EDDIE THE EAGLE

                                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site sallesobscures.com

de Dexter Fletcher. 2016. Angleterre/Allemagne/U.S.A. 1h45. Avec Taron Egerton, Hugh Jackman,

Keith Allen, Jo Hartley, Iris Berben.

Sortie salles France: 4 Mars 2016. U.S: 26 Février 2016

FILMOGRAPHIE: Dexter Fletcher est un acteur et réalisateur anglais, né le 31 janvier 1966. 

2011 : Wild Bill (également coscénariste). 2013: Sunshine on Leith. 2016: Eddie the Eagle.

"Le plus important aux jeux olympiques n'est pas de gagner mais de participer. L'important dans la vie ce n'est point le triomphe mais le combat."
PIERRE DE COUBERTIN, Fondateur des Jeux Olympiques, 1896. 

A l'instar du succès inattendu de Rocky, il y a encore des petits métrages débordant de générosité et de sincérité à s'approprier un concept éculé si bien que l'on oublie facilement son cheminement balisé pour se laisser à nouveau bercer par la "succes-story" d'un prodige chez une compétition sportive. Tiré d'une histoire vraie, Eddie the Eagle retrace avec une émotion vertigineuse l'incroyable destin d'Eddie Edwards, jeune britannique passionné par le saut en ski et suffisamment utopiste pour croire en son étoile. Raillé par son père, les olympiens et les administrateurs alors qu'il débuta trop tard sa discipline professionnelle, Eddie compte néanmoins participer aux jeux olympiques avec l'appui de son mentor autrefois privé de médaille pour indiscipline. Ensemble, fort d'un entraînement intensif et malgré les échecs, ils vont multiplier les exploits avant de pouvoir concourir aux jeux olympiques d'hiver de 1988. 

Véritable cantique à la passion, au courage, à l'estime de soi et à la constance, Eddie the Eagle réinvente l'ascension sportive d'un jeune loup délibéré à se transcender pour conquérir son rêve. Cette rage de vaincre tous les défis, cette force morale de braver le pessimisme et les brimades de son entourage, Eddie Edwards nous les transmet à l'écran avec un flegme prégnant. Son parcours semé d'embûches, de bévues et de surprises nous emportant dans un tourbillon d'émotions aussi fringantes que le destin de Rocky. A travers des séquences aériennes vertigineuses, on peut également saluer le brio de la mise en scène sublimant les descentes sur ski d'Eddie avant son grand saut de l'aigle ! Une désignation que lui même et ses nouveaux supporters ont acclamé depuis sa performance héroïque contre toute attente. Sous son physique ordinaire de benêt (lunettes trop larges et sourire niais), Taron Egerton (la révélation de Kingsman !) porte le film à bout de bras par son aisance naturelle à insuffler des sentiments fondés sur la loyauté, la bravoure, la passion et l'amitié. Secondé par l'autorité avisée de Bronson Peary, Hugh Jackman lui partage la vedette avec la sobriété d'un coatch amical et d'un philosophe en quête de repentance. Car c'est à travers la persévérance d'Eddie et d'une éventuelle accession victorieuse qu'il tente d'assumer son préalable échec sportif depuis son orgueil juvénile. Lors d'une séquence poignante d'une belle justesse, et toujours à travers le parcours méritoire d'Eddie, on peut enfin souligner l'apparition de Christopher Walken dans celui de l'éminent enseignant gagné par un regain d'humilité pour son ancien élève prodige.  

C'était impossible, alors il l'a fait ! 
Grand moment d'émotions aussi fortes que fragiles pour la destinée insensée d'une étoile filante, Eddie the eagle emprunte le schéma modeste de la série B pour parfaire une "success-story" à 

l'intensité lyrique (bande son tonitruante à l'appui !). Car malgré son impression de déjà vu, Dexter Fletcher parvient à renouveler le spectacle sportif et son thème inhérent de la persévérance (plutôt que celle de la victoire) sous l'impulsion naturelle d'un duo d'acteurs pétris d'humanisme (on pardonne dès lors le jeu stéréotypé de certains seconds rôles estampillés "méchants de service").  

Dédicace à Seb Lake

LA CHEVRE

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site quizz.biz

de Francis Veber. 1980. France. 1h33. Avec Pierre Richard, Gérard Depardieu, Michel Robin, André Valardy, Corynne Charbit, Pedro Armendáriz Jr., Jorge Luke .

Sortie salles France: 9 Décembre 1981

FILMOGRAPHIE: Francis Veber est un réalisateur, scénariste, dialoguiste et producteur français, né le 28 Juillet 1937 à Neuilly sur Seine. 1976: Le Jouet. 1981: La Chèvre. 1983: Les Compères. 1986: Les Fugitifs. 1989: Les 3 Fugitifs. 1992: Sur la corde raide. 1996: Le Jaguar. 1998: Le Dîner de con. 2000: Le Placard. 2002: Tais-toi ! 2006: La Doublure. 2008: L'Emmerdeur.

Enorme succès à sa sortie en France (7 079 674 entrées), La Chèvre n'a point usurpé son statut de classique de la comédie populaire tant Francis Veber est parvenu à conjuguer éclats de rire et tendresse sous l'impulsion d'un duo d'acteurs que personne n'aurait imaginé voir réunir ! Car outre sa bonne idée de départ (recruter un comptable malchanceux afin de débusquer la fille d'un PDG aussi infortunée que lui !), La Chèvre tire parti de son ressort comique grâce aux rapports conflictuels que se disputent Pierre Richard et Gérard Depardieu. Si ce dernier adopte une posture autoritaire souvent dénigrante pour se railler des bévues de son camarade, il ne manque pas non plus de susciter un regain de compassion depuis que Perrin est réduit au bouffon de service (et non comme un leader sagace comme le laissaient croire ses supérieurs).

Personnage empoté multipliant les catastrophes à un rythme fertile, Pierre Richard crève l'écran à se glisser dans la peau d'un baroudeur persuadé d'avoir le profil héroïque pour parfaire sa mission. Jouant souvent sur la pantomime avec un sérieux imperturbable, l'acteur insuffle avec son physique naturel un aplomb exubérant pour incarner un maladroit impayable. Prenant pour thème la théorie de la malchance, Francis Veber exploite donc une intrigue efficace et bien construite autour de leurs pérégrinations que Perrin tente maladroitement de diriger. Parmi un éventail de quiproquos, pugilats et rebondissements, ces derniers vont apprendre à se connaître en affrontant une pègre mafieuse puis se tolérer depuis le flair aléatoire de Perrin (ce dernier engendrant au final la chance par sa déveine !). Prenant pour cadre naturel l'état du Mexique, le réalisateur affiche également un certain souffle exotique pour nous dépayser de sa forestation que Perrin et Campana sillonnent dans un concours de circonstances folingues (l'agression avec le gorille, la piqûre de guêpe, le sable mouvant). La musique de Vladimir Cosma composée à la flute de Pan se prêtant à merveille au climat tropical quand bien même l'émotion attendrissante de sa conclusion éveille un sublime instant de poésie candide.

Jalonné de gags, de fantaisies et d'action autour d'une intrigue animée par la poisse du gaffeur, La Chèvre se permet en outre de susciter une émotion lyrique lors d'une retrouvaille inespérée. Reste à saluer le duo légendaire que se partagent avec autant de bonne humeur que d'animosité Pierre Richard / Gérard Depardieu. 

LA TARENTULE AU VENTRE NOIR

                                                          Photo empruntée sur Google, rattachée au site ecranlarge.com 

"La Tarantola dal ventre nero" de Paolo Cavara. 1971. Italie. 1h38. Avec Giancarlo Giannini, Claudine Auger, Barbara Bouchet, Rossella Falk, Silvano Tranquilli, Barbara Bach, Stephania Sandrelli.

Sortie salles Italie: 12 Août 1971

FILMOGRAPHIE: Paolo Cavara est un réalisateur et scénariste italien, né le 4 Juillet 1926 à Bologne (Italie), décédé le 7 Août 1982 à Rome. 1988: Accadde a Parma. 1981 Fregoli (TV Mini-Series). 1980 La locandiera. 1979 Atsalut pader. 1979 Sarto per signora (Téléfilm). 1976 E tanta paura. 1974 Il lumacone. 1974 Un parfum d'amour. 1973 Los amigos. 1971 La tarentule au ventre noir. 1969 La Capture. 1967 La cible dans l'oeil. 1966 Witchdoctor in Tails (Documentaire). 1964 I malamondo (Documentaire). 1963 La donna nel mondo (Documentaire. Non crédité). 1962: Mondo Cane (Documentaire).

Giallo injustement occulté et boudé en France si bien qu'en l'occurrence aucune édition numérique n'ait encore percée chez nous, La Tarentule au ventre noir ne manque pas de qualités pour émuler le genre avec sincérité et application. Non pas que la mise en scène soit un modèle du genre, loin de là, mais que le réalisateur parvient à structurer une intrigue assez prenante par son suspense latent contrebalancé de rebondissements (le détail sur la photo !) et (inévitables) fausses pistes. C'est du côté d'un institut de beauté que l'intrigue s'oriente depuis que le personnel est devenu la cible récurrente d'un tueur auquel l'adultère et la nymphomanie en sont les principaux ressorts. La première originalité du récit incombe à l'élaboration des meurtres et l'omnipotence de l'assassin lorsque ce dernier ganté préconise la paralysie de ses victimes à l'aide d'une aiguille empoisonnée (du venin de guêpe nous révélera plus tard un entomologiste !), et ce, juste avant de les assassiner. Dès lors, ces dernières, en état de conscience, subissent impuissantes aux châtiments du poignard pénétré à diverses reprises sur le bas-ventre jusqu'à ce que mort s'ensuive.

Parfois sanglants et soigneusement cadrés, ses crimes s'avèrent assez impressionnants sous l'impulsion d'un rituel atypique redoutablement pervers. La victime féminine symbolisant la soumission d'une tarentule si bien que le tueur s'inspire de la bravoure victorieuse de la "Pepsis Formosa". Une "guêpe des chemins" parvenant toujours à éliminer son rival grâce à la paralysie de son venin injecté dans l'estomac afin de libérer des larves carnivores ! C'est ensuite au niveau du profil de l'inspecteur Tellini que La Tarentule... puise son intensité psychologique, notamment parmi ses rapports intimes entretenus avec sa fiancée philanthrope. En perte de vitesse car ayant une longueur de retard sur les agissements du tueur persifleur (il filme les ébats sexuels de ce dernier et de sa compagne), Tellini se remet constamment en question sur son pragmatisme au risque d'abdiquer sa profession au profit de sa vie de famille. Outre l'efficacité des nombreux meurtres que le récit affiche avec un certain stylisme, La Tarentule... recourt aussi à une rigueur vertigineuse lors d'une course-poursuite entamée sur les toits d'un immeuble. Quant au final haletant, l'intrigue met en parallèle les situations alarmistes de deux victimes en proie à la menace meurtrière, au moment même où l'inspecteur ne s'efforce une ultime fois d'alpaguer le tortionnaire, symptomatique du misogyne.

Avec ses meurtres raffinés (inscrits dans le mutisme), le jeu sentencieux de Giancarlo Giannini, ses têtes d'affiche féminines d'une beauté éminemment lascive et la mélodie envoûtante d'Ennio Morricone, La Tarentule au ventre noir n'a pas à rougir de ses illustres ascendants pour mettre en exergue un thriller captivant. Certes un peu maladroit dans sa réalisation et le jeu perfectible de quelques seconds-rôles, mais d'une sincérité indiscutable lorsque le cinéaste s'efforce d'affilier caractérisation psychologique et suspense métronomique. 

EXORCISME TRAGIQUE

                                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinemalamorte.es

"Un Bianco Vestito Per Marailé" de Romano Scavolini. 1972. Italie. 1h28. Avec Ida Galli, Ivan Rassimov, Luigi Pistilli, Pilar Velázquez, Ezio Marano

Sortie salles France: 10 Avril 1975

FILMOGRAPHIE: Romano Scavolini est un réalisateur italien né le 17 JuiN 1940.
2007 Two Families, 2005 L'apocalisse delle scimmie, 2004 Le ultime ore del Che (documentary), 1988 Dog Tags, 1981 Cauchemars à Daytona Beach, 1980 Savage Hunt, 1973 Servo suo, 1973 Cuore, 1972 Exorcisme tragique - Les monstres se mettent à table, 1969 Entonce, 1969 L'amore breve, 1968 La prova generale, 1966 A mosca cieca

Giallo méconnu tout juste édité en galette numérique par Le Chat qui fume, Exorcisme tragique puise une certaine originalité dans sa forme gothico-baroque lorsqu'une poignée de convives sont invités dans le manoir de Marialé pour se livrer à une débauche communautaire. Quelques années au préalable, cette dernière eut été témoin des meurtres de sa mère et de son amant perpétrés par son père (une séquence onirique où la nature solaire se confond au climat macabre depuis les exactions vengeresses). Alors que la fête bat son plein, un mystérieux tueur s'empresse de les assassiner un à un. Dirigé par Romano Scavolini, auteur italien du célèbre Cauchemar à Daytona beach (sommet de gore crapoteux resté dans toutes les mémoires !), Exorcisme Tragique insuffle un climat d'étrangeté assez insolite lors de sa première partie.

Tant par la visite impromptue qu'entament les occupants dans les souterrains poussiéreux du château parmi les toiles d'araignées et des mannequins cadavériques, que leur orgie nocturne où alcool et exhibition érotique se chevauchent sans modération. Affublés de déguisements de carnaval et communément entraînés dans une spirale de débauche, ces derniers se pavanent devant le témoignage fragilisé de Marialé. Asservie par son mari et le majordome car contrainte par la force d'ingurgiter un traitement médicamenteux, cette dernière tente d'exorciser ses vieux démons en empruntant la robe mortifère de sa mère. Si le cheminement narratif dénué de raison à de quoi dérouter durant la première heure par son climat d'insolence en roue libre (la posture exubérante des protagonistes plongés dans un état second), le spectateur s'y laisse facilement envoûter quand bien même Romano Scavolini soigne la forme stylisée d'un esthétisme fringant. Avec souci du cadrage alambiqué magnifiant ses pièces domestiques et éclairés d'une photo flamboyante, Exorcisme Tragique flatte notre vision et l'ouïe sous le score mélodique de Fiorenzo Carpi. La seconde partie, beaucoup mieux rythmée dans sa dérive criminelle, s'écarte parfois de l'intimité du huis-clos pour filmer les extérieurs d'une nature crépusculaire inhospitalière, comme le souligne l'intervention des chiens cerbères. Si son final prévisible ne surprend pas quant à l'identité de l'assassin, la manière habile dont Romano Scavolini parachève son histoire fait preuve de dérision et d'intensité dramatique pour répéter la boucle du passé traumatique.

Sympathique slasher où érotisme, beuveries et châtiments punitifs finissent par se télescoper, Exorcisme Tragique réveille singulièrement le thème du trauma infantile sous l'impulsion d'un témoignage effronté. Une oeuvre mineure pour le genre mais assez hétérodoxe par son schéma narratif et d'une emprise de séduction assez expressive. 

LA POUPEE DIABOLIQUE

                                                Photo empruntée sur Google, rattachée au site seriebox.com

"Devil Doll" de Lindsay Shonteff. 1964. Angleterre. 1h21. Avec Bryant Haliday, William Sylvester, Yvonne Romain, Sandra Dorne, Nora Nicholson.

Sortie salles U.S: Septembre 1964

FILMOGRAPHIE: Lindsay Shonteff est un réalisateur, scénariste et producteur anglais, né le 5 Novembre 1935 à Toronto, Canada, décédé le 11 Mars 2006 en Angleterre.
2009: Angels, Devils and Men.  2004 Ice Cold in Phoenix (Video).  1992 The Running Gun. 1990 Number One Gun. 1984 Lipstick and Blood. 1984 The Killing Edge. 1982 How Sleep the Brave. 1979 Adieu canaille . 1977 No. 1 of the Secret Service . 1976 Spy Story. 1974 The Swordsman. 1973 Big Zapper. 1972 Jeux d'adultes. 1971 The Yes Girls. 1970 Clegg. 1970 Permissive . 1969 Nuit après nuit. 1967 The Million Eyes of Sumuru. 1966 Run with the Wind. 1965 Licensed to Kill. 1965 Curse of the Voodoo. 1964: Devil Doll. 1961 The Hired Gun.

Inédit en salles chez nous et tout juste exhumé de l'oubli par l'éditeur Artus Films, La Poupée Diabolique aborde le thème du ventriloque de manière plutôt originale si bien que la poupée potentiellement diabolique s'avère être ici le souffre-douleur d'un hypnotiseur doué de télépathie. A la suite d'une de ses représentations, Vorelli, ventriloque émérite, tombe sous le charme de Marianne, la compagne de Mark English. Alors qu'il défraie la chronique lorsque sa poupée parvient à marcher librement devant des spectateurs médusés, Vorelli attise la curiosité de Mark délibéré à enquêter sur son mystérieux passé. Tournée en noir et blanc, incarné par de sobres comédiens et réalisé de manière académique (sans compter une direction d'acteurs défaillante), La Poupée Diabolique parvient pourtant à entretenir une fascination trouble auprès du spectateur impliqué dans un suspense horrifique franchement inquiétant.

De par ses numéros macabres qu'exerce méthodiquement Vorelly sur ses victimes lors des représentations et la présence annexe de sa poupée faire-valoir, un climat malsain aussi lourd qu'étouffant émane des stratégies surnaturelles. Fort d'un regard impassible et d'une posture hiératique, l'acteur Bryant Haliday extériorise une emprise ensorcelante sous l'impulsion cérébrale de sa télépathie. La victime asservie étant contrainte d'obtempérer jusqu'à ce que Hugo ne prenne sa revanche après s'être humanisé dans son corps de pantin. Si le cheminement narratif s'avère linéaire mais efficacement structuré, les rapports de soumission/domination entretenus entre Vorelly et Hugo viennent apporter un sang neuf au thème du ventriloque. Celui-ci étant fréquemment réduit au rôle de victime depuis l'autorité démoniaque de sa poupée. Par le biais d'une investigation entamée par le compagnon de Marianne, l'intrigue cultive ensuite l'expectative des mobiles afin de percer le sombre secret que se disputent Vorelli et Hugo. Emaillé de séquences dérangeantes (Hugo enjambant à deux reprises, et en toute autonomie, quelques pas face à un public en émoi, puis la séquence perturbante d'un homicide perpétré en plein spectacle !), La Poupée Diabolique distille un sentiment d'insécurité permanent au fil des stratagèmes du ventriloque habité par l'orgueil, le désir de possession et la cupidité.

Surprenante série B façonnée durant l'âge d'or de l'épouvante anglaise, La Poupée Diabolique constitue une petite perle de souffre par son angoisse tangible (score dissonant à l'appui !), faute des exactions sournoises du ventriloque et de la posture étrangement humaine d'une poupée hybride hantée par son ancienne existence ! A découvrir absolument ! 

MADHOUSE

"There was a little girl" de Ovidio G. Assonitis. 1982. Italie. 1h35. Avec Trish Everly, Michael MacRae, Dennis Robertson, Morgan Hart, Allison Biggers

Sortie salles Italie: 4 Mars 1981

FILMOGRAPHIE: Ovidio G. Assonitis est un réalisateur, scénariste et producteur italien né le 18 Janvier 1943 à Alexandria, Egypte.
1992: Out of Control. 1981 Desperate Moves. 1981 Piranha 2 (non crédité). 1981: There Was a Little Girl. 1977: Tentacules. 1974: Le démon aux tripes.

Julia et Mary sont deux soeurs jumelles que tout oppose. L'une, belle et aimable, professeur pour enfants handicapés vit une vie idyllique alors que sa soeur, complètement folle et haineuse, croupit dans une chambre d'un asile. Quelques jours après une visite houleuse à l'hôpital durant laquelle Mary menace sa soeur de mort, Julia apprend que sa soeur s'est enfuie.

Précédé d'une mauvaise réputation depuis sa sortie confidentielle si bien que l'éditeur Uncut Movies décida de l'exhumer de l'oubli, Madhouse aurait mieux fait de rester six pieds sous terre tant cette série B poussive peine à éveiller notre intérêt. Faute d'une réalisation stérile (en dehors de 1 ou 2 plans soignés), de personnages dénués de caractère (en dépit du premier rôle féminin plutôt convaincant dans sa fonction de victime psychologiquement molestée) et surtout d'une intrigue incohérente qui ne progresse pas, Madhouse suscite rapidement la torpeur durant son cheminement narratif en berne. Car si son rythme langoureux cultive parfois un bref intérêt lors de ses passages les plus violents (trois scènes chocs sont assez réussies dans leur facture outrancière typiquement latine) et que le score ombrageux de Riz Ortalini insuffle parfois une petite ambiance malsaine, son thème conféré à la famille dysfonctionnelle s'avère rapidement ridicule au fil de péripéties horrifiques dénuées d'intensité dramatique. Le réalisateur a beau s'excuser au final de son illogisme narratif en empruntant une épitaphe de G.B. Shaw ("La vie réelle diffère du théâtre seulement parce qu'il n'y a pas d'intrigue logique, tout est vague, décousu, sans liens apparents, jusqu'à ce que le rideau tombe sans nous avoir donné de réponse sur ce mystère") et en singeant le contexte sardonique de Happy Birthday, le spectateur quitte le spectacle avec une amertume sentencieuse.

Les Guerriers du Bronx / 1990: I guerrieri del Bronx

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de Enzo G. Castellari. 1982. Italie. 1h32. Avec Stefania Girolami, Marco Di Gregorio, Vic Morrow, Christopher Connelly, Fred Williamson, "Betty" Elisabetta Dessy

Sortie salles France: 17 Novembre 1982

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Enzo G. Castellari est un réalisateur, scénariste, acteur, monteur et producteur italien, né le 29 Juillet 1938 à Rome (Italie). 1967: Je vais, je tire et je reviens. 1968: Django porte sa croix. 1968: 7 Winchester pour un massacre. 1968: Tuez les tous... et revenez seul ! 1973: Le Témoin à abattre. 1976: Keoma. 1977: Une Poignée de salopards. 1977: Action Immédiate. 1979: La Diablesse. 1979: Les Chasseurs de Monstres. 1981: La Mort au Large. 1982: Les Nouveaux Barbares. 1982: Les Guerriers du Bronx. 1983: Les Guerriers du Bronx 2. 1987: Striker. 1987: Hammerhead. 1997: Le Désert de Feu.

Sorti en pleine mouvance du Post-Nuke initié par Mad-max 1 et 2, Les Guerriers de la Nuit et New-York 1997, les Guerriers du Bronx constitue l'un des célèbres ersatz transalpins des années 80 que les vidéophiles se sont empressés de louer auprès de leur video de quartier. Série Z bricolée avec les moyens du bord dans les carrières désaffectées d'un New-York dystopique, les Guerriers du Bronx s'inspire largement des chefs-d'oeuvre susnommés de John Carpenter et de Walter Hill. Sauf qu'ici, et pour varier la donne, les rôles et situations sont inversés au profit d'un ennemi sanguinaire implanté dans le territoire interdit, le royaume des Riders ! Dans la mesure où un exterminateur sans vergogne est chargé de retrouver en vie Anne, la jeune héritière d'une corporation d'armement réfugiée dans le quartier interdit depuis l'influence de magnats véreux. Or, ce dernier n'hésite pas à assassiner de sang froid les quidams marginaux empiétant son chemin. C'est dans cette zone réputée mortelle qu'Anne établit la rencontre de Trash et de son équipe motorisée. Des loubards livrés à eux mêmes bien que subordonnés à l'autorité de l'Ogre, un leader afro à l'enseigne du quartier du Bronx. Afin de sauver la vie de cette fugitive, Trash et ses compagnons décident d'invoquer l'aide de l'Ogre depuis les exactions criminelles de Hammer, l'exterminateur impitoyable (Vic Morrow délectable en assassin pervers d'une force tranquille quasi hilarante).

Ainsi, ce scénario improbable sorti d'une bande dessinée fauchée parvient génialement à nous divertir à travers son lot de stratégies guerrières, trahison et confrontations physiques que nos anti-héros perpétuent vaillamment pour un enjeu humain. En pompant notamment sur l'autre modèle susdit (les Guerriers de la Nuit) pour la panoplie exubérante des clans barbares (principalement les "Zombies" affublés d'une combinaison de Hockey), les Guerriers du Bronx illustre de manière génialement triviale les pérégrinations belliqueuses de ces anti-héros dont Trash s'avère le porte parole le plus loyal. C'est également au niveau des engins motorisés (le crane encastré au creux du guidon de chaque bécane) et des acteurs cabotins, aussi attachants qu'impayables dans leur posture inexpressive (la présence irrésistiblement atone, effeminée de Trash et de ses mercenaires ressemblent à s'y méprendre au groupe Village People !), que le film parvient à amuser, réparties machistes à l'appui ! Sa narration redondante culminant avec générosité vers un affrontement épique entre forces de l'ordre et mercenaires lors d'une guérilla urbaine étonnamment pessimiste au point d'y déconcerter une frange du public peu habité aux anti happy-end funestes. 

Série Z d'action futuriste en roue libre largement soutenue de l'excentricité des personnages grotesques multipliant sans modération des confrontations héroïques littéralement impayables, Les Guerriers du Bronx génère efficacement une fantaisie débridée sous l'impulsion de ses pugilats infantiles hérités d'un épisode de San Ku Kai (certaines bastonnades faisant d'ailleurs preuve d'un rythme languide faute de chorégraphies génialement malhabiles). De par la sincérité scrupuleuse de son auteur et du jeu outrancier des acteurs de seconde zone se prennant très au sérieux dans leur fonction de guerrier  en herbe faussement sauvage (euphémisme), ce divertissement d'exploitation fait aujourd'hui office de chef-d'oeuvre bisseux auprès de sa facture transalpine hélas révolue. Jubilatoire donc, sans modération aucune, si bien que l'on également hâte de revoir sa suite encore plus épique et décomplexée.  

*Bruno

11/07/24. 3èx.

LA CHAMBRE DES HORREURS

                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site smorgasm.blogspot.com

"Chamber of Horrors" de Hy Averback. 1966. U.S.A. 1h39. Avec Patrick O'Neal, Cesare Danova, Wilfrid Hyde-White, Laura Devon, Patrice Wymore, Suzy Parker, José René Ruiz.

Sortie salles U.S: 28 Octobre 1966

FILMOGRAPHIE: Hy Averback est un réalisateur, acteur et producteur américain né le 21 octobre 1920 à Minneapolis, Minnesota (États-Unis), mort le 14 octobre 1997 à Los Angeles (Californie). 1965: Barney (TV). 1966 : La Chambre des horreurs. 1968 : Que faisiez-vous quand les lumières se sont éteintes ? 1968 : Le Baiser papillon. 1969 : The Great Bank Robbery. 1970 : Suppose They Gave a War and Nobody Came?. 1971 : Eddie (TV). 1976 : Richie Brockelman: The Missing 24 Hours (TV). 1977 : The Love Boat II (it) (TV). 1977 : The Magnificent Magical Magnet of Santa Mesa (it) (TV). 1977 : The Rubber Gun Squad (TV). 1978 : The New Maverick (en) (TV). 1978 : A Guide for the Married Woman (TV). 1979 : The Night Rider (TV). 1981 : Des filles canon (She's in the Army Now) (TV). 1981 : The Girl, the Gold Watch & Dynamite (en) (TV). 1983 : Venice Medical (TV). 1984 : Where the Boys Are.

Série B oubliée produite par la célèbre firme Warner, la Chambre des Horreurs s'est surtout fait connaître auprès des vidéophiles lors de son exploitation en Vhs durant les années 80. Aujourd'hui exhumé de sa torpeur grâce à sa sortie Dvd, ce thriller horrifique au parfum délicieusement rétro parvient à conjuguer fougueusement suspense, romance et crimes inventifs. Ayant étranglé sa concubine avec ses propres cheveux (hallucinante trouvaille inédite !!!) avant de la prendre pour épouse durant la procession improvisée d'un curé horrifié, Jason Cravette est rapidement recherché par la police. Alors qu'il tente de perpétrer un nouveau crime avec une prostituée, il est appréhendé puis condamné à mort. Parvenant in extremis à s'échapper lors de son transfert, il s'exile vers une nouvelle contrée afin d'accomplir une terrible vengeance.

Avec son décor annexe de musée de cire séculaire auquel l'un des propriétaires s'efforcera d'aiguiller la police, on songe inévitablement à l'Homme au masque de cire si bien que l'antagoniste affublé d'une cape noire, d'un chapeau et d'un crochet amovible sur le moignon adopte un charisme fringant en psychopathe vindicatif. Patrick O'Neal se glissant à merveille dans sa posture iconique parmi l'intensité de son regard azur inscrit dans le cynisme. Pleinement investi, il parvient à nous susciter une fascination malsaine, notamment par le biais de son comportement gouailleur lorsqu'il décide de trucider ses victimes avec des ustensiles variés. D'ailleurs, de manière aussi obsolète que vaine, un clignotement visuel et un avertissement sonore viendront nous avertir de la prochaine agression (éventuellement cinglante) à venir. Le film s'avérant sur ce point extrêmement complexé si bien qu'aucune scène de violence graphique ne pointera le bout du nez à l'horizon ! Cependant, par ce procédé fantaisiste (mais mensonger) et grâce à un suspense ciselé pour l'investigation scrupuleuse des témoins, Hy Averback cultive un irrésistible charme vintage dans sa facture cinégénique. Tant par l'aplomb des acteurs épaulés du charme féminin des seconds-rôles (romance improvisée à l'appui avec la complicité d'une courtisane), sa scénographie gothique héritée de l'ère victorienne que par sa photo flamboyante inspirée de la Hammer.

Petite pépite du genre malencontreusement occultée pour des raisons inexpliquées, la Chambre des Horreurs honore lestement la série B horrifique parmi l'efficacité d'un suspense symétrique. Pour parachever, on peut enfin prôner la présence magnétique de Patrick O'Neal adoptant une posture délétère jamais parodique pour émuler son homologue Vincent Price. 

Remerciement à Célina Trinci

ZOOTOPIE

                                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allociné.fr

"Zootopia" de Byron Howard, Rich Moore, Jared Bush. 2015. U.S.A. 1h48.

Sortie salles France: 17 Février 2016. U.S: 4 Mars 2016

FILMOGRAPHIE: Byron Howard est un réalisateur, scénariste, acteur et animateur américain né le 26 décembre 1968 à Misawa. 2008 : Volt, star malgré lui. 2009 : Let It Begin. 2010 : Raiponce. 2012 : Le Mariage de Raiponce. 2016 : Zootopie.
Rich Moore est un directeur d'animation américain et un partenaire de la compagnie Rough Draft Studios, Inc., né le 10 mai 1963 à Oxnard, Californie. 2004 : Hare and Loathing in Las Vegas
2005 : Dancing Pepé. 2005 : Daffy Contractor. 2005 : What's Hip, Doc?. 2005 : Beach Bunny. 2005 : Baseball Taz. 2005 : Badda Bugs. 2005 : Scheme Park. 2005 : Reaper Madness. 2005 : Guess Who's Coming to Meet the Parents. 2005 : Executive Tweet. 2005 : Duck Suped. 2005 : Deep Sea Bugs
2005 : Slacker Quacker. 2012 : Les Mondes de Ralph. 2016 : Zootopie.

"Soyez le changement que vous voulez voir dans le monde !" Gandhi. 

Nouvelle production Disney supervisée par trois réalisateurs dont le reconnu Byron Howard (Raiponce), Zootopia retrace la coopération et l'investigation de longue haleine d'une lapine, agent de police en herbe, et d'un renard vénal à la recherche d'une loutre récemment disparue. Contraints de parfaire leur mission en seulement 48 heures, ils vont devoir redoubler de perspicacité et bravoures à démasquer une mystérieuse organisation. Manifeste anti raciste pour le le respect des ethnies et le droit à la différence (tel ce bénéfice de porter l'insigne chez une lapine pleine d'ambition), Zootopia allie avec vigueur humour, action et fantastique sous l'impulsion fougueuse de héros en initiation amicale.

Parmi le caractère attachant de ces derniers et des seconds rôles extravagants (la posture hilarante des fameux paresseux !), l'intrigue met en appui l'équilibre de cette faune animalière vivant en harmonie sur Zootopia parmi la communauté de prédateurs autrefois sauvages. Par le biais d'une conspiration totalitaire délibérée à évincer cette communauté primitive, les réalisateurs abordent sans fard les thèmes du préjugé et des apparences lorsque la peur de l'autre est engendrée par le sentiment d'insécurité. Emaillé de rebondissements homériques subordonnés au fil narratif, Zootopia n'en fait jamais trop pour nous plonger dans son aventure flamboyante (design stylisé d'une animation pleine d'inventivité !), quand bien même la caractérisation humaine des héros en contradiction nous émeut sobrement, notamment avec leur point commun d'un passé torturé (leur manque de confiance, la peur de l'autre et l'humiliation cultivés par l'intimidation d'un ennemi fourbe). L'investigation commune de Judy et Nick les amenant ensuite à reconsidérer l'étranger au-delà de sa simple expression et de sa réputation surfaite. Leur confiance commune engendrant au final une réflexion sur la compréhension et l'estime de soi avant de l'inculquer chez son prochain et ce, afin de changer les mentalités.

Aussi drôle que passionnant et ponctué d'instants de tendresse à suivre les pérégrinations solidaires de héros en ascension héroïque, Zootopia constitue une leçon de vie universelle, un hymne à la fédération cosmopolite afin de pouvoir cohabiter dans un monde meilleur.  

THIS IS NOT A LOVE STORY. Grand Prix du Jury, Prix du public, Sundance 2015.

                                                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

Me and Earl and the Dying Girl de Alfonso Gomez-Rejon. 2015. U.S.A. 1h46. Avec Thomas Mann, Olivia Cooke, RJ Cyler, Jon Bernthal, Nick Offerman, Connie Britton, Molly Shannon.

Sortie salles France: 18 Novembre 2015. U.S: 3 Juillet 2015

FILMOGRAPHIE: Alfonso Gomez-Rejon est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain, né au Texas. 2014: The Town That Dreaded Sundown. 2015: This is not a love story.

Un jeune étudiant, discret et détaché, s'efforce de se lier d'amitié avec l'une de ses élèves atteinte de leucémie.

Un sujet lacrymal facilement complaisant mais traité ici sans pathos (à contre-emploi des "Etoiles contraires"), le réalisateur alliant réalisme et poésie pour contrecarrer les traditionnels clichés du Teen movie et du mélo. De par l'originalité de sa mise en scène inventive (multipliant les références aux classiques du cinéma) et les moments d'intimité pleins de fantaisies que se partagent sobrement le couple, This is not a love story parvient à nous séduire sous l'impulsion de comédiens inscrits dans le naturel.

En dépit du rythme défaillant d'un cheminement narratif peu captivant car dénué de surprises, la dernière demi-heure, terrassante d'émotion, vous mettra KO pour sa réflexion existentielle sur le sens de l'amitié et de la mort. Rien que pour son intensité dramatique improvisée et ses éclairs de féerie rédemptrice, This is not a love story mérite franchement que l'on s'y attarde.

Merci à Mylène et Frederic ^^

Récompenses: Grand Prix du Jury
Prix du Public, Sundance 2015

GOMORRA. Grand Prix, Cannes 2008

                                                              Photo empruntée sur Google, dépendante du site Cineclap.free

de Matteo Garrone. 2008. Italie. 2h17. Avec Toni Servillo, Salvatore Abruzzese, Salvatore Ruocco,
Gianfelice Imparato, Maria Nazionale, Carmine Paternoster.

Sortie salles France: 13 Août 2008

FILMOGRAPHIE: Matteo Garrone, né le 15 octobre 1968 à Rome, est un réalisateur de cinéma italien. 1997: Terra di mezzo. 1998: Ospiti. 2000: Estate romana. 2002: L'Étrange monsieur Peppino. 2004: Primo amore. 2008: Gomorra. 2012: Reality. 2015: Tale of Tales.

En Europe, la Camorra a tué plus que tout autre organisation criminelle. 4000 morts en 30 ans. 1 tous les 3 jours. 
Scampia est l'endroit au monde où l'on vend le plus de drogue. Le chiffre d'affaires par clan est d'environ 500 000 euros par jour. 
En empilant les déchets toxiques traités par la Camorra, on atteint 14 600 mètres de haut. L'Everest fait 8850 mètres. Il y a 20% de cancers en plus dans les zones contaminées. 
Les bénéfices des activités illégales financent des activités légales partout dans le monde. 
La Camorra a investi dans la reconstruction des Tours jumelles à New-York. 

Pour rappel, la Camorra est une mafia italienne urbaine d'origine napolitaine à contrario de Cosa Nostra, mafia issue d'un milieu rural. Le film entrecroise les tranches de vie de 6 personnages en collaboration avec cette organisation criminelle. Leur destin précaire les plongeant dans une dérive de règlements de compte sanglants depuis les félonies et la concurrence mégalo du camp adverse. Avec souci d'ultra réalisme documenté, Matteo Garrone nous plonge dans l'enfer du crime sous l'impulsion de gueules burinées criantes de vérité. Les acteurs, pour la plupart non professionnels (3 d'entre eux ont d'ailleurs réellement écopés des démêlés avec la police), dégageant une intensité viscérale dans leur faciès impérieux sous le pilier d'une mise en scène hyper travaillée. Véritable reportage pris sur le vif à contre-courant de toute forme de romantisme (on est à l'antipode du Parrain de Coppola), Gomorra dévoile l'envers du décor sordide d'un ghetto miséreux où des familles mafieuses s'y sont implantées. De la nouvelle génération décérébrée (les destins dérisoires de Marco et Piselli et l'insertion du petit Toto) en passant par l'autorité des patriarches et des retraités sclérosés, Gomorra inscrit sur pellicule (et de façon méticuleuse) leur portrait vicié avec une puissance dramatique terrifiante. A l'instar de leurs exactions intimes négociées en groupe pour décider du sort d'une femme ou de deux ados en ascension délinquante. Car en dépit de tractations infructueuses, les plus fourbes et sournois emprunteront la trahison, la vengeance et la riposte le plus brutale afin de remporter la mise.

Crapuleux et terrifiant pour son ultra réalisme fétide et la névralgie d'une dramaturgie impromptue, Gomorra constitue sans doute le témoignage le plus tangible jamais décrit sur la mafia italienne. La mise en scène documentée (et personnelle) de Matteo Garrone optant le climat blafard d'un enfer urbain où corruption et criminalité de grande envergure se chevauchent pour des enjeux de cupidité et d'autorité. 

Info subsidiaire Wikipedia:
Certains acteurs sont des gens de la région napolitaine sans aucune référence professionnelle. Le 11 octobre 2008, Bernardino Terracciano, interprète de Zi Bernardino dans le film, a été arrêté dans le cadre d'une opération policière contre le clan des Casalesi. Le 5 janvier 2009, Giovanni Venosa, autre acteur de Gomorra, est lui aussi arrêté dans le cadre d'une enquête sur la collecte du pizzo. Salvatore Fabbricino, interprétant un des camorristes, est lui aussi arrêté pour avoir fait partie d'un commando qui a fait six morts auprès de ressortissants africains.

Récompenses: Grand Prix du jury au Festival de Cannes 2008
European Film Awards 2008 :
Meilleur film européen
Meilleur réalisateur (Matteo Garrone)
Meilleur acteur (Toni Servillo)
Meilleur scénario (Roberto Saviano et Matteo Garrone)
Meilleure photographie (Marco Onorato)

GODS OF EGYPT

                                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Alex Proyas. 2016. U.S.A/Australie. 2h07. Avec Nikolaj Coster-Waldau, Gerard Butler, Courtney Eaton, Geoffrey Rush, Emma Booth.

Sortie salles France: 6 Avril 2016. U.S: 26 Février 2016

FILMOGRAPHIE: Alex Proyas est un réalisateur, producteur et scénariste australien, né le 23 Septembre 1963 en Egypte. 1994: The Crow. 1998: Dark City. 2002: Garage Days. 2004: I, Robot. 2009: Prédictions. 2012: Paradise Lost. 2016: Gods of Egypt.

Incendié par les critiques du monde entier (à 2/3 exceptions) sermonnant sans réserve cette luxueuse production de "navet", Gods of Egypt fait office d'ovni de la démesure dans son melting pot de situations homériques toutes plus improbables les unes que les autres. Piquant à tous les râteliers des idées et situations éculées aux classiques du serial (Indiana Jones en tête), de l'heroic fantasy (le Choc des Titans, Jason et les Argonautes), du Space Opera (Star Wars, Flash Gordon, Dune) et du peplum (principalement les B movies des années 60), Alex Proyas nous élabore un blockbuster au surréalisme enchanteur. Fort d'un casting cabotin déversant avec sérieux et ironie des dialogues régulièrement impayables, ce spectacle flamboyant (décors grandioses et photo rutilante !) parvient à extérioriser un sentiment de sympathie chez le spectateur tant Proyas nous évade avec une générosité opulente. 

L'histoire d'une simplicité enfantine se condense à la confrontation des dieux Egyptiens, Horuth et Seth. Deux frères au pouvoirs surhumains se disputent le trône depuis que l'un d'eux s'est engagé dans une rancune orgueilleuse. Après avoir été banni de son temple et rendu aveugle par Seth, Horuth se morfond dans le silence loin de son peuple. Mais un jeune héros fringant du nom de Bek parvient à retrouver sa trace dans le désert pour le solliciter à combattre le nouveau roi et ainsi récupérer son trône. Dès lors, entre deux romances éperdues et le chaos escompté des ténèbres, une grande aventure semée d'embûches s'engage vers eux avec la complicité d'un défunt Dieu. D'un pitch rebattu, Proyas en extirpe un spectacle épique hallucinant de naïveté cocasse (souvent involontaire) tant les morceaux de bravoures déployés font preuve d'une fantaisie débridée sous l'impulsion de personnages aussi grotesques qu'attachants (notamment la taille robuste des Dieux, leur mutation métallique et leurs déplacements aériens !). Clairement estampillé pour un public familial, Alex Proyas se permet d'échauder des séquences monstrueuses de destruction massive avec l'appui de créatures en effets numérisés. Et de manière désordonnée (trois actions distinctes nous sont même décrites en temps réel !) de nous livrer un récit héroïco-mystique où les forces de l'au-delà (les fameuses portes de la mort) vont également servir de vecteur émotionnel pour le sort d'une princesse. Cette action quasi omniprésente alternant de façon pétulante l'épique, la féerie et l'anticipation parvient miraculeusement à nous distraire par le biais d'un esprit Bis irrésistiblement effronté. L'ère numérique déployée ici sans modération se substituant aux moyens dérisoires de la série Z artisanale.

Con comme la lune mais implacablement fun, hilarant et attachant, et esthétiquement aussi fulgurant que boursouflé, Gods of Egypt constitue le divertissement de tous les excès auquel l'extrême générosité du cinéaste et la dérision affable des comédiens parviennent à dépasser toutes ses scories. A condition de le savourer au second degré, ce nanar clinquant risque fort dans les décennies prochaines de se faire une place singulière dans l'écrin de la Bisserie post-moderne. 

Triple 9

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site traileraddict.com 

de John Hillcoat. 2015. U.S.A. 1h55. Avec Casey Affleck, Chiwetel Ejiofor, Anthony Mackie, Aaron Paul, Clifton Collins Jr., Norman Reedus, Gal Gadot, Woody Harrelson, Kate Winslet, Teresa Palmer

Sortie salles France: 16 mars 2016. États-Unis: 26 février 2016

FILMOGRAPHIE: John Hillcoat est un cinéaste australien né en 1961 au Queensland. 1988: Ghosts… of the Civil Dead. 1996: To Have and to Hold. 2005: The Proposition. 2009: La Route. 2012: Des hommes sans loi. 2016: Triple 9

Révélé par La Route et, à moindre échelle, par Des Hommes sans loi, après nous avoir estomaqués avec son western sauvage The Proposition, John Hillcoat réinvente aujourd’hui le polar hard-boiled avec Triple 9. « 999 » désigne le code d’alerte des services de police lorsqu’un agent est grièvement blessé. Tous accourent alors pour sauver leur comparse. Entre le cartel mexicain et la mafia russe, un jeune flic dur à cuire se retrouve pris dans une conspiration odieuse : devenir la cible sacrificielle de flics ripoux contraints d’exécuter un dernier cambriolage pour le compte d’Irina Vlaslov, épouse d’un mafieux sous les verrous. Mais rien ne se déroulera comme prévu…

Fort d’un casting prestigieux opposant des vétérans (Woody Harrelson, Kate Winslet) à la nouvelle génération (Casey Affleck, Aaron Paul, Clifton Collins Jr., Norman Reedus), Triple 9 offre à ses figures viriles un superbe numéro d’acteurs. Leur prestance brute incarne un jeu vicié de corruption policière, autour de l’héroïsme d’une jeune recrue venue s’interposer avec loyauté. Exploitant un scénario éculé de trahison policière en collusion avec la pègre, John Hillcoat réussit pourtant à le transcender par la virtuosité de sa mise en scène, qui nous propulse de plein fouet dans une urgence constante. Braquages, courses-poursuites et règlements de comptes s’enchaînent avec une redoutable efficacité, portés par un fil narratif vénéneux. Les fusillades, magnifiquement chorégraphiées, nous clouent au siège par leur intensité effrénée, amplifiée par un score aux résonances presque horrifiques.

À travers cette intrigue structurée où se dressent les portraits d’individus véreux (jusqu’au chef de la police, qui noie sa solitude dans l’alcool et la drogue), Hillcoat met en exergue la déliquescence d’une cité en perdition. La police y peine à imposer son autorité face aux pouvoirs conjoints du cartel mexicain et de la mafia russe. L’ultra-réalisme de cette urbanité marginale s’accompagne d’éclairs de violence sèche, marquant l’agonie des victimes. Cette crudité poisseuse, fruit des exactions criminelles, nourrit l’intensité dramatique de l’enquête fébrile de Chris Allen, tandis que les ripoux ploient sous le chantage des Russes. Le jeune flic redouble de risques pour tenter de les appréhender, sans se douter que la menace s’étend jusque dans sa propre hiérarchie.

Passionnant et mené tambour battant par une mise en scène vertigineuse, Triple 9 distille une ambiance opaque, envoûtante, au cœur d’une cité au bord du marasme. Outre ses éclairs d’action incisifs et sa violence à vif, le film est transcendé par ses têtes d’affiche martiales — Kate Winslet, méconnaissable en baronne soviétique, en tête.

— le cinéphile du cœur noir