Bons baisers de Russie / From Russia with Love

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site affiches-et-posters.com

de Terence Young. 1963. Angleterre. 1h55. Avec Sean Connery, Daniela Bianchi, Pedro Armendáriz, Lotte Lenya, Robert Shaw, Bernard Lee. 

Sortie salles France: 30 Juillet 1964. U.S: 27 Mai 1964. Angleterre: 11 Octobre 1963

FILMOGRAPHIE: Terence Young est un scénariste et réalisateur britannique, né le 20 juin 1915 à Shanghai, Chine, décédé le 7 septembre 1994 à Cannes d'une crise cardiaque.1946 : La gloire est à eux. 1948 : L'Étrange Rendez-vous. 1948 : One Night with You. 1949 : Les Ennemis amoureux. 1950 : Trois des chars d'assaut. 1951 : La Vallée des aigles. 1952 : The Tall Headlines. 1953 : Les Bérets rouges. 1955 : La Princesse d'Eboli. 1955 : Les Quatre Plumes blanches. 1956 : Safari. 1956 : Zarak le valeureux. 1957 : Au bord du volcan. 1958 : La Brigade des bérets noirs. 1959 : Serious Charge. 1960 : La Blonde et les nus de Soho. 1961 : 1-2-3-4 ou les Collants noirs. 1961 : Les Horaces et les Curiaces. 1962 : James Bond 007 contre Dr No. 1963 : Bons Baisers de Russie. 1965 : Les Aventures amoureuses de Moll Flanders. 1965 : Guerre secrète. 1965 : Opération Tonnerre. 1966 : Opération Opium. 1967 : Peyrol le boucanier. 1967 : La Fantastique Histoire vraie d'Eddie Chapman. 1967 : Seule dans la nuit. 1968 : Mayerling. 1969 : L'Arbre de Noël. 1970 : De la part des copains. 1971 : Soleil rouge. 1972 : Cosa Nostra. 1974 : Les Amazones. 1974 : L'Homme du clan. 1977 : Woo fook. 1979 : Liés par le sang. 1981 : Inchon. 1983 : La Taupe. 1988 : Marathon.

Un excellent Bond même si j'avoue avoir une préférence pour le 1er alors que les critiques considèrent Bons Baisers de Russie supérieur. On reste surtout impressionné par la solidité de la mise en scène (encore plus maîtrisée que le 1er volet) si bien que Terence Young se familiarise à la franchise avec un art consommé du travail soigné. Peu d'action durant le périple exotique d'Istanbul mais un suspense impeccablement ciselé en privilégiant l'espionnage plutôt que le côté aventureux qui faisait le sel de James Bond contre Dr No. Notre agent secret se faisant ici berner durant l'aventure par une espionne insidieuse chargée de lui confier de fausses infos sur l'enjeu du Lektor, machine de déchiffrement convoitée par l'organisation SPECTRE. Outre le jeu infaillible de Sean Connery en 007 à la fois distingué, sobrement héroïque et humain (son indulgence face à l'espionne Tatiana et aux combats contre de 2 gitanes) l'actrice italienne Daniela Bianchi  (ex Miss Rome en 1960) est exquise de sensualité charnelle en blonde aux yeux noirs perçants à la voix d'un accent aussi lascif. 

Box Office France: 5 624 290 Entrées ! 

*Bruno

L'Arme Fatale 3 / Lethal Weapon 3

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Richard Donner. 1992. U.S.A. 1h58. Avec Mel Gibson, Danny Glover, Joe Pesci, Rene Russo, Stuart Wilson, Steve Kahan, Darlene Love, Traci Wolfe. 

Sortie salles France: 12 Août 1992

FILMOGRAPHIE: Richard Donner (Richard Donald Schwartzberg) est un réalisateur et producteur américain, né le 24 Avril 1930 à New-York. 1961: X-15. 1968: Sel, poivre et dynamite. 1970: l'Ange et le Démon. 1976: La Malédiction. 1978: Superman. 1980: Superman 2 (non crédité - Richard Lester). 1980: Rendez vous chez Max's. 1982: Le Jouet. 1985: Ladyhawke, la femme de la nuit. 1985: Les Goonies. 1987: l'Arme Fatale. 1988: Fantômes en Fête. 1989: l'Arme Fatale 2. 1991: Radio Flyer. 1992: l'Arme Fatale 3. 1994: Maverick. 1995: Assassins. 1996: Complots. 1998: l'Arme Fatale 4. 2002: Prisonnier du temps. 2006: 16 Blocs. 2006: Superman 2 (dvd / blu-ray).

On prend les mêmes et on recommence pour le plus grand bonheur des fans si bien que l'Arme Fatale 3 fut le plus grand succès international de la tétralogie (321 731 527 $ de recette) si on écarte paradoxalement les Etats-Unis puisque c'est l'Arme Fatale 2 qui emporte la mise chez eux. Ainsi, on ne change pas une équipe qui gagne et c'est avec un plaisir (oh combien) galvanisant que l'on retrouve notre fameux duo antinomique (le chien fou Riggs et son acolyte papy Roger à 8 jours de sa retraite) entouré de l'encombrant Leo Getz (Joe Pesci toujours aussi irrésistible de cocasserie bonnard en trouble-fête incorrigible) et de la nouvelle recrue Sergent Lorna Cole que campe René Russo en experte en art martial difficilement domptable au 1er abord. Quant à l'intrigue, évidemment limpide et classique, elle tourne autour d'un trafic d'armes que Richard Donner profite de dénoncer en filigrane à travers la prolifération des armes que les jeunes trafiquants afros arborent pour se prémunir des bandes rivales dealers de came.  

D'où cette soudaine dramaturgie appuyée cassant un peu à mi-parcours l'ambiance décomplexée lorsqu'un jeune trépasse après avoir utilisé cette nouvelle arme perforant les gilets par balle. Comme de coutume, le pitch, bien qu'efficacement mené, n'est donc qu'un prétexte pour aligner sur un rythme proprement effréné réparties hilarantes en roue libre (Riggs et Roger ne cessent de se chamailler 2h00 durant sans jamais nous lasser) et action ultra spectaculaire que Richard Donner filme avec un brio vertigineux eu égard de l'intensité de ses morceaux de bravoures d'une efficacité optimale. Mais pour parachever, quoi de plus fructueux que d'instaurer un climat anti dépressif de bonne humeur hyper communicatif auprès du spectateur ne sachant plus où donner de la tête à savourer leurs prises de têtes rocambolesques. A cet égard, et en insistant à nouveau, le duo tempétueux formé par Mel Gibson / Danny Glover demeure à mes yeux probablement inégalé (avec 48 heures si j'ose dire) à travers leur sens d'amitié impayable tout en prônant les valeurs familiales comme le souligne le solitaire Riggs en quête de rédemption conjugale. Par conséquent, et avec le recul des décennies puis l'apparition à double tranchant des CGI, on reste à la revoyure estomaqué par le dynamisme de son action artisanale dont les cascades bluffantes de réalisme restent aujourd'hui toujours aussi funs, pour ne pas dire jubilatoires sous l'impulsion d'une chorégraphie symétrique. 

Un éternel recommencement.

Déjà transcendé de son générique liminaire interprété par le chanteur Sting et Eric Clapton (à la guitare) sur une scénographie d'un stylisme incendiaire, l'Arme Fatale 3 constitue le spectacle idoine du samedi soir à travers son généreux concentré d'action, d'humour et de tendresse que les acteurs à la fête suscitent entre émoi et fringance inépuisables. Tant et si bien que quelques décennies plus tard, cette référence du genre (ou ce classique, c'est selon) n'a point à rougir de ses prédécesseurs même si peut éprouver une préférence pour d'autres opus qui restent à mes yeux communément jubilatoires et extrêmement bienveillants quant aux valeurs si chères de l'amitié inextinguible et de l'union familiale. 

*Bruno

3èx

Box-Office France: 4 480 670 entrées

Ci-joint les chroniques des 2 précédents opus:
Arme Fatale (l'): http://brunomatei.blogspot.fr/2016/08/larme-fatale.html
Arme Fatale 2 (l'): http://brunomatei.blogspot.com/2019/01/larme-fatale-2.html

Mourir peut Attendre / No Time to Die

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site dante7.unblog.fr

de Cary Joji Fukunaga. 2021. U.S.A/Angleterre. 2h43. Avec Daniel Craig, Léa Seydoux, Rami Malek, Lashana Lynch, Christoph Waltz, Ralph Fiennes, Jeffrey Wright

Sortie salles France: 6 Octobre 2021. U.S: 8 Octobre 2021

FILMOGRAPHIE: Cary Joji Fukunaga est un réalisateur, scénariste, producteur, directeur de la photographie et acteur américain, né le 10 juillet 1977 à Oakland, en Californie. 2003 : Kofi (court-métrage). 2004 : Victoria para Chino (court-métrage). 2009 : Sin nombre. 2011 : Jane Eyre . 2012 : Sleepwalking in the Rift (court-métrage). 2015 : Beasts of No Nation. 2021 : Mourir peut attendre. 

Ultime opus de Bond sous la houlette de Daniel Craig, Mourir peut attendre est une sorte de bouquet final au cinéma d'action et d'espionnage estampillé 007. Un spectacle classieux à la fois homérique et émotif comme peu de Blockbusters mainstream peuvent prétendre conjuguer et rivaliser. Tant et si bien qu'outre la solidité de son intrigue charpentée d'après le spectre (contemporain) d'une guerre bactériologique planétaire, Mourir peut attendre nous cloue au siège 2h43 durant. Et il faut vraiment faire la fine bouche pour tenter d'y dénicher un quelconque essoufflement à ce prodigieux spectacle numérisé mais aussi artisanal, comme le confirme son trophée imparti aux cascadeurs lors du SAG Awards 2022. On peut évidemment avec le recul parfois sourire de son action improbable survitaminée tout en s'étonnant de son degré de réalisme probant afin que le spectateur puisse contempler de façon continuelle ces pyrotechnies la bouche écarquillée. Tant auprès de l'ultra dynamisme du montage d'une fluidité hallucinée que de la lisibilité chorégraphique des gunfights et corps à corps d'une intensité  somme toute primitive. Cary Joji Fukunaga relançant de façon quasi métronome l'action belliqueuse sous l'impulsion de l'implication des personnages magnifiquement dessinés (jusqu'aux seconds-rôles à l'instar de la nouvelle agent afro 007 !). Notamment en accordant un intérêt davantage prononcé à la romance que se dispute Bond contre sa muse Madeleine. 

C'est d'ailleurs de cette façon précipitée que l'intrigue débute pour nous parachever 30 minutes d'action anthologique lorsque Bond et Madeleine sont contraint d'entamer une course-poursuite contre des tueurs pour leur enjeu de survie. Alors que l'action d'avant nous proposait de manière quelque peu horrifique une semblant de psycho-killer redoutablement intense entre le tueur masqué et une fillette apeurée. Rien que cette première demi-heure rondement menée (pour ne pas dire pulsatile) nous crispe littéralement au siège, notamment pour nous préméditer les enjeux dramatiques humains que se divise le couple par dépit. Sur ce point, j'ai été extrêmement surpris du jeu ensorcelant de la française Léa Sédoux (si injustement décriée par le public Français - si je ne m'abuse - depuis l'orée de sa carrière) sobrement poignante et si attachante à travers ses expressions sentencieuses ou autrement rigides, puisque jouant sur l'ambivalence d'une éventuelle félonie que le spectateur redoute avec une suspicion équivalente à Bond délibéré à tourner la page plutôt que de se morfondre dans l'incertitude. Ainsi, en jouant sur la menace équivoque de 2 méchants charismatiques (Christoph Waltz en taulard placide que n'aurait renié un certain Hannibal Lecter, et surtout Rami Malek d'une inquiétante force tranquille en justicier criminel renforcé de son visage épouvantablement taillé à la serpe), le réalisateur juxtapose la relation houleuse entre Bond et Madeleine préservant d'importants secrets afin d'instaurer un suspense prégnant qui culminera avec l'audace d'une conclusion renversante (pour ne pas dire bouleversante). 

Illuminé de vastes paysages naturels au sein d'une fastueuse photo chrome que Cary Joji Fukunaga exploite avec un brio étourdissant d'inventivité géométrique (notamment auprès de l'harmonie des couleurs et des contrastes), Mourir peut attendre nous déclare sa flamme au cinéma d'action "émotionnel" sous l'impulsion d'une fragile romance teintée de mélancolie. On pourrait également énumérer le charisme des moult seconds-rôles communément irréprochables (avec parfois l'intrusion de répliques ironiques sobrement mises en place), mais je privilégie évidemment le duo incandescent que forme Daniel Craig / Léa Seydoux (n'ayant jamais été aussi belle à l'écran) divins de complémentarité amoureuse à travers leur relation sensiblement infortunée. Et pour parachever, impossible de passer outre l'acuité de son score musical d'une finesse remarquablement discrète pour susciter une fragile émotion auprès de l'immersion du spectateur impliqué dans une dramaturgie en crescendo. Sans omettre non plus l'intensité planante de la chanson « No Time To Die » interprétée par Billie Eilish (récompensée 2 fois Outre-Atlantique !) lors du générique onirique faisant office de chef-d'oeuvre à lui seul (si bien que je me suis surpris d'y verser des larmes par sa gracilité expressive). 

*Bruno

Box Office France: 4 007 532 entrées

Récompenses: 

Grammy Awards 2021 : Meilleure chanson écrite pour un média visuel pour No Time to Die (Billie Eilish et Finneas O'Connell)

Golden Globes 2022 : Meilleure chanson originale pour No Time to Die (Billie Eilish et Finneas O'Connell)

SAG Awards 2022 : Meilleure équipe de cascadeurs

BAFTA 2022 : Meilleur montage

Oscars 2022 : Meilleure chanson originale pour No Time to Die (Billie Eilish et Finneas O'Connell)

Jamais plus Jamais / Never Say Never Again

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

d'Irvin Keschner. 1983. U.S.A/Angleterre/Allemagne de l'Ouest. 2h14. Avec Sean Connery, Klaus Maria Brandauer, Kim Basinger, Barbara Carrera, Bernie Casey, Edward Fox, Alec McCowen, Pamela Salem, Max von Sydow, Gavan O'Herlihy.

Sortie salles France: 30 Novembre 1983. U.S: 7 Octobre 1983.

FILMOGRAPHIE: Irvin Kershner est un réalisateur et producteur américain, né le 29 Août 1923 à Philadelphie (Pennsylvanie), décédé le 27 Novembre 2010 à Los Angeles (Californie). 1958: Stakeout on Dope Street. 1959: The Young Captive. 1961: Le Mal de vivre. 1963: Face in the Rain. 1964: The Luck of Ginger Coffey. 1966: l'Homme à la tête fêlée. 1967: Une sacré fripouille. 1970: Loving. 1972: Up the Sandbox. 1974: Les 'S' Pions. 1976: La Revanche d'un Homme nommé Cheval. 1978: Les Yeux de Laura Mars. 1980: l'Empire contre-attaque. 1983: Jamais plus jamais. 1990: Robocop 2.

Bond à part que ce Jamais plus Jamais marquant le retour fortuit de Sean Connery (il avait juré de ne plus reprendre le rôle après la sortie des diamants sont Eternels), dans la mesure où cet opus ne fait d'ailleurs pas officiellement parti de la franchise, faute du conflit qui opposa le scénariste et producteur Kevin McClory contre le romancier Ian Fleming avec qui il collabora afin d'imaginer la 1ère aventure de l'agent 007. Il s'agit donc d'une relecture moderne de Opération Tonnerre, ou plus exactement de la revanche de Kevin McClory après qu'il sortit victorieux de sa poursuite en justice contre Fleming en 1973. Sauf qu'à la suite d'un pacte avec les producteurs Albert R. Broccoli et Harry Saltzman, il du toutefois patienter plus de 10 ans pour transposer cette nouvelle aventure sur grand écran. C'est donc en 1983 qu'il parvient véritablement à mettre en chantier Jamais plus Jamais sans se coltiner la participation de la société de production Eon Productions (avec qui Broccoli / Satzman  étaient liés). Formidable récit d'aventures, de romance, d'espionnage et d'actions homériques (principalement la poursuite en moto anthologique !) dirigé par la valeur sûre d'Hollywood, Irvin Kershner (l'Empire contre attaque, Les Yeux de Laura Mars, Robocop 2), Jamais plus jamais sort au même moment qu'un autre Bond afin de concurrencer Roger Moore starisé dans Octopussy (comme le souligne d'ailleurs ses nombreux traits d'humour que Connery tente parfois d'émuler avec plus ou moins de bonheur). Hélas, en terme pécuniaire, Octopussy en sort vainqueur avec 67 900 000 $ contre 55 400 000 $ pour son homologue. En tout état de cause, et selon mon jugement de valeur, il s'agit de 2 excellents métrages n'ayant surement point à rougir des plus belles réussites de Bond (n'en déplaise à ces détracteurs qui ne jurent que par le roc Connery à l'époque de leur brève rivalité commerciale). 

Par conséquent, à la revoyure de ce Jamais plus Jamais (là aussi le titre fripon joue sur l'humeur versatile de son acteur emblématique), ce qui frappe d'emblée émane de son aspect artisanal à daigner narrer une histoire constructive auprès de personnages formidablement bien traités qu'Irvin Kershner prend son temps à nous caractériser (certains pourraient d'ailleurs reprocher une 1ère partie laborieuse, ce que personnellement je conteste sans soupçon d'hésitation). D'où l'intérêt majeur de ce spectacle scrupuleusement attentionné à nous attacher à ces personnages hauts en couleur. Que ce soit Barbara Carrera en criminelle sarcastique à la limite de la psychopathie, étonnamment à l'aise à travers son jeu un brin hystérisé. Du méchant mégalo qu'endosse avec une mine sobrement fringante l'allemand Klaus Maria Brandauer dans une posture spontanée de séducteur insidieux et lestement gouailleur (notamment lorsqu'il perpétue une bataille navale électronique si j'ose dire avec son rival 007). Quant à Kim Basinger, quel plaisir de la retrouver ici en jeune victime fragile comptant sur la virilité infaillible de Sean Connery pour se prémunir des menaces qui pèsent davantage sur ses épaules depuis que Bond parvint à infiltrer le fief de Largo (l'amant de celle-ci qui est d'ailleurs responsable de la mort de son frère exécuté par la diablesse Domino - Barbara Carrera divine de machiavélisme j'vous dit - !). Quant à l'illustre classe impassible de Sean Connery, à la fois sobre mais aussi détendu par ses instants de cocasserie impromptus, il nous laisse une dernière prestation solide en agent secret strié poursuivant ses adversaires avec une forme assez convaincante (même si parfois il est évidemment doublé, telle la poursuite effectuée en moto à travers étroites ruelles) à défaut de nous bluffer, physiquement parlant. 

Episode officieux mal aimé ou oublié, c'est selon, Jamais plus Jamais dégage un charme indéfectible à travers la solidité de sa mise en scène artisanale principalement soumise au charisme de ses interprètes communément irréprochables. Et ce avant de nous titiller des émotions plus fortes parmi quelques scènes d'action jamais gratuites (d'où leur discrétion imposée, surtout lors de la 1ère heure) que Kershner dissémine sans s'embarrasser de prétention (lui l'auteur du monumentalement épique Empire contre-attaque !). A revoir donc pour tous les amoureux de divertissement policier où sensualité érotique et virilité héroïque font bon ménage sous la houlette d'un habile faiseur d'images exotiques. 

*Bruno

James Bond contre Dr No / Dr No. Golden Globes 1964 : révélation féminine de l'année pour Ursula Andress

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Terence Young. 1962. Angleterre. 1h50. Avec Sean Connery, Ursula Andress, Joseph Wiseman, Jack Lord, Bernard Lee, Anthony Dawson, Zena Marshall, John Kitzmiller.

Sortie salles France: 27 Janvier 1963. Angleterre: 10 Octobre 1962. U.S: 8 Mai 1963

FILMOGRAPHIE: Terence Young est un scénariste et réalisateur britannique, né le 20 juin 1915 à Shanghai, Chine, décédé le 7 septembre 1994 à Cannes d'une crise cardiaque.1946 : La gloire est à eux. 1948 : L'Étrange Rendez-vous. 1948 : One Night with You. 1949 : Les Ennemis amoureux. 1950 : Trois des chars d'assaut. 1951 : La Vallée des aigles. 1952 : The Tall Headlines. 1953 : Les Bérets rouges. 1955 : La Princesse d'Eboli. 1955 : Les Quatre Plumes blanches. 1956 : Safari. 1956 : Zarak le valeureux. 1957 : Au bord du volcan. 1958 : La Brigade des bérets noirs. 1959 : Serious Charge. 1960 : La Blonde et les nus de Soho. 1961 : 1-2-3-4 ou les Collants noirs. 1961 : Les Horaces et les Curiaces. 1962 : James Bond 007 contre Dr No. 1963 : Bons Baisers de Russie. 1965 : Les Aventures amoureuses de Moll Flanders. 1965 : Guerre secrète. 1965 : Opération Tonnerre. 1966 : Opération Opium. 1967 : Peyrol le boucanier. 1967 : La Fantastique Histoire vraie d'Eddie Chapman. 1967 : Seule dans la nuit. 1968 : Mayerling. 1969 : L'Arbre de Noël. 1970 : De la part des copains. 1971 : Soleil rouge. 1972 : Cosa Nostra. 1974 : Les Amazones. 1974 : L'Homme du clan. 1977 : Woo fook. 1979 : Liés par le sang. 1981 : Inchon. 1983 : La Taupe. 1988 : Marathon.

La classe inoxydable de Sean Connery dès sa première aproche avec 007. 

Il s'agit de la 1ère adaptation filmique de James Bond créé par le romancier Ian Fleming et on peut dire que le réalisateur britannique Terence Young s'en sort haut la main à conjuguer en toute efficacité policier, aventure, romance, action ainsi qu'un soupçon de violence (parfois cruelle !) sous l'égide de l'indétrônable Sean Connery d'un naturel hors pair dans la peau d'un espion à la fois charmeur, retors, véloce et sobrement héroïque. D'ailleurs, sur ce point potentiellement épique; James Bond contre Dr No ne réserve finalement que peu d'action durant l'investigation périlleuse de Bond contraint de faire escale sur une île Jamaïcaine pour tenter de résoudre la mort mystérieuse de 2 agents britanniques. 

Pourtant mené sans temps mort au sein d'une classieuse photo sépia, on est captivé par l'élégance dépouillée des décors exotiques et de la mise en scène d'un charme rétro (aujourd'hui) résolument irrésistible. Tant et si bien que James Bond contre Dr No semble véritablement éternel à perdurer sa capacité innée à nous séduire au travers d'une aventure policière rondement menée dans son concentré de péripéties insidieuses, félonies, étreintes sensuelles (la néophyte Ursula Andress transperce l'écran de  son aura charnelle noisette et du reflet de son innocence un brin naïve - si bien qu'elle croit au dragon ! -), exactions criminelles, poursuites et climax homérique au sein du repère de l'inquiétant Dr No que Terence Young a la judicieuse astuce de nous le dévoiler qu'à l'ultime demi-heure afin de renforcer l'aspect mystérieux de cet antagoniste aussi altier que mégalo à daigner dominer le monde (comme le relève la consigne de chaque opus). 

Les spectateurs français ne s'y tromperont pas, James Bond contre Dr No cumula 4 772 574 entrées alors qu'aux 4 coins du monde il triomphera pour rembourser en 3 mois seulement son million de dollars initial grâce au cumul des 60 millions de dollars de recettes. C'est donc sans surprises qu'une suite est mise en chantier 1 an plus tard sous la houlette du même réalisateur et de son acteur vedette, quand bien même Ursula Andress accédera elle aussi peu à peu à la notoriété. Un plaisir de cinéma vintage d'une puissance visuelle en perpétuelle attraction commune que le briscard Terence Young peaufine avec un remarquable savoir-faire (notamment en magnifiant le profil de Sean Connery par petites touches suggestives pour sa 1ère apparition Bondienne face écran).

*Bruno

Récompense: Golden Globes 1964 : révélation féminine de l'année pour Ursula Andress (Ex aequo avec Tippi Hedren pour Les oiseaux et Elke Sommer pour Pas de lauriers pour les tueurs)

Elvis

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Baz Luhrmann. 2022. U.S.A/Australie. 2h39. Avec Austin Butler, Tom Hanks, Helen Thomson, Richard Roxburgh, Olivia DeJonge, Luke Bracey, Natasha Bassett.

Sortie salles France: 22 Juin 2022

FILMOGRAPHIE: Baz Luhrmann est un réalisateur, scénariste et producteur australien, né le 17 septembre 1962 à Herons Creek (Nouvelle-Galles du Sud). 1992 : Ballroom Dancing. 1996 : Roméo + Juliette. 2001 : Moulin Rouge. 2008 : Australia. 2013 : Gatsby le Magnifique. 2022 : Elvis. 

Biopic d'une légende du Rock sous l'impulsion d'un franc-tireur contestataire.

Spectacle de la démesure et de la frénésie sous l'impulsion de l'artiste solo le plus célèbre de tous les temps (il reste à l'heure actuelle inégalable en terme de vente de disques !), Elvis est un vortex émotionnel d'une durée substantielle de 2h39. Et si on peut déplorer quelques petits essoufflements durant le parcours musical de ce géant du déhanchement (sa 1ère exhibition est anthologique, MA séquence attitrée de tout le métrage !), l'émotion sensorielle ressentie à plusieurs moments (dont celle susnommée donc) emporte tout sur son passage. A l'instar également de son ultime demi-heure franchement bouleversante (alors que l'on connait l'issue mortuaire) parvenant à nous faire ressentir la détresse du King comme si nous étions à l'intérieur de son corps tuméfié par l'alcool, l'épuisement, l'isolement, les cachets. 

Outre l'incroyable fulgurance de la mise en scène retraçant le parcours d'endurance (euphémisme !) d'un chanteur révolutionnaire soumis à l'autorité véreuse de son impresario (que campe admirablement Tom Hanks dans une posture sournoise de paternel faussement prévenant), Baz Luhrmann en profite pour nous remémorer une page de l'histoire de l'Amérique à la fois puritaine (Elvis risque la prison uniquement à cause de ses déhanchements jugés trop provocateurs, violents et sexy et de ses paroles frondeuses !), complotiste (la mort de Kennedy) et ségrégationniste, comme le confirme la mort de Martin Luther King qu'Elvis voue d'admiration en tant que figure symbole de la communauté noire. Si bien que le Gospel qu'il accueillit étant enfant dans une église inspira largement son style musical et ses pas de danse dans une posture transie d'émoi que les fans contemplaient dans une fascination hystérico-obsessionnelle. On peut évidemment saluer à travers ses expression surmenées (de perles de sueur) la prestance du jeune Austin Butler se donnant à fond dans la peau fragile du King balloté tous azimuts par ses fans, son impresario et d'autres requins financiers durant toute sa trajectoire professionnelle. Tant et si bien que l'acteur parvient à nous conjuguer (sans déborder) ses euphories de la notoriété et son appréhension dépressive de perdurer dans les bravoures musicales lors d'un compromis quasi suicidaire (son ultime concertation avec son impresario lui sera 2 ans plus tard fatale). 

Dégageant une énergie pulsatile souvent impressionnante mais peu à peu destructrice au fil de l'évolution déclinante du King davantage isolé de sa famille (paternelle et conjugale) et plongé dans 

l'impasse d'une probable faillite, Elvis, le film, dégage un humanisme chétif résolument communicatif pour tenir compte de l'exceptionnel talent de ce mélomane manipulé par la plupart de son entourage (son propre père inconséquent peut d'ailleurs faire profil bas), des médias véreux et des fans faute de notre fanatisme égoïste à se figer d'admiration pour un super-héros intemporel. Du grand spectacle  épique incessamment vampirisé du montage capiteux qui laisse sans voix au générique en berne. Et probablement le meilleur film de son (inégal) auteur qui étrangement parvient ici grâce à sa traditionnelle outrance baroque à transplanter la fureur de sa réalisation habitée avec l'énergie instable d'Elvis Presley à la fois anticonformiste, novateur et ingérable à s'opposer durant toute sa carrière au diktat de la bien-pensance. 

*Bruno

Chewing-gum Rallye / The Gumball Rally

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Charles Bail. 1976. U.S.A. 1h45. Avec Michael Sarrazin, Norman Burton, Raúl Juliá, Gary Busey,  Tim McIntire.

Sortie salles France: 11 Juin 1980. U.S: 28 Juillet 1976

FILMOGRAPHIE: Charles Bail est un réalisateur et acteur américain né en 1935 à Pittsburgh, Pennsylvania, USA, décédé le 25 Novembre 2020 à Tyler, Texas, USA. 1996: Street Corner Justice. 1986: Choke Canyon. 1976: Chewing Gum Rallye.  1975 Cleopatra Jones and the Casino of Gold. 1974 Black Samson. 

Précurseur de L'Équipée du Cannonball, Cannonball et Cannonball 2, Chewing-gum rallye s’ancre à l’origine dans la véritable course (non officielle) du Baker Sea-To-Shining-Sea Memorial Trophy Dash. Ce road-movie désinvolte devrait réjouir les amateurs de poursuites motorisées sur bitume, menées sur le ton d’une comédie d’action sans prétention.
Le film mise beaucoup sur la bonhomie fougueuse de ses interprètes - Michael Sarrazin, Raúl Juliá en tête -, tous à l’aise en fous du volant défiant la maréchaussée, tandis que d’autres énergumènes (la bande des motards) viennent ralentir leur échappée vers l’arrivée.

Le tout, correctement rythmé, respire le cinéma des années 70, à travers ses multiples traversées urbaines que le réalisateur capte avec un certain souci documentaire. Les mini-cascades, sans esbroufe, amusent par leur générosité modeste.
L’humour pittoresque ne vole évidemment pas bien haut, porté par des péripéties aussi crétines que parfois délicieusement ubuesques (comme ce flic persuadé de débarquer sur un plateau de tournage). Ce ton franchouillard à l’américaine participe pourtant à son charme rétro, vestige d’une époque révolue friande de spectacles fun, légers et décomplexés.

À ce petit jeu motorisé, on pourra légitimement préférer la série des Cannonball, réalisée quelques années plus tard dans les années 80 - plus ludique et flamboyante peut-être, mais pas forcément plus libre.

— le cinéphile du cœur noir

Info (Wikipedia): 

Le Cannonball Baker Sea-To-Shining-Sea Memorial Trophy Dash, largement connu sous le nom de Cannonball Baker ou Cannonball Run, était une course automobile non officielle et non autorisée qui s’est déroulée cinq fois dans les années 1970 de New York et Darien, Connecticut, sur la côte est des États-Unis au Portofino Inn[1] dans la banlieue de Los Angeles de Redondo Beach. Californie. Les courses Cannonball Run ont également inspiré de nombreux efforts contemporains d’équipes indépendantes pour établir le temps record pour le parcours, connu sous le nom de Cannonball Run Challenge.

Conçue par Brock Yates, rédacteur de magazine automobile et coureur automobile, et Steve Smith, rédacteur en chef de Car and Driver, la première course n’était pas une course compétitive car une seule équipe courait. La course était destinée à la fois à célébrer le réseau routier inter-États des États-Unis et à protester contre l’entrée en vigueur du code de la route strict à l’époque. Une autre motivation était le plaisir impliqué, qui se voyait dans les rapports ironiques dans Car and Driver et d’autres publications automobiles dans le monde entier. La première course de cross-country a été faite par Yates; son fils, Brock Yates, Jr.; Steve Smith; et son ami Jim Williams à partir du 3 mai 1971, dans une fourgonnette Dodge Custom Sportsman de 1971 appelée « Moon Trash II ». 

La course a eu lieu quatre autres fois: le 15 novembre 1971; 13 novembre 1972; 23 avril 1975; et le 1er avril 1979. 

Le magazine Car and Driver détaille la course de novembre 1971 dans son numéro de mars 1972. Cet article a été réimprimé pour représenter les années 1970 à l’occasion du 50e anniversaire du magazine en 2005. Un effort remarquable a été fait par la légende de la course automobile américaine Dan Gurney, vainqueur des 24 Heures du Mans 1967. Il a remporté le deuxième Cannonball au volant d’une Ferrari 365 GTB/4 Daytona bleue Sunoco. Gurney a déclaré: « À aucun moment, nous n’avons dépassé 175 mph [280 km / h]. » Lui et Brock Yates en tant que copilote ont pris 35 heures 54 minutes pour parcourir 2 863 miles (4 608 km) à une moyenne d’environ 80 mph (130 km / h) tout en récoltant une amende. La neige dans les montagnes Rocheuses les a considérablement ralentis.

En 1972, l’équipe de Steve " Yogi » Behr, Bill Canfield et Fred Olds a remporté dans une Cadillac Coupe de Ville, la première voiture américaine à remporter un Cannonball. 

Les 23 et 25 avril 1975, Jack May et Rick Cline conduisent une Dino 246 GTS depuis le Red Ball Garage de New York en un temps record de 35 heures 53 minutes, avec une moyenne de 83 mph (134 km/h).

Le record officiel de Cannonballs est de 32 heures 51 minutes (environ 87 mph ou 140 km/h), établi lors de la dernière course de Darien, Connecticut, à Los Angeles par Dave Heinz et Dave Yarborough dans une Jaguar XJS en avril 1979. 

Après les courses originales de Cannonball, Car and Driver a sponsorisé des circuits fermés légitimes, le One Lap of America. Les successeurs hors-la-loi aux États-Unis, en Europe et en Australie continuent d’utiliser le nom Cannonball sans l’approbation de Yates.

Prey

                                               Photo empruntée sur Google, imputée au site Ebay.fr

de Dan Trachtenberg. 2022. U.S.A. 1h39. Avec Amber Midthunder, Dakota Beavers, Dane DiLiegro, Stormee Kipp, Michelle Thrush, Julian Black Antelope

Sortie le 5 Août 2022 (Int - 17 ans aux Etats-Unis)

FILMOGRAPHIE: Dan Trachtenberg, né le 11 mai 1981 à Philadelphie (Pennsylvanie), est un réalisateur et scénariste américain. 2016 : 10 Cloverfield Lane. 2022 : Prey. 

Dénué de prétention et d'ambition, conscient de ne pouvoir rivaliser avec son modèle, Prey est un très bon film d'action dans la lignée des divertissements sans prétention des années 80. Dans la mesure où Dan Trachtenberg compte beaucoup sur l'efficacité des affrontements plutôt bien emballées, assez spectaculaires, parfois épiques et surtout, une fois n'est pas coutume, jamais outrancières comme le souligne la confrontation finale concise tout à fait modeste (à défaut de combler les fans de surenchère bourrine). Et donc, on peut y établir une filiation avec l'excellente séquelle de Stephen Hopkins, Predator 2 dont l'essentiel de l'action fut concentrée en plein centre urbain de Los Angeles pour se démarquer du chef-d'oeuvre de Mc Tiernan à renouveler son cadre géographique en jouant la carte du divertissement du Samedi soir à travers ses moult séquences d'action vénères se rapprochant de la BD. Or, avec Prey, on nous sert en prime un joli portrait de femme rebelle gagnée par l'estime de soi auprès de l'entrée en matière d'un 1er acte psychologique fondé sur son opposition avec des personnages machistes, autoritaires, gouailleurs se référant au patriarcat de leur tribu commanche. 

Ainsi, avec même plus de sobriété dans le jeu des acteurs et d'une action primale aussi généreuse, Dan Trachtenberg délocalise l'action temporelle dans l'Ouest sauvage de 1719 en accordant le premier rôle à ce personnage féminin, Naru. Une indienne chasseuse en herbe vivant paisiblement avec son fidèle chien (participant autant à l'aventure avec une ruse intrépide !) auprès de sa communauté et qui devra retrousser ses manches depuis l'intrusion inhospitalière de notre alien stellaire. Or cette dernière ne conjurait qu'une chose auprès de son peuple Comanche, leur prouver d'être capable d'accéder au rang de guerrière notoire. C'est donc évidemment une nouvelle chasse à l'homme auquel nous avions droit, une traque inlassable entre indiens et blancs dépouilleurs de peau de bisons (notamment pour y relancer l'action dans une direction plus sanglante) que Dan Trachtenberg transfigure au sein d'une scénographie naturelle fastueuse. Qui plus est renforcé d'une photo assez splendide en rehaussant l'attrait dépaysant de vastes panoramas montagneux. Et à ce niveau formel, on en prend également plein la vue en mode immersif. 

Sans égaler le chef-d'oeuvre indétrônable de John Mc Tiernan, Prey joue la carte du modeste divertissement avec une probité qui fait plaisir à voir en notre ère numérisée trop souvent dénuée d'ambition, d'âme, de fureur, de passion. Tant et si bien qu'ici hormis l'emploi de certains trucages virtuels, on reste assez convaincu de la qualité plutôt correcte des CGI assez bien insérés dans le cadre géographique. Efficace, captivant et haletant pour ne jamais ennuyer tout en se focalisant à nouveau sur l'intensité fascinatoire de notre predator quasi indestructible, Prey se savoure aussi bien que Predator 2 sous l'impulsion d'une héroïne attachante en guerrière intrépide en ascension de reconnaissance. Un divertissement réjouissant donc, plus sincère, fun et stimulant que toutes les suites et épigones dérivés que nous nous sommes coltinés par opportunisme. Le predator est donc bel et bien de retour pour le plaisir de ses fans avec, en filigrane, un noble discours sur l'émancipation féminine du point de vue d'une initiation héroïque plus rusée et primale qu'attendue.  

*Bruno

09.09.24. 2èx. VF. 4K

Gremlins 2 / Gremlins 2: The New Batch

                                          

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site imdb.com

de Joe Dante. 1990. U.S.A. 1h46. Avec Zach Galligan, Phoebe Cates, John Glover, Robert Prosky, Robert Picardo, Christopher Lee, Haviland Morris, Dick Miller.

Sortie salles France: 22 Août 1990. U.S: 15 Juin 1990

FILMOGRAPHIE: Joe Dante (né le 28 novembre 1946 à Middletown, New Jersey) est un critique, scénariste, monteur, producteur et réalisateur américain. Son plus grand succès populaire est, à ce jour, Gremlins (1984). 1966-1975 : The Movie Orgy 1976 : Hollywood Boulevard, co-réalisé avec Allan Arkush 1978: Piranhas,1981 : Hurlements (The Howling) 1983 : La Quatrième Dimension (Twiling Zone the Movie), troisième épisode, Its a Good Life 1984 : Gremlins 1985 : Explorers 1987 : Cheeseburger film sandwich (Amazon Women on the Moon), 5 sketches 1987 : L'Aventure intérieure, 1989 : Les Banlieusards (The 'burbs) 1990 : Gremlins 2, la nouvelle génération (Gremlins 2 The New Batch) 1993 : Panic sur Florida Beach (Matinee) 1998 : Small Soldiers 2003 : Les Looney Tunes passent à l'action (Looney Tunes : Back in Action) 2006 : Trapped Ashes , premier segment,Wraparound. 2009: The Hole.

Séquelle de tous les excès boudée dès sa sortie par le public (même si en France il cumule tout de même 2 391 391 entrées) et pas vraiment bien accueillie par la critique si je ne m'abuse, Gremlins 2 est un drôle d'objet filmique que tout le monde, ou presque, considère aujourd'hui comme véritablement réussie, pour ne pas dire cultissime. Et bien que personnellement j'ai toujours émis des réserves sur cette suite hystérico-folingue nantie d'un indicible climat à la fois contestataire, satirique et belliqueux, il m'aura fallu un 4è visionnage pour me convaincre de l'apprécier à sa juste valeur. Et ce même si je garde toutefois une préférence pour le 1er opus à travers son alliage idoine d'humour, de tendresse, de féérie et d'épouvante que Spielberg et Dante ont parfaitement su équilibrer afin de rassembler le grand public. Plus insolent, plus fou, plus dégénéré, plus grotesque et même plus inquiétant auprès de son inventivité parfois imprévisible et de son message politique (Trump est ici caricaturé par l'antagoniste Daniel Clamp), Gremlins 2 dégage un sentiment (amer) de défouloir caustique lorsque Joe Dante cible finalement du doigt une multinationale adepte des technologies ultra modernes au sein d'un building High-tech considérant ses employés comme des esclaves soumis. 

Les Gremlins détruisant et massacrant tout ce qui se trouve sur leur passage afin de réinstaurer une existence traditionnelle plus paisible et bucolique au sein d'une nouvelle topographie urbaine autrement écolo. C'est tout du moins ce qu'imprime comme message final le réalisateur Joe Dante délibéré à vomir de ses tripes une Amérique matérialiste davantage despotique, mégalo et voyeuriste à travers ses vidéos de caméra surveillance exploitées pour dénoncer le mauvais citoyen bravant les règles de la bienséance.  Jeu de massacre donc bourré de références, de gags inventifs et de péripéties tantôt épuisantes, tantôt déconcertantes; film méta, divertissement bicéphale se raillant de son propre concept (et de celui du 1er opus si bien que "l'homme" reste toujours aussi empoté, capricieux et irresponsable), Gremlins 2 s'avère plus ambigu et discursif derrière son gros délire de sale gosse incivilisé que les Gremlins injectent à l'écran avec une verve désinhibée en roue libre. Les effets-spéciaux encore plus réussis qu'au préalable demeurant notamment l'attraction majeure de ce show verbal et musical si bien que l'effet de fascination procurée reste toujours aussi probant de par l'expressivité enjouée des créatures et de leur agile mobilité. Tant auprès de la candeur de Gizmo peu à peu animé par un esprit de rancoeur que de ses rivaux autrement fauteurs de trouble se métamorphosant parfois en créatures ailées, défigurées ou électrifiées pour envahir New-York et asseoir leur autorité. 

Objet filmique non identifié à la fois drôle, fascinant, jouissif mais aussi étonnement étrange, vicié et inquiétant, Gremlins 2 s'alloue en prime d'une aura nostalgique en la présence de nos héros du 1er opus que l'on retrouve ici (pour la plupart) avec une évident plaisir familier. A revoir donc (encore et encore) tant cette séquelle pas comme les autres fourmille d'idées incongrues, de folie ubuesque et de situations improbables avec une liberté de ton fulgurante à faire grincer les dents. 

*Bruno

23.11.17

04.08.22. 4èx

La Horse

                                         Photo empruntée sur Google, imputée au site Imdb.com

de  Pierre Granier-Deferre. 1969. France. 1h17. Avec Jean Gabin, André Weber, Marc Porel, Éléonore Hirt, Christian Barbier, Danièle Ajoret, Michel Barbey.

Sortie salles France: 22 Février 1970

FILMOGRAPHIE: Pierre Granier-Deferre, né le 22 juillet 1927 dans le 9e arrondissement de Paris, ville où il est mort le 16 novembre 2007 dans le 16e arrondissement, est un réalisateur français.1961 : Le Petit Garçon de l'ascenseur. 1962 : Les Aventures de Salavin (sous-titré Confession de minuit). 1965 : La Métamorphose des cloportes. 1965 : Paris au mois d'août. 1965 : Histoires d'hommes TV. 1967 : Le Grand Dadais. 1970 : La Horse. 1971 : Le Chat. 1971 : La Veuve Couderc. 1973 : Le Fils. 1973 : Le Train. 1974 : La Race des seigneurs. 1975 : La Cage. 1975 : Adieu poulet. 1976 : Une femme à sa fenêtre. 1979 : Le Toubib. 1981 : Une étrange affaire. 1982 : L'Étoile du Nord. 1983 : L'Ami de Vincent. 1985 : L'Homme aux yeux d'argent. 1986 : Cours privé. 1987 : Noyade interdite. 1988 : La Couleur du vent. 1990 : L'Autrichienne. 1992 : La Voix. 1993 : Archipel. 1995 : Le Petit Garçon.

Flingué par la critique de l'époque (ce qui n'est guère surprenant) mais applaudi par le public français, La Horse ("l'héroïne" en terme argot) s'empare du film d'auto-défense sous la mainmise du solide artisan Pierre Granier-Deferre (le Chat, Adieu Poulet, l'Etoile du Nord, le Train). L'illustre Jean Gabin se fondant dans le corps d'un patriarche réac contraint d'arborer son fusil de chasse auprès de trafiquants de drogue zélés auquel y est mêlé son petit fils Henri. Délibéré à le protéger de la prison et de la mort par ces rivaux vénaux, Auguste Maroilleur défendra bec et ongle toute sa famille quitte à sombrer dans le criminalité parmi la complicité de certains des membres familiaux. Et ce qui semblait à la base un pitch éculé surfant sur le sous-genre du Vigilante Movie devient sous la houlette de Deferre un excellent divertissement autonome, inventif, inquiétant, anticonformiste de par son absence de moralité régie autour de cette famille paysanne en étroite concertation. Ainsi donc, le réalisateur parvient louablement à ne pas sombrer dans les clichés triviaux du film d'auto-défense que l'on connait par coeur. Au contraire, il parvient à se démarquer de ses concurrents de par l'adresse de sa mise en scène faisant vivre ses protagonistes ruraux sous l'égide du renfrogné Gabin motivé par sa droiture d'une hiérarchie familiale auquel il laisse s'exprimer ses réparties tranchées. 

La densité de la mise en scène accordant notamment une grande attention aux décors domestiques et naturels afin de nous immerger dans cette scénographie rustique où les animaux y paieront parfois un lourd tribut. A cet égard, et pour rassurer les fervents défenseurs de la cause animale (dont je fais parti), l'incroyable traque mortelle contre les vaches n'est aucunement un snuf selon les allégations de Jean Gabin de par l'habileté du montage au réalisme saisissant pour nous faire croire à l'impensable. Même si personnellement je trouve que la séquence assez pénible par sa répétition brutale s'attarde un peu trop dans la temporalité à pourchasser les vaches sans relâche (anesthésiées aux médocs donc par des vétos ou préalablement mortes en dehors du tournage). On peut donc parler de films d'acteurs (entourés d'attachants seconds-rôles) solidement investis dans cette vendetta paysanne que Jean Gabin monopolise avec son bagout proverbial qu'on lui connait. Qui plus est, et il est primordial à mon sens de le souligner, la musique composée par Gainsbourg et Michel Colombier renforce cette aura singulière pour rendre compte de l'hostilité de son atmosphère feutrée instaurée en crescendo dès que les vaches trépassent de la manière la plus vile et sournoise. 

La Horse demeure donc du cinéma à l'ancienne comme on n'en fait hélas plus depuis fort longtemps. Ou plus objectivement un moment de cinéma artisanal assez excitant, étonnamment baroque même dans la paysage français, et passionnant à traiter du thème d'auto-défense au sein d'une hiérarchie paysanne à la complicité contagieuse. Et ce tout en prônant, selon la doctrine du patriarche castrateur, des valeurs conservatrices issues de son époque révolue qu'il chérit tant. Solidement mis en scène parmi l'intelligence de l'auteur à ne jamais sombrer dans la surenchère et la facilité routinière, La Horse est un spectacle anticonformiste saturé de l'audace d'une conclusion déroutante qui plus est tourné subtilement en dérision. 

*Bruno 

Ci-joint l'interview de Jean Gabin rassurant les spectateurs de ne pas avoir sacrifié les vaches au moment du tournage. 

Virgin Suicides. Caméra d'Or, Cannes 2000

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Sofia Coppola. 1999. U.S.A. 1h37. Avec James Woods, Kathleen Turner, Kirsten Dunst, A.J. Cook, Josh Hartnett, Leslie Hayman.

Sortie salles France: 27 Septembre 2000. U.S: 19 Mai 1999

FILMOGRAPHIE: Sofia Coppola née le 14 mai 1971 à New York, est une réalisatrice, actrice, productrice et scénariste américaine. 1999 : Virgin Suicides. 2003 : Lost in Translation. 2006 : Marie-Antoinette. 2010 : Somewhere. 2013 : The Bling Ring. 2017 : Les Proies (The Beguiled). 2020 : On the Rocks. 

Aujourd'hui considéré à juste titre comme un classique, la 1ère réalisation de Sofia Coppola est probablement (et selon moi) sa plus belle réussite. Tout du moins son oeuvre la plus envoûtante, spécialement sensuelle et gracile. Un coup de maître où l'émotion, contradictoire (drame / humour /tendresse), nous ébranle le coeur sans crier gare. Et ce même si le prologue nous eu averti du dénouement mortuaire de ses adolescentes que Sofia Coppola filme comme de véritables déesses sortis d'un Eden en dépit de l'ombre de leur évolution morale davantage pessimiste. Un parti-pris réaliste sans concession mais jamais complaisant et d'autant plus audacieux que l'humour s'y invite fréquemment pour renforcer l'insouciance du passage de l'adolescence partagée entre maladresse, orgueil, audace et trahison dans leur désir de plaire et de convaincre. Inconsciemment inspirée par la mort de son frère Gio Coppola lors d'un tragique accident de voiture à l'âge de 15 ans, Sofia Coppola traite ici du deuil, de la perte de l'innocence et de la quête identitaire à travers le portrait fragile de ces 5 soeurs gouvernées par une mère bigote et un père taiseux (dans une posture hiératique placide peu à peu effacée, James Woods / Kathleen Turner insufflent à merveille une expressivité à la fois intransigeante, désabusée, pour ne pas dire aseptisée). On peut donc évoquer la famille dysfonctionnelle de par le profil castrateur de ses parents conservateurs se pliant aux règles de Dieu afin d'élever leur famille dans un amour catholique (ici) terriblement infructueux. 

Baignant paradoxalement dans un climat langoureux chargé d'une poésie éminemment lascive à filmer ses ados juvéniles en robe de soie (quelle notion de pureté avec leurs cheveux d'or !), Virgin Suicides nous ensorcelle irrémédiablement la vue à travers le charme de ses filles candides apprenant au fil du récit leur condition soumise après avoir bravé leur doctrine familiale. Ses premiers flirts, ses premiers baisers, ses premières étreintes puis finalement les déceptions qui en découlent Sofia Coppola les filment avec une attention avisée afin de susciter une émotion virginale à la fois nostalgique, poignante et pétrie de tendresse que le spectateur se remémore lors de ses réminiscences amoureuses. Kirsten Dunst transperçant l'écran de sa beauté ténue et son regard fondant avec une grâce vertigineuse. Si bien qu'à mes yeux il s'agit de son rôle mélancolique le plus luminescent eu égard de l'objet de fantasme qu'elle nous renvoie. Tant auprès des jeunes ados du récit littéralement transis d'émoi que du spectateur hypnotisé par son aura charnelle subtilement badine, tranquille mais aussi docile et timorée avant de changer de peau. Par conséquent, au gré du drame social qui s'esquisse sous nos yeux contemplatifs avec un réalisme à la lisière de l'étrangeté et du mystère (en  mode éthéré !), rarement de jeunes filles n'auront été sublimées à l'écran avec une grâce aussi sensorielle, pour ne pas dire ésotérique, depuis le chef-d'oeuvre Picnic à Hanging Rock. Alors que le score composé par le groupe AIR magnétise la pellicule auprès de mélodies capiteuses à la fois feutrées et gratifiante afin de renforcer son atmosphère ouateuse qu'on ne souhaiterait jamais quitter en dépit de la dramaturgie escarpée de sa conclusion funeste que l'on considère comme un gâchis inconsolable. La faute incombant à cette intolérance parentale, cette absence totale de communication au sein du foyer éducatif et protecteur afin d'élever l'adolescence vers des horizons fructueuses équilibrées et matures. 

Divinement réalisé avec un art consommé de la perfection (il y a des plans serrés incroyablement géométriques sur le sobre visage de Kirsten Dunst afin d'y imprimer sans ambages ses émotions introverties plus vraies que nature) et porté par le talent de jeunes comédiens et comédiennes d'un naturel trouble, lascif ou gentiment décomplexé (je songe particulièrement aux garçons et à la présence saillante de Josh Hartnett), Virgin Suicides traite du malaise adolescent, de la tare de l'isolement et du désir d'amour du point de vue précaire d'une voix féministe en voie de rébellion mais optant le sacrifice sous l'étendard de leur hiérarchie parentale. Un portrait inoubliable qui charme, trouble, enivre, magnétise, émeut sans une once de prétention arty. 

*Bruno

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