisant écho à la triste actualité du 13 Novembre 2015. Si son cheminement narratif peut s'avérer inévitablement prévisible, Nicolas Boukrhief parvient habilement par l'habileté de sa réalisation à se défaire des clichés lors d'une dernière partie émaillés d'incidents aléatoires tout en soulignant la mauvaise conscience impartie aux plus jeunes d'entre eux ! Ces djihadistes en herbe faisant preuve de contrariété, d'indécision et de remords à ne pas connaître l'unique identité de leur porte-parole et à oser franchir les limites de l'intolérable (tuer innocemment femmes et enfants au nom de leur religion). De par ses rebondissements inopinés, la caractérisation fragile des éléments les plus influençables et le sort indécis réservé au journaliste infiltré, Made in France injecte une tension oppressante autour de leur projet terroriste. Sans faire preuve de complaisance pour la cruauté de certaines scènes, le cinéaste mise notamment sur la suggestion du hors-champ afin de ne pas sombrer dans la facilité putassière des agissements les plus barbares. On est également surpris de la facture émotive de son épilogue prodiguant un message de tolérance, d'amour et de paix vis à vis de l'idéologie religieuse (quand bien même certains reprocheront peut-être son côté moralisateur).

Hypnotique, captivant et envoûtant par son onirisme crépusculaire, Made in France renoue avec les ambiances noires et oppressantes des fleurons policiers des années 80. Outre le brio indiscutable de son auteur à exploiter sans esbroufe une intrigue politico-religieuse sur l'endoctrinement de la violence chez de jeunes recrues (tout en soulevant la question d'un terrorisme indépendant), la spontanéité des comédiens renforce la facture réaliste d'un évènement aussi prémonitoire.   

B.M

BONE TOMAHAWK. Grand Prix, Gérardmer 2016.

                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site standbyformindcontrol.com

de S. Craig Zahler. 2015. U.S.A. 2h12. Avec Kurt Russell, Patrick Wilson, Matthew Fox, Richard Jenkins, Lili Simmons, Evan Jonigkeit,

Sortie salles U.S: 23 Octobre 2015

FILMOGRAPHIE: S. Craig Zahler est un réalisateur et scénariste américain né en 1973 à Miami, Floride. 2015: Bone Tomahawk

Hommage:
En jumelant les codes du western et de l'horreur, le néophyte S. Craig Zahler surprend agréablement avec Bone Tomahawk si bien que les membres du Jury de Gérardmer lui décernèrent le Grand Prix. Une odyssée sauvage que vont arpenter un shérif et ces trois acolytes depuis que la femme d'Arthur O'Dwyer et un adjoint de l'ordre ont été kidnappés par des indiens anthropophages. En s'inspirant de deux classiques au genre contradictoire (la Prisonnière du désert et Cannibal Holocaust), Bone Tomohawk bouscule nos habitudes de spectateur immergé malgré lui dans un voyage vers l'enfer où le danger palpable fait irruption sans ménagement. Principalement vers sa seconde partie lorsque le réalisateur exploite sans complexe une poignée d'affrontements gores d'une cruauté inouïe alors que les indiens aux aguets surgissent de leur tanière de manière totalement improvisée !

De par son réalisme cru à la limite du soutenable et ses effets de surprise, la tension engendrée émane du sentiment de stupeur et d'impuissance des victimes avant d'endurer désespérément des souffrances corporelles. Mais bien avant ce déchaînement de violence viscérale d'un autre âge, le cinéaste aura pris soin de nous attacher à la cohésion de nos protagonistes sévèrement châtiés par un concours de circonstances infortunées. Sillonnant les collines du Nouveau-Mexique avec un courage déterminant, ils vont être amenés à réviser leur jugement sur la condition estropiée d'un de leurs camarades, Arthur. Ce dernier ralentissant sa troupe depuis le grave handicap de sa jambe alors qu'il s'évertue de suivre ses comparses afin de retrouver son épouse en vie. Cette situation de survie houleuse s'avère l'un des pivots dramatiques de l'intrigue, Spoil ! sachant que le groupe sera contraint de se diviser Fin du Spoil alors que le danger tangible se rapproche inexorablement. Cette tension sous-jacente découlant de la précarité physique d'Arthur et l'expectative de retrouver les disparus en vie permettent au spectateur de provoquer l'anxiété au sein de leur intimité amicale. Par son rythme languissant ne laissant rien présager des prochains incidents, Bone Tomohawk sème le terrain avec l'habileté sardonique d'embrayer sur une seconde partie horrifique en crescendo. Quasiment exclu de score musical et soutenu du jeu viscéral des comédiens, S. Craig Zahler privilégie un climat réaliste de mystère lattent au sein d'un décorum photogénique (les collines du Nouveau-mexique éclairées d'une photo sépia) auquel la menace hostile se symbolise par le cri primal d'indiens spectraux.

Captivant, angoissant, parfois terrifiant et éprouvant, de par le ressort d'un suspense en ascension, sa dramaturgie sans concession et sa violence jusqu'au-boutiste, Bone Tomohawk nous achemine au survival d'une descente aux enfers sous l'impulsion de comédiens d'une digne densité humaine. 
A réserver néanmoins à un public averti. 

B.M.

Récompenses:
Festival international du film de Catalogne 2015 : meilleur réalisateur pour S. Craig Zahler et prix « José Luis Guarner » de la critique
Festival international du film fantastique de Gérardmer 2016 : Grand Prix

Le Couloir de la Mort / The Evil

"The Evil" de Gus Trikonis. 1978. U.S.A. 1h29. Avec Richard Crenna, Joanna Pettet, Andrew Prine, Lynne Modie, Cassie Yates, George O'Hanlon Jr.

Sortie salles France: 15 Juillet 1981

FILMOGRAPHIE: Gus Trikonis est un acteur, danseur et réalisateur américain, né à Manhattan (New York) le 21 novembre 1937. 1997: Insel der Furcht1991: The Great Pretender. 1985 Délit de fuite (TV Movie).  1985 Midas Valley (TV Movie). 1985 Malice in Wonderland (TV Movie). 1983 First Affair (TV Movie). 1983 Dempsey (TV Movie). 1983 Pris au piège. 1982 Miss All-American Beauty (TV Movie). 1981 Twirl (TV Movie). 1981: Ca passe ou ça casse. 1981 Elvis and the Beauty Queen (TV Movie). 1980 Touched by Love. 1979: She's Dressed to Kill (TV Movie).  1979 The Last Convertible (TV Mini-Series) (part 3). 1979 The Darker Side of Terror (TV Movie). 1978 Le couloir de la mort. 1977 Moonshine County Express. 1976 The Student Body. 1976 Nashville Girl. 1975 The Swinging Barmaids. 1975 Supercock. 1969 Five the Hard Way.

"Le Couloir de la Mort : Train fantôme et diablerie vintage".

Hit VHS des années 80 sous l’étendard étoilé de Hollywood Video, Le Couloir de la Mort fit autant les beaux jours des rats de vidéoclub que ceux des cinéphiles lors de sa ressortie en salles à l’orée de cette décennie. J’en suis la preuve vivante : après l’avoir loué, je filai, un samedi après-midi, m’y replonger avec ferveur dans mon cinéma de quartier. Pure série B d’exploitation surfant sur la vague des demeures hantées, Le Couloir de la Mort ne prétend pas révolutionner le genre avec son intrigue éculée, dénuée de surprises - hormis un final délirant, flirtant avec le grotesque selon l’humeur du jour - car tout entier bâti sur le caractère spectaculaire de ses séquences chocs. Épaulé d’effets spéciaux artisanaux, souvent soignés et d’une efficacité redoutable, le film émaille son récit de mises à mort au réalisme parfois sidérant : main découpée à la scie circulaire, corps projeté dans les airs, viol brutal d’une malheureuse afro secouée par l’entité invisible.

Le pitch ressasse, le temps d’un week-end, la réunion de 10 convives dans un manoir scellé depuis vingt-cinq ans. Attendu pour les accueillir, le gardien sera la première victime : un incendie inexpliqué dans la cave le réduit au silence, seul le spectateur témoin de son agonie.

Dans cette séquence déjà, sourd l’aura feutrée d’une atmosphère gothique : le vieil homme inspecte les lieux, furetant l’écho de bruits suspects. Passé ce prologue ombrageux, nos hôtes s’opposent en vain aux manifestations surnaturelles, prisonniers d’une demeure carnassière. Un à un, ils plient sous l’estocade d’une force démoniaque jusqu’à ce que mort s’ensuive.

Nanti d’un rythme haletant n’accordant aucun répit aux péripéties diaboliques, Le Couloir de la Mort distrait comme un train fantôme où l’esbroufe sert de pivot vital. À ces effets spectaculaires bien troussés s’ajoute la caractérisation attachante des personnages, impliquant réellement le spectateur dans leur désarroi, malgré leur naïveté parfois désarmante. Richard Crenna campe un psychologue rationnel, réfutant mordicus la moindre théorie surnaturelle, tandis que ses seconds rôles s’évertuent à contredire l’évidence du mal rampant.

Le Couloir de la Mort captive par un charme bis irrésistible, fruit du savoir-faire d’un réalisateur s’échinant à distiller une ambiance démoniaque souvent tangible. Quant au final incongru, exhibant le diable en personne sous les traits fantasques de Victor Buono, il ose rompre la conformité pour livrer la scénographie d’un au-delà limpide toutefois fascinant. Le spectateur, dépaysé, oscille entre fascination et sourire, notamment grâce au clin d’œil d’un fantôme charitable venu prêter main forte à l’heure du glas. A privilégier toutefois la VO, le séquence gagne en réalisme auprès de la tonalité vocale de Victor Buono plus pervers et inquiétant. 

Plaisir innocent du samedi soir, série B sans prétention, Le Couloir de la Mort n’a rien perdu de son charme naïf à provoquer l’angoisse au gré de ses séquences chocs et de sa patine vintage. À l’intégrité de son auteur, soucieux de divertir, s’ajoute la spontanéité communicative de ses comédiens de seconde zone : on obtient alors un classique, aussi mineur soit-il, qu’il fait bon revisiter sans se lasser. Et j'en suis au 6è visionnage. 

B.M
22.06.25. 6èx
29.01.16
25.02.11

THE ASPHYX (l'esprit de la mort)

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmscoremonthly.com

"Spirit of the dead / L'Esprit de la Mort" de Peter Newbrook. 1972. U.S.A. 1h39. Avec Robert Stephens , Robert Powell , Jane Lapotaire , Alex Scott , Ralph Arliss.

Sortie salles U.S: Février 1973

FILMOGRAPHIE: Peter Newbrook est un réalisateur, producteur et scénariste anglais, né le 29 Juin 1920, décédé le 19 Juin 2009 à Norwich (Angleterre). Il est l'unique metteur en scène de The Asphyx.

Perle maudite inédite en salles dans l'hexagone mais exhumée de l'oubli par l'éditeur (en berne) Neo Publishing, The Asphyx traite de l'immortalité avec une audace et une originalité sans égales. Dans une ambiance gothique proche d'un Hammer Film, cet ovni horrifique tire parti de son pouvoir vénéneux grâce à la fantaisie de son concept singulier surfant sur une réflexion spirituelle et la soif d'une jeunesse insatiable. En 1875, un scientifique épaulé de son adjoint tentent des expériences occultes en prenant en photo des personnes sur le point de mourir. Par le biais d'une tâche noire inscrite sur la pellicule, Sir Hugo Cunningham pense avoir démasqué le Asphyx. Un esprit de la mort qui, selon une légende grecque, s'emparerait de notre âme au moment de trépasser. Fascinés par cette stupéfiante découverte, nos apprentis sorciers élaborent une machine capable de capturer l'asphyx afin de permettre à la victime mise en cause de se libérer du trépas et ainsi accéder à l'immortalité. 

Ce scénario saugrenu émaillé de rebondissements décapants s'avère d'une redoutable efficacité sous l'impulsion impétueuse de comédiens s'en donnant à coeur joie dans leur utopie immorale. En dépit d'une mise en scène académique, Peter Newbrook parvient pour son unique réalisation à fasciner le spectateur impliqué dans une épreuve scientifique aussi passionnante que débridée. La scénographie minimaliste du huis-clos permettant d'autant mieux de nous familiariser avec nos protagonistes confinés dans leur laboratoire victorien. Multipliant leurs expériences morbides auprès d'un mammifère puis ensuite avec des cobayes humains, nos compères se retrouvent en proie à leur obsession divine afin de permettre à l'homme d'accéder à l'immortalité sur terre. Si les effets cheap peuvent prêter à sourire quant aux diverses apparitions de l'Asphyx, sa résultante visuelle s'avère si incongrue et hallucinée que le spectateur parvient sans difficulté à croire à l'improbable lorsque l'entité parvient à s'animer sous les effets d'un faisceau de projecteur tout en exclamant un braillement primal ! Qui plus est, la spontanéité pétulante des comédiens (second point majeur après sa densité narrative) parvient sans retenue à nous convaincre de leurs expériences avec l'au-delà parmi l'appui d'un appareil photo et d'une caméra.

Par sa dimension visuelle aussi fantaisiste qu'hallucinée, The Asphyx décuple son pouvoir de fascination par l'entremise d'un scénario atypique et le brio d'interprètes totalement impliqués dans leur fonction insidieuse de savants fous. Honteusement méconnue et oubliée (bien que certains spécialistes le sacralisent comme l'un des films essentiels des années 70 !), cette merveille d'insolence macabre redore ses lettres de noblesse au terme "culte". 

Un grand merci au regretté Neo...

B.M 

THE DANISH GIRL. Queer Lion à la Mostra de Venise 2015.

                                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site actu-film.com

de Tom Hooper. 2015. U.S.A/Angleterre/Allemagne. 2h00. Avec Eddie Redmayne, Alicia Vikander, Matthias Schoenaerts, Ben Whishaw, Amber Heard, Sebastian Koch

Sortie salles France : 20 janvier 2016. U.S: 27 Novembre 2015

FILMOGRAPHIE: Thomas George « Tom » Hooper est un réalisateur britannique, né le 1er octobre 1972 à Londres. 2004 : Red Dust. 2009 : The Damned United. 2010 : Le Discours d'un roi. 2012 : Les Misérables. 2016 : The Danish Girl.

Mélodrame inspiré de l'histoire vraie de Lili Elbe, premier cobaye masculin à avoir subi une opération chirurgicale pour un changement de sexe ("chirurgie de réassignation sexuelle" nommeront les thérapeutes !), The Danish Girl aborde le thème du transgenre (confusion de l'identité sexuelle) avec pudeur d'émotion dans son refus de pathos, Spoil ! et ce en dépit de la tournure inopinée du dénouement dramatique Fin du Spoil. Par le biais de son profil psychologique singulier prônant notamment un hymne à la féminité, Tom Hooper transfigure une leçon de tolérance et d'amour du point de vue de l'épouse délaissée qu'endosse brillamment Alicia Vikander.

Cette dernière insufflant avec humanisme vaillant une grande dignité pour son sens de l'empathie, de la considération et de la passion pour la condition pathologique de son mari. Alors que certains médecins et psychiatres conservateurs diagnostiquerons le sort de leur patient d'homosexualité ou de maladie mentale (la schizophrénie), Gerda ne cessera de respecter sa nouvelle raison d'être et de soutenir son choix ardu avec constance et tendresse intarissables. Car au-delà de l'introspection poignante établie sur l'ambivalence morale de Lili, partagé entre sa peur de perdre l'être aimé, le désir viscéral de changer de corps et la crainte de se prêter à une chirurgie novatrice, The Danish Girl cultive une magnifique histoire d'amour autour de leur solidarité indéfectible. Situé à l'aube des années 30, la reconstitution soignée et les sublimes décors contrastent à merveille avec la quotidienneté intime de Lili et Gerda. Cette dernière exerçant dans son foyer la profession de peintre pendant que son mari lui sert de modèle en adoptant le rôle d'un travesti. Se focalisant sur leur rapports intimes à travers des discordes conjugales et une irrésistible cohésion amoureuse The Danish Girl distille une émotion prude sous l'impulsion de deux comédiens en émoi. Eddie Redmayne se fondant dans la peau du transsexuel avec une séduction naturelle et une ambiguïté de personnalité souvent bouleversantes.

Abordant sans racolage les tabous du transgenre et de l'homophobie autour d'une histoire d'amour pleine de passion et de tolérance, Tom Hooper nous offre un témoignage digne sur le droit à la différence du point de vue du premier patient à s'être prêté à la chirurgie de réattribution sexuelle. Outre le brio de sa mise en scène à la forme esthétisante (photo et éclairages limpides pour transfigurer la reconstitution historique des années 30), le film doit beaucoup de sa poésie et de son intensité dramatique grâce au duo magnanime Eddie Redmayne/Alicia Vikander (celle-ci volant quasiment la vedette à son acolyte au travers d'un superbe portrait de femme constante !).

B.M

BEASTS OF NO NATION

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site goldposter.com

de Cary Joji Fukunaga. 2015. U.S.A. 2h16. Avec Abraham Attah, Idris Elba, Emmanuel Nii Adom Quaye, Ama K. Abebrese, Richard Pepple, Francis Weddey, Opeyemi Fagbohungbe, Andrew Adote.

Sortie salles France: INEDIT. U.S: 16 Octobre 2015

FILMOGRAPHIE: Cary Joji Fukunaga est un réalisateur américain, né le 10 juillet 1977 à Oakland en Californie. 2009: Sin Nombre. 2011: Jane Eyre. 2012: Sleepwalking in the Rift. 2015: Beasts of No Nation.

Inédit en salles en France et directement sorti en VOD, Beasts of no nation relate avec un réalisme documenté le conditionnement d'un enfant en machine à tuer au coeur d'une guerre civile Africaine. Enrôlé par un commandant drastique dirigeant de main de fer son armée rebelle, le jeune Agu s'embourbe rapidement dans un univers de violence barbare après avoir été séparé de sa mère puis témoin du massacre de sa famille. Par l'alibi de la vengeance, son leader en profite pour l'initier à l'apprentissage de l'autorité, du combat et des armes avant de le mettre à l'épreuve du rituel criminel. Cette innocence déflorée, Agu l'endure avec courage et détermination d'une vendetta avant de saisir la manoeuvre de son mentor, gourou sans vergogne exploitant son armée dans un but égotiste.

Âpre, ultra violent, malsain, nauséeux, Cary Joji Fukunaga n'y va pas par quatre chemin pour décrier l'animosité primitive d'une guerre civile parmi l'appui d'enfants martyrs aveuglés par la haine et le sang. Voyage au bout des ténèbres, odyssée funèbre d'où plane les effluves de macchabées fraîchement assassinés ou putréfiés par le soleil, Beasts of no nation nous retranscrit avec vigueur dramatique l'introspection meurtrie d'un enfant orphelin, témoin de massacres en règle sous l'allégeance d'un dictateur obnubilé par le pouvoir. Idris Elba endossant avec sobriété un rôle perfide où la manigance de ces stratégies bellicistes Spoiler ! finit mener sa troupe vers la déroute fin du Spoiler. Poignant et bouleversant pour la dérive sanguinaire de ces enfants endoctrinés à la déchéance criminelle, Beasts of no nation ne nous laisse peu de répit pour manifester de leur déliquescence morale à exterminer sans fléchir femmes et enfants parmi la complicité tantôt indulgente d'Agu. Par un vibrant monologue alternant ses sentiments d'espoir et de désespoir face à sa foi divine, Agu devient un adulte aguerri apte à discerner la monstruosité qui vient de naître en lui. Ce message d'espoir intenté à sa parcelle d'humanité tend à rassurer sur sa destinée galvaudée parmi son souvenir traumatique d'une guerre d'un autre âge. Outre l'esthétisme crépusculaire de ces affrontements chaotiques épargnés de vainqueurs, le film gagne en intensité sous l'impulsion équivoque du jeune Abraham Attah. Ce dernier se fondant dans la peau d'un soldat infantile derrière un regard impassible peu à peu rattrapé par le regain de conscience.

Dur et sans concession car d'un réalisme parfois éprouvant pour le cheminement criminel de cette génération sacrifiée, Beasts of no nation laisse un goût de souffre dans la bouche lorsqu'il fait écho aux exactions barbares du djihadisme terroriste (Boko Haram en tête !). Poignant et bouleversant parmi le témoignage de ces enfants de la honte, l'absurdité de la guerre nous est ici illustrée sous son aspect le plus sordide lorsque ces derniers sont prêts à payer de leur âme pour se soumettre à l'idéologie la plus extrémiste. Hanté par le score envoûtant de Dan Romer, il en émane un vibrant plaidoyer contre la haine infantile dont on ne sort pas indemne... 

B.M

Récompenses: Mostra de Venise 2015 : Prix Marcello-Mastroianni du meilleur espoir pour Abraham Attah.
National Board of Review Awards 2015 : Meilleur espoir pour Abraham Attah.

UNE JOURNEE PARTICULIERE. César du Meilleur Film Etranger, 1978.

                                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site fan-de-cinema.com

"Una giornata particolare" d'Ettore Scola. 1977. Italie/Canada. 1h45. Avec Sophia Loren, Marcello Mastroianni, John Vernon, Françoise Berd, Vittorio Guerrieri, Alessandra Mussolin

Sortie salles France: 7 Septembre 1977. Italie: 12 Août 1977

FILMOGRAPHIE: Ettore Scola est un réalisateur et scénariste italien, né le 10 Mai 1931 à Trevico, province d'Avellino en Campanie.
1964: Parlons Femmes. 1965: Belfagor le Magnifique. 1968: Nos héros réussiront-ils à retrouver leur ami mystérieusement disparu en Afrique ? 1969: Le Commissaire Pepe. 1970: Drame de la Jalousie. 1972: La Plus belle soirée de ma vie. 1973: Voyage dans le Fiat-Nam. 1974: Nous nous sommes tant aimés. 1976: Affreux, sales et méchants. 1977: Bonsoir Mesdames et Messieurs. 1977: Une Journée Particulière. 1978: Les Nouveaux Monstres. 1980: La Terrasse. 1981: Passion d'Amour. 1982: La Nuit de Varennes. 1983: Le Bal. 1985: Macaroni. 1987: La Famille. 1988: Splendor. 1989: Quelle heure est-il ? 1990: Le Voyage du Capitaine Fracasse. 1993: Mario, Maria, Mario. 1995: Le Roman d'un jeune homme pauvre. 1998: Le Dîner. 2001: Concurrence Déloyale. 2003: Gente di Roma.

Drame psychologique prenant pour cadre le huis-clos d'un appartement autour des rapports indécis d'un couple en quête d'amour, une Journée particulière relate le destin infortuné de ses amants esseulés durant l'époque du fascisme Italien. Epouse et mère de 6 enfants résidant dans un vieil immeuble, Antonietta s'occupe de ses tâches ménagères quand bien même ces derniers et son mari se préparent à participer à la parade militaire au cours duquel Hitler est venu se déplacer à Rome afin de rencontrer Mussolini. Alors que son oiseau domestique vient de s'échapper de sa cage, elle aperçoit en face de son immeuble l'un de ses voisins à proximité de l'animal. Elle décide de frapper à sa porte pour lui invoquer de l'aide. C'est à ce moment aléatoire que les deux inconnus entament une sympathique conversation avant d'apprendre à se connaître et d'y délivrer leur orientation sexuelle.

Prenant pour thèmes le fascisme et l'homosexualité à l'aube de la seconde guerre mondiale, Une Journée particulière y dénonce l'intolérance, le machisme, la haine et la peur de la différence sous l'impulsion contrariée d'un couple en questionnement conjugal. Antonietta vouant un amour subitement fougueux pour son voisin, Gabriele, un homosexuel viré de son poste de présentateur radio depuis ses révélations sexuelles. Durant leurs rapports amicaux jalonnés d'intempéries, ces derniers ne vont pas tarder à se livrer des confidences intimes depuis leur condition soumise d'une existence conservatrice. Epaulé d'une photo sépia afin de renforcer le climat blafard du quartier précaire dans lequel ils évoluent parmi l'indiscrétion d'une commère fasciste, Une journée particulière insuffle une atmosphère versatile autour du couple inconciliable au rythme lassant d'une fanfare militaire perçue à travers la radio. Leur romance impossible et leurs pulsions de révolte provoquant une certaine ambiguïté chez la posture tourmentée de Gabriele, au moment où la conclusion glaçante nous révélera pour quel motif celui-ci s'était résigné Spoiler ! à ne pas perdurer leur relation sentimentale Fin du Spoiler. Si le monstre sacré Marcello Mastroianni délivre un jeu aussi dépouillé qu'intense dans son regard songeur et ses clameurs de victime molestée, Sophia Loren illumine l'écran par sa présence prude où la douceur sensuelle se chevauche parmi l'amertume du désarroi dans sa fonction d'épouse esseulée, faute du machisme d'un époux ingrat. Toute l'intensité du film reposant sur leurs rapports contradictoires, équivoques et désespérés autour d'un apprentissage amoureux.

D'un réalisme étouffant impulsé par le brio de sa mise en scène sans fard et d'une pudeur saisissante pour la prestance incandescente du couple Mastrioanni/Sophia Loren, Une journée particulière traduit une émotion finalement bouleversante pour mettre en exergue les états d'âme meurtris d'une romance impossible. Une oeuvre marquante d'un pessimisme sans échappatoire au moment où les mentalités fascistes se complaisent dans une parade musicale afin de glorifier l'obscurantisme. 

Dédicace à Rebecca Lord
B.M

Récompenses:
National Board of Review 1977 : prix du meilleur film étranger.
César du meilleur film étranger 1978.
David di Donatello 1978 :
David di Donatello du meilleur réalisateur à Ettore Scola,
David di Donatello de la meilleure actrice principale à Sophia Loren.
Globe d'or 1978 :
Globe d'or du meilleur film à Ettore Scola,
Globe d'or du meilleur acteur à Marcello Mastroianni,
Globe d'or de la meilleure actrice à Sophia Loren.
Golden Globes 1978 : Golden Globe du meilleur film en langue étrangère.
Ruban d'argent (Syndicat national des journalistes cinématographiques italiens) 1978 :
Ruban d'argent de la meilleure actrice à Sophia Loren,
Ruban d'argent du meilleur scénario à Maurizio Costanzo, Ruggero Maccari et Ettore Scola,
Ruban d'argent de la meilleure musique de film à Armando Trovajoli.
Mostra de Venise 2014 : « Venezia Classici » du meilleur film restauré pour Ettore Scola.

Cours, Lola, cours / Lola rennt

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site traileraddict.com

de Tom Tykwer. 1998. Allemagne. 1h21. Avec Franka Potente, Moritz Bleibtreu, Herbert Knaup, Nina Petri, Armin Rohde, Joachim Król

Sortie salles France: 7 avril 1999. U.S: 18 juin 1999. Allemagne: 20 Août 1998.

FILMOGRAPHIE: Tom Tykwerest un réalisateur, scénariste, producteur et compositeur allemand, né le 23 mai 1965 à Wuppertal. 1994 : Maria la maléfique. 1997 : Les Rêveurs. 1998 : Cours, Lola, cours. 2000 : La Princesse et le Guerrier. 2002 : Heaven. 2006 : Le Parfum. 2009: L'Enquête. 2010 : Drei. 2012 : Cloud Atlas: coréalisateur, scénariste, producteur et compositeur. 2015 : A Hologram for the King.

"Nous ne cesserons pas notre exploration, et au terme de notre quête nous arriverons là d'où nous étions partis et nous connaîtrons ce lieu pour la première fois. Après le match, c'est avant le match !"

Film culte au sens premier du terme, Cours, Lola, cours est une production allemande lancée à l’adrénaline d’une course désespérée contre la montre. Alors que Manni devait remettre 100 000 marks à un trafiquant, un clochard lui dérobe la somme dans un compartiment ferroviaire. Appelée à la rescousse, Lola tente d’obtenir la même cagnotte auprès de son père banquier en vingt minutes, faute de quoi Manni serait liquidé. Mais une cascade d’incidents imprévisibles pousse Lola à repenser sa situation avec une persistance farouche.

Scindé en trois actes, le film offre à l’héroïne la possibilité de rejouer son destin maudit par diverses stratégies. Tom Tykwer déploie une inventivité furieuse, transformant cette traque homérique en épopée cadencée, comme une joggeuse échappée d’une bande dessinée. Sa stature effervescente, son cri perçant, sa tenue criarde, sa chevelure rouge - que Alias imitera plus tard - en font une figure explosive. Débridé et jouissif, le film multiplie les trouvailles visuelles : séquences animées, flashforwards foudroyants qui bouleversent le destin de simples figurants. Cours, Lola, cours renouvelle sans cesse son énergie par un enchaînement de hasards et de personnages extravagants, inscrits dans une obstination fébrile.

Éloge de la constance, de la foi en son étoile, le récit ouvre des pistes philosophiques et spirituelles (la réincarnation en filigrane), tout en creusant les failles intimes d’un couple en quête d’avenir. Romance passionnelle où l’amour peut, peut-être, sauver deux destins marginaux, le film explore surtout les répercussions - heureuses ou fatales - de nos choix les plus anodins. Entre lyrisme, humour décalé et tension oppressante, la course éperdue se nourrit d’une musique techno métronomique qui galvanise chaque pas, et qui n'a toujours pas pris une ride. 

Ovni clipesque en trois mouvements, Cours, Lola, cours déborde de fougue et d’insolence, ironisant sur l’absurdité existentielle. Au-delà de la virtuosité formelle, l’œuvre est transcendée par Franka Potente, révélation viscérale : cri strident, fragilité brûlante, énergie d’anti-héroïne mue par l’amour et la rage de vaincre. Un méga-trip fulgurant, à dévorer sans modération.

— le cinéphile du cœur noir

22.01.16 (4èx)
26.08.01

Récompenses: Prix du film allemand 1999 : meilleur film, meilleur réalisateur, meilleur second rôle féminin pour Nina Petri, meilleur second rôle masculin pour Herbert Knaup, prix du public pour le film de l'année et pour Franka Potente en tant que meilleure actrice.

Prison

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinema.jeuxactu.com

de Renny Harlin. 1987. U.S.A. 1h42. Avec Viggo Mortensen, Chelsea Field, Lane Smith, Lincoln Kilpatrick, Tom Everett, Tom Lister, Jr. , Kane Hodder.

Sortie salles France, uniquement à Avoriaz: Janvier 1988. U.S: 8 Décembre 1987

FILMOGRAPHIE: Renny Harlin (Renny Lauri Mauritz Harjola), est un réalisateur et producteur américain d'origine finlandaise, né le 15 mars 1959 à Riihimäki (Finlande).
1986 : Born American. 1987 : Prison. 1988 : Le Cauchemar de Freddy). 1990 : 58 Minutes pour vivre (Die Hard 2). 1990 : The Adventures of Ford Fairlane. 1993 : Cliffhanger. 1995 : L'Île aux pirates. 1996 : Au revoir à jamais. 1999 : Peur Bleue. 2001 : Driven. 2004 : Profession profiler. 2004 : L'Exorciste, au commencement. 2006 : Le Pacte du sang. 2008 : Cleaner. 2009 : 12 Rounds. 2011 : Etat de guerre. 2013 : Dyatlov Pass Incident. 2014 : La Légende d'Hercule. 2015 : Skiptrace.

Classique des années 80, Prison est l'initiateur d'un concept original que d'autres réalisateurs s'empresseront d'exploiter (à l'instar de Wes Craven pour Shocker, James Isaac avec House 3): celui des exactions revanchardes d'un détenu d'outre-tombe, faute d'avoir été autrefois injustement condamné à la chaise électrique. En l'occurence, alors que des prisonniers sont transférés dans une ancienne prison en témoignant des consignes totalitaires de leur directeur, d'étranges phénomènes meurtriers vont intenter à leur détention. Si bien que tapi derrière les cloisons des cellules, le fantôme d'un ancien détenu serait à l'origine de ses massacres en règle. Série B photogénique par sa facture formellement gothique exploitant efficacement un scénario linéaire autour d'un huis-clos rubigineux, Prison génère un plaisir ludique au rythme percutant de séquences chocs aussi inventives que spectaculaires. On peut d'ailleurs louablement saluer le travail artisanal des maquilleurs tant le réalisme imparti aux mises à mort fascine encore aujourd'hui le spectateur ébranlé par des visions de cauchemar inscrits dans la cruauté corporelle (pour ne pas dire SM !). Servi d'une attachante distribution de seconds-couteaux issus du ciné de genre, l'intrigue exploite quelques clichés du drame carcéral (la posture outrée du directeur abusif, les châtiments punitifs conférés à ses prisonniers quand bien même ces derniers finissent par nous traduire une certaine sympathie depuis leur fonction soumise) sans que le spectateur n'éprouve toutefois le sentiment de déjà vu. 

Une gageure engendrée par l'aura diffuse du climat oppressant en interne d'une prison décatie (en rappellant aussi que pour les besoins du tournage l'utilisation d'un authentique pénitencier laissé à l'abandon fut aimablement autorisé pour tenir lieu de réalisme 4 mois durant !) et par l'attachante stature de certains marginaux comme le souligne le détenu Crésus lié à un passé hélas galvaudé. Principalement le porte parole de la troupe, Burke (que le néophyte Viggo Mortensen endosse avec un charme preux), redoublant d'audace et bravoure à tenter d'extirper de la mort quelques codétenus. Secondé d'un antagoniste sournois avide de mégalomanie, l'excellent Lane Smith se prête au cabotinage avec une rigoureuse autorité derrière son regard impassible quasi métallique. Quant à la présence de l'entité spectrale, Renny Harlin cultive à tous prix la suggestion par le biais d'une lumière azuré aveuglante (à l'instar de La Forteresse Noire !) tout en parvenant à distiller un suspense anxiogène au fil de ses exactions macabres. Enfin, on peut aussi rappeler qu'au niveau des figurants, une dizaine de véritables détenus furent recrutés pour l'occasion cinématographique alors que certains géoliers en faction étaient réellement armés durant tout le tournage afin d'éviter le moindre incident ! Qui plus est, un autre détenu (jugé pour meurtre à la suite d'une bagarre dans un bar) tient d'ailleurs un véritable rôle narratif dans celui du mastard autoritaire proposant un compromis avec Bruke (Vigo Mortensen) à la suite de son héroïsme de dernier ressort.

Psycho-killer surnaturel façonné à l'instar d'un train-fantôme pénitentiaire dénué de surenchère (en dépit du final explosif efficacement géré), Prison cultive une irrépressible fascination pour son climat feutré de claustration et sa variante de séquences-chocs aussi sanguines qu'homériques. Nanti d'un rythme sans faille culminant vers une ultime demi-heure haletante, Prison transfigure la série B à l'ancienne parmi l'originalité de son concept horrifique, et ce, en dépit d'une structure narrative convenue. Un régal d'efficacité au demeurant pour un amour de série B rétro. 

*Bruno
5èx. 28.02.24. Vostfr

TRULY MADLY DEEPLY. Prix de la Critique, Avoriaz 92.

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinema.jeuxactu.com

de Anthony Minghella. 1991. Angleterre. 1h47. Avec Juliet Stevenson, Alan Rickman, Bill Paterson, Michael Maloney, Jenny Howe, Carolyn Choa, Christopher Rozycki.

Sortie salles France: 8 Avril 1992

FILMOGRAPHIE: Anthony Minghella est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur britannique, né le 6 janvier 1954 sur l’île de Wight, décédé le 18 mars 2008.
1991: Truly, Madly, Deeply. 1993 : Mr. Wonderful. 1996 : Le Patient anglais. 1999 : Le Talentueux M. Ripley. 2003 : Retour à Cold Mountain. 2005 : Par effraction.

Célébré à Avoriaz par 2 récompenses (Prix de la Critique, Prix d'Interprétation Féminine), Truly, Madly, Deeply aura marqué une génération de spectateurs et vidéophiles en prime de son succès critique. Comédie romantique impartie à une ghost story naturaliste, cette première oeuvre d'un réalisateur néophyte distille un humanisme prude pour l'idylle amoureuse compromise entre une veuve et son mari défunt. Depuis la mort subite de son époux, Nina ne parvient pas à faire le deuil dans son inconsolable chagrin. Mais un soir, son amant réapparaît sous les traits d'un revenant afin d'apaiser sa souffrance morale. Au fil des jours, et depuis l'arrivée d'autres compagnons fantômes, une lassitude s'interpose entre eux.

Film d'auteur inscrit dans la pureté des sentiments, Truly, Madly, Deeply emprunte le conte moderne pour aborder le thème de la perte de l'être cher du point de vue d'une tragédie inéquitable. Sobrement réalisé parmi le parti-pris de ne jamais se soustraire au pathos, l'intrigue se focalise sur les rapports intimistes du couple en étreinte parmi l'intrusion cocasse de fantômes amicaux venus s'installer dans leur appartement afin de flâner devant la TV à dévorer des classiques en VHS. De par ses moments intenses de tendresse et ses situations pittoresques conçues sur la fantaisie de spectres impertinents émane un climat fantasmagorique inscrit dans un réalisme prégnant. A l'instar de la luminosité de sa photographie limpide et surtout du jeu spontané des comédiens exprimant leur tendresse commune avec une sensibilité tantôt bouleversante. Outre la présence à contre-emploi du regretté Alan Rickman en fantôme flegmatique délibéré à soutenir sa bien aimée pour l'inciter à renouer avec le bonheur, le film est transcendé par la prestance viscérale de Juliet Stevenson exprimant de manière éperdue des sentiments de fragilité, de crainte mais aussi de persévérance à s'efforcer de transgresser son insurmontable fardeau.

Hymne à la vie dans sa faculté à refonder un bonheur perdu, réflexion spirituelle sur l'au-delà, témoignage émouvant et plein de poésie sur le souvenir et la condition altruiste de nos défunts, Truly, Madly, Deeply délivre un message plein d'optimisme quant à la reconstruction sociale de l'héroïne convaincue que l'amour reste inaltérable avec l'appui d'un ange philanthrope inscrit dans la tolérance. Une oeuvre fastueuse particulièrement subtile dans son refus de fioriture, à redécouvrir avec beaucoup d'émotion sachant qu'Alan Rickman s'est aujourd'hui véritablement fondu dans la peau de son personnage mystique ! 

Dédicace à Nadine Izquierdo

Récompenses: Prix de la Critique, Prix d'Interprétation Féminine (Juliet Stevenson) à Avoriaz, 1992