Ghosts of Mars

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de John Carpenter. 2001. U.S.A. 1h38. Avec Natasha Henstridge, Ice Cube, Jason Statham, Clea DuVall, Pam Grier, Joanna Cassidy, Richard Cetrone.

Sortie salles France: 21 Novembre 2001. U.S: 24 Août 2001

FILMOGRAPHIE: John Howard Carpenter est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur, compositeur et producteur de film américain né le 16 janvier 1948 à Carthage (État de New York, États-Unis). 1974 : Dark Star 1976 : Assaut 1978 : Halloween, la nuit des masques. 1979: Le Roman d'Elvis. 1980 : Fog 1981 : New York 1997 1982 : The Thing 1983 : Christine 1984 : Starman 1986 : Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin 1987 : Prince des ténèbres 1988 : Invasion Los Angeles 1992 : Les Aventures d'un homme invisible 1995 : L'Antre de la folie 1995 : Le Village des damnés 1996 : Los Angeles 2013 1998 : Vampires 2001 : Ghosts of Mars 2010 : The Ward.

Échec commercial d’autant plus injustement discrédité par une frange de la critique de l’époque, Ghosts of Mars incarne l’œuvre maudite à réhabiliter. Un western futuriste d’une redoutable efficacité, constamment captivant par son flot d’action, de mystères (toute la première partie éthérée) et de rebondissements, tout en distillant, en sous-texte, une diatribe acerbe contre le colonialisme américain.

Synopsis: En 2076, Mars est exploitée par une colonie de mineurs afin d’être rendue habitable. Deux femmes flics, Helena Braddock et Mélanie Ballard, sont chargées de récupérer un dangereux criminel responsable de la mort de six travailleurs à Shining Canyon. Sur place, elles découvrent une cité étrangement désertée, à l’exception de Desolation Williams et de quelques prisonniers erratiques, confinés dans une cellule. Mais à l’extérieur, une menace bien plus vicieuse et délétère s’apprête à lancer son offensive.

Si l’on peut reprocher à Carpenter de recycler certaines situations de siège déjà explorées dans Assaut ou The Thing, il est impossible de nier l’efficacité implacable de cette guérilla homérique, aussi barbare que belliqueuse. En s’appuyant sur une dynamique de groupe minée par la discorde avant de converger vers une cohésion salvatrice, les survivants finissent par s’allier à des marginaux pour affronter une tribu de guerriers sanguinaires.

La scénographie rutilante d’un Mars inquiétant participe pleinement au dépaysement, immergeant le spectateur dans un environnement aussi hostile que tangible. À l’image de cette menace invisible - une poudre rouge - qui s’empare des corps humains pour les posséder un à un, fédérant une hiérarchie révolutionnaire. Affublés de peintures tribales et de piercings couvrant leurs visages, ces fantômes issus d’une biologie indigène, libérés de leur caveau, deviennent une métaphore limpide du sort réservé aux peuples indiens lors de la conquête américaine. Leur vengeance s’accomplit ici sur Mars, pour repousser une fois encore l’envahisseur.

Au-delà du caractère jouissif de séquences d’action rigoureusement chorégraphiées et d’idées subversives - l’ingestion de drogue devient ici un rempart contre l’emprise de l’entité indigène - Ghosts of Mars brille aussi par la prestance burnée de comédiens en roue libre, affublés d’un look fétichiste. L’audace de Carpenter réside également dans le choix d’un personnage féminin pour incarner l’autorité : une jeune mannequin blonde, révélée dans la très sympathique série B La Mutante, parfaitement crédible, pour ne pas dire magnétique, en lieutenant inflexible, tout aussi loyale lorsqu’elle coopère avec un anti-héros difficilement domptable. Secondé par Ice Cube, celui-ci livre sans retenue l’un de ses rôles les plus marquants, incarnant un délinquant inébranlable sur la réserve, longtemps stigmatisé par sa couleur de peau, désormais mû par un héroïsme rédempteur.

"Invaders from Mars." 

Porté par le score électro de Carpenter et les percussions hard rock d’Anthrax, Ghosts of Mars illustre l’excellence d’une série B de samedi soir menée avec maîtrise, efficacité et subversion. On s’attache à ces protagonistes au caractère bien trempé, symboles d’une escorte solidaire placée sous le signe de la bravoure et du sacrifice, quelles que soient les différences et les appartenances sociales. Un spectacle régressif, aussi savoureux qu’atmosphérique, traversé d’émotions furibondes et d’accalmies anxiogènes, sourdement envoûtantes. Le mépris qu'il essuie depuis sa sortie me parait donc disproportionné, voir imbitable, surtout venant de la part d'amateurs éclairés du maître. 

— le cinéphile du cœur noir 🖤

4èx. 4K. Vost

Harlequin. Prix du Jury, Prix de la Critique, Prix du Meilleur Acteur (Robert Powell) au Rex de Paris.

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site cineday.orange.fr

de Simon Wincer. 1980. Australie. 1h35. Avec Robert Powell, David Hemmings, Carmen Duncan, Broderick Crawford, Gus Mercurio, Alan Cassell, Mark Spain.

Sortie salles France: 14 Janvier 1981. Australie: 20 Mars 1980

FILMOGRAPHIE: Simon Wincer est un réalisateur, producteur et scénariste australien né en 1943 à Sydney (Australie). 1979: Snapshot. 1980: Harlequin. 1983: Phar Lap. 1985: D.A.R.Y.L. 1987: La Chevauchée de Feu. 1990: Mr Quigley l'Australien. 1991: Harley Davidson et l'Homme aux santiags. 1993: Sauvez Willy. 1994: Jack l'Eclair. 1995: Opération Dumbo. 1996: Le Fantôme du Bengale. 2001: Crocodile Dundee 3. 2003: La Légende de l'Etalon Noir. 2011: The Cup.

Sorti en plein âge d'or du Fantastique australien, Harlequin reçu un accueil enthousiaste de la part du public et du vidéophile l'ayant découvert à l'orée des années 80 dans son vidéo-club du coin. Célébré de trois prix au Festival du Rex de Paris (Prix du jury, Prix de la Critique et Prix du Meilleur acteur pour Robert Powell), cette série B impeccablement troussée puise son originalité par son concept peu commun bâti autour de l'intrusion d'un prestidigitateur chez une famille politique. Car surgi de nulle part, Grégory Wolf se résigne à sauver la vie du fils d'un sénateur atteint d'un cancer incurable. Alors que le sous-gouverneur Steele est porté disparu en mer, Rick Rast est sur le point de prendre sa place parmi l'influence de son entourage politique. Mais l'arrivée inquiétante de Wolf multipliant tours de prestige et exploits de guérison va bouleverser son ambition professionnelle ainsi que sa vie conjugale ! 

Cet étrange scénario dénonçant en sous texte social la corruption, l'influence et la mégalomanie au sein du corps politique use de supercherie et de manipulation parmi le témoignage d'un énigmatique Harlequin. Endossé par Robert Powell, l'acteur parvient à se tailler une stature quasi surnaturelle par son apparence lunaire, ses tours de passe-passe improvisés, sa spontanéité d'y dominer l'illusion. Renforcé de son regard azur littéralement perçant, sa présence magnétique doit beaucoup au caractère fascinant et ambigu de sa personnalité tant il réussit à nous faire douter de ses intentions louables ou disgracieuses. Tout l'intérêt réside alors de savoir quel est le motif de son arrivée au sein de la famille Rast, est-il réellement doué de pouvoirs surnaturels et de guérison, et d'où vient-il ? Alors que d'étranges évènements vont ébranler la tranquillité de certains membres du sénateur et rendre publique une potentielle affaire de viol, Grégory Wolf ne se prive pas de sarcasme pour railler ses adversaires avec une insolence dérangeante. Ainsi, avec intense efficacité et suspense progressif, Simon Wincer met en appui une intrigue infaillible auprès de son lot de rebondissements oscillant stratégies politiques et simulacre de magie, là où l'apparence s'avère aussi bien fallacieuse dans les deux camps. Quand au final haletant imprégné de mysticisme, il laisse planer le doute quand à la nouvelle destinée du fils du sénateur, quand bien même le générique de fin s'attarde sur son portrait imprimé sur le carrelage d'une cuisine !

Avec intelligence, malice et originalité, Harlequin idéalise le divertissement adulte à travers une fantaisie sardonique diablement ficelée fustigeant la manipulation politique. Rehaussé de la performance ensorcelante de Robert Powell, de seconds-rôles attachants et d'un climat d'inquiétude teinté d'onirisme, le film préserve toujours autant son pouvoir irréel de fascination ! 

Récompenses: Prix du jury, Prix de la Critique et Prix du Meilleur Acteur pour Robert Powell au 10è Festival du film Fantastique de Paris.

Prix du jury de la critique internationale, meilleur scénario et meilleure photographie au Festival du film de Catalogne, 1980

*Bruno
4èx

PREDESTINATION

                                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site comingsoon.net

de Michael Spierig et Peter Spierig. 2014. Australie. 1h37. Avec Ethaw Hawke, Noah Taylor, Sarah Snook, Elise Jansen, Christopher Kirby, Freya Stafford.

Sortie Dvd France: 1er Décembre 2014. Australie: 28 Août 2014

FILMOGRAPHIE: Michael Spierig et Peter Spierig sont des réalisateurs australiens, nés le 29 Avril 1976 à Buchholz (Allemagne).

2003: Undead. 2010: Daybreakers. 2014: Predestination

"Ne faites jamais hier ce qui devrait être fait demain. Si vous réussissez, ne réessayez jamais !"

Après le médiocre Undead et le sympathique Daybreakers, les frères Spierig se retrouvent pour le coup relégués à la case DTV avec Predestination, une série B d'anticipation inspirée d'un roman de Robert A. Heinlein, "Vous les zombies". Un agent secret a pour mission d'annihiler un dangereux terroriste. Avec l'aide d'un procédé temporel, il parcourt le passé afin d'éviter un prochain attentat de grande envergure. Gravement brûlé au visage lors d'une ultime altercation avec l'assassin, il se résigne une dernière fois à voyager dans le temps afin de l'éradiquer. 

Si ce bref résumé a de quoi laisser dubitatif l'amateur de récits temporels "singuliers", détrompez vous du leurre, Predestination tirant parti d'un concept follement original autour de l'affrontement psychologique de personnages en quête identitaire. Exit donc les scènes d'action pétaradantes observées dans le dernier Blockbuster ricain pour laisser place ici à un affrontement entre deux individus avides d'une résolution existentielle car compromis dans un concours de circonstances dysfonctionnelles. La première partie nous précise le passé tourmenté d'une jeune femme pugnace, Jane, réduite à la solitude depuis sa naissance dans un orphelinat. Captivant dans sa structure détaillée, son cheminement malchanceux insuffle une réelle empathie pour l'étrange destin de cette femme destituée de sa propre personnalité et en quête de vengeance. Le second acte se focalise ensuite sur la transaction temporelle impartie entre l'agent secret (barman à ses heures perdues) et Jane après que cette dernière lui eut expliqué ses raisons de supprimer son amant, le paternel responsable de sa nouvelle condition et d'un enfant préalablement kidnappé à la naissance. Je n'en dévoilerais pas plus pour la progression des enjeux dramatiques riches d'imprévus et de révélations malsaines, mais outre l'aspect captivant d'une énigme retorse embourbée dans un contexte temporel sans fin, Predestination sous-tend une réflexion sur l'échec de la personnalité, de la psychose et la schyzophrénie (qui suis-je ? d'ou je viens ?) lorsqu'une personne rongée par la solitude et la colère se condamne elle même à briser une vie commune sans issue. L'intensité du conflit émane donc de la généalogie scabreuse d'une relation humaine bâtie sur la fraude, le simulacre et le viol d'identité.  

Destination finale

Conçu à la manière d'un puzzle complexe inévitablement confus, Predestination brode un scénario perfide pour nous entraîner dans une inexorable descente aux enfers autour de personnages interlopes noyés par leur solitude et l'échec de la réussite. Il en émane une perle de déviance (encore plus couillue que l'étonnant Looper de Rian Johnson !), un récit de science-fiction lancinant dans ses thématiques abordés où le contexte temporel fait office d'offrande empoisonnée (le serpent qui se mord la queue indéfiniment!), rehaussé en prime d'un score percutant et surtout de la constance tranchée des comédiens (Ethan Hawke et Noah Taylor sont hantés par une désillusion amoureuse).

Dédicace à Jean Marc Micciche

Bruno Matéï 

L'ORPHELINAT (El Orfanato). Grand Prix, Gérardmer 2008.

                                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site allocine.fr

de Juan Antonio Bayona. 2007. Espagne. 1h45. Avec Belen Rueda, Fernando Cayo, Roger Princep, Montserrat Carulla, Géraldine Chaplin, Mabel Rivera.

Récompenses: Grand Prix à Gérardmer, 2008
Prix du Jury Sci-Fi à Gérardmer, 2008
Prix Goya des Meilleurs Effets Spéciaux, 2008

Sortie salles France: 5 mars 2008. Espagne: 11 Octobre 2007

FILMOGRAPHIE: Juan Antonio Bayona est un réalisateur et scénariste espagnol, né en 1975 à Barcelone. 2004: Sonorama (video). 2004: 10 anos con Camela (video). 2005: Lo echamos a suertes (video). 2007: l'Orphelinat. 2012: The Impossible.

Immense succès dans son pays d'origine, à l'instar de son ovation française reçue au Festival de Gérardmer (Grand Prix, Prix du Jury Sci-fi !), l'Orphelinat incarne l'archétype du Fantastique Espagnol noble lorsqu'un scénario charpenté est entièrement alloué à l'humanisme des personnages, au sens d'un mystère palpable et à l'ambiance éthérée d'un cas de hantise. En empruntant les thématiques délicates de l'enfance meurtrie, de l'instinct maternel, de la difficulté de surmonter le deuil et du sens du sacrifice, Juan Antonio Bayona se porte en conteur avisé pour mettre en exergue l'investigation rigoureuse d'une mère de famille obsédée par la disparition de son fils. Ancienne pensionnaire d'un orphelinat durant sa jeunesse, Laura décide aujourd'hui de rouvrir l'établissement pour accueillir de jeunes enfants handicapés. Mais le comportement de son fils, Simon, s'avère toujours plus inquiétant lorsqu'il se distrait avec ses potentiels amis invisibles. Le jour de l'inauguration, ce dernier disparaît sans laisser de traces. Malgré l'impuissance de la police, Laura se lance alors à sa recherche afin de le retrouver en vie puis finit par faire appel à une éminente parapsychologue. 

Autour de cette douloureuse histoire de disparition infantile Spoil !!! mais aussi du châtiment macabre intenté à de jeunes orphelins fin du Spoil !, Juan Antonio Bayona aborde le sujet de l'injustice de la mort avec la sensibilité prude de parents déboussolés en quête de vérité. En particulier du point de vue de Laura, une mère déjà ébranlée par son ancienne adoption au sein de l'orphelinat, puisque du jour au lendemain contrainte de se séparer inopinément de ses jeunes amis pensionnaires. La manière intelligente dont le cinéaste fait intervenir le surnaturel s'avère d'autant plus crédible qu'il ne fait appel à aucune esbroufe puisque préconisant la fragilité psychologique de Laura (Belen Rueda s'avérant remarquable de sobriété dans son épreuve maternelle toujours plus significative !) embarquée dans une investigation aussi macabre que fructueuse. Outre sa force dramatique impartie aux thèmes de l'enfance meurtrie, du deuil inéquitable et de la démission parentale, l'Orphelinat joue sur la notion spirituelle de l'existence en l'au-delà avec pudeur afin de dédramatiser l'angoisse du trépas. En second plan, son onirisme candide et son atmosphère feutrée laissent planer un mystère diffus autour de cette bâtisse gothique entachée de mauvais souvenirs et de secrets inavoués. Sans déflorer l'alibi de l'intrigue riche en rebondissements, le film puise donc son acuité dans le cheminement mystique de Laura emmêlée dans une énigme aussi longue et cruelle mais aussi salvatrice. 

Avec émotion et sensibilité, Juan Antonio Bayona renouvelle le film de fantôme grâce à l'intelligence d'un script retors impeccablement structuré. Car sans volonté d'ébranler le spectateur, il occulte la terreur traditionnelle pour miser sur le suspense lattent et la caractérisation humaine de ces personnages confrontés à un destin aussi funèbre que rédempteur ! Poème d'amour et de mort, l'Orphelinat se résumant à une bouleversante leçon de décence envers ces enfants martyrs épris de grâce maternelle ! 

Bruno Matéï

2èx

Assaut / Assault on Precinct 13

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de John Carpenter. 1976. U.S.A. 1h31. Avec Austin Stoker, Darwin Joston, Martin West, Laurie Zimmer, Nancy Kyes, Tony Burton, Charles Cyphers.

Sortie salles France: 5 Juillet 1978. U.S: 5 Novembre 1976

FILMOGRAPHIE: John Howard Carpenter est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur, compositeur et producteur de film américain né le 16 janvier 1948 à Carthage (État de New York, États-Unis). 1974 : Dark Star 1976 : Assaut 1978 : Halloween, la nuit des masques. 1979: Le Roman d'Elvis. 1980 : Fog 1981 : New York 1997 1982 : The Thing 1983 : Christine 1984 : Starman 1986 : Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin 1987 : Prince des ténèbres 1988 : Invasion Los Angeles 1992 : Les Aventures d'un homme invisible 1995 : L'Antre de la folie 1995 : Le Village des damnés 1996 : Los Angeles 2013 1998 : Vampires 2001 : Ghosts of Mars 2010 : The Ward.

 

Après un premier essai de science-fiction fauché (Dark Star), John Carpenter signe un coup de maître avec Assaut, variation moderne du Rio Bravo d’Howard Hawks qu’il vénère sans réserve. Mal reçu dans son pays, le film gagne pourtant ses lettres de noblesse en Europe, jusqu’à devenir culte. Inspiré aussi de La Nuit des morts-vivants, Carpenter, avec un budget dérisoire, orchestre une prouesse : narrer l’état de siège d’un commissariat assailli par une horde de meurtriers impassibles. Tout part du témoignage d’un homme réfugié dans le central 13, témoin de l’assassinat brutal de sa fille (scène-choc d’un réalisme insoutenable encore aujourd'hui) qui, dans un geste de vengeance, abat le chef du gang. Traumatisé, incapable d’articuler sa détresse après avoir vu sa fille et un marchand de glace exécutés, il entraîne malgré lui le commissariat dans un blocus infernal. Bientôt, autour du bâtiment, se regroupent des assaillants venus de toutes origines, prêts à le réduire au silence. Alors, avec l’aide de deux criminels en transfert, le shérif Ethan Bishop, la secrétaire Leigh et la standardiste Julie vont tenter de le protéger et de résister.

Modèle d’efficacité brute, Assaut enferme ses protagonistes dans un huis clos où des policiers s’allient à des criminels pour survivre, acceptant leurs divergences morales et sociales face à un ennemi commun. Ces gangsters, silhouettes fantomatiques, mutiques et véloces, prennent des allures surnaturelles dans leur attaque méthodique. Carpenter nous projette dans un western moderne quasi horrifique: action rageuse, héroïsme viril, commissariat vétuste transformé en fortin et surtout climat d'angoisse et d'inquiétude indicible qui imprègne toute la pellicule. Scandée par la pulsation électro du maître, l’ambiance crépusculaire s’agrippe d’une horreur diffuse, surtout lors des assauts silencieux au pistolet muni de silencieux : scènes d’anthologie, jouissives et glaçantes, où le silence devient une arme. Au-delà de ses éclairs de violence spectaculaires et de son ambiance sépulcrale aux allures d'apocalypse, Assaut brille par un suspense implacable et par l’engagement total de ses acteurs, jusque dans les seconds rôles inoubliables. Chacun prend des risques insensés pour éviter les balles et chercher une improbable issue. Parmi eux, l'étrange Laurie Zimmer magnétise à coeur ouvert : secrétaire téméraire, au regard doux et loyal, elle impose une force tranquille, discrète et audacieuse qui surpasse parfois ses partenaires endurcis.

Dans sa lecture sociale à la fois implacable et visionnaire, Assaut révèle une Amérique rongée par la violence (policière / délinquante) et la prolifération des armes. Mais il transcende ce constat en western urbain incandescent : mise en scène millimétrée, partition obsédante, frénésie d’action, ambiance funèbre parfois mélancolique et héroïsme désespéré. Tout concourt à hisser ce film indépendant au rang de mythe sous l'impulsion d'un sublime portrait de femme langoureuse dont je ne me suis jamais remis de son pouvoir de séduction évanescent. 

— le cinéphile du cœur noir
6èx. Vostf

Le Mort-Vivant / Dead of Night

                                                                            Photo scannée appartenant à Bruno Matéï

de Bob Clark. 1972/74. U.S.A. 1h32. Avec John Marley, Lynn Carlin, Richard Backus, Henderson Forsythe, Anya Ormsby, Jane Daly, Michael Mazes.

Sortie salles France: 20 Août 1975. U.S: 30 Août 1974  

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Bob Clark est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur américain, né le 5 Août 1941 à La Nouvelle-Orléans, en Louisiane (Etats-Unis), décédé le 4 Avril 2007 à Pacific Palisades, en Californie. 1966: The Emperor's New Clothes. 1967: She-Man. 1972: Children Shouldn't play with dead things. 1974: Le Mort-Vivant. 1974: Black Christmas. 1979: Meurtre par décret. 1980: Un Fils pour l'été. 1982: Porky's. 1983: Porky's 2. 1983: A Christmas Story. 1984: Rhinestone. 1985: Turk 182 ! 1987: From the Hip. 1990: Loose Cannons. 1995: Derby (télé-film). 1999: P'tits génies. 2004: SuperBabies.

Juste avant Black Christmas, fer de lance du psycho-killer, Bob Clark marqua les esprits avec le Mort-Vivant, authentique film culte d'une surprenante originalité pour son thème emprunté au mythe du zombie suggérant une métaphore sur le trauma vietnamien. Car sous couvert d'une intrigue horrifique au climat sévèrement mortifère, le film traite en filigrane de la difficile réinsertion des vétérans américains livrés à la folie et la solitude dans leur pays en berne. 

Le pitch: Un officier du ministère vient apprendre à la famille Brooks que leur fils Andy est mort au front vietnamien. Quelques jours plus tard, ce dernier réapparaît vivant à la stupeur des parents ! Mais déboussolé, impassible et mutique, Andy se morfond dans la solitude quand bien même un routier est retrouvé sauvagement assassiné. Une descente aux enfers commence pour la famille et leur nouveau rejeton réduit à l'état de monstre. 

Portrait glaçant d'un soldat infériorisé par sa dégénérescence physique et morale, le Mort-Vivant est un cauchemar américain d'un réalisme acéré. De par la prestance magnétique de l'acteur John Marley pourvu d'une trogne aussi famélique que rigide, et le parti-pris de sa mise en scène proche du documentaire, Le Mort-Vivant laisse en état de choc. Privilégiant l'étude de caractère des personnages, le film gagne en crédibilité lorsque le cinéaste s'attarde à souligner la situation de crise d'une cellule familiale tourmentée par le retour de leur fils, car réfugié depuis dans l'isolement. Alors que le père adopte un comportement davantage irascible et suspicieux à son égard, la mère, déjà bien perturbée de sa longue absence, préserve aujourd'hui son instinct maternel afin de le protéger contre toute culpabilité. Quand à la soeur d'Andy, elle mise pour le retrait, une manière docile de ne pas interférer dans la discorde afin d'y apaiser les tensions. Emaillé de séquences horrifiques assez malsaines, le Mort-Vivant provoque une terreur sourde pour les agissements meurtriers de ce soldat revenu de l'Enfer ! Les meurtres sauvagement perpétrés s'avérant d'autant plus déconcertants qu'Andy pratique des perfusions intraveineuses pour se nourrir du sang des victimes. Il y émane une trouble fascination face à son comportement interlope, notamment pour la variation de son look (col roulé et lunettes noires afin de panser ses plaies purulentes puis sa vision déclinante) et de sa dégénérescence physique appuyée des maquillages du débutant Tom Savini (Andy se putréfiant inexorablement en dépit de ses dernières agressions sanglantes). Qui plus est, épaulé d'une photo granuleuse et sombre, le climat glauque qui enveloppe le récit distille une atmosphère étouffante que la musique de Carl Zittrer accentue dans des tonalités dissonantes. Enfin, le film s'achève de manière bien cruelle lors d'un épilogue dérangeant resté dans les mémoires, de par son caractère poignant proprement tragique nous laissant dans un état d'amertume désemparé.

Moi, Zombie, chronique du traumatisme.
Avec audace, intelligence et originalité, Bob Clark suggère avec le Mort-Vivant un pamphlet contre la barbarie guerrière et le traumatisme des vétérans livrés à l'abandon à leur retour au pays. Grâce à l'interprétation effrayante de John Marley, aux seconds-rôles dépouillés plus vrais que nature (les parents d'Andy insufflent une empathie torturée) et à la verdeur de son réalisme, cette oeuvre ultra noire insuffle une aura putrescente auprès de sa descente aux enfers d'une rigueur infiniment cauchemardesque. 

AVERTISSEMENT ! N'optez surtout pas pour la Version Française, le doublage ultra superficiel et sa nouvelle partition musicale usurpée dénaturant sans vergogne l'identité de l'oeuvre maudite.

*Bruno

5èx. Vostfr. 13.07.24. 

Récompenses: Prix du Meilleur Scénario au Festival du film fantastique de Paris.

Prix du Meilleur Scénario au Festival du film de Catalogne, 1975

Aliens, le Retour (Aliens)

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine

de James Cameron. 1986. U.S.A. 2h17 (Version Cinema) / 2h34 (Director's Cut). Avec Sigourney Weaver, Michael Biehn, Carrie Henn, Lance Henriksen, Paul Reiser, Bill Paxton.

Sortie salles France: 8 Octobre 1986. U.S: 18 Juillet 1986

FILMOGRAPHIE: James Francis Cameron est un réalisateur, scénariste et producteur canadien, né le 16 Août 1954 à Kapuskasing (Ontario, Canada). 1978: Kenogenis (court-métrage). 1981: Piranhas 2, les Tueurs Volants. 1984: Terminator. 1986: Aliens, le Retour. 1989: Abyss. 1991: Terminator 2. 1994: True Lies. 1997: Titanic. 2003: Les Fantomes du Titanic. 2005: Aliens of the Deep. 2009: Avatar.

Si Ridley Scott innova en matière de space-opera horrifique avec son modèle matriciel Alien, James Cameron en exploite ici le concept sous une facture autrement belliqueuse : Aliens mise autant sur le film de guerre que sur l’horreur tentaculaire d’une hostilité organique démultipliée en masse. Épaulée de Ripley, une escouade de marines et un androïde charitable ont pour mission de gagner la planète LV-426 depuis qu’un groupe de colons s’est volatilisé. Enrôlés à la rescousse, armés jusqu’aux dents, ils livreront une bataille sans merci contre des Xénomorphes innombrables, toujours plus vicieux, voraces dans leurs stratégies meurtrières. Film d’action pur et dur, mis en scène avec une maestria implacable, Aliens, le Retour prend le contre-pied de son modèle, concentré d’angoisse diffuse et de suggestion, pour s’ériger aujourd’hui en blockbuster homérique d’une intensité insatiable. Avec intelligence et efficacité, Cameron mobilise le potentiel épique de son histoire au service de la vulnérabilité de ses personnages - quand bien même un traître à bord s’acharne à compromettre la mission pour ramener un spécimen sur Terre.

Sur le mode opératoire du survival, nos combattants, d’abord aveuglés par une menace insidieuse, redoublent de vigilance pour débusquer les Aliens tapissant souterrains et plafonds de galeries. Cameron tire à merveille parti de l’aspect anxiogène de ce refuge industriel, de ses laboratoires et navettes spatiales plongés dans un crépuscule permanent. La première partie mise sur l’attente exponentielle d’un danger sous-jacent, de plus en plus tangible, donc éminemment oppressant. Pour densifier l’enjeu humain, la découverte d’une survivante enfantine, adoptée par le commando, éveille chez Ripley un instinct maternel - elle qui venait d’apprendre la mort de sa propre fille après cinquante-sept ans d’hypersommeil ! Le cinéaste exploite cette complicité tendre pour les éprouver à une suite de périls soudains, alarmistes, éreintants. Enfin, dans un chaos d’incidents techniques — navette de secours pulvérisée, réacteur nucléaire prêt à imploser -, nos baroudeurs persistent, déployant stratégies défensives et offensives pour contrer l’envahisseur. Un occupant décuplé : des centaines d’Aliens se ruent pour les exterminer dans une voracité toujours plus véloce ! Cette alternance de suspense suffocant, d’horreur organique et d’action spectaculaire est charpentée avec une précision d’orfèvre, tenant le spectateur en état d’alerte - jusqu’à l’apothéose : le corps à corps titanesque de Ripley contre la reine Alien ! Le caractère bien trempé de chacun imprime le récit d’une bravoure, d’un honneur et d’un sens du sacrifice admirables.

"Ne la touche pas, sale pute !"
Modèle de mise en scène au scalpel, Aliens, le Retour conjugue horreur insidieuse et action guerrière avec un réalisme d’une intensité vertigineuse. Il en surgit un grand huit jouissif, dominé par la prestance virile d’une Sigourney Weaver humble et hardie, mère et guerrière à la fois. Formellement fascinant — scénographie spatiale humide, rubigineuse, effets spéciaux encore bluffants - ce chef-d’œuvre homérique est enfin transcendé par les percussions échevelées de James Horner.

*Bruno

4èx

Récompenses: Oscars du Meilleur Montage Son et des Meilleurs Effets visuels en 1986
Prix Hugo: Meilleur Film en 1987

Kinema Junpo Awards: Meilleur Film Etranger

Saturn Awards: Meilleur Film de Science-Fiction

Le p'tit mot de Laurent !
"Aliens le retour ! du lourd, du très lourd ! C'est vrai que James Cameron n'est pas du genre à filmer des grille-pain pendant une heure sous tous les angles mais plutôt des usines entières ! Après une décennie de d'hégémonie du space op' type Guerre des Etoiles, Cameron nous rappelait que les hommes n'iraient pas dans l'espace seulement comme des rêveurs idéalistes mais y transporteraient leurs arsenaux (du métal perforant, du nucléaire) leurs idéologies (libéralisme, techno-militarisme) et leurs pathologies(névroses, psychose et autres blessures). A part le film "Outland" je ne connais pas d'autres films du genre aussi politiquement explicites(2001,Solaris, Silent Running datant d'avant 1977, il me semble).
Mais l'ami James n'est pas un moraliste, ni un donneur de leçons, c'est un véritable artiste qui n'oublie jamais que le cœur reste la plus fascinante des machines.
Ici, au centre de son immense mécano en voie de détérioration, au milieu des jets de vapeurs et d'acides, au bord du gouffre et de l'autodestruction, quand le cancer gagne, quand la folie guette, il nous bouleverse en faisant de l'attachement (mère/enfant) une condition essentielle de la survie de notre humanité."

Les critiques des autres opus: 

Alien, le Huitième Passager: http://brunomatei.blogspot.fr/2012/04/alien-le-huitieme-passager.html
Alien 3: http://brunomatei.blogspot.com/2011/09/alien-3.html
Alien, la Résurrection: http://brunomatei.blogspot.com/2011/08/alien-la-resurrection.html

La Dernière Vague. Prix Spécial du Jury, Avoriaz 78.

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site solium.ru

"The Last Wave" de Peter Weir. 1977. Australie. 1h46. Avec Richard Chamberlain, Olivia Hamnett, David Gulpilil, Frederick Parslow, Vivean Gray, Nandjiwarra Amagula, Walter Amagula.

Sortie salles France: Novembre 1977. Australie: 15 Décembre 1977

FILMOGRAPHIE: Peter Weir est un réalisateur australien, né le 21 Août 1944, à Sydney, Australie. 1974: Les Voitures qui ont mangé Paris. 1975: Pique-nique à Hanging Rock. 1977: La Dernière Vague. 1981: Gallipoli. 1982: l'Année de tous les Dangers. 1985: Witness. 1986: Mosquito Coast. 1989: Le Cercle des Poètes Disparus. 1990: Green Card. 1993: Etat Second. 1998: The Truman Show. 2003: Master and Commander. 2011: Les Chemins de la Liberté.

                                         

Fleuron de l'âge d'or du fantastique australien, la Dernière Vague est aujourd'hui souvent réduit au mutisme auprès des fans du genre, alors que le jeune public en ignore son existence faute de son invisibilité sur nos écrans. Pourtant couronné du Prix Spécial du Jury à Avoriaz et depuis sorti en Dvd chez nous dans un superbe coffret regroupant 4 films fondateurs de Peter Weir, La Dernière Vague symbolise avec subtilité un fantastique éthéré autour de visions d'apocalypse, entre rêve prémonitoires et réalité pessimiste. Le pitch: A Sydney, à la suite du meurtre d'un aborigène, un avocat tente de défendre cinq accusés mis en cause par ce lynchage communautaire. Au fil de son investigation, David Burton va être assujetti à d'étranges rêves témoignant des rites ancestraux d'une tribu aborigène. Et pour endosser l'avocat en perte de repère et en perdition existentielle, il est étonnant de retrouver ici le bellâtre acteur des Oiseaux se cachent pour mourir au sein d'une oeuvre indépendante aussi métaphysique que déroutante ! De par son rythme apathique réfutant le spectacle d'envergure et son atmosphère irréelle  émanant d'une imagerie onirico-crépusculaire. 

Si la première partie prodigue un certain effort pour accepter la monotonie ambiante du héros en perpétuel questionnement sur l'idéologie aborigène, la suite s'avère toujours plus captivante lorsqu'il tente de démystifier le rite tribal d'un meurtre commis en réunion. Ainsi, à travers cette étrange intrigue dénonçant la colonisation de l'homme blanc sur le peuple aborigène, la Dernière Vague fait appel à la tradition de "l'âge d'or", au respect tribal et à leur éthique, là où l'importance du rêve accorde une grande place pour y surveiller le climat de notre environnement. Et s'il y a trahison d'un de leur membre, le coupable en est sévèrement châtié par le pouvoir de la sorcellerie ! Cette race d'esprits que l'on prénomme ici "Mulkurul" a comme devoir d'y prédire l'avenir à travers les songes et d'imposer leur nouvelle présence lorsque la nature cyclique est sur le point de s'y renouveler ! Traversé de séquences impressionnantes (mais concises !) d'intempéries diluviennes, de tempêtes de grêle et de pluie noire, le film emprunte la voie métaphorique de Dame Nature se rebellant contre l'irrespect de l'homme moderne réfractaire aux anciennes religions et depuis condamnées à l'oubli. Une ambiance d'apocalypse y est alors distillée de par la suggestion de prédictions cauchemardesques auquel un homme blanc tentera  d'interférer parmi la télépathie d'un aborigène pour y percer leurs secrets. Tel ce potentiel achèvement de notre monde venu purifier de nos pêchers toutes formes de civilisations ! Par la force d'images sensitives où l'eau y symbolise autant la pureté que l'élément déclencheur d'une violence climatique, la Dernière Vague fait appel à la puissance d'évocation, au sens de la suggestion afin d'anticiper une angoisse latente toujours plus pessimiste ! 

Le Nouveau Monde

Réflexion métaphysique sur une perpétuelle renaissance existentielle et sur le rapport spirituel des rêves, La Dernière Vague fait appel au déchaînement de la nature pour nous rappeler son omnipotence face à notre égocentrisme. Epaulé du score lancinant de Charles Wain, d'une photo naturelle et de l'interprétation habitée d'un Richard Chamberlain transi d'émoi (sans doute son meilleur rôle !), cette enquête mystique aussi fascinante qu'inquiétante laisse en exergue une vision plutôt crépusculaire de notre avenir. Et ce avant qu'un nouveau monde n'éclot... Chef-d'oeuvre.

*Bruno 

07.10.20. 

23.06.23. 5èx

Récompenses: Prix Spécial du Jury à Avoriaz en 1978

Meilleure Photographie, Meilleur Son lors des Australian Film Institute Awards, 1978

Meilleur Acteur, Richard Chamberlain au Festival du film de Catalogne, 1982.

                                    

La Morte-Vivante

                                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site t411.me

de Jean Rollin. 1982. France. 1h29. Avec Marina Pierro, Françoise Blanchard, Mike Marshall, Carina Barone, Jean-Pierre Bouyxou.

FILMOGRAPHIE: Jean Michel Rollin, Roth Le Gentil est un réalisateur, producteur et scénariste français, né le 3 novembre 1938 à Neuilly-sur-Seine (France), décédé le 15 Décembre 2010.
1958 : Les Amours jaunes, 1961 : Ciel de cuivre, 1963 : L'Itinéraire marin, 1964 : Vivre en Espagne, 1965 : Les Pays loin, 1968 : Le Viol du vampire, 1969 : La Vampire nue, 1970 : Le Frisson des vampires, 1971 : Requiem pour un vampire, 1973 : La Rose de fer, 1974 : Les Démoniaques, 1975 : Lèvres de sang, 1978 : Les Raisins de la mort, 1979 : Fascination,1980 : La Nuit des traquées, 1981 : Fugues mineures (Les Paumées du petit matin), 1981 :Le Lac des morts vivants (sous le pseudonyme de J. A. Lazer), 1982 : La Morte vivante, 1984 :Les Trottoirs de Bangkok, 1985 : Ne prends pas les poulets pour des pigeons (sous le pseudonyme de Michel Gentil), 1989 : Perdues dans New York, 1990 : La Griffe d'Horus(TV), 1991 : À la poursuite de Barbara, 1993 : Killing Car, 1997 : Les Deux Orphelines vampires, 2002 : La Fiancée de Dracula, 2007 : La Nuit des horloges, 2010 : Le Masque de la Méduse.

Dans la mouvance du gore transalpin qui éclaboussa les écrans à l’orée des années 80, Jean Rollin profite du filon commercial pour mettre en scène La Morte-Vivante. Une série Z franchouillarde, truffée de maladresses et d’incohérences, mais néanmoins rattrapée par une thématique déjà explorée avec force par le magnifique Moi, zombie, chronique de la douleur et Le Jour des morts-vivants : la résurgence d’une conscience à travers le regard d’un zombie.

Synopsis: Après avoir déposé des fûts toxiques dans la crypte d’un château, trois hommes réveillent l’âme de la défunte Catherine Valmont. Livrée à sa nouvelle déchéance, elle tue de sang-froid les intrus, mue par un instinct sanguinaire. Seule dans le château, Catherine se replie sur ses souvenirs d’enfance, se remémorant Hélène, son amie la plus chère, avec qui elle partageait une complicité fusionnelle.

Produit commercial surfant sur la vague des zombie movies impulsée par Fulci, Lenzi, Bianchi et consorts, La Morte-Vivante exploite avant tout l’explicite de ses situations gores, émanant du comportement erratique d’une héroïne avide de sadisme et de sang frais. À l’aide de trucages en latex rudimentaires mais efficaces, Rollin ne lésine pas sur le racolage, filmant en gros plan plaies béantes et chairs déchiquetées. Porté par des comédiens inexpressifs et une réalisation approximative, le film prête souvent à sourire par son aspect aussi ridicule que fauché. Or, la sensibilité singulière de son auteur finit par capter l’attention, nous entraînant dans le cheminement indécis d’une morte-vivante victime de sa condition meurtrière et de son isolement.

Autour de son errance nocturne et de la relation tendre qu’elle renoue avec son amie d’enfance, émergent les thèmes de l’amour, de la réminiscence, de l’amitié, du sacrifice et du sentiment, lovés dans l’intimité fragile de deux femmes compromises par une dérive sanguinaire. Les rôles s’inversent alors : Catherine, gagnée par une forme de conscience et de sensibilité, se détourne de ses exactions morbides, tandis qu’Hélène persévère dans l’avilissement, prête à sombrer pour combler le vide existentiel de sa compagne.

Liens d’amour et de sang

En dépit de son amateurisme et de ses inévitables maladresses parfois risibles, La Morte-Vivante parvient à divertir et attendrir, nimbée d’un romantisme funèbre porté par une zombie livide, vêtue de blanc. Si sa dimension psychologique reste maladroitement exploitée et que la fadeur des comédiens lui nuit, on s’attache néanmoins à la destinée singulière de Catherine, fantôme abandonné de Dieu comme de la mort. Un film intimiste à réserver aux inconditionnels du cinéma personnel et imparfait de Jean Rollin.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

26.12.25. 3èx

Spectre / The Boogeyman

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

de Ulli Lommel. 1980. U.S.A. 1h22. Avec Suzana Love, Ron James, John Carradine, Nicholas Love, Raymond Boyden, Felicite Morgan.

Sortie salles France: 15 Juillet 1981. U.S: 11 Juillet 1980

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Ulli Lommel est un réalisateur, acteur et scénariste allemand, né le 21 Décembre 1944 à Sulecin (Pologne). 1973: La Tendresse des Loups. 1979: Cocaïne Cowboys. 1980: Spectre. 1980: Blank Generation. 1983: The Devonsville Terror. 1983: Mad Night. 1983: Boogeyman 2. 1985: A la poursuite de la pierre sacrée. 1986: Overkill. 1989: Top Gun Sacrifice. 1994: Marilyn my love. 1997: Alien X Factor. 1998: Bloodsuckers. 2005: Zodiac Killer. 2005: B.T.K Killer. 2006: The Raven. 2007: Borderline Cult. 2007: Curse of the Zodiac. 2007: The Tomb. 2008: Son of Sam. 2008: Dungeon Girl.

"Une graine (maudite) de film culte que ce psycho-killer surnaturel." 

Série B bisseuse des années 80 totalement oubliée de nos jours, Spectre rencontra le succès lors de sa sortie en salles US et durant son exploitation vidéo dans l'hexagone. Réalisé par Uli Lommel, cinéaste prolifique comptabilisant une cinquantaine de films à son curriculum, le film surfe sur le succès en vogue du psycho-killer initié par Halloween ainsi que le film sataniste inspiré de l'Exorciste et d'Amityville (la demeure familiale de nos héros ressemble d'ailleurs étrangement à celle des Lutz). 

Ainsi, ce curieux mélange des genres aurait pu sombrer dans la gaudriole s'il n'eut bénéficié d'une idée aussi originale que retorse, alors que son ambiance inquiétante nous plonge avec délice dans un univers susceptible. Car par l'entremise d'un miroir brisé, le fantôme d'un tortionnaire d'enfants revient ici d'entre les morts pour se venger d'eux et de leurs proches. 

L'intrigue débutant avec un prologue particulièrement sordide lorsqu'un frère et une soeur, Lacey et Willy, sont à nouveau les souffres douleurs d'un beau-père pervers parmi le témoignage complice de leur mère. En particulier Willy retrouvé enchaîné sur son lit pendant que les bourreaux copulent dans la pièce d'à côté. Finalement libéré par sa soeur cadet, il se précipite dans leur chambre pour poignarder sauvagement son beau-père à plusieurs reprises. 

20 ans plus tard, nous retrouvons Lacey et Willy hébergés chez leurs grands-parents mais profondément déstabilisés par cette sanglante tragédie. Alors que Lacey trouve le soutien auprès de son mari Kevin, Willy se terre dans le mutisme depuis son exaction criminelle. Mais afin d'exorciser leurs démons, Lacey décide tout de même de retourner dans la maison de leur enfance en se confrontant au fantôme du beau-père dans le reflet d'un miroir. 

Ce pitch à la limite du grotesque réussit miraculeusement à éviter le ridicule de par la persuasion du sentiment de danger et l'efficacité de sa réalisation oscillant entre l'expectative du suspense et les altercations morbides. Tant auprès de l'accomplissement des meurtres aussi inventifs que sanglants, de l'ambiance glauque agréablement diffuse que de la conduite soutenue du récit, Spectre parvient donc à captiver par le biais d'une hostilité invisible particulièrement sournoise. Et pour renforcer et avertir la sensation de danger, un soupir lourd nous est imposé durant ses déplacements en caméra subjective, quand bien même le score envoûtant de Tim Krog amplifie ce trouble sentiment de présence irréelle. 

Et si le manque de cohérence de certains personnages s'y fait parfois sentir dans leur apathie de stupeur et que l'approximation des dialogues avait gagné à être mieux argumenté (bien qu'on a largement vu pire ailleurs), la bonne volonté des comédiens réussit tout de même à insuffler une réelle sympathie à travers leur fonction de victimes éprouvées et leur bravoure de dernier ressort (le final délirant s'avérant explosif pour leur combat opposé aux forces du Mal).

Grâce à son ambiance ombrageuse plutôt palpable, sa photo soignée, son score lancinant et l'originalité d'un pitch détonnant, Spectre réussit à provoquer charme et sympathie à travers un esprit naïf de bisserie délicieusement rétro. A préconiser aux nostalgiques de l'époque, le film étant aujourd'hui encore plus attachant dans sa sincérité maladroite mais assez efficace et semé de trouvailles si bien que l'on s'amuse à se surprendre de ses effets chocs escomptés. Enfin, notons également l'apparition clin d'oeil de David Carradine dans un rôle avenant de psychiatre sclérosé.

Dédicace à Adrien Pennequin et remerciement à Uncut Movies et Lupanars visions
Bruno Matéï
04/02/22/ 4èx

L'ETRANGE COULEUR DES LARMES DE TON CORPS

                                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de Bruno Forzani et Hélène Cattet. 2014. France/belgique/Luxembourg. 1h41. Avec Klaus Tange, Jean-Michel Vovk, Sylvia Camarda, Sam Louwyck, Anna D'Annunzio.

Sortie salles France: 12 Mars 2014

FILMOGRAPHIE: Bruno Forzani et Hélène Cattet sont un couple de cinéastes français résidant à Bruxelles.
2010: Amer. 2013: L'Etrange couleur des Larmes de ton corps.

Après leur premier coup d'essai Amer qui avait tant divisé son public, le duo Forzani/Cattet réexplore l'univers du giallo auteurisant à coup de stylisme alambiqué et d'expérimentation sensorielle. Un téléphoniste rentre dans son appartement et découvre que sa femme a disparu. Perdu dans sa solitude, il tente de la retrouver dans son immeuble parmi la compagnie de voisins interlopes et parmi l'étrangeté de sons stridents. 

Autant prévenir de suite, tous les spectateurs qui avaient été frustrés par l'hermétisme de l'intrigue en triptyque d'Amer risquent à nouveau de faire grise mine avec l'Etrange couleur des larmes de ton corps ! Notre couple de cinéastes continuant de verser dans l'expérimental et de pousser au paroxysme une imagerie sensuello-morbide imbriquée dans une trame aussi vertigineuse que nonsensique. C'est du moins mon ressenti personnel en tant que témoin d'un premier visionnage auquel il sera ici impossible de disserter de manière objective ! Le film se révélant à nouveau une expérience sensitive encore plus aboutie d'un point de vue stylisé et plus organique dans la manière vénéneuse dont les auteurs exploitent un dédale d'obsessions du corps féminin et du regard oculaire avant les coups de lames acérées. Formellement sublime dans sa maîtrise picturale (les cadrages tarabiscotés accumulent avec frénésie les prouesses techniques !) magnifiant la présence suspicieuse des protagonistes comme celle de sa scénographie art-déco, l'Etrange couleur des larmes de ton corps fait appel au sens olfactif, au tactile et à l'ouïe (la BO vintage honore des tubes transalpins quand bien même les bruitages stridents ne cessent de nous agresser !). De cette fantasmagorie baroque et sexuelle émane une confusion (volontaire) d'écriture pour mieux nous égarer dans un labyrinthe de paranoïa où inceste, sadomasochisme et fétichisme sont étroitement liés.

Fascinant et agaçant à la fois, de par l'incompréhension de l'intrigue, la multiplicité des plans rapides et l'attitude équivoque des protagonistes surgis parfois de nulle part, l'Etrange couleur des larmes de ton corps s'avère une expérience fulgurante dans son maelstrom de séquences hallucinées faisant office d'anthologie atypique. Inévitablement, cette expérience avec l'art du cinéma déchaînera une fois de plus les passions comme celle des déceptions. Mais aussi abstrait et nébuleux, ce giallo néo-surréaliste pourrait à nouveau séduire et éclaircir l'interrogation du spectateur au fil d'autres visionnages. Et quitte à insister, l'hypnose impartie au florilège de séquences oniriques n'a jamais été contemplé de manière aussi symétrique sur la toile !

Bruno Matéï