Possession Meurtrière / The Possession of Joel Delaney

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site  Imdb.com

de Waris Hussein. 1972. U.S.A. 1h45. Avec Shirley MacLaine, Perry King, Michael Hordern, David Elliott, Lisa Kohane, Míriam Colón 

Sortie salles France: 23 Octobre 1974 (sortie limitée). U.S: 24 Mai 1972.

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Waris Hussein est un réalisateur et scénariste britannique né le 9 décembre 1938 à Lucknow (Inde).1969 : A Touch of Love. 1970 : Quackser Fortune Has a Cousin in the Bronx. 1971 : Great Performances (série télévisée). 1971 : Mercredi après-midi (Melody). 1972 : Les Six Femmes d'Henry VIII. 1972 : Possession meurtrière (The Possession of Joel Delaney). 1973 : Between the Wars (série télévisée). 1973 : Divorce (Divorce His, Divorce Hers) (TV). 1973 : Black and Blue (série télévisée). 1974 : Shoulder to Shoulder (feuilleton TV). 1974 : Notorious Woman (feuilleton TV).1976 : The Glittering Prizes (feuilleton TV). 1977 : Three Weeks (TV). 1977 : Moths (TV). 1978 :  Daphne Laureola (TV). 1978 : Rachel in Danger (série télévisée). 1978 : Edward and Mrs. Simpson (feuilleton TV). 1979 : And Baby Makes Six (TV). 1980 : Death Penalty (TV). 1980 : The Henderson Monster (TV). 1980 : Un bébé de plus (Baby Comes Home) (TV). 

 

Quelle bien étrange curiosité que cette Possession Meurtrière d'autant plus rare, introuvable et exploitée en salles en sortie limitée dans nos contrées 2 ans après son tournage issu de 72. Soit réalisé 1 an avant l'Exorciste de William Friedkin  alors qu'initialement l'actrice Shirley Mc Laine devait incarner la mère de Regan. Or celle-ci refusa le rôle au profit de cette Possession Meurtrière réalisée par l'anglais Waris Hussein, spécialiste de télé-films et séries TV. Ce qui frappe d'emblée avec cette oeuvre indépendante émane de son réalisme documenté (symptomatique des Seventies !) qui imprègne la pellicule sous l'impulsion d'un cast franchement irréprochable. Tant auprès de Shirley Mac Laine totalement investie en soeur aînée à la fois démunie, incrédule et éplorée, de Perry King rigoureusement habité dans celui du frère possédé par l'âme d'un porto-ricain ou encore des enfants filiaux sévèrement molestés lors d'un final halluciné d'une grande violence aussi bien physique que morale. 

 

 

Si bien que de nos jours ultra conservateurs cette Possession Meurtrière serait implacablement cadenassée par dame censure. Relativement lent mais plutôt soigné et assez prenant d'y suivre avec  curiosité déconcertante le périple cauchemardesque d'une soeur et d'un frère en proie avec les forces du Mal, Possession Meurtrière ne peut laisser indifférent l'amateur éclairé fan de productions déviantes délibérées d'y transgresser les règles de la morale. Comme le souligne son étrange séance d'exorcisme vue nulle part ailleurs (et dénuée d'effets grand-guignolesques) et son point d'orgue erratique illustrant sans ambages l'humiliation d'un enfant nu et d'une fillette accroupie contrainte de manger du canigou pour chien dans une gamelle. Le récit constamment inquiétant par son climat à la fois feutré et anxiogène alternant avec minutie l'étude comportementale d'un être fragilisé d'un deuil maternel (et donc facilement influençable pour être habité par le démon), l'interrogation et le témoignage de sa soeur indécise et l'enquête policière à travers ses découvertes morbides de décapitations féminines. 

 

 

Bizarrerie introuvable rarement chroniquée auprès des critiques spécifiques, Possession Meurtrière mérite d'être découvert avec intérêt pour qui apprécie les expériences horrifiques malaisantes ne ressemblant à nul autre métrage. Son intensité dramatique parfois terrifiante, oppressante et déstabilisante nous plongeant d'autant plus au sein d'une descente aux enfers dénuée d'illusion, de rédemption jusqu'au trama psychologique que cette famille préservera lors d'une ultime image évocatrice. 

 

P.S: attention toutefois à la rigueur de son climax décomplexé qui risque de heurter les personnes les plus fragiles de par son intensité psychologique sans retenue.

 

*Bruno

2èx

The King Tide. Meilleur Film au Festival de l'Atlantique, 2023.

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de Christian Sparkes. 2023. Canada. 1h43. Avec  Frances Fisher, Lara Jean Chorostecki, Clayne Crawford, Aden Young.

Sortie salles Canada: 26 Avril 2024

FILMOGRAPHIE: Christian Sparkes est un réalisateur et scénariste canadien originaire de St. John’s, à Terre-Neuve-et-Labrador. 2014: Cast no shadow. 2019: Hammer. 2023: The King Tide. 2024: Sweetland.

En dépit de son côté prévisible, le final glaçant, autrement surprenant et escarpé, se rattrape fructueusement pour mieux dénoncer l'intégrisme d'une populace vivant en autarcie en exploitant les pouvoirs d'une fillette afin de se déculpabiliser de la peur de la mort. Des thèmes religieux, existentiels, sociétaux efficacement développés au sein d'une scénographie naturaliste magnifiquement photographiée. Le cast majoritairement méconnu est d'autant plus crédible pour maintenir une certaine attention, on passe un bon moment teinté d'angoisse et d'émotions amères.

Récompense: prix du meilleur long métrage et du meilleur montage au Festival international du film de l’Atlantique 2023 à Halifax, en Nouvelle-Écosse.

La Malédiction, l'Origine / The First Omen

                                                        

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de Arkasha Stevenson. 2024. U.S.A. 1h59. Avec Nell Tiger Free, Sônia Braga, Ralph Ineson, Bill Nighy, Tawfeek Barhom, Nicole Sorace. 

Sortie salles France: 10 Avril 2024 (int - 16 ans).

FILMOGRAPHIE: Arkasha Stevenson est ue réalisatrice, scénariste et productrice américaine. 

2024: La Malédiction, l'Origine. 

Révision de La Malédiction : l'Origine, formidable surprise comme tout bon film d'horreur adulte qui se respecte, sous la forme d'une préquelle à la fois intelligente, humble et respectueuse de son matériau d'origine. Avec, en filigrane, une audacieuse et originale réflexion sur le fanatisme religieux à travers cette volonté délibérée de la parole divine de reconquérir son pouvoir auprès d'une populace inflexible ne croyant plus en l'avenir (tristement actuel, donc). Pour ce faire, elle brandit le spectre de l'Antéchrist, prêt à débarquer sur Terre dans une société à la morale cynique, afin que le Bien reprenne ses droits sur le Mal.

On peut d'autre part relever le soin apporté à sa réalisation appliquée, épaulée d'une photographie fastueuse et portée par quelques plans stylisés d'une élégance picturale à tomber à la renverse. Mais ce qui frappe finalement après révision de cette véritable préquelle (rien à voir, par exemple, avec le mensonger Massacre à la tronçonneuse : le commencement ou encore The Thing), c'est qu'elle respecte avec une rare honnêteté tout ce qui fut imprimé dans la trilogie initiale, tout en lui offrant un second souffle dans sa manière de traiter du satanisme à travers une imagerie sensuelle, parfois brutale et glaçante, sans jamais se livrer à la complaisance ni à la gratuité d'effets chocs éculés. 

 

Et ce, en nous concoctant un scénario conspirationniste en trompe-l'œil, émaillé de clins d'œil sans toutefois vouloir les singer ni en abuser. Faire croire à l'improbable : voilà ce à quoi était parvenue la trilogie originale en mettant en scène l'avènement de Damien Thorn. Et quand bien même La Malédiction : l'Origine remonte les pendules pour nous faire croire à nouveau à sa venue, cette fois du point de vue de sa génitrice, cela fonctionne avec une réelle efficacité. Avant qu'un rebondissement incongru ne vienne relancer l'intrigue lors d'un second acte plus horrifiant, explicitement parlant (avec, entre autres, un étonnant hommage tacite à Possession de Zulawski).

Ainsi, la réalisatrice Arkasha Stevenson s'autorise à nous forger quelques séquences chocs particulièrement couillues et détonantes, d'un réalisme dérangeant tel que l'on croit sans douter à l'impensable. Un climat d'autant plus malfaisant et déstabilisant, cultivant habilement l'inconfort sans céder à la facilité du grand-guignol, au gré d'un onirisme morbide particulièrement léché.

 

Soigneusement reconstitué en toute modestie (l'action se déroule à l'orée des seventies au sein d'une Rome élégamment ornementale) et formidablement interprété par des gueules d'acteurs au charisme robuste - Ralph Ineson endossant notamment un prêtre préoccupé avec un sérieux monolithique -, La Malédiction : l'Origine ne pouvait guère faire mieux pour respecter et moderniser sa saga proverbiale dans toutes les mémoires.

Porté à bout de bras par le talent naturel, si pur et candide, de Nell Tiger Free, toujours plus encline au doute et à la psychose face à ces événements improbables, La Malédiction : l'Origine réanime avec une efficacité inattendue nos peurs innées les plus profondes grâce à un esthétisme extrêmement ambitieux. Tout en nous alertant intelligemment sur les dérives d'un pouvoir religieux imposant son emprise sectaire par la terreur la plus couarde et irresponsable.

— Celui du cœur noir des images 🖤

 08.06.26. 2èx. Vo 4K

 

                               

Civil War

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Alex Garland. 2024. U.S.A/Angleterre. 1h49. Avec Kirsten Dunst, Wagner Moura, Stephen McKinley Henderson, Cailee Spaeny, Jesse Plemons.

Sortie salles France: 17 Avril 2024 (Int - 12 ans avec avertissement)

FILMOGRAPHIE: Alex Garland, né le 26 mai 1970 à Londres, est un romancier, scénariste et réalisateur britannique. Il est le fils du dessinateur de presse Nicholas Garland. 2014 : Ex machina. 2017 : Annihilation. 2022 : Men. 2024 : Civil War. 

 

Terrifiant, éprouvant, malaisant au point d'y susciter un malaise viscéral inconfortable, Civil War est une épreuve de force en perdition. Autant pour les personnages que pour le spectateur immergé dans un conflit belliqueux de guerre civile à la suite des exactions d'une dictature présidentielle. D'un réalisme saisissant si bien que l'on peut évoquer le "modèle de mise en scène" à travers ses anthologies destroy plus vraies que nature (on se retrouve réellement au coeur du chaos), cette expérience cinématographique peu commune y dénonce admirablement les insalubrités de la guerre à travers sa gangrène de la violence infectant chaque témoin. Or, ici, en nous attardant au road trip d'un quatuor de journalistes contraint de photographier les clichés les plus percutants au risque de trépasser lors d'une balle perdue, ou pire, lors d'une exécution sommaire perpétrée par des terroristes d'extrême droite, Civil War nous place dans un voyeurisme inconfortable davantage préjudiciable au point d'avoir l'envie de se doucher passé le générique de fin afin de se purifier de cette décadence humaine littéralement toxique. 

 

 

Ce qui frappe donc irrémédiablement lors de ce périple chaotique toutefois émaillé d'accalmie mélancolique émane de son climat sournoisement malsain instauré auprès d'une nature dévisagée de sa sérénité et d'une urbanisation en déliquescence morale de par ces moult dangers toujours plus disproportionnés que l'on subit de plein fouet. Alex Garland radiographiant avec tact, humanisme, sensibilité (notamment à travers les yeux de cette jeune photographe néophyte désireuse d'y braver ses affres pour un enjeu initiatique) et ambiguïté morale les profils burnés de ces photographes de guerre peu à peu anesthésiés par la terreur, la haine et la violence faute de leur privation de questionnement. Le réalisateur ne cessant d'alterner leurs intimités flegmatiques avec d'autres épisodes de bravoure d'une intensité belliciste toujours plus aliénante car exténuante, couarde, escarpée, imperturbable. Outre la sobriété des comédiens très attachants en dépit de leur posture parfois déplacée, on retient surtout à mon sens la présence discrètement dépressive de Kirsten Dunst en photographe émérite probablement hantée par la lassitude du danger, sa corruption et son parti-pris impassible à ne jamais se laisser envahir par les sentiments pour mieux s'opposer au danger des guérillas urbaines ici déployées en plein coeur de Washington.

 

D'une intensité émotionnelle toute à la fois névralgique, sous-jacente et substantielle de par son refus de complaisance et de surenchère, Civil War atteint son but pour sa mise en garde des conséquences tragiques que pourrait occasionner une guerre civile de tout un état réduit à feu et à sang. Porté à bout de bras par un quatuor d'interprètes superbement dessinés dans leur conflit interne ambivalent, Civil War met les nerfs à rude épreuve de nous plonger dans un chaos meurtrier dénué de raison, d'empathie, de rédemption. Quitte à en perdre son âme, sa dignité quelque soit le camp politique où l'on se place.

*Bruno

Pauvres Créatures / Poor Things. Lion d'Or, Venise 2023.

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Yórgos Lánthimos. 2024. U.S.A/Angleterre/Irlande. 2h21. Avec Emma Stone, Willem Dafoe, Mark Ruffalo, Ramy Youssef, Jerrod Carmichael, Christopher Abbott, Vicki Pepperdine, Margaret Qualley

Sortie salles France: 17 Janvier 2024

FILMOGRAPHIE: Yórgos Lánthimos est un réalisateur et dramaturge grec né le 23 septembre 1973 à Athènes. 2001 : My Best Friend co-réalisé avec Lákis Lazópoulos. 2005 : Kinetta. 2009 : Canine. 2011 : Alps. 2015 : The Lobster. 2017 : Mise à mort du cerf sacré. 2018 : La Favorite. 2023 : Pauvres Créatures. 2024 : Kinds of Kindness. 

Le mythe de Frankenstein d'un point de vue foncièrement féministe revisité (pour ne pas dire dépoussiéré) par le franc-tireur Yorgos Lanthimos. Cinéaste grec s'étant fait une spécialité d'oeuvres atypiques anti-conformistes, Pauvres Créatures ne déroge pas à la règle de l'expérience quasi inclassable. Car littéralement décalé, constamment caustique, cruel, audacieux et d'un érotisme salace à la fois décomplexé, dérangeant et rédempteur, Pauvres Créatures ne nous laisse pas indifférent à travers son concentré de provocations féminines se raillant du patriarcat avec un art consommé de l'humour vitriolé. Formellement flamboyant, inventif et baroque, ce divertissement sciemment marginal dégage un pouvoir de fascination, une liberté de ton aussi folingue que fructueuse eu égard de l'initiation humaine de cette pauvre créature apprenant à se libérer du carcan machiste avec une autorité rebelle davantage substantielle. Emma Stone se fondant dans le corps du monstre attardé avec une innocence aussi sémillante que spontanée avant de s'émanciper vers d'autres horizons insoupçonnées. Outre son humour corrosif (qui ne plaira pas à tous et à toutes); Pauvres Créatures ne manque pas non plus d'y distiller une certaine tendresse entre celle-ci et son créateur (endossé par Willem Dafoe au visage taillé à la serpe) auprès de leur cohésion parentale finalement révérencieuse après avoir assimilé les valeurs de l'amour (autant pour soi que pour l'autre), de la réflexion existentielle et du respect d'autrui. Une oeuvre remarquable donc, même si étonnamment déroutante et déconcertante, notamment grâce à cette volonté si personnelle de nous proposer une expérience humaine gratifiante auprès de l'égalité des sexes que nous ne sommes pas prêts d'omettre. 

 

*Bruno

Récompenses:
Récompenses
Mostra de Venise 2023 : Lion d'Or29,30
BAFTA 2024 :
Meilleure actrice pour Emma Stone
Meilleurs décors
Meilleurs costumes
Meilleurs maquillages et coiffures
Meilleurs effets visuels
Golden Globes 2024 :
Meilleur film musical ou comédie
Meilleure actrice dans un film musical ou comédie pour Emma Stone
Oscars 2024 :
Meilleure actrice pour Emma Stone
Meilleurs décors et direction artistique
Meilleurs costumes
Meilleurs maquillages et coiffures

Le Cercle : The Ring 2

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de Hideo Nakata. 2005. U.S.A/Japon. 1h50. Avec Naomi Watts, David Dorfman, Daveigh Chase, Simon Baker, Elizabeth Perkins, Gary Cole, Sissy Spacek.

Sortie salles France: 10 Décembre 2005. U.S: 18 Octobre 2005

FILMOGRAPHIE: Hideo Nakata est un réalisateur et un scénariste japonais né le 19 juillet 1961 à Okayama (Japon). 1996 : Le Spectre de l'actrice. 1998 : Joseph Losey: The Man with Four Names. 1998: Ring. 1998: Ring 2. 1999: Chaos. 1999 : Sleeping Bride. 2000: Sadistic and Masochistic. 2002: Dark Water. 2002: Last Scene. 2005: Le Cercle 2. 2007: Kaidan. 2008: L: Change the World. 2010: Chatroom. 2010 : Incite Mill (TV Show). 2013: The Complex. 2014: Monsterz. 2015: Ghost Theatre.

Le pitch: Six mois après les horribles événements de Seattle qu'ils fuièrent, Rachel Keller et son jeune fils Aidan se sont réfugiés à Astoria, dans l'Oregon. La journaliste espère oublier ses épreuves dans cette paisible bourgade côtière, mais de nouvelles menaces ne tardent pas à planer sur sa vie. Un crime énigmatique, commis à l'aide d'une cassette trop familière, donne l'alerte : l'esprit de Samara n'a pas renoncé à sa vengeance et Rachel devra enquêter sur le lointain passé de la fillette pour arrêter le cycle infernal de ses violences maléfiques...

Formidable séquelle réalisée par Hideo Nakata himself, le Cercle, the Ring 2 s'inscrit dans le cadre intelligent du drame psychologique au profit du genre horrifique relaté ici avec suffisamment d'efficacité, de suspense latent et de quelques effets frissonnants pour maintenir l'intérêt 1h49 durant (comptez 1h43 sans le générique de fin). Car entièrement bâti sur les solides épaules de Naomi Watts accompagnée du jeune David Dorfman tout à fait étonnant, notamment par son étrange regard plutôt mature, en bambin taciturne en proie à la possession de Samara, le Cercle 2 insuffle une émotion à la fois fragile et sensible auprès de son discours intime sur l'instinct maternel, le sens du sacrifice et l'amour inaltérable liant une mère et son fils. 

Hideo Nakata empruntant lors de la seconde partie la démarche de l'investigation autonome auprès de la mère s'efforçant d'y percer les origines de Samara afin de pouvoir sauver la vie de son fils davantage dans la tourmente depuis que Samara tente de le posséder par besoin maternel. Emaillé de séquences chocs inventives par l'entremise de l'élément naturel de l'eau (les séquences dans la baignoire, le puits), d'une cassette Vhs (superbe prologue) et de cerfs (une agression violente d'une grande intensité), le Cercle 2 ne manque donc pas non plus d'intensité horrifique et d'originalité pour nous projeter dans une dimension fantastique aussi fascinante qu'inquiétante. En tout état de cause on garde surtout en mémoire une fragile histoire d'amour entre une mère et son fils sévèrement malmenés par une entité vindicative qu'Hideo Nakata relate avec une fine attention afin de nous familiariser avec empathie auprès de ce duo monoparental transcendé par la dignité de l'amour et de l'instinct de confiance. 

*Bruno

3èx. Vost. 4K.

20.04.16

20.05.24.

Adagio

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Stefano Sollima. 2023. Italie. 2h07. Avec Pierfrancesco Favino, Adriano Giannini, Gianmarco Franchini, Toni Servillo, Valerio Mastandrea, Francesco Di Leva.

Sortie salles: 14 Décembre 2023

FILMOGRAPHIE: Stefano Sollima, né le 4 mai 1966 à Rome, est un cinéaste et réalisateur italien. 2012 : A.C.A.B.: All Cops Are Bastards. 2015 : Suburra. 2018 : Sicario : La Guerre des cartels (Sicario: Day of the Soldado). 2021 : Sans aucun remords (Without Remorse). 2023 : Adagio. 

Maître du polar italien contemporain, Stefano Sollima ne déroge pas à la règle d'y transfigurer un nouveau morceau de cinéma à la fois substantiel et formel (quasiment chaque plan est soigneusement stylisé) comme on n'a plus coutume d'en voir de nos jours. L'histoire "contemplative" d'un jeune orphelin adopté par un père incapable de le choyer et qui, au fil d'un acte répréhensible est contraint de négocier une mission de filature avec la police au sein d'une boite de nuit. Or, se ravisant au moment d'y découvrir une caméra planqué au mur, Manuel demande l'aide de son père depuis qu'une police véreuse est à sa recherche pour l'occire. Splendide polar noir d'une dimension psychologique rigoureuse au fil d'un vénéneux récit impeccablement structuré, qui plus est prenant son temps pour y planter son univers mortifère (avec en filigrane un brasier métaphorique) et ses protagonistes auquel nous nous familiarisons auprès de leurs fêlures morales que Sollima délivre lestement au compte goutte, Adagio est une virée nocturne à la dramaturgie sobrement mise en place. 

Renforcé de la présence infaillible d'authentiques gueules d'acteurs (ici sclérosés) accompagné d'un jeune paumé écarquillé traqué tous azimuts, Adagio n'a aucune peine pour nous immerger dans leurs conflits parentaux (avec une habile inversion des rôles anti-manichéens) à travers les thématiques de la culpabilité, de la trahison, de la corruption puis enfin de la rédemption de dernier ressort. Les personnages pourchassés demeurant aussi bien fascinants qu'empathiques lorsque deux pères s'efforcent in extremis de se remettre en cause pour tenter de réparer leur déroute d'un passé déloyal. Ainsi, vouant un amour immodéré pour sa mise en scène scrupuleuse et pour ses comédiens habités par l'amertume et la hantise de la faucheuse, Stefano Sollima transcende son récit nécrosé avec une rigueur émotionnelle intelligemment dépouillée. Truffé de détails techniques et narratifs inventifs, baroques, alambiqués afin de nous maintenir captivé tout le long de ce chemin de croix fataliste, Adagio se décline sans prétention en moment de cinéma crépusculaire auprès de son intimité psychologique latente toute à la fois mélancolique, meurtrie, désoeuvrée, sentencieuse au sein d'une capitale acrimonieuse. 

*Bruno

Mary / Gifted. Prix du Public, Deauville 2018.

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Marc Webb. 2017. U.S.A. 1h41. Avec Chris Evans, Mckenna Grace, Jenny Slate, Octavia Spencer, Lindsay Duncan, John M. Jackson, Glenn Plummer.

Sorte salles France: 13 Septembre 2017. U.S: 7 avril 2017

FILMOGRAPHIE: Marc Webb est un réalisateur américain né le 31 août 1974. 2009 : (500) jours ensemble. 2012 : The Amazing Spider-Man. 2014 : The Amazing Spider-Man : Le Destin d'un héros. 2017 : Mary. 2017 : Liaisons à New York. 2025 : Blanche-Neige. 

« Feel good movie » n'a aussi bien porté sa définition ! 

Il y a des films que l'on n'attend pas qui emportent tout au point d'y ressentir un gros vide durant le générique de fin. Mary fait parti de ce genre de surprise (hélas) passée inaperçue en dépit de son ovation du public au Festival de Deauville. Ne vous méprenez pas pour son affiche à l'apparence bankable et sirupeuse, il n'en n'est rien. Mary vibrant de réalisme, de vérité humaine (dans une juste mesiure) et d'émotions à la fois tendres, capiteuses, sémillantes, cruelles parfois sous l'impulsion d'un scénario trempé remarquablement écrit. Car outre le naturel inné de Mckenna Grace crevant l'écran dans sa posture mature de fillette précoce en voie de rébellion et ses seconds-rôles familiaux dénués d'effets de manche à travers leur autorité contradictoire, Mary doit beaucoup de sa rigueur émotive et de son intérêt cérébral de par l'intelligence de son scénario à la fois charpenté, retors, constructif, jamais outré quant à sa thématique préconisant la dignité humaine. 

Qui plus est traité avec autant de sobriété que d'intelligence pour ne point faire sombrer le navire vers la facilité des conventions, Mary en sort infiniment grandi à dépeindre des personnages très attachants ne versant jamais dans l'apitoiement, le pathos standard pour nous emporter dans leur tourmente lorsque la petite Mary, surdouée en mathématique, se retrouve ballotée entre la garde de sa grand-mère arriviste souhaitant la confiner dans les études supérieures en "rat de laboratoire" et son oncle délibéré à suivre les directives de sa soeur ayant sacrifié sa vie afin d'honorer les consignes de sa mère obsédée par l'ambition culturelle la plus élitiste. Passionnant et poignant, un tantinet anxiogène et intense puis enfin bouleversant et (potentiellement ?) libérateur à savoir qui emportera la mise auprès d'un enjeu humain militant pour le droit à la différence au sein d'une existence singulière que l'oncle s'efforce de normaliser tout en essayant de dégoter le juste discernement afin de conserver un mode de vie aussi équilibré que rationnel pour le sort précaire de sa nièce, Mary étonne, séduit, déconcerte, affole même dans un incroyable brio d'équilibriste. Marc Webb traitant avec une telle attention ses confrontations psychologiques avec autant de savoir-faire que de finesse d'esprit pour y relever des émotions épineuses évacuées de sentiments délétères de rancune, de vendetta, de rupture et de dramaturgie inutilement plombant. 

Laissez donc sa chance à Mary, tant pour le rapport à votre fibre intuitive qu'à votre sensibilité propre.  Magnifique perle d'émotions capiteuses à la fois naturelles, tendres, fructueuses, bienveillantes au sein d'une narration solide prônant les valeurs humaines, le respect d'autrui et l'érudition dans un contexte familial tragique pour autant dénué de sinistrose. Bien au contraire...

*Bruno

15.09.17

15.05.24

Récompenses: Festival du cinéma américain de Deauville 2017: Prix du public

2018: 49e cérémonie des NAACP Image Awards, Meilleure actrice: Octavia Spencer

In the Fade / Aus dem Nichts. Golden Globe Meilleur Film, 2018

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Fatih Akin. 2017. Allemagne/France. 1h46. Avec Diane Kruger, Numan Acar, Denis Moschitto, Johannes Krisch, Henning Peker, Hanna Hilsdorf

Sortie salles France: 17 Janvier 2018. Allemagne: 23 Novembre 2017

FILMOGRAPHIE: Fatih Akin (en turc : Fatih Akın) est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur allemand, né le 25 août 1973 à Hambourg, dans une famille d'immigrés turcs. 1998 : L'Engrenage. 2000 : Julie en juillet. 2001 : Denk ich an Deutschland - Wir haben vergessen zurückzukehren (documentaire). 2002 : Solino. 2004 : Head-On. 2005 : Crossing the Bridge - The Sound of Istanbul (documentaire). 2007 : De l'autre côté. 2009 : Soul Kitchen. 2012 : Polluting Paradise (documentaire). 2014 : The Cut. 2016 : Tschick. 2017 : In the Fade. 2019 : Golden Glove. 2022 : Rheingold. 

                                           

“La douleur, c'est le vide.”

D'une puissance émotionnelle rare, In the fade est un drame psychologique à la fois intense et bouleversant sous l'impulsion d'un magnifique portrait de femme meurtrie que campe de manière habitée Diane Kruger récompensée du Prix d'Interprétation Féminine à Cannes. Fatih Akin (issu d'une famille d'immigrés turcs) s'inspirant des attentats du groupuscule néo-nazi Nationalsozialistischer Untergrund  (NSU) (en français Parti national-socialiste souterrain) ayant sévi de 2000 à 2006. Pour rappel, ce dernier causa la mort de 9 immigrés turcs et grecs et d'une policière. Le film admirablement filmé se divisant en 3 parties chapitrées (la famille - la justice - la mer) aussi électrisantes que passionnantes pour traiter du douloureux problème du deuil insurmontable, des failles d'une justice arbitraire à travers le procès et enfin de l'auto-justice culminant vers un épilogue aussi surprenant que terriblement intense. 

Fatih Akin faisant monter la pression avec une acuité émotionnelle aussi éprouvante que la première partie en berne avec souci de réalisme naturaliste. Mais outre l'aspect tout à la fois hypnotique et immersif de sa mise en scène vériste remarquablement charpentée et plutôt prude on retient indubitablement la prestation transie de larmes de l'époustouflante Diane Kruger endossant une mère de famille littéralement brisée par sa douleur morale et la soif de justice. Et rien que pour sa présence innée d'une finesse de jeu au cordeau, In the Fade est à ne pas rater en prime de nous bâtir un grand film engagé dénonçant avec beaucoup d'humanité (torturée), de lucidité et de brutalité les exactions du terrorisme imparti ici au racisme. 

*Bruno

Récompenses:

Festival de Cannes 2017 : Prix d'interprétation féminine pour Diane Kruger

Golden Globes 2018 : Golden Globe du meilleur film en langue étrangère

68e cérémonie du Deutscher Filmpreis : Meilleur scénario.

Zombie / Dawn of the Dead

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

de George A. Romero. 1978. U.S.A/Italie. 1h59 (version Européenne). Avec David Emge, Ken Foree, Scott H. Reiniger, Gaylen Ross, David Crawford

Sortie salles France: 11 Mai 1983 (Int - 18 ans). U.S: 2 Septembre 1979 (classé X)

FILMOGRAPHIE: Georges Andrew Romero est un réalisateur, scénariste, acteur, auteur américain, né le 4 Février 1940 à New-York. 1968: La Nuit des Morts-vivants. 1971: There's Always Vanilla. 1972: Season of the Witch. 1973: The Crazies. 1977: Martin. 1978: Zombie. 1981: Knightriders. 1982: Creepshow. 1985: Le Jour des Morts-vivants. 1988: Incidents de parcours. 1990: Deux Yeux Maléfiques. 1992: La Part des Ténèbres. 2000: Bruiser. 2005: Land of the Dead. 2008: Diary of the Dead. 2009: Survival of the Dead. 

 

"Romero dévore l’Amérique"

Mastodonte inégalé du film de morts-vivants contemporain, Zombie traumatisa de bonheur toute une génération 80, emportée par son déchaînement d'action non-stop, son ultra-violence documentaire et ses séquences de flippe qui irriguent le récit sans modération. Le tout baigne dans une patine réaliste, symptomatique des Seventies, que Romero et son complice Argento (pour la version européenne) transcendent, portés par un montage véloce, étourdissant d’intensité. Par instants, on ne sait littéralement plus où donner de la tête.

Et pour les critiques snobinards qui théorisent, post-facto, une satire de la société de consommation – à l’origine, comme pour La Nuit des Morts-Vivants, Romero n’a jamais cherché à s’éclipser derrière un discours politique. Car Zombie, avant tout, c’est un monument d’actionneur bourrin, d’une efficacité maximaliste. Et même après cinquante visions, cinquante ans plus tard, il reste fun, rageur et jubilatoire, de la première à la dernière bobine. Deux heures aussi lessivantes que capiteuses. Il faut le vivre pour mesurer l’impact qu’il continue d’exercer sur notre émotivité, avec une énergie (auto)destructrice.

Romero, en maître d’orchestre instinctif, nous immerge dans un hypermarché devenu forteresse assiégée, aux côtés d’un quatuor de survivants (trois hommes, une femme) venus s’y confiner, tentant de préserver un présent déjà rongé par le chaos. À ce titre, les séquences intimistes et mélancoliques, où affleurent leurs états d’âme sentencieux, demeurent d’une éloquence contenue, empreinte d’une pudeur contrariée.

Les zombies, grimés de fards bleuâtres aux maquillages modestes, n’en restent pas moins fascinants, inquiétants, hypnotiques. Leur démarche, génialement lymphatique – véritable chorégraphie commune –, couplée à leurs regards hagards, dénués d’expression, produit un effet immédiat : on y croit à fond, sans poser de questions. Leur menace est crédible. D’autant plus que les survivants, stoïques mais fragiles, sont rongés de l’intérieur. Ils contemplent, en direct, la déliquescence morale du monde. Folie, jouissance sadique, pensées suicidaires : l’humain s’effondre, contaminé de l’intérieur.

Le centre commercial, filmé sous toutes les coutures, devient un terrain de jeu paranoïaque. Romero en explore chaque recoin avec une inventivité débridée, notamment lors de séquences de défense aux stratégies aussi absurdes que brillamment percutantes.

Et que dire de cette pléthore d’effets sanglants, à n’en plus finir – aussi émétiques que jubilatoires ? Romero et Tom Savini s’en donnent à cœur joie dans la chair éclatée, les membres arrachés, les corps démembrés, les têtes explosées ou décapitées, avec un réalisme d’une crudité implacable. Car si Zombie dérange autant, c’est aussi par sa vérité nue : le portrait sans fard d’un égoïsme primaire, d’un instinct de possession féroce chez ces survivants repliés sur leur gâteau bientôt convoité par une horde de Hell’s Angels.

D’une ultra-violence à la fois cartoonesque et viscéralement éprouvante, Zombie parvient à être fun tout en restant profondément dérangeant, inquiétant, malaisant. Il déprime. Il secoue. Il exorcise. Ses actions sont animées par la folie, le goût du sang, le plaisir de tout foutre en l’air. Jusqu’à un final terriblement nihiliste.

 

"Zombie : l’apocalypse en boucle"

Chef-d’œuvre inextinguible d’horreur souveraine, au cœur d’une action dégénérée que nul cinéaste n’a su égaler, Zombie irradie une folie furibarde, une énergie primitive, malsaine, belliqueuse, mais étrangement fascinante. Il désarme. Il bouleverse. Par sa dérision sardonique, sa cruauté authentique (insalubre), il révèle que le pire ennemi de l’homme… c’est encore l’homme.

Un des plus grands films de l’histoire, porté par l’inoubliable partition électrisante des Goblin, qui scelle son impact émotif d’une manière dévastatrice. Un cinéma d’audace, de rage politique malgré lui, aujourd’hui tristement disparu.

*Bruno

Nope. Saturn Awards 2022 : meilleur film de science-fiction

 

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de Jordan Peele. 2020. U.S.A. 2h11. Avec Daniel Kaluuya, Keke Palmer, Steven Yeun, Brandon Perea, Michael Wincott, Wrenn Schmidt, Keith David.

Sortie salles France: 10 Août 2022. U.S: 22 Juillet 2022 (Int - 17 ans non accompagnés)

FILMOGRAPHIE: Jordan Haworth Peele, né le 21 février 1979 à New York, est un acteur, humoriste, réalisateur, scénariste et producteur américain. 2017: Get Out. 2019 : Us. 2022 : Nope. 

Revoyure d'un vrai grand film, l'un des métrages les plus originaux et poétiques de ces 10 dernières années que je ne parviens pas à pleinement apprivoiser lors des 45 ultimes minutes. 

Probablement la meilleure oeuvre de son auteur, la plus mature et maîtrisée (et Dieu sait si je vénère Get Out que je préfère).

Box Office France: 518 100 entrées

Godzilla Minus One. Oscar des meilleurs effets visuels

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de Takashi Yamazaki. 2023. Japon. 2h05. Avec Ryūnosuke Kamiki, Minami Hamabe, Yuki Yamada, Munetaka Aoki, Hidetaka Yoshioka, Sakura Andō, Kuranosuke Sasaki

Sortie salles France: 7 Décembre 2023 puis 17 Janvier 2024. 

FILMOGRAPHIE: Takashi Yamazaki est un réalisateur, scénariste et superviseur des effets spéciaux japonais né le 12 juin 1964 à Matsumoto dans la préfecture de Nagano. 2000 : Juvenile. 2002 : Returner. 2005 : Always : Crépuscule sur la troisième rue. 2007 : Always zoku sanchōme no yūhi. 2010 : Ballad: Na mo naki koi no uta. 2010 : Space Battleship. 2011 : Friends: Mononoke-shima no naki. 2012 : Always sanchōme no yūhi '64. 2013 : Kamikaze, le dernier assaut. 2014 : Doraemon et moi. 2014 : Kiseijū. 2015 : Kiseijū kanketsu-hen. 2016 : Kaizoku to yobareta otoko. 2017 : Destiny: The Tale of Kamakura. 2019 : The Great War of Archimedes. 2019 : Dragon Quest: Your Story. 2019 : Lupin III: The First. 2020 : Doraemon et moi 2. 2023 : Godzilla Minus One. 

                                         

Pourquoi Godzilla Minus One fascine autant à travers sa sidérante beauté formelle ranimant notre instinct infantile, entre réalisme étourdissant et part de rêve éveillé ? Parce que Takashi Yamazaki est issu de l'ancienne école du grand spectacle artisanal conçu avec humilité, foi en son projet et sincérité indéfectible pour nous offrir une improbable aventure 1000 fois vue à l'écran mais ici réinventée à travers l'art du storytelling que n'aurait renié Spielberg lors de ses prémices. Ainsi, en rendant un vibrant hommage au premier Godzilla immortalisé par Ishirō Honda et son inévitable métaphore sur le trauma de la guerre nucléaire, Takashi Yamazaki s'approprie des effets numériques mainstream pour les transcender avec un art consommé du détail morphologique. La créature à écaille étant filmée sous toutes les angles et coutures les plus adroites et inventives si bien que face à nos yeux ébaubis on reste à la fois émerveillé, impressionné, troublé même par sa puissance de feu destructrice. 

Tant auprès de ses destructions de masse urbaine que de ses explosions de fureur sur mer imparties aux batailles navales que moult bateaux et avion de combat tentent de déjouer sous la mainmise d'un kamikaze couard en quête de rédemption. Godzilla Minus One n'omettant jamais la part d'humanisme à la fois torturée, tourmentée, affligée de ses protagonistes tentant de s'extraire de leur apocalypse urbain avec un courage aussi bien suicidaire que burnée. Les séquences d'actions magistralement mise en exergue demeurant jamais gratuites, pompeuses ou risibles si bien qu'elles dépendent des actions téméraires des personnages et du monstre à écaille quasi indestructible. Probablement le Godzilla le plus robuste, furibond (euphémisme) et impressionnant jamais retranscrit sur pellicule tant Takashi Yamazaki voue un véritable amour pour celui-ci avec une ambition infiniment consciencieuse eu égard du sens du détail imparti à son design parfois même bleuté. Or, durant tout ce cheminement belliqueux, un homme en perdition morale tentera de s'extraire de ses affres (principalement celle de la peur de trépasser pour le sens du sacrifice) après s'être laissé guidé par ses bas instincts craintifs. 

"C'est dans les vieux pots que l'on fait les meilleures soupes".

Blockbuster pétri d'humilité, de fragilité et d'émotions (souvent) dépouillées à imprimer sur pellicule un spectacle d'apocalypse ne débordant jamais du cadre, Godzilla Minus One est un miracle inespéré au sein du cinéma de papa en berne des années durant. Un divertissement tous publics aussi mature que généreux d'y interposer le bras de fer entre combattants de la seconde guerre et monstre reptilien à taille disproportionnée. Et bon Dieu que cela nous manquait d'assister en direct aux exactions d'un monstre de fer aussi cruel que photogénique auprès de sa beauté sépulcrale sans égale. Son minuscule regard démonial transperçant l'écran avec une fulgurance expressive infernale. 

*Bruno

The Inglourious Basterds

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de Quentin Tarantino. 2009. U.S.A/Allemagne. 2h33. Avec Brad Pitt, Mélanie Laurent, Christoph Waltz, Eli Roth, Michael Fassbender, Diane Kruger, Daniel Brühl, Til Schweiger, August Diehl, Gedeon Burkhard, B. J. Novak, Omar Doom, Sylvester Groth, Julie Dreyfus, Jacky Ido, Mike Myers, Rod Taylor, Martin Wuttke.

Sortie salles France: 19 Août 2009 (Int - 12 ans). U.S: 21 Août 2009 (Int - 13 ans)

FILMOGRAPHIE: Quentin Tarantino est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain, né le 27 mars 1963 à Knoxville dans le Tennessee, aux États-Unis. Reservoir Dogs (1992). Pulp Fiction (1994). Jackie Brown (1997). Kill Bill: Vol. 1 (2003). Kill Bill: Vol. 2 (2004). Boulevard de la mort (2007). Inglourious Basterds (2009). Django Unchained (2012). Les Huit Salopards (2015). Once Upon a Time... in Hollywood.

Un chef-d'oeuvre, peux pas dire mieux. 

Jubilatoire de A à Z. 

Drôle, dur, cruel, violent, gore, beau, élégant, poétique, tragique, bouleversant aussi auprès de son romantisme mélancolique. 

Dans un rôle sciemment outrancier, Brad Pitt crève l'écran dans sa fonction semi-parodique de lieutenant juif américain foncièrement pédant, alors qu'Eli Roth, on ne peut plus à l'aise, est habité d'une douce démence décalée en chasseur de scalp, dit "l'ours juif".

Mais je garde surtout en mémoire 2 superbes portraits de femmes à la fois déchues et combattives qu'endossent les vamps Mélanie Laurent et Diane Kruger. Quand bien même Christoph Waltz ensorcelle son entourage étranger en chasseur de juif couard inspirant autant la fausse sympathie qu'une terreur sourde.  

Avec en guise de cerise discursive un discours fortuit sur le pouvoir des images (et les conséquences dramatiques que cela peut entraîner) par l'entremise de la mise en abyme, et sur le langage des mots dépendant de notre dialecte. 

C'est d'ailleurs à voir obligatoirement en VO pour mieux cerner les dissensions psychologiques que se disputent chaque camp à travers leur nationalité distincte. 

Quant à la BO, hyper nostalgique et exaltante, elle colle aux images avec une grâce sensorielle, comme le souligne constamment (euphémisme) la mise en scène ultra inspirée d'un Tarantino à nouveau à l'apogée de la perfection.

On n'a qu'une envie quand on s'extrait hélas du film: le revoir, encore et encore pour s'enivrer et ne plus en sortir. 

Et dire qu'il dure à peine 2h33 !

Récompenses: 

Festival de Cannes Prix d'interprétation masculine Christoph Waltz

Satellite Awards Meilleur acteur dans un second rôle Christoph Waltz

2010

Oscars du cinéma Meilleur acteur dans un second rôle Christoph Waltz

Golden Globes Meilleur acteur dans un second rôle Christoph Waltz

BAFTA Awards Meilleur acteur dans un second rôle Christoph Waltz

Screen Actors Guild Awards Meilleur acteur dans un second rôle Christoph Waltz

Meilleure distribution 

Saturn Awards Meilleur film d'action, d'aventures ou thriller 

Critics Choice Awards Meilleur scénario original Quentin Tarantino

Meilleur acteur dans un second rôle Christoph Waltz

Meilleure distribution 

Empire Awards Meilleur acteur Christoph Waltz

Prix David di Donatello Meilleur film étranger 

Goldene Kamera Meilleure actrice internationale  Diane Kruger

Prix Sant Jordi du cinéma Meilleur film étranger 

Cherry Falls. Prix du Meilleur Réalisateur, Catalogne 2000

                                              
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de Geoffrey Wright. 1999. U.S.A. 1h31. avec Brittany Murphy, Jay Mohr, Michael Biehn, Jesse Bradford, Candy Clark, Amanda Anka 

Sortie directement en dvd: Mai 1999. Diffusion TV U.S: 20 Octobre 2000

FILMOGRAPHIE: Geoffrey Wright, né en 1959, est un réalisateur et scénariste australien1992 : Romper Stomper, en tant que réalisateur et scénariste. 1994 : Metal Skin (en), en tant que réalisateur et scénariste. 2000 : Cherry Falls, en tant que réalisateur. 2006 : Macbeth. 

"Baisse ton froc ou t'es mort !"

Quel plaisir, quel bonheur immodéré de revoir une modeste série B passée inaperçue à l'époque (même si vantée chez la revue Mad Movies lors de son exploitation Dvd) pour tenir compte aujourd'hui de son potentiel qualitatif quelques décennies plus tard (25 ans à l'heure où j'écris cet article). Car à contre-emploi des psycho-killers standard truffés de clichés et de trivialité (les suites de Vendredi 13, d'Halloween et consorts), Cherry Falls prend le contre-pied des codes du genres afin de les inverser. Si bien qu'en l'occurrence, le mystérieux tueur "travelo" ne s'en prend qu'aux vierges avec autant de douce dérision que de premier degré. Les personnages d'ados en rut et rebelles demeurant ici nullement décervelés si bien que l'on s'attache à eux avec une véritable implication psychologique eu égard de la solidité de l'intrigue à la fois cruelle, détonante, politiquement incorrecte, sexiste. Notamment si on se réfère au profil attentionné de l'héroïne Jody Marken plutôt complexée à passer à l'acte sexuel avec son partenaire toujours plus frustré, faute d'un entourage familial dysfonctionnel. 

Brittany Murphy (hélas décédée à 32 ans dans des circonstances non élucidées) endossant avec assez de beauté trouble, de force émotionnelle une ado introvertie à la fois vénéneuse, fragile, ténébreuse, tourmentée faute d'un passé éhonté que je me tairai de vous dévoiler. Tous les autres acteurs (notamment Michael Biehn en shérif à l'autorité parentale équivoque) et seconds-rôles (Candy Clarke en maman poule sentencieuse) demeurant crédibles à travers leur humanisme spontané dénué d'effets de manche (ou si peu pour les plus grandes gueules juvéniles). Qui plus est, avec sa réalisation perfectible pour autant inspirée, détaillée, formellement inventive également; Geoffrey Wright (auteur de Romper Stomper) parvient à provoquer une certaine fascination auprès du tueur déguisé en femme alors qu'à deux/trois occasions l'effet de flippe porte ses fruits lorsque celui-ci traque ses victimes avec une férocité assez épeurante. On se réjouit aussi de l'incroyable orgie sexuelle finale commanditée par tous les lycéens de Cherry Falls (ville de Virginie) afin d'échapper aux exactions du tueur tributaire de son passé traumatique. Sur ce point, là encore l'intrigue marque des points tant les tenants et aboutissants crapuleux ne nous laisse guère dans l'indifférence de par son réalisme abrupt imparti au flash-back intolérable. Quand bien même l'explosion de violence finale étonnamment décomplexée ravira les amateurs de gore sous l'impulsion d'un rythme incisif aussi furibond qu'haletant. 

Que dire de plus si ce n'est que Cherry Falls est finalement une fort sympathique surprise (hélas occultée de tous) aussi retorse qu'intelligente afin d'élever le sous-genre vers une maturité trop rare pour ne pas le souligner. Une oeuvre maudite au demeurant à revoir sans réserve pour l'amateur éclairé mais aussi pour le public novice tant il inspire une touchante sincérité. 

P.S: A découvrir impérativement en VO, VF exécrable. 

*Bruno

2èx. Vost