Maniac Cop 2

                                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de William Lustig. 1990. U.S.A. 1h26. Avec Robert Davi, Claudia Christian, Michael Lerner, Bruce Campbell, Laurene Landon, Robert Z'dar.

Sortie salles France: 18 Juillet 1990

FILMOGRAPHIE: William Lustig est un réalisateur américain né le 1er février 1955 dans Le Bronx à New York. Il est le neveu du boxeur Jake La Motta. 1980: Maniac. 1983: Vigilante. 1988: Maniac Cop. 1990: Maniac Cop 2. 1993: Maniac Cop 3. 1997: Uncle Sam.

Deux ans après Maniac Cop, William Lustig rempile pour une séquelle ludique encore plus nerveuse dans son concentré d'action et de poursuites sur bitume souvent fort spectaculaires. Ainsi, à travers une facture photogénique de B movie de samedi soir, Maniac Cop 2 n'affiche pas la redite inutile sous l'égide du même scénariste que son prédécesseur, l'illustre Larry Cohen. L'intrigue efficace jouant la carte du second degré avec un humour noir incisif alors que le cadre urbain imparti à sa scénographie new-yorkaise met en lumière (génialement nocturne) une atmosphère d'insécurité palpable. Le pitch: Matt Cordell, flicard d'outre-tombe, continue de sillonner les quartiers en poursuivant ses exactions meurtrières auprès de citadins et forces de l'ordre. Mais une mission de plus grande ampleur l'attend bientôt ! Pénétrer dans l'enceinte de son ancien pénitencier afin de punir les responsables de son lynchage.

Efficacement structuré, ce pitch insolent regorge de péripéties et trouvailles durant sa trajectoire fortuite comme le souligne la présence complémentaire d'un maniaque sexuel venu aimablement épauler notre killer-cop. Ce dernier se concertant avec cet étrangleur d'effeuilleuses qu'un flic réac (le charismatique et buriné Robert David) et une psychologue (la sexy Claudia Christian préalablement entrevue dans Hidden !) s'efforceront également appréhender au fil de leurs pérégrinations. Mais bien avant ces chasses à l'homme perpétrées en plein New-York crépusculaire, Lustig fait preuve d'audace subversive quand au sort tragique de notre duo d'héros (Bruce Campbell / Lauren Landon) durant la première demi heure de métrage à la fois déconcertante et véritablement couillue. 

Généreux en diable à travers son panel de péripéties frénétiques, et nanti d'humour sardonique avec un second degré aussi provocateur qu'assumé, Maniac Cop 2 demeure une suite assez retorse sous l'impulsion de seconds couteaux attachants et du scénariste excentrique Larry Cohen (peu de le souligner).

*Bruno

26.09.16.

07.07.22. 4èx. Vostfr

                                       LA CHRONIQUE DE MANIAC COP 1

                                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site cinema.jeuxactu.com

de William Lustig. 1988. U.S.A. 1h25. Avec Tom Atkins, Bruce Campbell, Laurene Landon, Richard Roundtree, William Smith, Robert Z'dar, Sheree North.

Sortie salles France: 22 Juin 1988

FILMOGRAPHIE: William Lustig est un réalisateur américain né le 1er février 1955 dans Le Bronx à New York. Il est le neveu du boxeur Jake La Motta.
1980: Maniac. 1983: Vigilante. 1988: Maniac Cop. 1990: Maniac Cop 2. 1993: Maniac Cop 3.
1997: Uncle Sam.

Habile franc-tireur responsable du mythique Maniac et d'un classique de l'auto-défense, Vigilante, William Lustig continue de verser dans la série B horrifique avec Maniac Cop, d'après un scénario du célèbre Larry Cohen. Justement, c'est bien là la qualité première de cet efficace slasher dont l'intrigue adroitement écrite juxtapose judicieusement péripéties, course-poursuites, cascades, rebondissements en pagaille et crimes en série autour de l'itinéraire meurtrier d'un flic psychopathe. Qui plus est, pour intensifier l'enjeu dramatique, un faux coupable est sévèrement malmené par la police et le tueur afin que ce dernier puisse librement continuer ses exactions lors d'une unité de temps. En empruntant au thème du zombie inscrit dans notre réalité du quotidien, Larry Cohen réussit à crédibiliser son intrigue bâtie sur la vengeance meurtrière de l'officier Matt Cordel, préalablement condamné à tort pour abus de pouvoir et donc enfermé en prison parmi les assassins qu'il avait autrefois alpagué. Spoiler !!! Après avoir été laissé pour mort lors d'une sordide altercation dans les douches de la prison et après s'être échappé de la morgue, il décide d'accomplir une vengeance méthodique pour tenir lieu de son innocence auprès des citadins de son quartier. Maintenu en vie grâce à sa rancoeur et ses pulsions de haine, il est aujourd'hui incarné en monstre invincible sous une panoplie d'agent impérieux. Fin du Spoil. 

Avec une dose d'ironie macabre et d'humour potache, la première partie s'alloue d'un pied de nez intenté au corps policier lorsque ce flic déchu de ses fonctions se planque sous son insigne pour mieux se fondre dans la peau d'un psychopathe et semer une zizanie urbaine ! Du coup, les quidams gagnés par une paranoïa collective n'osent plus aborder l'insigne de l'ordre de peur de finir égorger, quand bien même certains d'entre eux finissent par se laissent gagner par une justice individuelle ! Car c'est affublé d'une arme blanche que le maniac accomplit ses méfaits en sillonnant les ruelles crépusculaires de New-York. Sur ce point, l'atmosphère d'insécurité qui émane des sombres quartiers renvoie un peu au climat envoûtant magnifiquement dépeint dans son premier chef-d'oeuvre, Maniac. Alors qu'aujourd'hui les actualités récentes nous énumèrent certaines bavures des forces de l'ordre intentées sur les noirs américains, on peut déceler dans Maniac Cop une métaphore sur la corruption policière lorsqu'un flic zélé n'hésite plus à sortir son arme pour abattre un quidam désarmé. Epaulé d'une poignée de comédiens de seconde zone, Tom Atkins et Bruce Campbell en tête, le film fait preuve d'une patine Bis dans la manière rustre et naïve dont les interprètes font preuve pour s'exprimer avec machisme. Du point de vue musical, William Lustig fait de nouveau appel à son compositeur fétiche, Jay Chataway, pour soutenir une partition tantôt percutante, tantôt entêtante dans sa mélodie lancinante se prêtant bien à l'onirisme-macabre reflétant les états d'âme du justicier d'outre-tombe rongé par la haine et l'injustice. 

Efficace et carré, nerveux et haletant, inventif mais aussi naïf, Maniac Cop assure le quota d'un psycho-killer de série B parmi l'originalité d'un script affûté et la sympathie attachante de seconds couteaux du ciné Bis. 

B-M

3èx

INSTINCT DE SURVIE

                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site zone-telechargement.com

"The Shallows" de Jaume Colle Serra. 2016. U.S.A. 1h26. Avec Blake Lively, Óscar Jaenada, Sedona Legge, Brett Cullen, Angelo José Lozano Corzo.

Sortie salles France: 17 Août 2016. U.S: 24 Juin 2016

FILMOGRAPHIE: Jaume Collet-Serra est un réalisateur catalan, né le 23 Mars 1974 à Barcelone.
2005: La Maison de Cire. 2007: Goal 2: La Consécration. 2009: Esther. 2011: Sans Identité. 2014: Non-Stop. 2015: Night Run. 2016: Instinct de Survie.

                                             Une chronique de Jean-Marc Micciche

Vue l'accueil mesuré voire glacial de Instinct de survie, ben moi je monte au créneau pour défendre ce petit film certes n'échappant à des défauts d'écriture mais qui à mon sens remplit bien son cahier des charges. Le programme de Instinct de survie est dénué d'aucune autre ambition que de nous livrait un spectacle et des frissons. Le film débute de manière direct avec la présentation d'une jeune femme traversant la jungle en jeep accompagnée d'un guide pour l'amener sur une plage secrète. A travers une séquence toute en simpliste, le réalisateur impose un personnage, un cadre et un enjeu. Apres le départ de celui-ci, la jeune femme, une véritable déesse blessée dans son cœur commence un rituel propre au surfeur. Fétichisée, filmée avec un soupçon d'érotisme, la jeune femme s'impose dans ce paradis oublié dominé par un fantasme (la mère nourricière des rochers). Et puis arrive cette scène visuellement fabuleuse où la jeune femme semble dompter les vagues avec une grâce inouïe captée par la merveilleuse camera de Collet Serra. Un paradis bientôt souillé par une figure monstrueuse. Simplement, le réal impose une touche de danger, un bruit un regard et puis une vision, celle d'une baleine à l'agonie avec des plaies immenses.

La suite vous la connaissez, vous l'avez dans la bande annonce et c'est exactement ce qu'on va voir non sans que la virtuosité du réal éclate comme celle magnifique (mais que les défenseurs des belles images creuses de The Néon Démon oublient de célébrer), cette ombre menaçante apparaissant dans l'ombre de la vague au moment d'attaquer la jeune femme. Tout le reste du film consistera à mettre en place un programme narratif claire et minimaliste, la jeune femme est bloquée sur un rocher, tout l'intérêt du film consistera à voire comment le réal va établir un suspense non pas à travers un récit dont j'entrevois déjà les moqueries (ben on disait la même chose avec Gravity) mais vraiment à travers l'espace, donc de découpage, donc de cinéma. Limiter le film à ses défauts (certains font tout un plat avec cette mouette allant jusqu'à dire que ça prend tout le film alors que dans les faits, on a 5 minutes bout à bout c'est beaucoup). Donc oui le film a les défauts des séries B de films de monstres, l'intrigue et le cheminement du récit est prévisible, le sort du requin est expédié et certains fx sont discutables. Mais ces défauts véritables (je les nie pas) sont largement compensés par un sens de l'image et la capacité du réal à sublimer un corps blessés. Instinct de survie n'est pas un grand film mais le film recèle suffisamment de qualités pour être apprécié à sa juste valeur.

J.M

Un p'tit mot subsidiaire de Bruno Matéï:
Moi qui avais une petite appréhension après avoir découvert l'excellente petite surprise, In the deep, j'ai été également surpris par ce sympathique survival aquatique constamment efficace, assez tendu, visuellement splendide et bien rodé (même si l'héroïne pêche un peu par manque d'expressivité). Par contre, quant à la complicité amicale entamée avec la mouette, je cherche encore où le ridicule eut pu s'instaurer !

B-M

Le Survivant / The Omega Man

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Pinterest.com

"The Omega Man" de Boris Sagal. 1971. U.S.A. 1h38. Avec Charlton Heston, Anthony Zerbe, Rosalind Cash, Paul Koslo, Eric Laneuville, Lincoln Kilpatrick.

Sortie salles France: 24 Novembre 1971. U.S: 1er Août 1971

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Boris Sagal est un réalisateur et producteur américain né le 18 octobre 1923 à Ekaterinoslav (Ukraine), décédé le 22 mai 1981 à Portland (Oregon). 1963 : Le Motel du crime. 1965 : La Stripteaseuse effarouchée. 1971: Le Survivant. 1978: Angela. 1982: La 3è guerre mondiale (télé-film).

Seconde adaptation de Je suis une Légende, célèbre roman de Richard Matheson publié en 54, Le Survivant reste le film le plus célèbre de Boris Sagal, réalisateur prolifique ayant surtout oeuvré pour la TV avec diverses séries et télé-films durant les années 50 à 80. Car c'est en 1981 que Boris Sagal tire sa révérence lors du tournage de son dernier film, La 3è guerre mondiale, après avoir été décapité par le rotor de queue d'un hélicoptère. Petit classique post-apo des Seventies, Le Survivant relate la confrontation belliqueuse entre un praticien (unique survivant immunisé contre une épidémie mondiale), et une communauté sectaire atteint d'albinisme après avoir été frappés par le virus. Vivant reclus dans un palais de justice et ne sortant que la nuit du fait de leur hyper sensibilité à la lumière, ces derniers multiplies les stratégies d'attaques afin de nuire à la tranquillité de Robert Neville. Mais un soir, retenu prisonnier par ses membres prénommés "la famille", il est sauvé in extremis par une afro-américaine. Ensemble, ils partent rejoindre un autre clan de survivants quand bien même Neville tentera de les immuniser contre la maladie en recréant un vaccin à partir de son sang. Série B efficacement menée dans son schéma narratif extériorisant un sentiment d'isolement tangible entre deux accalmies romanesques (la relation entre Robert et Lisa peut toutefois céder à l'ennui) et confrontations homériques, Le Survivant n'a pas l'ambition de révolutionner le genre par son intrigue un chouilla redondante et sans surprises (si on épargne la découverte des nouveaux rescapés et la noirceur de son final assez cruel).

Conçu comme un divertissement d'anticipation dénué de prétention car modestement haletant, Le Survivant distille un charme vintage, Seventie oblige, par son ambiance réaliste de désolation (les cités urbaines chargées de silence et évacuées de vies humaines nous ensorcellent la vue) et par la présence secondaire de personnages attachants servant de faire-valoir au briscard Charlton Heston. Ce dernier endossant avec son charisme viril le rôle pugnace d'un médecin militaire partagé entre le devoir de préserver sa vie et celle de ses nouveaux acolytes. On peut également intenter une certaine ambiguïté dans sa posture opiniâtre à refuser de porter assistance à "la famille" qu'il pourrait sans doute guérir depuis l'élaboration du nouveau vaccin. On apprendra néanmoins plus tard que son égoïsme et son intolérance étaient justifiées quant au comportement obscurantiste et psychotique des mutants renouant avec une foi primitive du fait de leur dégénérescence cérébrale. Ces derniers encapuchonnés de vêtements noirs et portant des lunettes de soleil s'avérant par ailleurs photogéniques dans leur stature ténébreuse héritée de l'inquisition. Là encore, le Survivant marque quelques points par son pouvoir de fascination formel si bien que ces antagonistes font office d'icone horrifique, quand bien même nous serons notamment décontenancés d'apprendre que leur comportement rétrograde et meurtrier émane de la nocivité cognitive du virus (Spoiler !!! ceci expliquant sans doute pourquoi Lisa semble subitement possédée d'un comportement hostile après avoir été frappée par le virus Fin du Spoiler).

A partir d'une histoire simple efficacement contée dans ces enjeux de survie se disputant les notions de progressisme et d'obscurantisme, Boris Sagal parvient avec sincérité à nous immerger dans sa scénographie dystopique sous l'impulsion attachante de personnages héroïques et d'un climat urbain sensiblement feutré. En dépit de son rythme défaillant à mi-parcours il y émane un sympathique divertissement, notamment auprès de son charme rétro, que Charlton Heston porte sur ses larges épaules, entre aplomb et spontanéité. A privilégier toutefois à la génération 80. 

B-M. 

02.06.23.

07.07.25. 5èx

Le Drive-in de l'enfer / "Dead-End Drive In"

                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site en.wikipedia.org

de Brian Trenchard-Smith. 1986. U.S.A. 1h30. Avec Ned Manning , Natalie McCurry , Peter Whitford , Wilbur Wilde , Dave Gibson , Sandie Lillingston , Ollie Hall.

Sortie salles Australie: 1er Août 1986

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Brian Trenchard-Smith est un réalisateur, scénariste, producteur, acteur anglais né en 1946. 2014: Drive Hard. 2013 Meurtre à double face. 2011 Un bungalow pour six (TV Movie). 2010 Arctic Blast. 2009 Pimpin' Pee Wee. 2007 Tyrannosaurus Azteca. 2006 Rendez-moi mon fils! (TV Movie).  2006 In Her Line of Fire. 2005 USS Poséidon (TV Movie). 2003 DC 9/11: Time of Crisis (TV Movie). 2003 The Paradise Virus (TV Movie). 2002 Les fantômes de High River (TV Movie).  2002 Péril sur Sydney (TV Movie). 2001 La prophétie des ténèbres II. 1996: Leprechaun: Destination cosmos (Video). 1995: Leprechaun 3 (Video). 1995: Sahara (télé-film). 1994: Night of the Demon. 1989: Out of the Body. 1989: Le dernier assaut. 1988 La marque de la panthère. 1988 Strike of the Panther. 1986: Le Drive-in de l'enfer. 1986: Le secret du lac. 1986: Jenny Kissed Me. 1983: Le gang des BMX. 1982 Les traqués de l'an 2000. 1980 La rage de la casse. 1979 Le jour des assassins. 1976 Deathcheaters. 1975 L'homme de Hong Kong. 1974: The Making of Stone (TV Movie). 1973 Inside Alvin Purple (TV Movie).

"Le Drive-in de l’Enfer : prisonniers du néon, esclaves du vide"

Brian Trenchard-Smith, réalisateur anglais prolifique, reste surtout connu pour le cultissime Les Traqués de l’an 2000 et la sympathique série B Le Gang des BMX. Mais en 1986, il revient en force avec une pelloche encore plus barrée, portée par un concept aussi improbable que ridicule - comme le suggère sans détour son titre : Le Drive-in de l’Enfer.

Le pitch : dans un futur apocalyptique, après quelques échauffourées avec des flics et des ferrailleurs, un jeune marginal et sa petite amie décident de passer la soirée dans un drive-in. Mais pendant qu’ils batifolent dans l’habitacle, on leur dérobe les roues de la voiture ! Une situation grotesque, et pourtant, c’est le point de bascule. Très vite, le garçon comprend qu’il est prisonnier dans ce gigantesque parking, dirigé d’une main équivoque par un taulier impassible. Au fil des jours, las de sa condition servile, il tentera de fuir ce purgatoire, au moment même où la police déverse une nouvelle cargaison d’immigrés dans le camp.

À la lecture d’un tel pitch, on se demande bien ce qui a pu traverser l’esprit de Trenchard-Smith pour conter, avec un tel aplomb, les déboires d’un loser et de sa compagne, séquestrés au cœur d’un drive-in dégénéré, forcés à cohabiter avec une populace de punks et marginaux décérébrés. Le film adopte la forme d’un huis clos futuriste aux allures de bande dessinée : graffitis criards sur les façades, costumes débridés, typologies grotesques. Mais derrière le vernis, la narration patauge dans une affligeante banalité. Notre héros, timoré et sans relief, flirte avec l’inexpressivité ; sa compagne, en veilleuse permanente, bavasse avec les zonards entre deux provocations et quelques vaines tentatives d’évasion.

Et pourtant... Aussi trivial que singulier, Le Drive-in de l’Enfer tire son étrange magnétisme de son concept absurde d’embrigadement forcé, de ce microcosme en décomposition morale, et du portrait rétrograde d’une communauté excentrique, en roue libre. Un immense drive-in hérissé de carcasses calcinées, de néons blafards, de fast-foods pour nourrir et neutraliser cette faune résidente. Chacun tue le temps dans l’oisiveté la plus complète, tandis que notre héros - un peu moins passif que les autres - rêve d’évasion, avec une obstination de plus en plus martiale. Et dans son dernier acte, le film bascule enfin : gunfights, poursuites, cascades... mis en scène avec une maladresse attendrissante, presque touchante dans sa démesure.

Aberration filmique venue de nulle part, et bannie des salles hexagonales, Le Drive-in de l’Enfer s’impose comme une hallucinante curiosité bis, joyeusement foutraque malgré une narration farcie d’incohérences et d’absurdités (comment ce drive-in a-t-il pu être transformé en camp retranché du jour au lendemain ?). Un délire surréaliste, totalement déconnecté du réel, qui fonctionne à plein tube dans sa logique propre, pour peu qu’on s’abandonne à son délire décomplexé. Un OVNI délicieusement impayable et littéralement en envoûtant - à condition de faire abstraction de l’affiche racoleuse, génial pastiche bon marché d’Orange Mécanique.

À (re)découvrir, absolument.

— le cinéphile du cœur noir
3èx. 02.08.25 Vostf

STARRY EYES

                                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Kevin Kolsch et Dennis Widmyer. 2014. U.S.A. 1h38. Avec Alex Essoe, Amanda Fuller, Noah Segan, Fabianne Therese, Shane Coffey, Natalie Castillo.

Inédit en salles en France. Sortie U.S: 14 Novembre 2014.

FILMOGRAPHIE: Kevin Kolsch et Dennis Widmyer sont des réalisateurs, producteurs et scénaristes américains.
2016: Holidays (segment "Valentine's Day"). 2014: Starry Eyes. 2009: Absence. 2003: Postcards from the Future: The Chuck Palahniuk Documentary (Documentaire).

Inédit en salles en France et sous support numérique, Starry Eyes porte la signature de deux réalisateurs néophytes si bien qu'il s'agit de leur second long-métrage si j'occulte leur documentaire (Postcards from the Future: The Chuck Palahniuk Documentary). Jeune serveuse de fast-food en intermittence, Sarah rêve d'accéder à la consécration en postulant pour un rôle majeur de film d'horreur. Mais sa rencontre avec un éminent producteur va l'influencer à arpenter un voyage au bout de l'enfer. Alors que The Neon Demon de Nicolas Winding Refn fut accueilli en grande pompe à la montée des marches de Cannes et qu'une majorité du public et de la critique l'encensèrent, Starry Eyes sort dans l'indifférence générale comme en témoigne notamment sa discrète sortie en salles ricaines. Car prenant pour thèmes similaires l'élitisme et le culte de la célébrité qu'une jeune comédienne en herbe tente d'accéder avec constance désespérée, Starry Eyes épouse la carte d'une horreur psychologique hérité du cinéma de Lynch et de Polanski.

Tant par sa mise en scène expérimentale s'efforçant de distiller un malaise lestement palpable chez le portrait d'une héroïne en mal d'amour et de reconnaissance que de ses décors opaques provocant un sentiment d'insécurité éthéré lorsque Sarah auditionne face au témoignage présomptueux de deux jury. Par le biais de son cheminement psychologique endurant et contradictoire à céder ou à refuser le chantage d'un producteur lubrique, Starry Eyes constitue une charge virulente contre l'industrie prolifique du 7è art quand bien même nos deux auteurs n'hésitent pas à y dénoncer leurs méthodes immorales à repousser les limites de la bienséance lorsqu'une jeune actrice est forcée de se mettre à nu devant une caméra voyeuriste. Jusqu'où peut-on exploiter son éventuel talent au risque de provoquer chez le sujet une dégénérescence morale en perte identitaire ? Métaphorique quant au vampirisme de ces producteurs dénués d'humanité, Starry Eyes emprunte le genre fantastique pour mieux nous ébranler et semer la confusion chez l'esprit névrosé d'une actrice en perte de repères. Le spectateur étant témoin de ces agissements et réflexions personnelles avec une attention si scrupuleuse que l'on s'identifie viscéralement à sa déchéance immorale ! Ce qui nous converge à un dernier acte littéralement cauchemardesque si bien que le réalisme d'un gore crapuleux nous imposera des exactions à la limite du soutenable ! On peut d'ailleurs reprocher la facilité à laquelle les réalisateurs font preuve pour clôturer leur intrigue hermétique alors que l'impact émotionnel de ses séquences horrifiques escarpées nous dérangent par le refus du hors-champ !

"Le comédien est une personne atteinte de schizophrénie (in)contrôlée."
Bad trip expérimental jusqu'au-boutiste dans sa vision terrifiante d'une industrie hollywoodienne pactisant avec le mythe de Faust, Starry Eyes met à mal les sens du spectateur partagé entre l'effroi et l'empathie d'une victime soumise par le Mal. Pour parachever, on peut saluer le talent et la beauté virginale d'Alex Essoe se livrant (et se transformant) corps et âme face caméra avec une acuité viscérale. 

Dédicace à George Abitbol
B-M

Savage week-end

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site mondoconfidential.wordpress.com

de David Paulsen  et John Mason Kirby (non crédité). 1976/79. 1h28. U.S.A. Avec Christopher Allport, Jim Doerr, David Gale, Devin Goldenberg, Marilyn Hamlin, Caitlin O'Heaney, Jeff Pomerantz, William Sanderson.

Inédit en salles en France.

FILMOGRAPHIE: David Paulsen est un réalisateur, producteur et scénariste américain.
1976/79: Savage Week-end. 1980: Schizoïd.

                                                              Chronique express

Une curiosité bis inédite en salles en France mais tout juste exhumée de l’oubli grâce à notre éditeur chéri, Artus Films ! En dépit de la maladresse évidente de sa mise en scène, du jeu superficiel de ses comédiens méconnus, de dialogues risibles et d’incohérences narratives (notamment les motivations vaseuses du tueur), Savage Weekend parvient à distiller un climat malsain tout à fait perméable, nourri de séquences lubriques parfois audacieuses (la traite de la vache !) que des protagonistes interlopes s’échangent sans fin pour tromper l’ennui. Qui plus est, en exploitant avec soin le cadre bucolique d’une nature idyllique, le film dégage un pouvoir d’envoûtement permanent (un miracle !), renforcé par le parti-pris bricolé d’une mise en scène documentée, solidement ancrée dans son époque symptomatique des seventies.

Une série B très étrange donc, psycho-killer avant-coureur, à découvrir avec attention pour les inconditionnels de curiosités marginales expérimentales… 

— le cinéphile du cœur noir

23.08.25.

2èX. Vost

La Dernière orgie du 3è Reich / L'ultima orgia del III Reich / Des Filles pour le Bourreau / Bourreaux SS

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site ladylink.org 

de Cesare Canevari. 1977. Italie. 1h32. Avec Marc Loud, Daniela Levy, Maristella Greco, Antinesca Nemour, Fulvio Ricciardi, Caterina Barbero.

Sortie salles France: 7 Décembre 1977. Italie: 31 Janvier 1977

FILMOGRAPHIE: Cesare Canevari est un réalisateur et scénariste italien né en 1927 à Milan, décédé le 25 Octobre 2012. 1983: Delitto carnale. 1977 Des filles pour le bourreau. 1976 Parties déchaînées. 1974 Il romanzo di un giovane povero.  1970 ¡Mátalo! 1969 Moi, Emmanuelle. 1968 Una iena in cassaforte. 1965 Un tango dalla Russia.  1964 Per un dollaro a Tucson si muore.

Sorti deux ans après Ilsa, la Louve des SS, La Dernière orgie du 3è Reich exploite avec une intelligence étonnamment inhabituelle le filon de la Nazisploitation initiée par les Damnés, Portier de Nuit et Salon Kitty. Dans la mesure où Cesare Canevari évacue l'aspect grand-guignolesque des séquences traditionnelles de tortures SS pour privilégier la dimension humaine équivoque échangée entre une jeune déportée et un commandant tyrannique. Ce qui ne veut pas dire que cette production scabreuse ne s'épargne pas d'y distiller un climat obscène aussi fétide que déviant lors de certaines séquences d'humiliations, d'exécutions et de cannibalisme à la limite de la nausée. Or, si certains effets-chocs se laissent un peu gagner d'une certaine complaisance (insert de gros plans gores ou X), le cinéaste évite l'esbroufe de sa violence graphique par le biais d'un montage concis et d'effets de mise en scène où le hors-champs prédomine. 

Le Pitch: Lisa est envoyée dans un "camp d'amour" afin de satisfaire les appétits lubriques d'une clientèle nazie. Le Commandant Conrad von Starker est particulièrement sensible au comportement impassible de cette dernière si bien qu'il s'efforce de lui infliger diverses tortures afin de la faire craquer. Peu à peu s'installe entre eux une étrange relation amoureuse sur fond de masochisme.

Série B d'exploitation sombrée dans l'oubli depuis sa sortie salles et VHS, La Dernière orgie du 3è Reich surprend agréablement de par son réalisme blafard et l'aura perméable du climat obscène qui en émane sous l'impulsion du duo d'amants maudits. On peut d'ailleurs saluer le jeu cabotin des comédiens beaucoup plus convaincants que de coutume si bien que l'on finit par s'attacher aux rapports ambivalents du couple d'anti-héros qu'endossent assez sobrement Adriano Micantoni et Daniela Poggi. L'intérêt majeur du métrage résidant dans leurs rapports de force qu'ils se disputent vulgairement avant que des liens amoureux n'y viennent les compromettre. De par la posture ambiguë de Lisa hantée de culpabilité (celle d'avoir été potentiellement responsable de la mort de ses parents), La Dernière orgie du 3è Reich distille un (étonnant) climat trouble de mélancolie et de perversion depuis son passé éhonté et ses rapports masochistes amorcés avec Conrad. Car corrompue par le vice et le mal depuis les sévices et humiliations quotidiennement perpétrés par son bourreau, Lisa sombre peu à peu dans une déchéance sexuelle masochiste afin d'y préserver sa vie. Son attitude condescendante face à la pitié d'une de ses amies en instance de survie accentuant la frigidité de son éthique en perdition.

Bien que les séquences d'humiliations et de torture se succèdent sans trop de répit avec une audace parfois burnée (la séquence vomitive du repas et le châtiment qui s'ensuit auprès d'une juive, les délires scatos d'une des déportés, les orgies sexuelles sadiennes), Cesare Canevari parvient à s'extraire de la routine grâce à l'aura incongrue de son climat licencieux et l'autorité des comédiens aux caractères bien trempés (notamment Alma, antagoniste faire-valoir qu'endosse brillamment Maristella Greco !). Car sous couvert d'énième réquisitoire contre la barbarie Nazie y émane donc une troublante histoire d'amour à l'odeur de souffre si indécrottable qu'il est difficile de s'en extraire (comme le souligne d'ailleurs remarquablement le magnifique thème de sa chanson italienne). Tout bien considéré, probablement le meilleur Nazisploitation que nos voisins transalpins ont su exploiter ici avec beaucoup plus de sérieux et de force dramatique de par leur parti-pris somme toute psychologique. Mais comme vous vous en doutiez, il est toutefois à réserver à un public préparé. 

La Chronique d'Holocauste Nazi: http://brunomatei.blogspot.fr/2013/06/holocauste-nazi-la-bestia-in-calore.html

B.M. 2èx

31

                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Rob Zombie. 2016. U.S.A. 1h42. Avec Sheri Moon Zombie, Lawrence Hilton-Jacobs, Meg Foster, Jeff Daniel Phillips, Malcolm McDowell, Torsten Voges, Daniel Roebuck, Elizabeth Daily, Judy Geeson, David Ury.

Sortie DTV: Janvier 2017. U.S: 21 Octobre 2016

FILMOGRAPHIE: Rob Zombie est un chanteur, musicien et réalisateur américain, né le 12 Janvier 1965 à Haverhill, dans le Massachusetts.
2003: House of 1000 Corpses. 2005: The Devil's Rejects. 2007: Werewolf Women of the S.S. (trailer). 2007: Halloween. 2009: Halloween 2. 2012: The Lords of Salem. 2016: 31.

                     Un recyclage (involontairement) parodique de "la maison des 1000 morts".
                 Ma 1ère déception chez le maître référentiel de bobines insalubres des Seventies.

Un esthétisme onirico-horrifique toujours aussi stylisé, une vulgarité lubrique assumée, un score électro entraînant emprunté à Carpenter (clin d'oeil furtif aux Goblin en sus !), des trognes burinées comme on n'en voit plus au ciné, des meurtres incisifs magistralement filmés, mais une intrigue linéaire poussive finissant malheureusement par provoquer la lassitude. Faute des situations de survie où s'enchaînent sans passion ni acuité attaques et contre-attaque par des protagonistes secondaires finalement peu investis dans leur fonction victimisée. Et donc l'intrusion finale du nouveau super tueur sombre dans l'auto-parodie à force de gestuelle outrancière et de rictus racoleur.
Vraiment dommage d'être passé à côté du divertissement sardonique si bien que son ambiance étrange de fête foraine cartoonesque aurait pu être beaucoup mieux expressive.

B.M

                                                         
                                                             Le mot de Jean-Marc:

Séance découverte avec le très attendu '31' du très discuté Rob Zombie. Il est indéniable qu'en l'espace d'une douzaine d'année, le cinéma de Zombie fait preuve d'une évidente singularité dans le cinéma d'horreur. Extrême dans ses partis pris, que ce soit dans ses personnages bien décalqués, sa mise en scène au bord de l'explosion, ses sujets nihilistes. Logique qu'un tel cinéaste ne fasse pas l'unanimité surtout à l'aube de son auteurisant Lords of salem. A l'annonce de 31 et de son sujet, ses fans pensaient sans doute tenir un projet hors norme, un truc bien crade, un ovni comme pouvait l'être certains films 'autres' des années 70 et 80 (L'enfer des armes, Maniac, Calligula, Cannibal Holocaust et d'autres encore). Les fans de The Devil's reject s'en délectaient d'avance, une sorte de running man dégénéré. S'il y a bien une chose qu'on ne peut pas retirer à 31 c'est qu'il ressemble effectivement bien à son auteur, par son casting, par ses partis pris visuels et de montages, par son ambiance, par sa vision freak du monde. Mais si 31 est effectivement un film d'auteur, c'est surtout la vision mégalomane d'un artiste qui a totalement perdus le sens de la réalité et de ce que doit être un film : des perso écrits, une exposition claires, une intrigue qui évoluent. Tout ça est explosé par un Zombie en totale roue libre n'arrivant plus à faire la différence entre une scène d'horreur et une scène grotesque. Irritant, mou, inintéressant, le film vire au film racoleur et vulgaire.

Jean-Marc Micciche

LE PONT DE CASSANDRA

                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site moviepostershop.com

"The Cassandra Crossing" de George Pan Cosmatos. 1977. Italie/Angleterre/France/allemagne. 2h04. Avec Sophia Loren, Richard Harris, Burt Lancaster, Martin Sheen, Ava Gardner, O.J. Simpson, Ingrid Thulin.

Sortie salles France: 15 Juin 1977. U.S: 9 Février 1977

FILMOGRAPHIE: George Pan Cosmatos était un réalisateur et scénariste grec né le 4 janvier 1941 à Florence (Toscane, Italie), mort le 19 Avril 2005 à Victoria (Colombie-Britannique, Canada) d'un cancer du poumon.1973 : SS Représailles. 1971 : The Beloved. 1977: Le Pont de Cassandra. 1979: Bons Baisers d'Athènes. 1983: Terreur à Domicile. 1985: Rambo 2, la Mission. 1986: Cobra. 1989: Leviathan. 1993: Tombstone. 1997: Haute Trahison.

Sorti en pleine mouvance du genre catastrophe, le Pont de Cassandra porte la signature de George Pan Cosmatos, habile artisan de série B si je me réfère aux célèbres Rambo 2, Cobra et à moindre échelle, Haute Trahison. Mais bien avant ces classiques bourrins, le réalisateur d'origine grec nous avait déjà offert deux de ses meilleurs métrages, Terreur à Domicile et ce Pont de Cassandra. Fort d'une distribution prestigieuse réunissant selon la tradition du genre d'illustres stars tels que Sophia Loren, Richard Harris, Burt Lancaster, Martin Sheen, Ava Gardner et O.J. Simpson, le Pont de Cassandra ne s'embarrasse pas trop de clichés éculés si bien que chaque comédien donne chair à leur personnage avec une humble sobriété. Et si les amourettes futiles échangées entre deux couples n'évitent pas le stéréotype, les acteurs engagés parviennent tout de même à nous impliquer dans leur discorde et/ou réconciliation conjugales avec une certaine densité caractérielle. Par le principe du survival mené sur rythme haletant sous le pilier d'un suspense tendu, George Pan Cosmatos parvient à dépoussiérer le genre grâce à son concept inédit de décor ferroviaire et à son sujet alarmiste (le danger bactériologique) aux cimes du genre horrifique. A la suite d'un cambriolage dans un laboratoire médical, l'un des malfrats contaminés par un produit toxique parvient à s'évader pour se confiner à l'intérieur d'un train. Rapidement, il est localisé grâce aux services secrets de l'armée. Ces derniers ordonnant aux 1000 passagers de rester cloîtrés en interne du wagon pour être prochainement placés en quarantaine vers un village polonais. Mais sur leur chemin ferroviaire, ils doivent emprunter le pont de Cassandra, un viaduc fermé depuis 1948. Une course contre la montre s'engage alors entre les passagers et les services d'ordre afin d'empêcher le train de traverser le pont. 

Ce pitch original semé de rebondissements (Spoil ! l'intrusion des militaires en combinaison afin de faire régner l'ordre, le trafiquant de drogue semant la zizanie fin du Spoil) et revirements épiques (Spoil ! sa dernière demi-heure multipliant les confrontations musclées d'échanges de tir entre passagers rebelles et assaillants militaires fin du Spoil) gagne en vigueur au fil d'un cheminement dramatique présageant un éventuel crash ferroviaire ! Mais bien avant l'appréhension d'arpenter ce fameux pont que Cosmatos filme à la manière d'un spectre d'acier chargé de silence, nos passagers embrigadés de force dans leur compartiment ont fort affaire avec l'hostilité de militaires affublés de combinaisons blanches. Baignant dans un climat de claustration irrespirable, le Pont de Cassandra parvient à nous immerger dans une épreuve de force morale que les passagers du train doivent transcender afin de rester en vie. Qui plus est, parmi l'apparition progressive de victimes contaminées par la peste pneumonique, une angoisse viscérale s'empare de notre psyché depuis que ces dernières affaiblies par le virus sombrent dans une déchéance physique fébrile. Pour accentuer l'intensité des enjeux humains et y dénoncer les méthodes expéditives d'une armée sans vergogne, l'intrusion d'un colonel opiniâtre (remarquablement campé par l'inflexible Burt Lancaster !) provoque l'ambiguïté quant à connaître sa véritable déontologie à préserver ou à sacrifier 1000 vies innocentes ! Ce dernier surveillant sur son écran radar l'itinéraire du train tout en correspondant par émetteur radio ses consignes drastiques auprès d'un médecin charitable. La peur viscérale de la maladie progressive et l'intuition de redouter une destination mortelle doublant donc la mise d'une terreur psychologique à double visage !

Dernier train pour Cassandra
Empruntant la démarche du genre catastrophe sous un aspect novateur de survival horrifique fustigeant les expérimentations bactériologiques, Le Pont de Cassandra captive sans relâche le spectateur embarqué dans une descente aux enfers ferroviaire aussi anxiogène qu'oppressante. Le spectacle brillamment rodé et interprété culminant vers un point d'orgue cauchemardesque parmi le réalisme d'FX artisanaux en maquettes aux antipodes d'une production Toho ! 

B.M. 4èx
16.09.2016
02.03.11. (179 vues)

Les Yeux sans Visage

                                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de George Franju. 1960. France. 1h28. Avec Pierre Brasseur, Alida Valli, Juliette Mayniel, Édith Scob, François Guérin, Alexandre Rignault, Béatrice Altariba, Charles Blavette, Claude Brasseur.

Sortie salles France: 11 janvier 1960.

FILMOGRAPHIE: Georges Franju est un réalisateur français, né le 12 avril 1912 à Fougères (Ille-et-Vilaine) et mort le 5 novembre 1987 (à 75 ans) à Paris. 1958 : La Tête contre les murs
1960 : Les Yeux sans visage. 1961 : Pleins feux sur l'assassin. 1962 : Thérèse Desqueyroux. 1963 : Judex. 1965 : Thomas l'imposteur. 1970 : La Faute de l'abbé Mouret. 1974 : Nuits rouges.

"L’apparence est le vêtement de la personnalité."
Grand classique de l’horreur à la française, Les Yeux sans Visage adapte le roman de Jean Redon publié en 1959. Aussi notoire que La Belle et la Bête, le film tisse les thèmes de la beauté, de la laideur et de l’amour avec une singularité troublante : une poésie maladive en émane, alternant séquences surréalistes où le morbide se mêle à une mélancolie étrange. L’héroïne, défigurée par un accident, promène sa silhouette fragile tel un spectre errant, naufragée dans sa propre désillusion. Coupable de cette difformité, son père, chirurgien éminent, enlève de jeunes filles pour greffer à sa fille une beauté juvénile volée.

  

"La beauté de l’apparence n’est qu’un charme de l’instant ; le corps ne reflète pas toujours l’âme."
Conte d’épouvante d’un humanisme aussi douloureux que désespéré, Les Yeux sans Visage invoque sacrifice, jeunesse éternelle et dissection clinique, transcendé par l’onirisme de sa photographie noir et blanc. Le contraste frappe : la pénombre crépusculaire s’oppose à la froideur aseptisée du manoir, laboratoire d’expériences et de vivisections. La mise en scène, minutieuse, échafaude une intrigue tordue, malsaine, où Georges Franju impose son style documentaire sous une chape d’onirisme épuré, parfois enchanteur. À la densité narrative — corruption d’âmes aveuglées par l’égoïsme — répond le jeu sobre des comédiens, drapé dans une élocution théâtrale chère au cinéma français. Mais si Les Yeux sans Visage fascine, jusqu’à l’opacité, dans sa quête formelle et sa réflexion sur l’identité morale et charnelle (Christiane, étrangère à son âme sous ce nouveau visage), c’est surtout grâce à l’aura incandescente d’Édith Scob. Voilée d’un masque laiteux presque tout du long, elle n’a pour armes que la fièvre de son regard et la grâce de son corps longiligne, distillant une empathie amère pour cette victime complice, rongée de remords et de solitude.

"Les Voleurs de corps."
Récit horrifique déviant, collision de beauté et de monstruosité, Les Yeux sans Visage érige son style d’auteur dans l’écrin d’un conte cruel, déshumanisé. En dépit d’un rythme languissant qu’il faut apprivoiser, cette tragédie familiale, écartelée entre remords, amour et orgueil, ensorcelle les sens d’un magnétisme éthéré qu’un second regard révélera encore, à la faveur de ses ombres et de ses secrets.

*Bruno 

13.06.25. 4èx

Emilie, l'Enfant des Ténèbres / Il medaglione insanguinato

de Massimo Dallamano. 1975. Italie/Royaume-Uni. 1h30. Avec Richard Johnson, Joanna Cassidy, Ida Galli, Nicoletta Elmi, Edmund Purdom.

Sortie en salles en France le 21 mars 1979.  Sortie U.S.A: Mars 1976.

FILMOGRAPHIE: Massimo Dallamano est un directeur de la photographie et un réalisateur italien né le 17 avril 1917, décédé le 4 Novembre 1976. 1968: Le tueur frappe trois fois. 1972: Mais qu'avez vous faits à Solange ? 1973: Piège pour un tueur. 1974: La Lame Infernale. 1975: Emilie, l'enfant des Ténèbres.

                                         

"..... Le Diable est à l'origine des premiers malheurs de l'humanité...... Il est l'ennemi secret qui a semé erreurs et calamités dans l'histoire de l'homme."
Sa sainteté. Le Pape Paul VI.

 

"La Chambre aux tableaux". 

Illustre auteur des classiques du Giallo Mais qu’avez-vous fait à Solange ? et La Lame Infernale, Massimo Dallamano signe en 1975 son dernier testament — il meurt quelques mois après la fin du tournage — Emilie, l’enfant des ténèbres. Surfant sur la vague de L’Exorciste, sorti deux ans plus tôt, le film explore à son tour les chemins du satanisme à travers la possession d’une fillette traumatisée par la mort de sa mère, brûlée vive sous ses yeux.

Le pitch : Michael vient de perdre sa femme dans un tragique incendie. Sa fille, Emilie, est brisée par cette perte maternelle. Pour faire le deuil, il part en Italie réaliser un reportage sur les fresques représentant le Diable. Là, irrésistiblement attiré par un tableau étrange — qu’une petite fille semble fuir, effrayée par l’apparition spectrale d’une dame en blanc —, il achète un médaillon dans une boutique d’antiquités. Il l’offre à Emilie. Dès lors, son comportement change. Elle devient irascible, imprévisible.

Avec ce dernier long-métrage, Dallamano délaisse le Giallo pour s’aventurer dans un cinéma d’épouvante plus psychique, plus atmosphérique, dans le sillage de L’Exorciste. Il tisse ici une nouvelle variation sur la possession, doublée d’un drame de réincarnation et d’un trouble complexe d’Œdipe. Tout est dédié à l’étrangeté : nature crépusculaire baignée de lumière spectrale, villas provinciales saturées de silence... Emilie, l’enfant des ténèbres opte pour la suggestion, installe un suspense diffus, une langueur envoûtante.

Sans surenchère sanglante, même si quelques brèves secousses viennent ébranler l’âme — visions paniquées de villageois hostiles, lévitations d’objets, terreur pure figée sur le visage d’une enfant — Dallamano privilégie la retenue, bâtit une ambiance opaque, nourrie d’une fresque gothique d’une beauté hermétique. Nos protagonistes se réunissent dans une vieille bâtisse, scrutent les détails d’un tableau macabre peint deux siècles plus tôt par un artiste inconnu. Rapidement, on soupçonne qu’Emilie serait la réincarnation d’une fillette jadis damnée. Le scénario se répète aujourd’hui, guidé par le médaillon maudit et la peinture d’un démon cornu.

La présence d’une comtesse sexagénaire férue d’ésotérisme ajoute un mystère insondable, alors que le père d’Emilie écoute ses conseils avec scepticisme, pendant que sa nouvelle compagne, elle, préfère s’abandonner à ses bras. Richard Johnson (l’inoubliable docteur de L’Enfer des zombies) et Joanna Cassidy forment un couple d’amants un brin équivoques, au comportement glacial face à une certaine disparition.

Quant à Nicoletta Elmi (La Baie sanglante, Chair pour Frankenstein, Les Frissons de l’angoisse), elle livre une prestation écorchée, viscérale, d’une enfant névrosée hantée par les réminiscences : flash-backs moyenâgeux, visions morbides de sa mère immolée. Son regard perdu dans le vide, la beauté étrange de ses taches de rousseur, la douceur de sa chevelure... elle dégage un charme vénéneux, hypnotique, indicible.

Au-delà des plages de calme consacrées aux investigations, la réussite du film tient à sa simplicité : il narre une tragédie familiale où se mêlent inceste, sacrifice et œdipianisme. C’est ce que révèle sa dernière partie, élégiaque, bouleversante, lorsqu’on découvre le destin d’Emilie.                                

"Le Visage Blanc d’Émilie".

Passé inaperçu à sa sortie, encore ignoré aujourd’hui (malgré quelques cinéphiles fidèles), ce dernier film de Dallamano scande un gothisme d’ambiance avec un esthétisme digne des plus beaux travaux de Bava. Il ne faut pas bouder la simplicité de son scénario — tout en mystère diffus et suspense latent — pour mieux se laisser bercer par ces images baroques d’une limpidité poétique : Emilie, le teint blême, toute de blanc vêtue, pianotant dans une chambre envahie de tableaux…

Porté par la mélodie lancinante et inoubliable de Stelvio Cipriani, Emilie, l’enfant des ténèbres honore la série B d’épouvante avec intelligence et humilité. Son point d’orgue poignant accouche finalement d’une méditation troublante sur l’amour interdit et le pouvoir du Mal, transmis à travers une postérité damnée.

*Bruno
12.01.23. 4èx
13.09.16. 
25.05.11. (422)

La Secte / La Setta

                                                                                                                           

 Crédit photo : image trouvée via Google, provenant du site IMDb. Utilisée ici à des fins non commerciales et illustratives

de Michel Soavi. 1991. Italie. 1h56. Avec  Kelly Curtis, Herbert Lom, Mariangela Giordano, Michel Adatte, Tomas Arana, Donald O'Brien.

Inédit en salles en France. Sortie Italie: 1er Mars 1991

FILMOGRAPHIE: Michele Soavi est un réalisateur italien né le 3 Juillet 1957 à Milan, (Italie).
1985: The Valley (vidéo). 1985: Le Monde de l'horreur (Documentaire). 1987: Bloody Bird. 1989: Le Sanctuaire. 1991: La Secte. 1994: Dellamorte Dellamore. 2006: Arrivederci amore, ciao. 2008: Il sangue dei vinti.

Deux ans après Le Sanctuaire, l’étoile montante Michele Soavi poursuit son ascension avec La Secte, un film qui surpasse même son premier coup d’essai — le psycho-killer onirique Bloody Bird, alors acclamé par les fans. Inédit en salles françaises et à nouveau coproduit par son pair Dario Argento, La Secte s’inspire librement du schéma de Rosemary’s Baby, qu’il dynamite avec une inventivité en roue libre. Véritable cauchemar éveillé d’un onirisme macabre et vénéneux, Michele Soavi renouvelle les codes de l’horreur sataniste par le biais d’un scénario incongru, foisonnant de revirements hallucinés et de situations outrageusement insolentes.

Miriam, jeune femme célibataire, se retrouve piégée dans une conjuration démoniaque après avoir recueilli un vieil homme accidenté. Dès lors, les événements inquiétants s’enchaînent sans relâche — depuis l’instant où l’inconnu, dans un geste inexplicable, lui inocule un insecte dans la narine… avant de mourir subitement.

Soignant une mise en scène personnelle, à la fois fluide et baroque, Soavi joue de travellings véloces, de plans subjectifs et d’angles tarabiscotés pour épouser le vertige de son récit. Il brouille les frontières du réel en confondant les décors d’une nature champêtre avec une scénographie féerique. Le cadre fourmille d’objets et de détails énigmatiques — agenda, seringue, journal, cercueil, eau, chiffon — tissant un réseau d’indices dans un espace aussi domestique qu’étrangement surnaturel. L’intrusion récurrente d’animaux et d’insectes (le "lapin", le "marabout") renforce le sentiment de déréalisation, alors que l’héroïne s’enfonce dans un labyrinthe mental sans issue.

Prenant le temps de déployer sa narration à travers une succession d’incidents — parfois infligés à ses proches — Soavi nous entraîne dans une descente aux enfers hypnotique, jusqu’à l’éveil d’une initiation maléfique. À l’image de ce puits abyssal tapi dans la cave domestique, trou noir où semble converger la stratégie démoniale. Si La Secte paraît de prime abord décousue, son récit se clarifie peu à peu, jusqu’à offrir un dernier acte aussi limpide qu’éprouvant. Dans une ambiance tangible et superbement éclairée, Soavi injecte sporadiquement des séquences-chocs, typiques du gothique latin, qui nous heurtent par leur crudité organique, appuyées de trucages artisanaux saisissants — comme ce rituel sataniste, sauvage, invoqué sous une lune sépulcrale.

Ambitieux, méticuleux, habité, rafraichissant, Michele Soavi redonne ses lettres de noblesse au cinéma d’horreur transalpin, avec un esprit premier degré et une modernité inespérée. La Secte, version latine et hallucinée de Rosemary’s Baby, ne cesse d’inquiéter, de déranger, de surprendre — jusqu’au cœur malléable du quotidien d’une élue tiraillée entre sa morale et l’appel trouble du Mal.

E-B
08.05.25. 4èx. VIstfr

OSLO, 31 AOUT. Grand prix du jury long-métrage européen.

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Cinemapassion.com

"Oslo, 31. august" de Joachim Trier. 2011. Norvège. 1h35. Avec Anders Danielsen Lie, Hans Olav Brenner, Ingrid Olava, Petter With, Malin Crépin, Tone Beate Mostraum

Sortie salles France: 29 Février 2012. Norvège: 31 Août 2011

FILMOGRAPHIE: Joachim Trier est un réalisateur et scénariste norvégien, né à Copenhague en 1974. 2006: Reprise. 2011: Oslo, 31 août. 2015: Back Home.

Drame psychologique relatant avec réalisme documenté la réinsertion sociale d'un jeune toxico de retour dans sa ville natale, Oslo, 31 Août doit beaucoup de sa vigueur émotive à la maîtrise de sa mise en scène rigoureusement personnelle et au talent criant de vérité du jeune Anbders Danielsen Lie. Ce dernier se livrant corps et âme face caméra avec un humanisme à bout de souffle. Accablé par le poids de sa solitude, l'aigreur, le désespoir, la susceptibilité, Anders tente timidement de se raccrocher à la réconciliation de son ex amie avant de contacter en dernier ressort ces anciennes fréquentations.

Introverti, timoré, placide, Anders déambule tel un fantôme errant au sein d'une cité urbaine où citadins expansifs et couples amoureux semblent en harmonie existentielle. Du moins en apparence si bien que chacun de nous dépendons d'un jardin secret de notre propre personnalité. Sans verser dans une sinistrose complaisante (le film baignant dans un climat austère perpétuellement anxiogène), Joachim Trier s'efforce d'illustrer avec souci de vérité l'introspection cafardeuse de ce jeune repenti à deux doigts de chavirer vers le néant. C'est d'ailleurs ce que nous dévoile ouvertement son prologue pessimiste avant qu'Anders ne se ravise de se noyer dans un lac. Durant son cheminement itinérant, nous poursuivons ses errances urbaines avec l'appui d'anciens collègues et d'une nouvelle partenaire finalement peu attentifs à son désarroi affectif et à sa désillusion d'un avenir sans lendemain. Au-delà de traiter de la difficulté de s'extraire de la drogue dure, le réalisateur s'attarde surtout à relever les conséquences tragiques du poids (écrasant) de la solitude lorsqu'un jeune toxico en voie de convalescence tente vainement de se raccrocher au fil de l'espoir. Celui de l'amour d'une ex auquel il songeait renouer quand bien même cette dernière hésite à lui tendre la main, faute d'un passé trop lourd à porter. Avec une attention toute particulière, Joachim Trier filme les témoignage amicaux partagés entre vivacité et allégresse tout en scrutant ostensiblement le regard meurtri d'Anders, victime malgré lui de son isolement inconsolable, entre non-dits et causettes futiles.

D'un pessimisme plombant, Joachim trier dresse le portrait infortuné d'un jeune toxico trop fragile à pouvoir survivre dans une société en perpétuel mouvement où chacun des témoins ne songe finalement qu'à son propre intérêt. Constat monocorde sur l'hypocrisie de l'amitié et la cruauté de l'amour, Oslo, 31 Août jette un pavé dans la marre sur l'individualisme de nos civilisations contemporaines. 

Dédicace à Franck Gossard.

Récompenses
24e festival Premiers Plans d'Angers : Grand prix du jury long-métrage européen et prix Jean-Carmet d'interprétation masculine pour Anders Danielsen Lie.
Cheval de bronze au Festival international du film de Stockholm de 2011