LA TAVERNE DE L'ENFER

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

"Paradise Alley" de Sylvester Stallone. 1978. U.S.A. 1h47. Avec Sylvester Stallone, Lee Canalito, Armand Assante, Frank McRae, Anne Archer, Kevin Conway, Joe Spinell.

Sortie salles France: 16 Mai 1979. U.S: 22 Septembre 1978

FILMOGRAPHIE: Sylvester Stallone est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur américain, né le 6 Juillet 1946 à New-York. 1978: La Taverne de l'Enfer. 1979: Rocky 2, la Revanche. 1982: Rocky 3, l'Oeil du Tigre. 1983: Staying Alive. 1985: Rocky 4. 2006: Rocky Balboa. 2008: John Rambo. 2010: Expendables: Unité Spéciale.

Initialement écrit par Sylvester Stallone avant Rocky, La Taverne de l'Enfer fut finalement porté à l'écran 2 ans après le succès de John G. Alvidsen. Bien qu'il se solda d'un échec commercial (en France, il totalise 475 283 entrées pour se classer 70è/70), la première réalisation de Stallone est une superbe épopée humaine décrivant, non sans un certain brio stylisé (suffit d'observer scrupuleusement son étonnant générique en trompe l'oeil ou encore le combat final perpétré au sein d'un ring torrentiel !), le cheminement professionnel de laissés pour compte évoluant dans le cadre new-yorkais d'Hell's Kitchen un an après la seconde guerre. De par sa reconstitution soignée que Stallone s'efforce à redonner vie autour d'une faune urbaine marginalisée, La Taverne de l'Enfer nous plonge dans la moiteur des quartiers malfamés, entre insouciance des beuveries, bastonnades et désespoir existentiel. En particulier auprès de trois frères italo-américains s'efforçant de survivre entre jobs précaires et p'tites combines. Mais à la suite d'un bras de fer opposant son frère cadet Victor avec un caïd,  Cosmo, sans emploi, décide de l'initier aux combats de catch du fait de sa corpulence râblée. Et ce en dépit de la réticence de l'aîné Lenny travaillant comme embaumeur dans une morgue. Précisons aussi que Victor est un livreur de glace désireux de quitter l'Amérique pour l'Egypte en compagnie de sa voisine et qu'il est facilement influençable depuis sa déficience morale. Autour de leur rapport fraternel assez virulent mais toutefois solidaire, Cosmo et Lenny se disputent d'autant plus l'autorité auprès d'une relation sentimentale de jeunesse.

Aventure humaine pleine de cocasseries (notamment auprès des intimidations extravagantes de mafieux à la p'tite semaine), de drames (la séquence fortuite du suicide nous laisse un goût aigre dans la bouche) et de bons sentiments (Cosmo/Lenny se disputant un amour impossible), la Taverne de l'Enfer fut injustement occulté à cause du récent phénomène Rocky. Car loin de nous offrir un épigone mercantile, Stallone, combine pour la 1ère fois son talent d'acteur, de conteur et de réalisateur avec une franche sincérité assortie de générosité. Et ce même si son personnage de marginal au grand coeur peut rappeler par instants (et surtout par ses mimiques amiteuses n'appartenant qu'à son instinct fringant), le personnage de Balboa. Sauf qu'en l'occurrence Cosmo ne fait que coacher son frère cadet afin de l'amener vers la victoire pour profiter ensemble du magot. Le film gagnant notamment en intensité auprès des actions chorégraphiées particulièrement violentes que de la caractérisation humaine des personnages pleins de vulnérabilité mais pour autant désireux d'emporter la mise entre une prise de conscience sur les conséquences sanitaires du sport du catch (les rapports ambigus entre Cosmo et Lenny et l'inversion des rôles qu'ils s'octroient durant leur réflexion personnelle pour la destinée de Victor). Passionnant et immersif (notamment auprès de la Taverne et du Paradise riches de détails et éclairés de lumières chaudes), La Taverne de l'Enfer transfigure des personnages bougrement attachants (tant auprès des seconds-rôles fantaisistes que des trois frères unis par les liens du sang). Stallone, jamais prétentieux, s'efforçant de structurer son intrigue romantico-dramatique d'épisodes humoristiques fougueux en plus du charisme patibulaire de seconds-couteaux irrésistibles (notamment Joe Spinell en arbitre véreux affublé d'un costume de clown !).

Occulté, pour ne pas dire discrédité du fait de sa faible notoriété, La Taverne de l'Enfer est à réhabiliter d'urgence. Première vraie réussite de Stallone en tant que cinéaste en herbe nous décrivant avec une tendre humanité jamais outrée une preuse épopée sur les losers en quête de discernement, de dignité et d'ascension.  

* Bruno
3èx

THE FLORIDA PROJECT

                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site robbinsrealm.wordpress.com

de Sean Baker. 2017. U.S.A. 1h51. Avec Brooklynn Kimberly Prince, Bria Vinaite, Willem Dafoe, Valeria Cotto, Christopher Rivera, Mela Murder.

Sortie salles France: 20 Décembre 2017. U.S; 6 Octobre 2017

FILMOGRAPHIE: Sean S. Baker est un réalisateur et scénariste américain né à New York (États-Unis). 2000 : Four Letter Words. 2004 : Take Out (co-réalisé avec Tsou Shih-ching). 2008 : Prince of Broadway. 2012 : Starlet. 2015 : Tangerine. 2017 : The Florida Project.

Portrait au vitriol d'une mère monoparentale asociale résolument paumée, impudente et instable car marginalisée par son sédentarisme sur la corde raide, The Florida Project est une comédie sociétale bipolaire, assez difficilement apprivoisable selon mon jugement de valeur.
La faute incombant notamment à une certaine redondance à daigner trop insister sur la banalité quotidienne de cette dernière livrée à sa glauque médiocrité et des pitreries de sa fille influençable follement irrévérencieuse. Pour autant, et grâce à son interprétation d'un naturel indiscutable, le récit davantage amer laisse distiller une vibrante humanité, notamment grâce à son ultra réalisme documenté si bien que les 20 dernières minutes d'une gravité désespérée nous laisse sur le bitume quant aux conséquences dramatiques de cet échec maternel. On en sort donc déprimé et bouleversé si bien que l'émotion cuisante nous saisit à la gorge avec une acuité insupportable.

P.S: Méfiez vous de la bande-annonce extrêmement fallacieuse puisqu'il n'est aucunement question de comédie cocasse et légère carburant aux sentiments extravagants des postures rebelles.

* Bruno

Box Office France : 167 396 entrées

FASCINATION

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site filmaffinity.com

de Jean Rollin. 1979. France. Avec Brigitte Lahaie, Franca Maï, Jean-Marie Lemaire, Fanny Magier, Évelyne Thomas, Sophie Noël, Muriel Montossé.

Sortie salles France: 2 Janvier 1980 (int - 18 ans)

FILMOGRAPHIE: Jean Michel Rollin, Roth Le Gentil est un réalisateur, producteur et scénariste français, né le 3 novembre 1938 à Neuilly-sur-Seine (France), décédé le 15 Décembre 2010.
1958 : Les Amours jaunes, 1961 : Ciel de cuivre, 1963 : L'Itinéraire marin, 1964 : Vivre en Espagne, 1965 : Les Pays loin, 1968 : Le Viol du vampire, 1969 : La Vampire nue, 1970 : Le Frisson des vampires, 1971 : Requiem pour un vampire, 1973 : La Rose de fer, 1974 : Les Démoniaques, 1975 : Lèvres de sang, 1978 : Les Raisins de la mort, 1979 : Fascination,1980 : La Nuit des traquées, 1981 : Fugues mineures (Les Paumées du petit matin, 1981 :Le Lac des morts vivants (sous le pseudonyme de J. A. Lazer), 1982 : La Morte vivante, 1984 :Les Trottoirs de Bangkok, 1985 : Ne prends pas les poulets pour des pigeons (sous le pseudonyme de Michel Gentil), 1989 : Perdues dans New York, 1990 : La Griffe d'Horus(TV), 1991 : À la poursuite de Barbara, 1993 : Killing Car, 1997 : Les Deux Orphelines vampires, 2002 : La Fiancée de Dracula, 2007 : La Nuit des horloges, 2010 : Le Masque de la Méduse.

Considéré comme un vulgaire tâcheron dans les années 70 et 80 puis peu à peu reconnu comme un auteur chez une communauté de fans, principalement en Angleterre, Jean Rollin est bel et bien le franc-tireur atypique que la France bien pensante a souvent occulté. Faute du jeu amateur de ses interprètes, de sa mise en scène au budget plus que précaire et de ses histoires sans queue ni tête. Et pourtant, de par sa sincérité et son amour pour le cinéma érotico-fantastique, son goût pour l'esthétisme onirique (tant auprès d'un environnement naturel feutré, de ses nymphettes en position lascive que des bâtisses et monuments gothiques superbement éclairés), Jean Rollin nous aura légué une dizaine de films inégaux souvent fascinants, voir même envoûtants à travers leur charme perméable quasi indicible. Ce qui survient à point nommé avec Fascination, l'une de ses oeuvres les plus accessibles et réussies illustrant avec une délicate attention la prise d'otage d'un truand auprès de deux lesbiennes domestiques confinées dans leur château.

Tandis qu'un peu plus tard, les rôles seront amenés à s'inverser lorsqu'une confrérie de convives féminines frapperont à leur porte afin d'entamer leur liturgie annuelle. Etrange, vénéneux, magnétique, ensorcelant auprès de têtes d'affiches charnelles n'hésitant pas à se dévêtir dans leur plus simple appareil, Fascination constitue une invitation au fantasme opaque chez des misandres d'une audace aussi insidieuse que licencieuse. Jean Rollin recourant à l'expectative de cette fameuse procession réunissant au sein du salon de gentes dames à la fois aguicheuses, interlopes et provocatrices. Quand bien même au préalable nous aurions fait connaissance avec deux châtelaines (la sublime Brigitte Lahaie très à l'aise en aguicheuse effrontée et Franca Maï, fraîchement naturelle en gouvernante ambivalente) prises à parti avec un malfaiteur résolument machiste. Comme de coutume chez Rollin, le jeu théâtral de sa distribution et ses ellipses narratives semées d'incohérences et maladresses peuvent de prime abord rebuter le spectateur non averti. Pour autant, la franche sincérité de ces interprètes étonnamment attachants (jeu de soumission/domination autour d'une guerre des sexes) et sa succession de séquences étranges conçues sur l'emprise lubrique et la violence morbide nous magnétisent l'esprit auprès d'une scénographie stylisée, et ce en dépit de ces décors limités. Le tout accompagné d'une contribution musicale lancinante de Philippe d'Aram se prêtant à merveille au climat fantastique d'une aura sensiblement indolente.

Fantasmatique, baroque et enivrant parmi la synergie de l'érotisme et de l'horreur (on y taille les victimes à la grande faux !), Fascination recourt à l'expérience cinégénique hors norme de la part d'un artiste féru de ces actrices et d'un cadre naturel flirtant avec le gothisme polisson. Et ce à travers un thème majeur du genre (dont je tairais l'indice même si on y devine facilement son dénouement) traité à la fois avec une certaine originalité et une ambition auteurisante. Une perle du genre donc au vénéneux pouvoir de séduction si bien qu'à la revoyure il semble aussi prégnant qu'à l'époque de sa (discrète) sortie. 

* Bruno
2èx

ABYSS

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site voiceofcinema.wordpress.com

de James Cameron. Ed Harris, Mary Elizabeth Mastrantonio, Michael Biehn, Leo Burmester, Todd Graff, John Bedford Lloyd, J. C. Quinn, Kimberly Scott.

Sortie salles France: 27 Septembre 1989. U.S: 9 Août 1989

FILMOGRAPHIE: James Francis Cameron est un réalisateur, scénariste et producteur canadien, né le 16 Août 1954 à Kapuskasing (Ontario, Canada). 1978: Kenogenis (court-métrage). 1981: Piranhas 2, les Tueurs Volants. 1984: Terminator. 1986: Aliens, le Retour. 1989: Abyss. 1991: Terminator 2. 1994: True Lies. 1997: Titanic. 2003: Les Fantomes du Titanic. 2005: Aliens of the Deep. 2009: Avatar.

                            "Lorsque vous regardez l'abysse, l'abysse vous regarde aussi"

Spectacle d'aventures homériques à la croisée de l'anticipation féerique à faire pâlir de jalousie le maître incontesté Steven Spielberg (on songe clairement à Rencontres du 3è type lors de son dénouement enchanteur déployant la vision dantesque d'une cité inconnue), Abyss demeure le chef-d'oeuvre maudit de James Cameron toujours apte à relever les défis outre-mesure. La faute incombant à des conditions de tournages inévitablement houleuses (99% de l'action se déroule sous l'eau si bien que Cameron a construit une véritable centrale nucléaire au sein d'une cuve contenant des milliers de litres d'eau !) et à un échec commercial cuisant, et ce en dépit des 1 990 271 entrées sur notre territoire. D'une beauté formelle capiteuse et d'une intensité claustro à couper le souffle au sens littéral chez les plus vulnérables, Abyss enchaîne rebondissements et péripéties à une cadence effrénée si bien que le spectateur n'a pas le temps de reluquer son cadran (en dépit de sa durée exclusive) lorsqu'une poignée de commandos, proprios d'une plate-forme de forage pétrolier n'auront de cesse de transcender les bravoures afin de récupérer du fond de l'océan une ogive nucléaire. Car au préalable, un sous-marin américain y percuta un objet non identifié pour s'écraser dans l'abysse sans y laisser de quelconque survivant.

D'un réalisme ultra documenté par son souci du détail technique et sa pléthore d'engins sous-marins que nos héros manipuleront pour l'enjeu de leur survie, Abyss nous immerge de plein fouet au fond du crépuscule océanique avec son lot d'incidents techniques et humains qu'ils devront parfaire lors du surpassement de soi. Doublé d'une superbe histoire d'amour entre un duo d'amants en discorde conjugale mais pour autant prêt à s'unifier dans la pugnacité et le sens du sacrifice afin de sauver leur couple, Abyss insuffle une intensité dramatique jamais gratuite, eu égard de la caractérisation des personnages au caractère bien trempé (Mary Elizabeth Mastrantonio en impose dans l'autorité frondeuse), entre vaillance solidaire, rébellion (erratique !) et fragilité humaine, et d'une action ultra spectaculaire au service narratif. James Cameron prenant soin de renchérir les évènements catastrophiques autour d'une intrigue oppressante habilement structurée se combinant habilement à la digression d'une intrusion extra-terrestre. Plus précisément une INT (intelligence non terrestre) que le cinéastes parvient à donner chair à l'aide d'effets visuels "fluos" ou "minéraux" convaincants à défauts d'être transcendants (Oscar des meilleurs effets visuels à l'époque). Et donc, en prime de nous offrir un grand spectacle pyrotechnique par son réalisme inégalé, Cameron se permet également d'y lénifier sa dramaturgie progressive au gré d'une invitation au rêve et à l'évasion. Car outre son hymne à la bravoure et à la constance; Abyss déclare autant sa flamme aux mondes inconnus d'une intelligence singulière apte à communiquer avec l'étranger.

Un hymne à la vie, au pacifisme et à l'existence au delà des frontières de l'inconnu.
Gros morceau de bravoure d'un réalisme ébouriffant oscillant avec l'esprit candide d'un Spielberg à sa période la plus divine (dans son sens inné du merveilleux), Abyss confine au chef-d'oeuvre le plus abouti chez Cameron on ne peut plus circonspect et tatillon à relever le défi du rêve, de l'illusion et de la féerie sur la toile. Le maestro réinventant le cinéma à grand spectacle à sa notion la plus  intègre, noble et épurée !   

* Bruno

Anecdote ayant créée une polémique lors de sa sortie (source Wikipedia):
Le fluide respiratoire employé dans le film pour plonger en grande profondeur existe réellement. De plus, la scène où un rat est emprisonné dans une cage et respire du liquide n'est pas truquée. Cela a attiré les foudres des associations de protection d'animaux ; cette scène a même été supprimée de la version sortie au Royaume-Uni.

Récompense: Oscar des meilleurs effets visuels, 1989

SUDDEN IMPACT

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Clint Eastwood. 1983. U.S.A. 1h57. Avec Clint Eastwood, Sondra Locke, Pat Hingle, Bradford Dillman, Paul Drake, Audrie J. Neenan, Jack Thibeau.

Sortie salles France: 22 Août 1984. U.S: 9 Décembre 1983

FILMOGRAPHIE: Clint Eastwood est un acteur, réalisateur, compositeur et producteur américain, né le 31 Mai 1930 à San Francisco, dans l'Etat de Californie. 1971: Un Frisson dans la Nuit. 1973: L'Homme des Hautes Plaines. 1973: Breezy. 1975: La Sanction. 1976: Josey Wales, Hors la Loi. 1977: L'Epreuve de Force. 1980: Bronco Billy. 1982: Firefox, l'arme absolue. 1982: Honkytonk Man. 1983: Sudden Impact. 1985: Pale Rider. 1986: Le Maître de Guerre. 1988: Bird. 1990: Chasseur Blanc, Coeur Noir. 1990: La Relève. 1992: Impitoyable. 1993: Un Monde Parfait. 1995: Sur la route de Madison. 1997: Les Pleins Pouvoirs. 1997: Minuit dans le jardin du bien et du mal. 1999: Jugé Coupable. 2000: Space Cowboys. 2002: Créance de sang. 2003: Mystic River. 2004: Million Dollar Baby. 2006: Mémoires de nos pères. 2006: Lettres d'Iwo Jima. 2008: L'Echange. 2008: Gran Torino. 2009: Invictus. 2010: Au-delà. 2011: J. Edgar. 2014: Jersey Boys. 2015: American Sniper.

4è opus réalisé pour le coup par Eastwood himself, Sudden Impact récolta le meilleur succès commercial de la saga même si en France il ne totalise que 937 881 entrées. Pour autant, et en dépit du soin accordé à la réalisation parfois stylisée et du charisme saillant de l'icone Eastwood (du haut de ces 53 printemps !), Sudden Impact pâti d'un scénario beaucoup moins étoffé et surprenant que ces prédécesseurs si bien qu'il vogue sur le filon conventionnel du Vigilante movie avec son lot d'exactions opérationnelles perpétrées ici par une ange exterminatrice. Sondra Locke insufflant avec  élégance flegme une trouble intensité lors de sa folie meurtrière émaillée de visions dérangeantes issues de son passé traumatique. A la suite de la découverte macabre d'un homme ayant été froidement abattu d'une balle dans les valseuses et dans la tête, Harry Callahan mène l'enquête entre deux règlements de compte parmi des braqueurs et des mafieux. Un second meurtre perpétré dans les mêmes circonstances l'amène à penser qu'il s'agirait d'une vendetta personnelle et que d'autres victimes viendront sans doute s'ajouter au tableau de chasse du tueur. 

Western urbain (et non plus polar !) efficacement mené grâce à son rythme fertile en actions ostentatoires (notamment auprès de ses 45 premières minutes particulièrement ludiques si bien que Clint Eastwood s'autoparodie avec une certaine dérision), Sudden Impact affiche un certain second degré en dépit de la gravité de son thème (la loi du talion du point de vue d'une victime de viol contrainte d'opérer elle même sa propre justice) stigmatisant à nouveau le laxisme juridictionnel comme le souligne son prologue sarcastique. Notamment auprès de la caractérisation stéréotypée de 3 malfrats jouant les provocateurs avec une outrance un peu trop contrastée. D'autres antagonistes majeures et secondaires afficheront également une posture aussi "clichée" (notamment dans l'hébétude) durant la traque de Harry délibéré à les coincer après avoir mené sa p'tite enquête et rencontré l'étrange Jennifer. En revanche, dans le rôle haïssable d'une matrone à l'éloquence triviale, Audrie J. Neenan crève l'écran à chacune de ses vulgaires apparitions, quand bien même Eastwood renforce ici son profil de cow-boy avec la classe virile et les répliques cinglantes qu'on lui connait. L'intrigue se clôturant en bonne et due forme (tueries en règle) auprès d'une dernière demi-heure haletante lorsque Harry tentera de poursuivre les derniers assaillants en prêtant main forte au propre coupable.

Sans surprise et moins percutant que ces aînés, Sudden Impact n'en demeure pas moins un efficace spectacle de série B à la violence épique, correctement troussé et interprété. 

* Bruno
4èx

MALFRAT: Qu'est-ce qu'tu fous, espèce de trou du cul ?
CALLAHAN : Tous les jours depuis une dizaine d'années, mon amie Loretta me sert un grand café noir sans sucre. Aujourd'hui, elle m'a bien servi un café noir, mais il était horriblement sucré… C'était écœurant ! Alors naturellement, je viens me plaindre…Ceci dit mes jolis, posez votre artillerie.
MALFRAT: Hé, quoi ?
CALLAHAN: Parce que nous n'allons pas vous laisser partir comme ça.
MALFRAT: Qui c'est "nous" ? Connard.
CALLAHAN: Smith… Wesson… et moi !

LA GRANDE EVASION

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site senscritique.com

"The Great Escape" de John Sturges. 1963. U.S.A. 3h00. Avec Steve McQueen, James Garner, Richard Attenborough, James Donald, Hannes Messemer, James Coburn, Charles Bronson, Donald Pleasence, David McCallum, Gordon Jackson, Nigel Stock, John Leyton, Angus Lennie.

Sortie salles France: 11 Septembre 1963. U.S: 4 Juillet 1963

FILMOGRAPHIE: John Sturges est un réalisateur et producteur de films américain né le 3 janvier 1910 à Oak Park (Illinois) et mort le 18 août 1992 à San Luis Obispo (Californie).1948 : Le Signe du Bélier. 1949 : Les Aventuriers du désert. 1950 : La Capture. 1950 : Le Mystère de la plage perdue. 1950 : Right cross. 1950 : The Magnificent Yankee. 1951 : Kind Lady. 1951 : Le peuple accuse O'Hara. 1951 : It's a Big Country. 1953 : Fort Bravo. 1953 : La Plage déserte. 1954 : Un homme est passé. 1955 : Duel d'espions. 1955 : La Vénus des mers chaudes. 1956 : Coup de fouet en retour. 1957 : Règlements de comptes à OK Corral. 1958 : Le Trésor du pendu. 1958 : Le Vieil Homme et la mer. 1959 : La Proie des Vautours. 1958 : Le Dernier Train de Gun Hill. 1960 : Les Sept Mercenaires. 1961 : Par l'amour possédé. 1962 : Citoyen de nulle part. 1962 : Les Trois Sergents. 1963 : La Grande Évasion. 1965 : Station 3 : Ultra Secret. 1965 : Sur la piste de la grande caravane. 1967 : Sept secondes en enfer. 1968 : Destination Zebra, station polaire. 1969 : Les Naufragés de l'espace. 1972 : Joe Kidd. 1973 : Chino. 1974 : Un silencieux au bout du canon. 1976 : L'aigle s'est envolé.

Ce film est tiré d'une histoire vraie. Les personnages sont inspirés d'hommes ayant existé. L'endroit et la durée ont été adaptés. Mais chaque détail de l'évasion a été respecté. 

Immense succès à sa sortie internationale si bien qu'il se classe sur notre territoire n°1 au Box-office avec 8 755 029 entrées, la Grande Evasion s'inspire d'un fait historique singulier lorsque des centaines de prisonniers de guerre anglais, canadiens, australiens, polonais et américains tentent de prendre la poudre d'escampette en construisant durant des mois un long tunnel sous leur camp allemand. Dirigé par John Sturges, un des maîtres du cinéma d'action ("à l'ancienne" diront les puristes !) réunissant pour l'occasion une distribution incandescente (Steve McQueen, James Garner, Richard Attenborough, James Donald, Hannes Messemer, James Coburn, Charles Bronson, Donald Pleasence, David McCallum, rien que ça !), la Grande Evasion constitue une référence du divertissement hollywoodien sous couvert d'une improbable évasion carcérale que le réalisateur parvient à mettre en image avec un art consommé. Et ce en dépit d'un tournage houleux, de réécritures du scénario, du désistement et comportement capricieux de certains acteurs, Steve McQueen en tête puisque sceptique des ambitions du cinéaste avec qui il collabora plus tôt sur le tournage des 7 mercenaires ! Car utilisant à bon escient un humour permanent auprès du comportement arrogant, inévitablement insidieux, obtus et burné de prisonniers férus de liberté (Mc Queen emportant la mise de la provocation en casse-cou stoïque multirécidiviste du "frigo"), John Sturges dépeint leurs portraits hétéroclites avec une dimension aussi bien héroïque que parfois fragile.

Notamment si je me réfère aux profils du "faussaire" (subitement atteint de cécité) et au "roi du tunnel" (claustrophobe finalement ingérable que Charles Bronson retransmet avec une impressionnante appréhension viscérale !), sans compter l'issue tragique de la "taupe" et de plusieurs fugitifs dont le film leur dédie leur disparition en lieu et place d'épilogue. Mais si La Grande Evasion s'avère aussi jouissif et magnétique auprès de la posture si charismatique et attachante (parce que décontractée en dépit de leur condition d'isolement) de ces acteurs d'autrefois, il le doit évidemment à l'impensable reconstitution du plan d'évasion. De la gestion aux préparatifs matériels jusqu'à la construction du tunnel et leur fameuse escapade nocturne. John Sturges prenant soin de nous authentifier les démarches périlleuses de ces centaines de détenus parmi le souci du détail technique et leur intelligence émérite. Ceux ci s'exposant quotidiennement aux risques couillus sous l'oeil inhospitalier des allemands n'hésitant pas à recourir à la violence expéditive pour les plus audacieux d'entre eux ! Quant à la seconde partie retraçant de manière aussi avisée et charpentée l'échappée ardue de plusieurs d'entre eux, la Grande Evasion perdure un suspense autrement palpitant et oppressant quant à l'éventuel succès de leur exploit outre-mesure. Le spectateur suivant attentivement leur itinéraire autonome à travers l'Allemagne, entre perplexité angoissée et aspiration fébrile.

Chef-d'oeuvre du film d'évasion carcérale, La Grande Evasion immortalise sous une forme ludique indiscutablement intègre et aboutie cette odyssée héroïque de la seconde guerre avec une dimension humaine à la fois cocasse et poignante. Si bien que le chiffre 50 s'alloue d'une résonance amère à l'issue de leur bravoure de longue haleine. 

* Bruno

Récompense: Prix du Meilleur acteur pour Steve McQueen au Festival de Moscou, 1963.

MAGNUM FORCE

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Ted Post. 1973. U.S.A. 2h02. Avec Clint Eastwood, Hal Holbrook, Mitch Ryan, David Soul, Tim Matheson, Kip Niven, Robert Urich.

Sortie salles France: 27 Février 1974 (Int - 13 ans). U.S: 25 Décembre 1973

FILMOGRAPHIE: Ted Post est un réalisateur, scénariste et acteur américain né le 31 mars 1918 à Brooklyn, dans l'État de New York (États-Unis), et mort le 20 août 2013 à Santa Monica, en Californie (États-Unis). 1956 : The Peacemaker. 1959 : The Legend of Tom Dooley. 1968 : Pendez-les haut et court. 1970 : Le Secret de la planète des singes. 1970 : Night Slaves (en) (TV). 1971 : Dr. Cook's Garden (TV). 1971 : Yuma (TV). 1971 : Five Desperate Women (TV). 1971 : Do Not Fold, Spindle, or Mutilate (TV). 1972 : The Bravos (TV). 1972 : Sandcastles (TV). 1973 : The Baby. 1973 : The Harrad Experiment. 1973 : Magnum Force. 1975 : L'Infirmière de la compagne casse-cou. 1978 : Le Merdier. 1978 : Le Commando des tigres noirs. 1980 : Nightkill. 1981 : Cagney et Lacey (TV). 1986 : Stagecoach (TV). 1992 : The Human Shield. 1999 : 4 Faces. 2000 : Old Pals.

Maniac Cops.
Sans atteindre le niveau du chef-d'oeuvre de Don Siegel, Magnum Force est une excellente séquelle tirant parti d'une intrigue aussi originale que solidement structurée (un quatuor de flics se transforment en justiciers meurtriers pour se venger du laxisme des tribunaux) que Clint Eastwood tente de démêler avec son traditionnel sens de provocation et ses récurrentes ripostes expéditives. Comme de coutume affublé d'un supérieur outrecuidant (l'excellent Hal Holbrook prenant plaisir à dénigrer son partenaire à chacune de leur confrontation !), il s'oppose à sa hiérarchie de manière autrement plus mesurée (faute de sa réputation peu glorieuse traitée dans le précédent volet), quand bien même Ted Post a l'idée retorse de relancer l'intrigue (à travers la piste d'un faux suspect à alpaguer) au moment où Harry pense avoir démasquer les coupables.

Outre l'impact spectaculaire de quelques séquences d'action qui interfèrent durant l'enquête (le braquage dans l'épicerie, la prise d'otage dans l'avion, la course-poursuite finale), on est surpris par la grande violence des exactions vindicatives si bien que la plupart des victimes sont assassinées à bout portant avec une froideur quasi insupportable. Alors qu'à un moment du récit un macro se débarrassera d'une de ses prostituées de la manière la plus vile lors d'une séquence hautement malsaine non explicite. L'aspect fétichiste de ces motards en cuir et lunettes noires, leur flegme faussement rassurant renforçant notamment l'aspect inquiétant (mêlé de fascination) de leur dérive meurtrière si bien que tous témoins gênants y sont également réprimés. On peut d'ailleurs prétendre que Magnum Force est sans doute le volet le plus brutal de la saga par son souci de réalisme âpre typique d'une certaine manière à la sacro-sainte époque des Seventies. Enfin à titre subsidiaire, on apprécie également la présence à contre-emploi de David Soul assez convaincant en flic véreux s'opposant à Harry de manière aimablement insidieuse.

* Bruno

THE TERROR

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

créé par David Kajganich et Soo Hugh et produit par Ridley Scott. 2017. 10 Episodes de 45 à 55'. U.S.A. Avec Jared Harris, Tobias Menzies, Paul Ready, Adam Nagaitis, Ian Hart, Nive Nielsen, Ciarán Hinds.

Diffusion TV U.S/France: 26 Mars 2018

Synopsis: 1847. L'équipage du navire britannique "Terror" se retrouve coincé au milieu des glaces après avoir tenté de regagner le passage du Nord-Ouest au Canada. Leur périple suicidaire s'avère d'autant plus infortunée qu'une étrange créature tapie dans l'ombre les dévore un à un !

Basé sur une histoire vraie d'après le roman éponyme de Dan Simmonss, The Terror fait office d'expérience viscérale aussi éprouvante que suffocante ! Tant et si bien que rarement une série TV nous aura fait participer de manière si immersive et sensitive à un cauchemar à la fois extrême, et escarpé sous le pilier du survival irrationnel. Les auteurs archi doués dans leur démarche alchimiste d'y soigner le cadre hivernal résolument aphone et inquiétant ainsi que l'étude caractérielle des personnages (notamment l'ambivalence du capitaine Francis Crozier de céder à l'alcoolisme lors d'une soudaine faiblesse morale avant de se tailler un cheminement cérébral vers l'espoir) parvenant à distiller au fil des épisodes une angoisse psychologique tangible. Notamment grâce au jeu expressif des comédiens compromis par leur état de peur, de détresse, de négligence, de langueur et de dépression. Sans compter ce climat éthéré de silence démoniaque planant au dessus de leurs épaules alors que ces derniers profondément amers et esseulés (notamment faute de présence féminine si on excepte la présence suspicieuse d'une esquimau autonome), amoindris par la fatigue, la faim et la maladie (pour certains) contemplent la topographie placide de l'Arctique avec un désagrément fiévreux. Véritable drame psychologique donc transplanté dans le cadre du genre horrifique, The Terror nous dépeint avec un vérisme rigoureux (limite insupportable parfois pour son aura malsaine ou sa violence glauque en opposition avec le blanc immaculé de la neige) l'interminable descente aux enfers "réfrigérante" de ces explorateurs s'acharnant à retrousser leur manche pour se dépêtrer d'une situation d'immobilisation davantage ingérable afin de regagner coûte que coûte le Canada. Mais à quel prix ?

Et ce, tout en s'efforçant de déjouer une menace invisible d'une férocité radicale car survenant aux moments les plus inopportuns. A cet égard, la créature véloce semblable à un ours polaire tuméfié provoque chez le spectateur un sentiment de terreur et d'impuissance morale face à ces rares apparitions destructrices où la bestialité s'avère le maître mot ! Les auteurs jouant admirablement avec l'effet de suggestion afin de mieux fasciner si bien que le plus substantiel dans cette tragédie humaine terriblement âpre, tendue, vide d'espoir, est d'y radiographier l'évolution des protagonistes mis à mal à jauger leur courage, leur résilience mais aussi leur confiance auprès de l'autre (ce que la seconde partie se chargera de nous autopsier avec une rigueur encore plus ardue). Car outre les pathologies inexpliquées de certains d'entre eux, la température glaçante de l'arctique (aussi photogénique que celle de The Thing sans contestation possible !), la dissension morale que se disputent le Capitaine Francis Crozier avec le Capitaine Sir John Franklin (celle d'un enjeu humain) et la menace monstrueuse terriblement sournoise, la lente déliquescence morale d'un des leurs (on n'est pas prêt d'oublier le jeu lestement provocateur, vénéneux, pour ne pas dire démoniaque d'Adam Nagaitis par la mesquinerie de son regard ironiquement véreux !) va mener l'équipage à la fragmentation meurtrière. Et de renchérir à cet instant d'ultime survie dans la déveine et l'animosité la plus immorale en empruntant l'alibi du cannibalisme pour subvenir aux besoins nutritifs ! Tout un programme donc de règlements de compte barbares et criminelles, faute d'anarchie, de détérioration morale depuis leur paranoïa progressive à suspecter ou mésestimer l'autre, notamment par esprit de rancoeur ou de vendetta. Tandis qu'au centre de leur discorde, un docteur philanthrope s'efforcera avec humilité de calmer les esprits tout en se rapprochant de l'inquiétante invité surprise: une jeune esquimau dépitée par la mort de son père.

Une tragédie historique à son apogée de l'horreur. 
Descente aux enfers inextinguible chez une poignée d'explorateurs ankylosés par la poisse, la maladie et la mort la plus inéquitable, The Terror irrigue nos pores d'un sentiment d'angoisse dépressive face à la terreur sournoise d'une menace animale et humaine où l'individualité prime. 
A marquer d'une pierre blanche auprès d'un casting en or massif !

* Bruno

Listing.
  1: Jouer son va-tout (Go for Broke)
  2: Le Lieutenant Gore (Gore)
  3: L'Échelle (The Ladder)
  4: Puni comme un simple mousse (Punished, as a Boy)
  5: Pas de seconde chance (First Shot a Winner, Lads)
  6: Répit (A Mercy)
  7: L'Horreur et le souper (Horrible from Supper)
  8: Le Camp est sécurisé (Terror Camp Clear)
  9: La Mer, la mer, la haute mer (The C, the C, the Open C)
10: Nous sommes partis (We Are Gone)

TRON

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Steven Lisberger. 1982. U.S.A. 1h36. Avec Jeff Bridges, Bruce Boxleitner, David Warner, Cindy Morgan, Barnard Hughes, Dan Shor, Peter Jurasik

Sortie salles France: 15 Décembre 1982. U.S:

FILMOGRAPHIE: Steven Lisberger est un réalisateur américain, né le 21 avril 1951 à New York. 1980 : Animalympics (producteur + scénariste). 1982: Tron: (+ scénariste + concepteur des effets visuels). 1987: Hot Pursuit (+ scénariste). 1989: Le souffle du futur.

S'il n'eut pas le succès escompté lors de sa sortie internationale (en France il totalise 906 149 entrées et se classe 46è/60), Tron est devenu au fil des décennies un film culte auprès des fans de science-fiction grâce à son concept révolutionnaire utilisant pour la 1ère fois des images de synthèse par ordinateur. Empruntant les thématiques de l'intelligence artificielle et du jeu-video avec un réalisme halluciné, Tron continue aujourd'hui de fasciner à travers son univers virtuel littéralement envoûtant que Steven Lisberger parvient à crédibiliser avec une inventivité constante et des FX toujours aussi impressionnants. Le souci du détail des décors labyrinthiques, les personnages synthétiques en quête de surpassement et les vaisseaux antagonistes sur le qui-vive se combinant à merveille dans leur propre univers factice pour nous donner le vertige. Immersif et dépaysant en diable donc, Tron multiplie les morceaux de bravoure jouissifs lorsqu'un concepteur de jeu video se retrouve projeté à l'intérieur de sa création afin de se réapproprier sa propriété auprès d'un traître véreux. Toute l'intrigue constituant pour lui un parcours du combattant à retrouver Dillinger, le mettre hors d'état de nuire et retrouver enfin sa liberté dans la réalité. Si l'intrigue parfois complexe peut prêter à confusion chez le spectateur inculte en informatique et que les personnages les plus autoritaires auraient gagnés à être mieux développés, Tron nous hypnotise pour autant la vue dans sa faculté de nous immerger dans ce microcosme atypique résolument fantasmatique. Du moins chez les fadas de jeux-video se glissant ici dans le corps de leur héros préféré en plein coeur d'un réseau informatique délétère !

Un fabuleux spectacle laissant libre court à une imagination foisonnante au coeur d'un jeu-video grandeur nature si bien que son intensité formelle à la fois trouble et ensorcelante reste encore aujourd'hui bluffante de réalisme ! 

* Bruno

Récompenses: 1983: Saturn Award des meilleurs costumes

L'INSPECTEUR NE RENONCE JAMAIS

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"The Enforcer" de James Fargo. 1976. U.S.A. 1h33. Avec Clint Eastwood, Tyne Daly, Harry Guardino, Bradford Dillman, John Mitchum, DeVeren Bookwalter, John Crawford

Sortie salles France: 20 Avril 1977. U.S: 22 Décembre 1976

FILMOGRAPHIE: James Fargo est un réalisateur et producteur américain, né le 14 août 1938 à Republic, Washington, États-Unis. 1976 : L'inspecteur ne renonce jamais. 1978 : Caravans. 1978 : Doux, dur et dingue. 1979 : Le Putsch des mercenaires. 1982 : L'Exécuteur de Hong Kong.

3è opus de la saga Harry Callahan, l'Inspecteur ne renonce jamais parvient à nouveau à se renouveler dans son habituel cocktail d'action, d'humour et de violence sous le pilier de l'inégalable Clint Eastwood en inspecteur réactionnaire toujours aussi (fr)agile de la gâchette. Eu égard de sa spectaculaire et ultra violente stratégie héroïque lors d'une prise d'otage instaurée en centre urbain ! On peut d'ailleurs applaudir la symétrie du montage générant un dynamisme percutant lors des gunfights opérationnels. De par son intrigue de triste actualité, puisque empruntant la thématique du terrorisme (un groupuscule mené par un ancien vétéran du Vietnam menace de faire exploser la ville contre une rançon, et ce bien avant d'entamer un chantage autrement délétère auprès de la police), James Fargo y sème d'habiles rebondissements par le biais d'un suspense infaillible. Notamment à travers les interventions d'un complice et d'un indic afin de relancer l'investigation d'Harry vers de nouvelles pistes.

Pour renforcer l'attrait ludique du récit, on peut aussi compter sur la complicité houleuse de Harry avec sa nouvelle recrue féminine formidablement endossée par Tyne Daly dans sa posture à la fois fragile et réservée mais finalement pugnace pour son initiation héroïque afin de montrer ses preuves et taire le machisme d'Harry. Sur ce dernier point, on peut d'ailleurs y relever en background une réflexion sur la place de la femme dans le corps policier lorsque celle-ci, totalement novice en la matière, se verra confronter à des missions plutôt couillues et dangereuses à travers la faune urbaine d'une criminalité galopante (l'un des protagonistes s'exclamera d'ailleurs au détour d'une inquiétante réplique: "nous sommes en guerre !"). Truffé de réparties impayables auprès du tempérament aussi bien impudent que trivial de Harry sans cesse confronter à l'autorité drastique de ses supérieurs, l'Inspecteur ne renonce jamais ne déroge pas à la règle de la dérision autour d'un concentré d'actions violentes assez corsées, voir parfois même complaisantes (le prélude illustrant 2 lâches assassinats "fait froid dans le dos" pour emprunter un calembour morbide).

Carré, solide, charismatique et surtout très efficace, de par son intrigue compacte à l'émotion parfois dramatique et sa scénographie urbaine habilement exploitée (notamment auprès de deux poursuites à pied se renouvelant sans cesse grâce au dynamisme du montage et à la disparité d'une métropole tentaculaire ou d'un pénitencier désaffecté), l'Inspecteur ne renonce jamais fait toujours preuve d'une étonnante vigueur au sein du genre policier que mène avec provocation notre flic frondeur aux méthodes expéditives payantes. Une surprenante redécouverte n'ayant rien perdu de son impact explosif ! (suffit de revoir la dernière exécution de Harry d'une réjouissance morbide assez cartoonesque !)  

* Bruno
Box-office France : 342 055 entrées

M

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Sara Forestier. 2017. France. 1h38. Avec Sara Forestier, Redouanne Harjane, Jean-Pierre Léaud, Nicolas Vaude, Maryne Cayon, Isabelle Caillat.

Sortie salles France: 15 Novembre 2017

FILMOGRAPHIE: Sara Forestier est une actrice, réalisatrice et scénariste française, née le 4 octobre 1986 à Copenhague. 2017: M.

Echec public lors de sa discrète sortie en salles (68 300 entrées sur 94 copies), M est la première réalisation de Sara Forestier également actrice et scénariste pour l'occasion. D'une sincérité indéfectible dans sa démarche auteurisante de nous relater l'histoire d'amour singulière entre une lycéenne bègue et un marginal illettré sans pathos ni effet de manche, M parvient à émouvoir et bouleverser avec une sensibilité à la fois éminemment prude et dévorante. Notamment sous l'impulsion d'un duo d'acteurs incandescents se livrant corps et âme face caméra avec un humanisme écorché vif. Sara Forestier se fondant naturellement dans la peau d'une bègue avec fragilité, retenue et grande timidité avant de sillonner sa voie initiatique vers la persévérance grâce à la passion des sentiments. Il faut la voir s'exprimer face caméra la peur au ventre à pouvoir gérer ses confidences névralgiques face à l'être aimé (lui même envahit de doute, d'intolérance et de crainte d'échouer) ou encore céder à une peur paralysante auprès de sa candidature au baccalauréat face à un juré finalement tolérant. Son jeu incroyablement subtil (d'autant plus sans fard dans sa beauté naturelle) lui permettant de ne jamais se livrer à une caricature complaisante de bons sentiments lors de ses balbutiements à répétition. Et donc de nous livrer une performance d'actrice pleine de dignité dans sa sobriété à s'exprimer avec une sensibilité jamais programmée. Sara visant simplement l'attention, l'âme et le coeur du spectateur avec un magnétisme fluide.

Témoignant d'une posture virile viscérale dans sa forte personnalité, de par la puissance de son regard rigide, voir animal suggérant au terme l'amertume et la honte dans son incapacité à s'aimer soi même, Redouanne Harjane explose l'écran avec autant de rigueur auprès de son humanisme torturé car incapable d'assumer son analphabétisme dans celui d'un banlieusard ne parvenant pas à fuir son passé meurtri. A eux deux, ils forment un duo d'amants vertigineux dans leur combat intrinsèque contre la peur, le désarroi, puis celle d'éveiller leur désir d'émancipation lors d'une initiation à la communication, à la confiance en soi et à la confidence intime. Grâce au vérisme de la réalisation proche d'un cinéma de Pialat et du jeu criant de vérité de ces acteurs transis d'émoi et de contrariété, Sara Forestier nous livre un poème urbain d'une fragilité personnelle, notamment en magnifiant une nature crépusculaire d'une candeur toute sensitive. Tant et si bien que le métrage déploie avec force brute (tant pour la rigueur des sentiments que de la tension sexuelle des personnages) un panel d'émotions furibondes, candides, passionnelles lorsque deux êtres introvertis, fragilisés par leur handicap, s'efforcent de s'unir pour tenter de cristalliser leur avenir en se libérant de la peur (si paralysante) de soi même au sein d'une société impitoyable (notamment lorsque Mo se retrouve cuisinier et doit affronter un supérieur aussi castrateur que condescendant).

Dans les yeux de Sara
Follement passionnée par son douloureux récit et d'autant plus amoureuse de ses personnages impliqués dans un tourbillon d'émotions bicéphales (le blanc / le noir), d'une sensibilité on ne peut plus sincère et d'une ambition forçant le respect dans la maîtrise de sa première réalisation où rien n'est laissé au hasard (notamment dans sa manière de saisir sans ambages les regards très expressifs), Sara Forestier nous livre avec M une confidence personnelle (quasi documentaire !) sur sa frénésie de vivre, d'aimer et de s'épanouir dans les bras d'un franc-tireur chrysalide. Fort et cruel (dans la dissension conjugale) mais magnifique, jamais plombant car débordant de vitalité dans une éthique à la fois optimiste et rédemptrice. 

* Bruno

MEURTRES A LA SAINT-VALENTIN 3D

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Patrick Lussier. 2009. U.S.A. 1h41. Avec Jensen Ackles, Jaime King, Kerr Smith, Betsy Rue, Edi Gathegi, Tom Atkins

Sortie salles France: 29 Avril 2009. U.S: 16 Janvier 2009

FILMOGRAPHIE: Patrick Lussier est un réalisateur et un monteur canadien spécialisé dans les films d'horreur. 2000 : The Prophecy 3: The Ascent (vidéo). 2000 : Dracula 2001. 2003 : Dracula II: Ascension (vidéo). 2005 : Dracula III : Legacy (vidéo). 2007 : La Voix des morts : La Lumière. 2009: Meurtres à la St-Valentin 3D. 2011 : Hell Driver 3D.

On a beau se distraire de quelques séquences chocs sanglantes et spectaculaires (en dépit de 2/3 effets ratés en CGI !) et d'une certaine dérision morbide lors de passages assez cocasses (notamment la nymphette se trimbalant dans son plus simple appareil au moment de se confronter au tueur), Meurtres à la St-valentin est le prototype du remake inutile dépourvu de toute notion de suspense et d'intensité. Faute à une intrigue insipide finissant par se vautrer dans le ridicule (son final à rebondissements nanti de dialogues risibles vaut son pesant de cacahuètes), à une réalisation aseptique ne comptant que sur la surenchère pour nous maintenir en éveil, et de personnages gogos que l'on peine à distinguer si bien que l'on éprouve aucune empathie pour leur sort ou pour leur dissension amoureuse (le fameux trio perfide si j'ose dire). Avec indulgence et surtout auprès d'un public ado néophyte n'ayant aucune culture pour le Slasher, ce produit mercantile estampillé "3D argentique" peut se découvrir d'un oeil distrait.

* Bruno
2èx

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site cultreviews.com

de George Mihalka. 1981. Canada. 1h31. Avec Paul Kelman, Lori Hallier, Neil Affleck, Keith Knight, Alf Humphreys, Cynthia Dale, Helene Udy, Rob Stein, Thomas Kovacs, Terry Waterland, Carl Marotte...

Sorti en France le 10 Mars 1982. U.S.A: 11 Février 1981.

FILMOGRAPHIE: George Mihalka (1953 en Hongrie - ) est un réalisateur et producteur québécois. 1980 : Pick-up Summer, 1981 : Meurtres à la St-Valentin (My Bloody Valentine) 1982 : Scandale, 1983 : Le Voyageur (The Hitchhiker) (série TV) 1985 : The Blue Man (TV) 1986 : Adventures of William Tell (TV)1988 : Hostile Takeover, 1987: Midnight Magic, 1988 : Le Chemin de Damas, 1988 : Crossbow (série TV) 1989 : Straight Line, 1990 : Wish You Were Here (série TV) 1991 : The Final Heist (TV) 1992 : Scoop (série TV) 1992 : Psychic, 1993 : La Florida, 1994 : Relative Fear, 1995 : Bullet to Beijing, 1995 : Deceptions II: Edge of Deception, 1996 : Windsor Protocol (TV) 1996 : L'Homme idéal, 1998 : Thunder Point (TV) 1999 : Omertà - Le dernier des hommes d'honneur (série TV) 2000 : Haute surveillance (série TV) 2000 : Dr Lucille - La remarquable histoire de Lucille Teasdale (Dr. Lucille) (TV) 2001 : Watchtower, 2001 : "Undressed" (1999) TV Series, 2002 : Galidor: Defenders of the Outer Dimension (série TV) 2005 : Charlie Jade (série TV) 2005 : Les Boys IV.

                                         

Sorti en pleine vogue du slasher natif d'Halloween et de Vendredi 13, Meurtres à la St-Valentin s'attelle à l'académisme pour emprunter le schéma du film de Sean S. Cunningham. Là encore, le succès en salles est au rendez-vous à la surprise générale des créateurs du film puisque Meurtres à la St-Valentin sort en version tronquée de ses effets sanglants partout dans le monde alors que sa réputation d'honnête psycho-killer va gentiment accroître au fil des ans. Que ce soit en France ou aux Etats-Unis, ce sympathique whodunit n'eut jamais eu l'honneur de voir le jour dans une version rigoureusement intégrale. Chose réparée aujourd'hui chez nos voisins ricains à l'occasion de sa sortie Dvd certifiée Uncut ! C'est cette version inédite que je vais aujourd'hui vous évoquer ! Le jour de la St-Valentin, lors d'un bal local, cinq mineurs se retrouvent coincés dans leur carrière à la suite d'une violente explosion. Seul, un survivant, Harry Warden, est parvenu à s'extraire des décombres. Depuis, chaque année, il décide de se venger des jeunes étudiants qui auront l'audace de renouveler la fête des amoureux durant la sauterie promotionnelle.

                                           

Lorsque l'on assiste pour la première fois à la version non censurée de Meurtres à la St-Valentin, nous sommes agréablement ébranlés par la teneur malsaine de ces homicides graphiques ! Les nombreux meurtres qui émaillent l'intrigue s'avérant incisifs dans leur violence gore, non exempts d'inventivité dans l'art et la manière de décimer la prochaine victime ! (pioche perforant un sein ou un gosier, femme empalée par la bouche d'un robinet, écorchement d'un coeur bien frais, pratique de cannibalisme, tranchage de bras, tête vivante ébouillantée dans une marmite ou transpercée de clous, et enfin corps brûlé dans une lessiveuse). Grâce à cette surenchère jouissive au stylisme morbide, Meurtres à la St-Valentin se pare d'une texture autrement plus insolente et sardonique ! Par cette occasion, on se rend compte que parfois un métrage a besoin d'un ton racoleur pour rendre l'aventure plus sombre et délétère, de manière aussi à accentuer la crainte redoutée du tueur, faute de sa cruauté ostentatoire.

                                         

En dehors de l'aspect fun des FX artisanaux, on retrouve les clichés habituels du slasher avec son meurtrier exterminant de manière méthodique une victime tous les quarts d'heure ! Notamment la caricature émise aux étudiants stéréotypés, du dragueur insolent au plaisantin farceur, de l'aguicheuse au rondouillard sympa, du flic dubitatif au fameux quidam sollicité à mettre en garde tous ces garnements risquant un grave danger. Malgré tout, les comédiens attachants s'avèrent tout de même moins superficiels que de coutume même si une sirupeuse amourette entre trois amants viennent ternir l'esprit mature de leur posture héroïque. Durant les 2/3 du film, la narration efficacement gérée ne fait donc que dépeindre les réunions amicales et étreintes amoureuses de nos jeunes protagonistes pendant qu'un tueur les décime un à un lors d'exactions grands-guignolesques. Quand bien même sa dernière demi-heure, plus vigoureuse dans son action haletante, va confiner l'essentiel de son action dans l'environnement opaque d'une ancienne mine. Une dernière partie atmosphérique car utilisant judicieusement ses décors lugubres d'une ambiance inquiétante tout en distillant l'expectative du suspense. L'aspect patibulaire du meurtrier n'est pas non plus à négliger et ajoute un charme singulier à son accoutrement vestimentaire  (alors qu'il aurait pu sombrer dans le ridicule !). Affublé d'une combinaison de mineur, d'un casque de lampiste sur la tête et d'un masque à gaz constamment imposé sur son visage, sa présence obscure nous inspire une certaine fascination.

                                            

Réalisé sans génie particulier mais agréablement troussé, efficace et toujours plus haletant, Meurtres à la St-Valentin fait sans doute parti du haut du panier des slashers des eighties, aussi mineur soit-il ! (jeu de mot à l'appui !). Quand bien même ses effets-gores audacieux dans la version Uncut vont permettre d'insuffler une aura malsaine étonnamment prégnante ! Enfin, le concept inédit d'ironiser sur la fête sirupeuse des coeurs tendres est savoureusement détourné au profit d'un humour noir caustique. 

* Bruno

THE LIVING AND THE DEAD. Prix du Meilleur Film, Fantastic Fest 2006.

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Simon Rumley. 2006. Angleterre. 1h23. Avec Roger Lloyd Pack, Leo Bill, Kate Fahy, Sarah Ball, Neil Conrich

Inédit en salles en France. Hollande: 28 Janvier 2006

FILMOGRAPHIE: Simon Rumley est un scénariste, réalisateur et auteur britannique né le 22 Mai 1968 à Londres. 2017: Crowhurst.  2016 Fashionista. 2016 Johnny Frank Garrett's Last Word. 2012 The ABCs of Death (segment "P Is for Pressure").  2011 60 Seconds of Solitude in Year Zero. 2011 Little Deaths (segment "Bitch"). 2010 Red White & Blue.2006 The Living and the Dead. 2002 Club Le Monde. 2001 The Truth Game. 2000 Strong Language

Production indépendante anglaise passée par la case Dtv chez nous, The Living and the Dead peut prêter à confusion de par son titre et son affiche plutôt inspirés par le genre horrifique. Car si son climat trouble et dérangeant ainsi que quelques séquences sanglantes l'effleurent, il s'agit principalement d'un drame psychologique que nous relate Simon Rumley avec souci de réalisme littéralement immersif. A la suite d'une absence de quelques jours, Donald Brocklebank laisse sa femme impotente dans son château en compagnie de son fils schizophrène. Souffrant d'un complexe d'infériorité à la suite d'une dispute avec son père, James Brocklebank va faire subir un calvaire à sa mère en s'efforçant de lui prêter main forte. Traitant du thème de la schizophrénie sous l'impulsion du jeu erratique de l'étonnant Leo Bill (récompensé du prix d'interprétation au Fantastic Fest), Simon Rumley cultive une mise en scène inventive (angles de vue souvent tarabiscotés ou expérimentaux) à travers un éprouvant huis-clos aussi bien tendu que cauchemardesque, notamment grâce à l'intensité du casting plutôt impliqué dans des rôles à la fois difficiles et douloureux.

De par la caractérisation fébrile des protagonistes démunis, sévèrement mis à mal dans leur conflit d'autorité et leur désir de supériorité, The Living and the dead provoque un malaise parfois viscéral de la part du déficient en proie à la rébellion dans sa condition irresponsable. Livrant une réflexion sur la place de celui-ci au sein de notre société, à savoir s'il est apte à se sociabiliser pour vivre en interne du cocon familial ou à contrario s'il doit être placé en centre spécialisé faute de sa trop grande susceptibilité, Simon Rumley met en exergue les rapports de force unissant un père et son fils déficient en insistant sur l'épineuse éducation parentale que les parents devront poursuivre pour le restant de leur jour. Et donc à travers leurs échanges tendus de communicabilité, le réalisateur nous dévoilera les conséquences dramatiques du poids des mots autoritaires et d'une attitude un peu trop drastique menant un schizophrène vers une déchéance morale, et ce jusqu'à commettre l'irréparable. Le réalisateur suivant de près (et donc parfois de manière subjective) les allées et venues du malade en proie aux crises de larmes, de peur et de démence, faute de sa terrible culpabilité morale dans sa condition d'exclusion et de son impuissance à s'extraire de sa propre prison mentale.

"Tous les esprits fonctionnent entre démence et imbécilité, et chacun, dans les 24 heures, frôlent ces extrêmes"
Drame familial intimiste résolument trouble, dérangeant et immersif à travers le parti-pris de l'auteur de nous imposer du cinéma d'auteur avec une originalité quasi baroque, The Living et the Dead témoigne d'une vraie sensibilité et fragilité auprès du comportement moral d'un schizophrène condamné à l'incompréhension, l'injustice et la solitude dans sa pathologie insoluble. Il en émane une oeuvre singulière difficilement oubliable si bien qu'on ne sort pas indemne de sa scénographie cauchemardesque afin de mieux nous confronter au désordre mental du malade. On en sort d'autant plus amère et bouleversé de témoigner de la déliquescence de celui-ci cédant à ses pulsions les plus nocives et explosives pour engendrer au final une folie contagieuse. Un témoignage choc à découvrir absolument ! 

* Bruno

Récompenses: Prix du meilleur film, meilleur réalisateur, meilleurs maquillages pour Jackie Fowler, meilleur acteur pour Leo Bill et meilleur second rôle féminin pour Kate Fahy, lors du Fantastic Fest en 2006.
Prix Nouvelles Visions, lors du Festival international du film de Catalogne en 2006.