Milla. Coup de coeur du Jury au Festival de Valenciennes.

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Shannon Murphy. 2019. Australie. 1h58. Avec Eliza Scanlen, Essie Davis, Ben Mendelsohn, Toby Wallace, Andrea Demetriades, Emily Barclay.

Sortie salles France: 28 Juillet 2021. Australie: 23 Juillet 2020

FILMOGRAPHIE: Shannon Murphy est une réalisatrice, scénariste et productrice australienne. 2019: Milla.

"Un crève-coeur capiteux; condensé d'humour, d'onirisme, de fraîcheur et de violence amoureuse, sans jamais se morfondre dans la sinistrose. Eprouvant mais rédempteur."

Romcom mâtinée de mélo à la sauce australienne sous couvert d'un pitch éculé faisant craindre le produit sirupeux à faire pleurer dans les chaumières, Milla en est le contre-exemple impératif dans sa capacité à élever les genres à un état de grâce insoupçonné. C'est dire si la néophyte (c'est sa 1ère réalisation) s'y entend pour nous amener à la suivre sur les pentes d'une tragédie humaine écorchée vive (le final déchirant vous martyrisera la mémoire ad vitam aeternam) détournant les clichés avec une dextérité forçant le respect. Tant et si bien qu'à travers la maladie mortelle de Milla, jeune ado en mal d'amour mais férue de joie de vivre au grand dam de sa condamnation, c'est le portrait d'une famille dysfonctionnelle que l'on nous dépeint parmi l'intrusion précipitée d'un délinquant impertinent tombant peu à peu amoureux de celle qu'il venait de secourir (incidemment ?) lors d'une tentative de suicide ferroviaire. Mais pour quelles mobiles Milla s'avère aussi puissamment vertigineux, lumineux, universel sans jamais s'en rendre compte ? (les séquences se succèdent au rythme d'évènements aléatoires en se laissant bercer par la confusion des sentiments des personnages désorientés). Pour une raison d'authenticité documentée à travers l'expression sidérante des acteurs, juvéniles ou adultes, s'échangeant la réplique auprès de leurs homologues avec une intensité humaine plus vraie que nature. Parce que Shannon Murphy s'alloue aussi d'un pilier inébranlable pour s'extraire du pathos bon marché à travers un humour ravageur quasi permanent quant aux portraits fragilisées des parents substitués en junkies pour y pallier leur douleur morale difficilement gérable. 

Ce qui donne lieu à des moments bipolaires rafraichissants tout en saisissant le sens de leurs comportement troublé face à l'injustice du cancer que leur fille supporte tel un fardeau sans jamais se plaindre, ouvertement parlant (en dépit du final rédempteur où l'on se confond vers une autre dimension émotionnelle). Et ce au point qu'on en omet la maladie de l'héroïne tant son climat de tendresse réconfortant, orageux, cocasse, badin nous est scandé dans un déluge d'images exaltantes, positives, vitales, sémillantes, gracieuses, naturelles tout simplement, de par la personnalité épurée de son auteur au plus près des sentiments humains qu'elle se refuse à caricaturer sans soupçon de voyeurisme. Quand bien même le jeune charismatique  Toby Wallace se dégage du stéréotype délinquant avec une force de caractère anti manichéenne en paumé sur la corde raide récupéré par un soupçon de sentiments pour cette étrangère qu'il apprend à côtoyer. Eliza Scanlen endossant sa petite amie avec une douceur d'âme et de personnalité responsable en malade incurable dévorant l'instant présent avec une joie de vivre ancrée dans la pudeur. Tous ces personnages déambulant autour de Milla avec une sincérité humaine jamais outrée dans leur désir d'y susciter le goût de vivre, l'appât de la joie quotidien jusqu'à la fatalité. Le tout irrigué d'un onirisme tantôt lunaire (la séquence singulière de la boite de nuit puis celle au sein d'un bar avec ses mouvements sensuels des corps déhanchés), tantôt naturaliste (la plage, le crépuscule à l'écoute des oiseaux) afin d'élever le film vers des horizons gratifiantes en dépit de la violence toujours plus affirmée des sentiments que les personnages expriment (mais aussi combattent) avec une personnalité autoritaire pleine de dignité, d'humilité, de modestie. 

"La mort commence lorsque vous cessez d'être un enfant".

Bijou d'humour et de gravité sous l'impulsion d'une poignée de personnages extrêmement familiers, Milla est un miracle d'émotions capiteuses jamais programmées. Un hymne à la tolérance et à la vie établit du point de vue de l'atavisme de la mort, cette injustice morbide que la réalisatrice traite sans ambages, avec autant de tact et de suggestion que de brutalité escarpée (on a parfois réellement l'impression de se retrouver face à la mort à travers les yeux de saphir de Milla). 

*Eric Binford

Récompenses: Mostra de Venise 2019 : Prix Marcello-Mastroianni du meilleur espoir pour Toby Wallace

Festival international du film de Transylvanie 2020 : Trophée Transilvania du meilleur film et prix du public. 

Coup de coeur du Jury au 18è Festival de Valenciennes. 

Voyage au bout de l'horreur / The Nest

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Terence H. Winkless. 1987. U.S.A. 1h29. Avec  Robert Lansing, Lisa Langlois, Franc Luz, Terri Treas, Stephen Davies. 

Sortie salles France: ?. U.S: 13 Mai 1988

FILMOGRAPHIE: Terence H. Winkless est un réalisateur, acteur et scénariste américain. 1988: Voyage au bout de l'horreur. 1992 Rage and Honor. 1992. The Berlin Conspiracy. 1990 Private Offerings. 1990 Corporate Affairs. 1989 Bloodfist. 1996: Les aventuriers de la rivière sauvage. 1996: Ladykille. 1995. Mighty Morphin Power Rangers: Ninja Quest (Video).  1995 Not of This Earth. 1997: The Westing Game (TV Movie). 2013: Heart of Dance. 2009Twice as Dead. 2007 Nightmare City 2035.  2003 Fire Over Afghanistan. 

Formidable B movie inédit en salles chez nous (si je ne m'abuse), Voyage au bout de l'horreur fit les beaux jours des vidéophiles lors de son exploitation en Vhs à l'issue des années 80. Et bien qu'aujourd'hui il demeure hélas à la fois oublié et méconnu (en dépit de sa sortie Blu-ray chez Le Chat...), ce divertissement sans prétention dégage un charme encore plus probant aujourd'hui faute de son époque révolue à l'ère du tout numérique. C'est dire si Terence H. Winkless s'y entend pour nous divertir avec une générosité et une sincérité transpirants à chaque coin de l'écran. Et ce 1h29 durant car Voyage au bout de l'horreur se permet en outre d'y cultiver un rythme vif pour ne pas ennuyer le spectateur embarqué dans une énième invasion de cafards mutants (ils sont quasi omniprésents à l'écran afin de nous fasciner avec appréhension viscérale) qu'une poignée d'entomologistes, de bénévoles et un shérif tentent de juguler avec un courage en herbe. Or, ce qui rend si ludique et bonnard le spectacle du samedi soir émane autant du charisme ingénu des comédiens de seconde zone se prêtant à l'aventure avec une bonhomie inébranlable. 

On reconnaîtra d'ailleurs à travers cet attachant cast la jeune actrice Lisa Langlois révélée dans le génialement cintré Class 84, incarnant ici la fille d'un savant s'efforçant d'épauler ce dernier à la suite des conséquences dramatiques de ses expériences génétiques. Une prestance amiteuse convaincante donc puisque l'on craint pour sa survie lors de ses stratégies de dernier ressort culminant au final explosif confiné dans une grotte. Ponctué d'humour noir entre deux séquences comiques (dont un clin d'oeil à Ré-animator avec ce chat mutant erratique coursant ses victimes tous azimuts dans une cave, ou encore cette tenancière d'un snack affrontant les cafards avec ses ustensiles de cuisine !), Voyage au bout de l'horreur est généreux en scènes gorasses du plus bel effet répulsif. Et si certains trucages ont beau accuser une facture inévitablement cheap, le spectateur immergé dans l'action croit dur comme fer à ce qu'il voit. A l'instar d'un bambin guilleret contemplant son jouet qu'on vient de lui offrir dans son paquet cadeau artisanal. Non, franchement, les situations horrifiques les plus sanglantes demeurent jouissives par leur attrait plaisamment provocateur, voir également par leur aspect débridé. Quand bien même on se fascine avec recul pour la posture malsaine d'une des protagonistes féminines jouant les médecins scientifiques avec un sado-masochisme déviant pour son amour lubrique des cafards hybrides ! 

Beaucoup plus stimulant et divertissant qu'à son époque alors qu'il s'agit d'un 1er essai, Voyage au bout de l'Horreur est l'archétype du B movie horrifique du samedi soir pour son amour immodéré aux insectes mutants ici pleinement convaincants quant au parti-pris du réal à recruter de véritables blattes à l'écran (hélas parfois sacrifiés pour un mobile de réalisme morbide). A redécouvrir sans hésiter donc, surout auprès des puristes nostalgiques des années 80.

*Eric Binford

2èx

Pig

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Michael Sarnoski. 2021. U.S.A. 1h32. Avec Nicolas Cage, Alex Wolff, Adam Arkin, October Moore, Dalene Young, Gretchen Corbett.

Sortie salles U.S: 16 Juillet 2021

FILMOGRAPHIE: Michael Sarnoski est un réalisateur, scénariste et producteur américain. 2021: Pig. 

Difficile de se faire une opinion objective à la sortie de la projo si bien que Pig déconcerte, désarçonne autant qu'il séduit selon notre immersion émotionnelle, notre humeur du jour et notre degré de sensibilité. Tant auprès de la cause animale, subsidiaire au récit, que de la déchéance humaine d'un solitaire déchu de son passé véreux. Le kidnapping de son cochon n'étant qu'un prétexte pour y tenter de profiliser ce veuf meurtri replié sur lui même au point de vivre en autarcie en pleine nature. Difficile d'accès et dénué de violence, en dépit du 1er quart d'heure concis et d'une bastonnade officieuse (sorte de Fight Club à l'envers !), Pig insuffle un rythme très lent au fil de la requête de Robin Feld déterminé à retrouver son cochon truffier par simple amour pour l'animal comme il l'avoue à son jeune complice (et non comme outil de travail rentable pour y renifler les truffes). L'intrigue prenant son temps à étudier les personnalités de 3 protagonistes du point de vue contestataire de Rob en désarroi affectif. Son climat langoureux baignant dans une aigre mélancolie face à un type désoeuvré noyé de pessimisme, de chagrin et de remord à la suite de son passé torturé. Par conséquent, par le truchement moral de celui-ci, spécialiste culinaire entre autre, et de ces confrères peu recommandables, Pig dresse un tableau plutôt pessimiste sur la nature humaine.

Son orgueil, sa mégalomanie et son égoïsme pour tenter de survivre, de se faire une place dans un monde déloyal toujours plus intolérant envers son prochain. C'est ce qui fait la force ou la puissance dramatique de Pig, errance existentielle d'un proscrit contraint de s'extirper de son terrier pour tenter de retrouver sa seule compagnie amiteuse dans sa morne condition de déréliction. Presque méconnaissable auprès d'un regard martyrisé par le désastre, on n'avait pas observé un Nicolas Cage aussi strié dans sa carapace de clodo à la fois flegme et taciturne plombé du deuil, de la vie impossible en société tout en se remémorant son passé probablement meurtrier. Contemplatif, dépressif et plein de pudeur (notamment auprès de la fragilité fortuite des seconds-rôles), Pig tente donc de nous dévoiler au compte goutte de maigres indices sur le passé de Robin au gré d'un climat de désillusion dénué de fioriture. Tant et si bien que sa conclusion, bouleversante mais résolument sobre, risquera sans doute de déplaire à une frange de spectateurs, surtout ceux militant pour la cause animale (rester dans l'interrogation demeure ici assez frustrant). Le réalisateur s'efforçant d'authentifier sa tragédie humaine sans optimisme du happy-end. Et ce parmi cette volonté assumée d'y parfaire la gravité de son récit dans une intimité humaine ne comptant que sur les traces du passé pour se remémorer un bonheur conjugal aujourd'hui éteint. 

En tout état de cause, pour qui sait apprécier les vraies propositions d'un cinéma personnel réfractaire aux codes, à la conformité et aux effets de manche, Pig ne peut laisser indifférent. Que l'on adhère ou que l'on rejette cette ambulation humaine que Nicolas Cage immortalise de sa (douce) présence en berne. 

*Eric Binford

The Visitor

                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site buddy-movierepack.blogspot.com

"Stridulum / Le Visiteur Maléfique". de Giulio Paradisi (Michael J. Paradise). 1979. U.S.A/Italie. 1h48. Avec John Huston, Mel Ferrer, Glenn Ford, Lance Henriksen, Shelley Winters, Sam Peckinpah, Joanne Nail 

Sortie salles France: 21 Novembre 1980. Italie: 3 Août 1979.

FILMOGRAPHIE: Giulio Paradisi (né en 1934 à Rome, Italie) est un acteur, scénariste et réalisateur italien. Il est aussi connu sous le nom de Michael J. Paradise. 1970 : Terzo canale (Avventura a Montecarlo); 1976 : Ragazzo di Borgata; 1979 : Tesoro mio. 1979 : Le Visiteur maléfique (Stridulum). 1982 : Spaghetti House. 

Quelle bien étrange curiosité que ce Visitor autrefois diffusé sur Canal + lors des années 80, si bien que j'en ai toujours préservé un souvenir assez séduisant à travers son alliage hybride des genres (Fantastique - Horreur - Science-Fiction se télescopent en mode psychédélique). Production italo-américaine dont on reconnait bien là la patte transalpine à travers le soin de sa partition musicale et de son inquiétante bande-son monocorde), The Visitor surfe sur le succès de la Malédiction à travers son synopsis référentiel lorsqu'une fillette, envoyée du Mal, tente d'asseoir sa réputation sur Terre en tourmentant sa famille et son entourage. Réalisé sans habileté (notamment au niveau du montage superficiel) avec parfois quelques incohérences narratives (également dans la posture de certains personnages, tel l'envoyé du Bien se substituant à la baby-sitter le temps d'une soirée, ou encore la mère de Katy devenue tétraplégique sans que cela ne la traumatise), l'intrigue militant pour l'affrontement entre le Bien et le Mal demeure sans surprise bien que le spectacle tantôt envoûtant (toutes les séquences onirico-mystiques épaulées d'une bande-son lancinante) ne manque pas de surprises. 

Tant auprès de certaines scènes chocs surgies de nulle part (la conduite erratique de Glenn Ford sur l'autoroute, la poursuite entre bambins sur la patinoire) et assez bien réalisées, de ses moments ésotériques planants (on peut parfois songer à La Forteresse Noire), de ses idées ou détails imprévisibles (l'utilisation symbolique des volatiles) que de son incroyable casting parmi lesquels s'y croisent John Huston, Mel Ferrer, Glenn Ford, Lance Henriksen, Shelley Winters, Sam Peckinpah et Franco Nero !). Une distribution oh combien surprenante d'avoir accepter de se compromettre à un projet aussi mineur bien que le réalisateur demeure tout à fait inspiré pour se démarquer de l'ornière en y alliant efficacement les genres au gré d'un climat d'étrangeté prégnant. C'est ce qui fait le charme désuet de The Visitor que l'on a plaisir à revoir (même si uniquement réservé aux afficionados d'ovni introuvable !) en dépit d'un schéma narratif approximatif, voir parfois même redondant (notamment auprès des moult tentatives de Katy à se débarrasser de sa mère).

Killing Birds

Réalisé sans habileté mais formellement baroque et souvent soigné à daigner se démarquer des convenances, The Visitor demeure une intéressante curiosité aussi déconcertante que surprenante (notamment auprès de la brutalité inopinée de certaines situations punitives que Katy impulse). 

Remerciement à buddy-movierepack

*Eric Binford

2èx

La Mante Religieuse

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

"Tang lang" de Liu Chia-liang. 1978. Hong-Kong. 1h36. Avec David Chiang, Cecilia Wong, Lily Li, Chia Yung Liu, Norman Chu, Frankie Wei. 

Sortie salles France: 6 Avril 1983. Hong-Kong: 28 Juin 1978.

FILMOGRAPHIE: Liu Chia-liang (劉家良 en chinois, Lau Kar-leung en cantonais) (né le 28 août 1936 à Canton et mort le 25 juin 2013 à Hong Kong) est un réalisateur, acteur et chorégraphe chinois.1975 : Wang Yu défie le maître du karaté. 1976 : Le Combat des maîtres. 1977 : Les Exécuteurs de Shaolin. 1978 : La Mante religieuse. 1978 : La 36e Chambre de Shaolin. 1979 : Les Démons du karaté ou Shaolin contre Ninja. 1979 : Spiritual Boxer 2. 1979 : Le Prince et l'arnaqueur. 1979 : Le Singe fou du kung-fu. 1980 : Retour à la 36e chambre. 1980 : Emperor of Shaolin Kung Fu. 1981 : Martial Club. 1981 : Lady Kung-Fu. 1982 : Cat Versus Rat. 1982 : Les 18 armes légendaires du kung-fu. 1983 : Les Huit Diagrammes de Wu-Lang. 1983 : The Lady Is the Boss. 1984 : Carry On Wise Guy. 1985 : Les Disciples de la 36e chambre. 1986 : Les Arts martiaux de Shaolin. 1988 : Tiger on the Beat. 1989 : Mad Mission 5. 1990 : Tiger on the Beat 2. 1992 : Opération Scorpio. 1994 : Combats de maître/Drunken Master 2. 1994 : Drunken Master 3 (Jui kuen III). 2002 : Drunken Monkey. 

Sans daigner concourir au chef-d'oeuvre du genre, La Mante Religieuse est un excellent divertissement revisitant Romeo et Juliette avec tendresse, espièglerie, cruauté et action virevoltante. Wei Fung ayant pour mission d'infiltrer la famille de la jeune Chi-chi afin d'y dénicher une liste secrète. Or, en tant qu'enseignant, celui-ci tombe amoureux d'elle si bien qu'ils finissent par se marier. Mais pour leur enjeu de survie, les deux amants auront à traverser 5 épreuves mortels avant de vouloir présenter Chi-chi à sa belle-famille. Si les 3 premiers quarts-d'heure imprégnés de suave légèreté cèdent place aux batifolages de nos amants en apprentissage martial, pédagogue et amoureux, la suite relève de la pyrotechnie estampillée "Shaw Brothers" eu égard des improbables combats s'enchaînant à coup de sabre, de lance, de poignard, de nunchaku ou à poings nus. Les affrontements ultra furtifs nous donnant le vertige à travers la lisibilité d'une action éclectique que se partagent 2, 3, voir 4 adversaires férus de soif de victoire. 

Tant auprès des 5 épreuves offensives d'une inventivité en roue libre que de la vengeance intime de Wei Fung s'inspirant des gestes de défense d'une véritable mante religieuse pour venir à bout de ses futurs ennemis. Ses séquences d'entrainement instaurées en pleine nature nous valant des moments de poésie à la limite de la féerie lorsque celui-ci s'efforce de reluquer consciencieusement les expressions et gestes de la mante pour reproduire son agilité héroïque. Ainsi donc, à travers le thème des valeurs familiales,  Liu Chia-liang y dénonce la tradition conservatrice sous couvert de rivalité engendrant à mi-parcours des bravoures toutes plus époustouflantes les unes que les autres. Et ce au risque de déconcerter à terme une partie du public lors de son épilogue d'une amère cruauté (si bien que l'on ne s'y attend pas vraiment tant le revirement demeure aussi soudain que beaucoup trop précipité). En tout état ce cause, le spectacle ébouriffant en vaut la chandelle pour tous amateurs de divertissement d'art-martial d'une fulgurance visuelle inégalable. Et ce plus de 40 ans après sa sortie, comme quoi les classiques (même les plus mineurs !) ont encore de belles soirées devant eux pour courtiser le fan. 

*Eric Binford.

Le Trésor de la Montagne sacrée

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Arabian Adventure" de Kevin Connor. 1979. Angleterre. 1h34. Avec Christopher Lee, Oliver Tobias, Puneet Sira, Milo O'Shea, Emma Samms, Mickey Rooney, John Wyman.

Sortie salles France: 18 Juillet 1979. 

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Kevin Connor est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né en 1937 à Londres (Royaume-Uni). 1973: Frissons d'outre-tombe. 1975: Le 6è Continent. 1976: Trial by combat. 1976: Centre Terre, septième continent. 1977: Le Continent Oublié. 1978: Les 7 cités d'Atlantis. 1979: Le Trésor de la Montagne Sacrée. 1980: Nuits de Cauchemar. 1982: La Maison des Spectres.

Encore une fois, Kevin Connor se plaît à exhumer les mirages de l'aventure pulp avec cette série B d’un autre âge, Le Trésor de la montagne sacrée, où l’archéologie de pacotille devient prétexte à l’évasion pure, brute, presque naïve. Si le film a vieilli, comme un artefact un peu éraflé dans la poussière du temps, il en conserve pourtant la patine d’un plaisir sincère — celui du dépaysement immédiat, de la promesse d’un ailleurs aux échos perdus.

Derrière cette quête de trésor enfoui dans les replis d’un désert hostile, Connor convoque les figures d’un exotisme un peu rêche, parfois caricatural, mais jamais cynique. Le récit se déroule comme un carnet de route bonnard, tâché de sable, de sueur, et de rencontres décomplexées. Les personnages, silhouettes exubérantes dans l’éternel mirage de la gloire ou de la richesse, se débattent entre trahisons et mirages mystiques. Mais l’enjeu véritable est ailleurs : dans ce souffle d’aventure un peu perdu, ce romantisme de la fin des grandes conquêtes, comme le souligne son final édénique.

La mise en scène, discrète mais appliquée, s’offre même quelques visions insolites, presque ésotériques, comme si la montagne sacrée elle-même bruissait d’un mystère ancien — un cœur minéral battant sous la roche. La musique, simple mais évocatrice, accompagne cette virée comme un murmure de vent parmi les ruines. 

Christopher Lee, impassible comme une stèle oubliée, distille ici son autorité naturelle avec un calme menaçant. Même dans un rôle plus mineur, sa simple présence magnétise l’écran, comme si chaque mot pesait le poids des siècles. Oliver Tobias, en héros de circonstance, incarne avec une nonchalance racée cet aventurier amoureux parfois faillible, partagé entre bravade et résignation. Il ne surjoue rien, mais laisse filtrer, dans ses silences, une attachante noblesse d'âme et de loyauté. Puneet Sira, dans son jeune rôle, apporte une touche d’innocence vive, parfois un peu maladroite, mais jamais fausse. Il offre au récit une ancre émotionnelle simple, presque candide, au cœur d’un monde de dupes. Milo O’Shea, enfin, s’amuse visiblement dans son rôle de prêtre excentrique. Il en fait peut-être un peu trop, mais avec une verve généreuse qui n’est jamais déplacée — un contrepoint fantasque qui colore la poussière ambiante d’un éclat d’ironie. Emma Samms, quant à elle, irradie d’un éclat discret mais tenace. Son jeu, tout en retenue, mêle une grâce un peu mélancolique à une force intérieure inattendue. Elle semble parfois perdue dans cet univers d’hommes et de poussière, mais ses regards, ses silences, trahissent une volonté farouche, presque mystique. Elle incarne moins un personnage qu’un souffle d’énigme — une présence qui traverse le récit comme une brise venue d’ailleurs.

Le Trésor de la montagne sacrée n’a pas l’ampleur des grandes fresques du genre, mais il en garde l’ombre, le parfum. Une œuvre modeste, oui, mais animée d’une foi sincère dans le pouvoir du cinéma d’aventures à l’ancienne, celui qui, sans détour, regarde l’horizon comme on fixe un mirage — avec espoir, avec fièvre.

*Eric Binford

08.05.25. 4èx

Cop

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de James B. Harris. 1988. U.S.A. 1h51. Avec James Woods, Lesley Ann Warren, Charles Durning, Charles Haid, Raymond J. Barry, Randi Brooks.

Sortie salles France: 25 Janvier 1989. U.S: 11 Mars 1988

FILMOGRAPHIE: James B. Harris est un producteur et réalisateur américain né le 3 août 1928 à New York. 1965 : Aux postes de combat. 1973 : Some Call It Loving. 1982 : Fast-Walking. 1988 : Cop. 1993 : L'Extrême Limite (Boiling Point). 

Si James B. Harris n’a laissé derrière lui qu’une carrière aussi brève que discrète, il aura néanmoins signé l’une des œuvres les plus marquantes du thriller américain des années 80. Cop, porté à bout de bras par un James Woods habité, adapté d’un roman de l’illustre James Ellroy, s’impose comme bien plus qu’une simple série B. Sous ses faux airs modestes, ce psycho-killer symptomatique de son époque déploie un suspense criminel d’une noirceur poisseuse, nourri par un cheminement narratif aussi imprévisible que délétère.

Au centre du récit, Lloyd Hopkins, flic sournois, cynique et expéditif, évolue dans un univers gangrené par la corruption, la drogue, la prostitution et les flics ripoux qui entravent son enquête. Depuis quinze ans, un serial-killer sévit dans le quartier : un tueur de prostituées, poète macabre, qui envoie gerbes de fleurs et vers morbides à ses victimes. À l’aide de témoignages féminins, Lloyd s’acharne à démasquer l’assassin, usant et abusant de son insigne lors de ripostes aussi tranchées que discutables. Si l’intrigue peut sembler exigeante pour le spectateur distrait, Cop captive par l’intelligence d’un James B. Harris résolument réfractaire au conformisme et aux clichés du produit standardisé.

Porté par un score monocorde et opaque, flirtant avec les sonorités du film d’horreur, Cop adopte la carrure d’un psycho-killer franc-tireur et dresse une galerie de portraits aussi marginaux que grotesques - notamment cette écrivaine godiche, à deux doigts de se faire dessouder par ignorance sirupeuse. L’action, volontairement parcimonieuse, frappe toujours au moment juste, ciblée, suivant la logique tordue des légitimes défenses de Lloyd, prêt à éradiquer tout ennemi croisant sa route. James Woods y crève l’écran, incarnant un flic en rut, indépendant, rustre, réactionnaire et parfois manipulateur, prêt à tout pour parvenir à ses fins. On savoure aussi quelques éclats d’humour acide, surgissant de réparties irascibles ou de situations absurdes - l’interrogatoire avec l’écrivaine et la première rencontre avec la prostituée de luxe adepte des partouzes valent leur pesant de cacahuètes.

Ponctué d’éclairs de violence froide, sèche et impressionnante, Cop distille un climat d’insécurité vénéneux et persistant, et joue finalement dans la cour des grands grâce à une narration tortueuse, farouchement réfractaire à l’ornière. James Woods, épaulé par l’accort et bon vivant Charles Durning, monopolise l’écran avec une pugnacité imparable, donnant naissance à des figures profondément anti-manichéennes. De ce fait, Cop conserve aujourd’hui une patine proéminente, fruit d’un emballage âpre et discourtois, aucunement conçu pour plaire à tous.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

4èx. 26.01.26. vf video projo

Dans ma peau

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Marina de Van. 2002. France. 1h34. Avec Marina de van, Laurent Lucas, Léa Drucker, Thibault de Montalembert, Dominique Reymond, Bernard Alane, Marc Rioufol. 

Sortie salles France: 4 Décembre 2002 (Int - 16 ans avec mention: certaines scènes du film peuvent être difficilement soutenable).

FILMOGRAPHIE: Marina de Van est une réalisatrice, scénariste, écrivaine et actrice française de cinéma, née le 8 février 1971 à Boulogne-Billancourt. 2002 : Dans ma peau. 2009 : Ne te retourne pas. 2011 : Le Petit Poucet (Téléfilm). 2013 : Dark Touch.

 

La femme qui se mange elle-même

Œuvre extrême flirtant avec l’horreur viscérale, Dans ma peau nous plonge dans la dérive autodestructrice d’une jeune femme, Esther, qui bascule dans l’automutilation après s’être accidentellement blessée à la jambe - sans même ressentir la moindre douleur sur le moment. Le film, formellement déconseillé aux âmes sensibles, expose des séquences à la limite du soutenable tant leur réalisme cru nous malmène (j’ai moi-même dû détourner les yeux à deux reprises). Premier long-métrage de Marina de Van, qui en signe aussi la mise en scène et le rôle principal, Dans ma peau s’impose comme une éprouvante expérience corporelle : la mutilation, la scarification, l’anthropophagie s’y enchaînent au fil de pulsions morbides incontrôlables - pour ne pas dire littéralement addictives.

Troublée de ne pas avoir ressenti la douleur initiale, l’héroïne tente de renouer avec son corps, de le ressentir à nouveau, en martyrisant sa peau. Une quête névrotique, presque mystique, de souffrance intime. Ce film d’auteur premier degré, redoutablement malaisant, nous aspire dans sa mise en scène clinique et épurée, si bien que l’on observe la déliquescence morale de son personnage avec une fascination répulsive. Le sang, les plaies béantes, les morceaux de chair s’imposent avec une régularité presque métronomique.

Mais au-delà de sa rigueur formelle, étrange, poétique, presque documentaire, le film est transcendé par le jeu schizo de Marina de Van, absolument terrifiante en victime dépressive qui, par le goût du sang, apprend à réinterpréter - remodeler ? - son corps, à l’aimer, à le posséder, à s’y fondre. Jusqu’à se tailler un morceau de peau qu’elle tanne pour le glisser entre son sein et son soutien-gorge. Nouvelle chair. Nouvelle identité.

Peut-être faut-il y voir une métaphore du malaise moderne, celui d’un monde du travail aliénant, cannibalisé par la rentabilité et la performance. Dans ce cadre, le film laisse aussi transparaître l’égoïsme rampant et l’opportunisme glacé de collègues en guerre larvée (la discussion au restaurant entre confrères et consœurs en est l’écho parfait). Tandis que Sandrine, amie envieuse, se mue en rivale sourde et sadique, dans sa course infantile au pouvoir après avoir décroché un poste de leader.

La nouvelle chair.

Qu’on y adhère ou qu’on le rejette en bloc, cet objet filmique inclassable, rigoureusement autre et profondément couillu, ne peut laisser indifférent tout passionné de cinéma en quête d’expérience. Aussi malsain et dérangeant que soit son contenu, Dans ma peau évite toute complaisance - un exploit vu la nature scabreuse, déviante, de sa matière. Étouffant, psychologiquement terrifiant, le film ausculte l’accoutumance pathologique d’une femme en chute libre, irrémédiablement seule, avec une tension qui semble sans retour, malgré une fin laissée ouverte.

L’œuvre tire sa puissance de fascination d’un langage visuel résolument sensoriel, transfiguré par la présence ambivalente de Marina de Van, dont les expressions faciales - effacées, indicibles - perturbent, inquiètent, désarçonnent. Face à Laurent Lucas, excellent compagnon dépassé par les simulacres de son amante, elle impose une aura froide, érotisante, troublée, dénuée de logique, de résolution, de mots.

Un film pour public averti, mais essentiel.

*Eric Binford

2èx

L'Anti-gang

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Ecranlarge.com

"Sharky's Machine" de Burt Reynolds. 1981. U.S.A. 2h02. Avec Burt Reynolds, Charles Durning, Vittorio Gassman, Brian Keith, Bernie Casey, Rachel Ward, Darryl Hickman, Earl Holliman, Henry Silva. 

Sortie salles France: 7 Juillet 1982 (Int - 13 ans). U.S: 18 Décembre 1981 (Int - 17 ans)

FILMOGRAPHIE: Burton Leon Reynolds, dit Burt Reynolds est un acteur, producteur de cinéma et cascadeur américain né le 11 février 1936 à Lansing au Michigan, décédé le 6 septembre 2018 à Jupiter en Floride. 1976 : Gator. 1978 : Suicidez-moi docteur. 1985 : Stick, Le Justicier de Miami. 1993: La gloire oubliée (TV Movie). 1993: Harlan & Merleen (TV Movie). 1998: Hard time - Coup dur (TV Movie). 2000 : The Last Producer. 

Encore une oeuvre maudite, un polar urbain oublié des années 80, une perle rare que Burt Reynolds  réalisa avec inspiration somme toute consciencieuse. Tant et si bien qu'à la revoyure, l'Anti-gang peut se targuer d'être sa plus grande réussite (nulle hésitation possible !) à travers son lot d'actions sanglantes (peu de le dire !), de suspense latent surfant sur le principe du psycho-killer (il y plane parfois un climat délétère aux cimes de l'horreur; notamment de par la prestance hallucinée d'Henry Silva habité par son personnage de junkie psychotique), de romance suave et de policier investigateur. Le tout mis en scène avec une solide inventivité afin d'y détourner les codes de manière aussi finaude que narquoise (ah ce 1er baiser fallacieux que Sharky hésite à échanger avec Dominoe lors de regards mutiques !). Le pitch: à la suite d'une bavure ayant engendré la mort d'une victime par un preneur d'otage froidement abattu l'instant d'après, « Sharky » se retrouve muté à la brigade des moeurs pour prendre en filature une prostituée de luxe. Mais un mystérieux assassin poursuit sa série de meurtres auprès de jeunes catins en coït avec des sénateurs. Quand bien même Sharky est sur le point d'alpaguer un éminent macro en étroite connivence avec son frère toxico, le ténébreux "Billy Score". Clairement influencé par la saga l'Inspecteur Harry et son fameux 357 magnum, L'Anti-gang réexploite surtout le flingue et ses éclairs de violence encore plus incisifs (aux States le film est interdit aux moins de 17 ans) au sein d'une efficace intrigue minutieusement charpentée. 

Burt Reynolds soignant autant la caractérisation de ses personnages, en prime de nous dresser un magnétique profil de flic à la fois stoïque, réac, studieux et empathique (sa relation naissante avec Dominoe donne lieu à des étreintes romantiques d'une élégance épurée, sans compter une splendide et mélancolique vision fantasmatique biaisée) que sa réalisation assidue où rien n'est laissé au hasard (décors high-tech parfaitement exploités à l'appui avec en sus un épilogue vertigineux en gratte-ciel). Burt Reynolds se fondant dans le corps d'un flic en faction au tempérament discret et laconique mais perspicace dans sa colère contenue lorsqu'il s'agit de mettre hors d'état de nuire un réseau de prostitution huppée. Et si Burt Reynolds monopolise l'écran sans jamais singer Harry Callahan pour imposer sa personnalité autonome, les seconds-rôles délétères, machiavéliques, ne sont pas en reste. Tant auprès du monstre sacré Vittorio Gassman en mac pédant injecté d'arrogance à travers ces petits yeux noirs viciés, que du monolithique Henry Silva absolument bluffant d'expression démoniale à travers ses hurlements hystérisés faute d'abus de coke. Probablement l'un de ses meilleurs rôles à l'écran, tout du moins le plus électrisant, se permettant d'ailleurs à un moment fatidique de larmoyer face écran avec un réalisme toujours aussi trouble que dérangeant. Qui plus est, le final homérique se permet d'y exacerber sa présence délétère en instaurant subitement un climat horrifique à la lisière du surnaturel ! Une démarche aussi couillue que convaincante grâce au talent de la réalisation profilant cet acteur charismatique en proie à une haine indécrottable. Quant à l'envoûtante Rachel Ward (à la carrière hélas concise mais fascinante),  elle illumine naturellement l'écran de sa présence charnelle aussi voluptueuse que rassurante. Aucunement potiche, elle livre une sobre prestance de prostituée au grand coeur en instaurant parfois des séquences intimistes quelque peu empathiques dans sa condition soumise sans échappatoire. 

Captivant et passionnant de par son enquête soigneusement brodée, cinglant et sans concession auprès de ses bravoures sanguinolentes impeccablement montées, surprenant et fréquemment imprévisible à travers ces rebondissements ou situations faussement éculées, L'Anti-gang se décline en polar de grande classe en prime d'y côtoyer le psycho-killer en mode thriller érotique. Si bien que De Palma s'en serait peut-être inspiré pour y parfaire Body Double (notamment auprès de la posture spectrale, assumée, du tueur sans pitié, comme extirpé d'un film d'horreur). A ne pas rater, ou à redécouvrir d'urgence sous l'impulsion d'un score génialement stylé oscillant Jazz, Funk and Soul ! 

*Eric Binford. 

3èx

Comme un homme libre

                              Photo emprunté sur Google, appartenant au site Senscritique.com

"The Jericho Mile" de Michael Mann. 1979. U.S.A. 1h37. Avec Peter Strauss, Richard Lawson, Roger E. Mosley, Brian Dennehy, Geoffrey Lewis, Billy Green Bush, Ed Lauter, Beverly Todd, William Prince, Miguel Pinero, Richard Moll, Edmund Penney.

Sortie salles France: 6 Mai 1981. U.S: 18 March 1979 (diffusion ABC)

FILMOGRAPHIE: Michael Kenneth Mann est un réalisateur, scénariste et producteur de cinéma américain né le 5 février 1943 à Chicago, dans l'État de l'Illinois, aux États-Unis. 1979: Comme un homme libre, 1981 : Le Solitaire, 1983 : La Forteresse noire, 1986 : Le Sixième Sens, 1992 : Le Dernier des Mohicans, 1995 : Heat, 1999 : Révélations, 2001 : Ali, 2004 : Collatéral,  2006 : Miami Vice - Deux flics à Miami ,2009 : Public Enemies. 2015 : Hacker 

“Tout ce que tu vois, derrière ou devant toi, tu dois le dépasser en te dépassant toi-même.”

Oublié de nos jours, Comme un homme libre est le premier long-métrage de Michael Mann réalisé pour la télévision. Sa diffusion programmée sur la chaine ABC le 18 Mars 1979 eut un tel écho médiatique qu'elle fut réexploitée dans certaines salles de cinéma (ce qui était déjà le cas 8 ans plus tôt avec Duel de Spielberg). Quand bien même sa diffusion TV chez nous aura marqua toute une génération de téléspectateurs fasciné par les talents athlétiques d'un taulard pas comme les autres. Le pitch: Rain Murphy est un détenu du pénitencier de Folsom condamné à perpétuité pour le meurtre sauvage de son père. Afin de palier sa routine, faute de sa privation de liberté, il court machinalement autour du terrain de la prison sans jamais y éprouver un sentiment de lassitude. Et ce face au témoignage médusé de la populace carcérale et de son directeur compatissant. Au point d'ailleurs que celui-ci lui propose de concourir aux jeux olympiques ! Avec un certain souci de réalisme proche du documentaire, le néophyte Michael Mann exploite son intrigue au coeur d'un véritable pénitencier de Californie, et ce parmi la présence d'authentiques prisonniers purgeant leur peine. Ainsi, durant le tournage parfois houleux, un meurtre fut hélas perpétré sans qu'un quelconque comédien n'y soit impliqué. Scrupuleusement dépeint, l'atmosphère étouffante du pénitencier éclairé d'un soleil écrasant n'a pas de peine à nous immerger dans cet environnement marginal où plane incessamment les provocations entre bandes rivales. 

Par conséquent, parmi cette foule peu recommandable aussi sournoise qu'arrogante, un détenu s'extirpe du lot. Il s'agit de Larry Murphy condamné à perpétuité mais aspiré à retrouver un semblant de liberté de par son enjeu d'une course à pied en interne de la cour de la prison surveillée par les géôliers. Ainsi, avec la permission du directeur accort et de l'aide fraternelle de prisonniers afros résolument reconnaissants pour son courage et son amitié indéfectible pour l'un des leurs, le terrain de l'établissement y devient une piste chevronnée afin de parfaire ses performances. Dès lors, Murphy va pouvoir s'entrainer dans des conditions idéales et ainsi envisager de participer aux fameux jeux olympiques bien qu'il préfère expier sa faute dans une solitude assumée. Au-delà de la sobriété des comédiens, connus et méconnus, assez attachants et au charisme assorti, Peter Strauss s'y détache haut la main dans celui du coureur aguerri rongé par une culpabilité morale irrévocable. Déterminé et acharné à accomplir un exploit afin de cultiver la rédemption, Peter Strauss se transcende corps et âme, mâchoire serrée, pour se donner un nouveau sens à sa vie dans sa condition recluse. Ainsi, grâce à sa force d'expression pugnace et à sa résilience communicative, l'acteur soulève le métrage du poids de ses agiles épaules avec une dignité poignante. L'intérêt de l'intrigue résidant dans son évolution morale à se pardonner sa culpabilité en affichant une résilience qui laissera pantois d'admiration tout le corps carcéral après un règlement de compte meurtrier et en dépit de la décision drastique d'un dirigeant impassible. 

Vivre libre.

En dépit d'un score obsolète plutôt inapproprié auprès de certaines actions romantisées (alors que paradoxalement son thème principal affiche une tonalité cadencée beaucoup plus idoine), Comme un homme libre reste un témoignage fort du surpassement de soi auprès d'un taulard en guerre contre lui même pour autant décidé à accomplir l'improbable en guise de catharsis. Humble et loyal, torturé et écorché la rage au ventre, spartiate et intransigeant auprès de son éthique, Peter Strauss imprimant de son empreinte un poignant portrait de forçat renouant avec la liberté (morale et corporelle) par sa passion du sprint. 

*Bruno

13.07.21. 3èx
21.02.11

Alphabet City

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Amos Poe. 1984. U.S.A. 1h25. Avec Vincent Spano, Michael Winslow, Kate Vernon, Jami Gertz, Zohra Lampert, Raymond Serra. 

Sortie salles France: 27 février 1985. U.S.A: 4 Mai 1984

FILMOGRAPHIE: Amos Poe est un réalisateur et scénariste américain né en 1949 à Tel-Aviv, Israël. Night Lunch (1975). The Blank Generation (1976). Unmade Beds[2] (1976). The Foreigner (1978). TV Party (1978). Subway Riders (1981). Alphabet City (1985). Rocket Gibraltar (1988) (screenplay)

Triple Bogey on a Par Five Hole (1991). Dead Weekend (1994). Frogs for Snakes (1998). 29 Palms (2001) (murchian engineering). Steve Earle: Just An American Boy (2003). When You Find Me (2004). John The Cop (2004). Her Illness (2004). Empire II (2007). La Commedia di Amos Poe (2010). Ladies & Gentlemen (2012). A Walk in the Park (2012). Happiness Is a Warm Gun (2015). 

Série B oubliée des années 80 (tournée en seulement 20 nuits), Alphabet City n'échappe pas aux poncifs et au personnages caricaturaux à travers un scénario prévisible beaucoup trop faible pour captiver le spectateur embarqué dans la virée nocturne d'un petit caïd de la drogue mis à mal avec sa hiérarchie après avoir refusé une mission. Si Vincent Spano demeure quelque peu attachant en mafieux en herbe au tempérament (gentiment) rebelle tentant de se fonder un semblant de vie familiale malgré sa marginalité criminelle, les autres seconds-rôles sont beaucoup trop outrés dans leur posture caricaturale à forcer le trait d'expressions surjouées. Et si l'ensemble s'avère éculé et que les situations effleurent la semi-parodie le rythme est bizarrement assez soutenu (épaulé de l'omniprésence de sa bande-son pop désuète), sa réalisation parfois stylisée et son climat nocturne quelque peu surréaliste (néons à dominante rouge, rose et bleue). Si bien que Alphabet City dégage un petit charme bisseux symptomatique des années 80 tout en étant largement dispensable. 

*Eric Binford

2èx

Frankie et Johnny

                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Ebay.fr

de Garry Marshall. 1991. U.S.A. 1h58. Avec Al Pacino, Michelle Pfeiffer, Hector Elizondo, Nathan Lane, Kate Nelligan, Jane Morris 

Sortie salles France: 5 Février 1992

FILMOGRAPHIE: Garry Masciarelli, dit Garry Marshall, né le 13 novembre 1934 à New York et mort le 19 juillet 2016 à Burbank (Californie), est un acteur, réalisateur, scénariste et producteur américain. 1982 : Docteurs in love. 1984 : Le Kid de la plage. 1986 : Rien en commun. 1987 : Un couple à la mer. 1988 : Au fil de la vie. 1990 : Pretty Woman. 1991 : Frankie et Johnny. 1994 : Exit to Eden. 1996 : Escroc malgré lui. 1999 : L'Autre Sœur. 1999 : Just Married. 2001 : Princesse malgré elle. 2004 : Fashion Maman. 2004 : Un Mariage de princesse. 2007 : Mère-fille, mode d'emploi. 2010 : Valentine's Day. 2011 : Happy New Year. 2016 : Joyeuse fête des mères. 

Une ballade romantique férue de charme, d'humour et de tendresse à la faveur du couple fusionnel Pacino / Pfeiffer. 

Reconnu avec son succès planétaire Pretty Woman, Gary Marshall remet le couvert un an plus tard avec Frankie et Johnny. Une romcom pleine de bons sentiments que les midinettes raffolent prioritairement à travers un concentré d'humour frivole et de tendresse romantique. Inévitablement mielleux donc à travers 2/3 séquences triviales, caricatural au possible auprès d'une poignée de seconds-rôles forçant le trait, parfois maladroit de par sa réalisation classique exploitant des clichés gros comme des boules de billard, un peu trop gentillet aussi ou carrément improbable auprès de situations romancées (le type sortant de prison comme s'il revenait du club-med face à un géôlier mimant la mine impassible, arme à la main), Frankie et Johnny ne peut faire office de chef-d'oeuvre bien que les critiques et le public ne furent pas insensibles à la nouvelle contribution sentimentale de Gary Marshall. Et pourtant, 1h58 durant, le miracle opère comme par magie. Ou plutôt grâce au tempérament incandescent du couple Al Pacino / Michelle Pfeiffer, le film dégage un charme et une spontanéité aussi rafraichissantes que galvanisantes. Si bien que Franky et Johnny parvient haut la main à nous duper et à nous manipuler de par les échanges tantôt torrides, tantôt houleux du couple orageux en voie perpétuelle de contradiction. Et ce sans jamais nous lasser d'une scène de ménage en trop, notamment grâce à l'utilisation judicieuse d'un humour quasi omniprésent, voir parfois même très drôle.

On peut d'ailleurs évoquer l'exploit tant la recette habilement fusionnelle y porte ses fruits sans prétention. Johnny étant frappé du coup de foudre dès son embauche au snack de leur première rencontre, Frankie étant pétrie de trouille à l'idée de s'engager auprès de ce cuisinier éloquent fraîchement sorti de détention pour une fraude bancaire. Par conséquent, de par son intensité émotionnelle étonnamment pure, vertueuse et si scintillante, on peut rapprocher l'alchimie du couple à celui de Rocky et Adrian à travers leurs ballades romantiques (parfois crépusculaires) inscrites dans la simplicité des sentiments et la tendresse candide que Pacino provoque incessamment sans ambages. Les 2 acteurs se livrant corps et âme face caméra avec une redoutable efficacité eu égard de leurs étreintes et apartés romantiques qu'ils nous communiquent dans une modestie souvent intime si on épargne leur crépage de chignon en communauté amicale. Michelle Pfeiffer insufflant une prestance renfrognée nullement outrée et encore moins ridicule en femme blessée d'un passé résolument torturé. Taciturne et frigide mais curieuse et sensiblement attirée à travers ses sentiments et réflexions contradictoires où le chaud et le froid ne cessent de s'y télescoper, Michelle Pfeiffer crève l'écran de A à Z sans jamais nous susciter une émotion programmée préjudiciable. Al Pacino tentant d'y percer les causes de sa souffrance morale avec une verve aussi chaleureuse que loyale au gré de ses ardents sentiments pour elle qu'il chérit sans modération. Là aussi l'acteur viril demeure tout bonnement éclatant de sincérité dans sa fonction de Dom Juan empoté pour autant productif dans ses intentions de prétendant intègre. 

Je t'aime, moi non plus. 

D'une simplicité prévisible à travers l'universalité d'un amour en demi-teinte où l'un ne cesse d'y faire marche arrière par peur de l'engagement alors que l'autre emprunte un cheminement autrement optimiste à travers sa persuasion amoureuse, Frankie et Johnny se permet en outre d'y traiter en filigrane le thème de la violence conjugale du point de vue de la femme molestée incapable de se reconstruire passée l'épreuve traumatique. En dépit de ses maladresses précitées, de son manque de tact et de subtilité et de ses conformités trop aimables, Frankie et Johnny est un trésor d'émotions  gratifiantes en compagnie d'un couple d'acteurs au diapason de leur carrière. Rien que pour leur complémentarité démiurge (ils étaient vraiment fait l'un pour l'autre à travers le conte !), cette ballade romantique à la fois drôle, charnelle et attendrissante atteint haut la main son but: ensorceler le spectateur infiniment troublé, charmé, consumé par leur symbiose amoureuse !

Dédicace à Sonia. 

*Bruno

2èx

Les Guerriers de l'Enfer

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

"Who'll Stop the Rai" de Karel Reisz. 1978. U.S.A. 2h06. Avec  Nick Nolte, Jonathan Banks, Michael Moriarty, Tuesday Weld, Anthony Zerbe, Richard Masur, Ray Sharkey, Gail Strickland.

Sortie salles France: ?. U.S: 2 Août 1978

FILMOGRAPHIE: Karel Reisz est un réalisateur, producteur et théoricien du cinéma puis un metteur en scène de théâtre britannique d'origine tchécoslovaque, né le 21 juillet 1926 à Ostrava (ex-Tchécoslovaquie), décédé le 25 novembre 2002 à Londres. 1955 : Momma Don't Allow (court métrage documentaire). 1958 : We Are the Lambeth Boys (documentaire). 1960 : Samedi soir, dimanche matin. 1964 : La Force des ténèbres. 1966 : Morgan. 1968 : Isadora. 1974 : Le Flambeur. 1978 : Les Guerriers de l'enfer (Who'll Stop the Rain). 1981 : La Maîtresse du lieutenant français. 1985 : Sweet Dreams. 1990 : Chacun sa chance. 1994 : Performance - épisode The Deep Blue Sea (TV). 2000 : Act Without Words I (TV).

Découvrir pour la 1ère fois en 2021, et à titre de (grande) curiosité, ce drame guerrier totalement passé aux oubliettes prouve à quel point le cinéma des années 70 reste une source intarissable de classiques inoxydables de par son âpre réalisme dénué de fioriture. Car Les Guerriers de l'Enfer a beau être honteusement non reconnu, il demeure selon moi l'un des plus forts témoignages que le cinéma ricain nous ait offert sur la guerre du Vietnam. En tout état de cause le plus intègre, le plus authentique, le plus  sombre et désespéré à travers son climat fétide transpirant haine et avarice. Omettez cependant son titre fallacieux que les français ont osé singer afin sans doute de rameuter le grand public friand d'action belliqueuse, si bien que "Qui arrêtera la pluie" "Who'll Stop the Rai" est avant tout un puissant drame psychologique que Nick Nolte (certains critiques prétendent qu'il s'agit - à raison - d'un de ses meilleurs rôles), Michael Moriarty (toujours abonné aux seconds-rôles de paumé avenant avec un talent ici au diapason !), Tuesday Weld (superbe portrait de femme fragile en junkie en devenir) impriment de leur talent avec une force d'expression tacitement sentencieuse. Par conséquent, l'intrigue tourne autour de la rivalité latente entre des agents fédéraux vénaux (principalement une paire d'engeances ne reculant devant rien pour gruger 2 kilos d'héro) et 2 combattants du vietnam tout juste rentrés au bercail. Or, livré à lui même et traumatisé par les horreurs du passé, John Converse (Michael Moriarty) se permet de passer en contrebande de l'héroïne avec l'aide de son comparse Ray Hicks (Nick Nolte), jeune loup autrement stoïque. 

Mais au moment du R.V fixé au foyer conjugal, Ray se retrouve seul avec l'épouse de John ignorant tout de leur transaction alors que 2 flics y surveillent sa demeure. Voilà pour l'exposé brillamment mis en scène si bien que Karel Reisz affiche une circonspection à la présentation de ces personnages empotés impliqués dans un pathétique compromis avec des agents sans vergogne. C'est également ce qui fait la force de l'intrigue habilement structurée (puisque TOUJOURS imprévisible) car plus le méchant est réussi, meilleur le film sera ! Autant dire que l'oeuvre à la fois insidieuse et lestement malsaine captive dès le départ avec l'entrée en matière de tous ces personnages véreux ne comptant que sur leur indépendance pour venir à bout de leur désir. Anti-manichéen quant à ses anciens combattants fascinés par le nouveau marché juteux de la drogue dure, les Guerriers de l'Enfer laisse un goût de plus en plus âcre dans la bouche lorsque ceux-ci ont décidé de passer au front lors d'un final westernien d'une originalité audacieuse. Karel Reisz  injectant une dose d'ironie acide à travers sa sinistre farce de règlements de compte sanglants. Une mise en scène "pop rock opératique" détournant le symbolique "peace and love" peinturée sur une falaise, où l'action lisible s'y confine d'autant plus de nuit ! Intense et captivant, de par son suspense aléatoire et la posture couillue de ces protagonistes aussi entêtés que suicidaires, Les Guerriers de l'Enfer suscite une émotion à la fois trouble et poignante auprès de ces laissés pour compte se réfugiant dans l'illusion de la drogue en guise d'exutoire moral. 

Remarquablement interprété par un cast vibrant d'émotions dépouillées de par le brio de la mise en scène soumise à leurs actions acharnées, les Guerriers de l'Enfer nous laisse sur une mélancolique impression de défaite en dépit de sa lueur d'espoir de dernier ressort que l'on entérine facilement. D'une intensité dramatique sobrement instillée, ce grand film âpre, violent et pessimiste cultive un sentiment d'amertume poignant à travers son réquisitoire contre les conséquences morales de la guerre du Vietnam tout en égratignant ostensiblement le piège avilissant de la drogue. C'est donc évidemment à ne pas rater afin de tenter de lui offrir une seconde vie, bouche à oreille aidant si possible. 

*Eric Binford (immense merci à buddy-movierepack, en espérant voir débarquer un jour prochain une édition blu-ray digne d'éloges, on a bien le droit de rêver !)

Ci-joint sa superbe affiche ricaine :