Saw X / Décadence X

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Kevin Greutert. 2023. U.S.A. 1h58. Avec Tobin Bell, Shawnee Smith, Synnøve Macody Lund, Steven Brand, Renata Vaca, Joshua Okamoto.

Sortie salles France: 25 Octobre 2023 (Int - 16 ans). U.S: 29 Septembre 2023 (Int - 17 ans).

FILMOGRAPHIE: Kevin Greutert, né le 31 mars 1965 à Pasadena en Californie aux États-Unis, est un réalisateur et monteur américain. 2009 : Saw VI. 2010 : Saw VII. 2014 : Jessabelle. 2015 : Visions. 2017 : Jackals. 2023 : Saw X. 

Relancer la fameuse saga estampillée "Tortur'porn" après 7 opus tous plus inutiles les uns les autres (en aditionnant Spirale : L'Héritage de Saw) relevait d'une gageure impossible. Et pourtant Kevin Greutert (à qui l'on doit pourtant Saw 6 et 7) parvient sans mal à réactiver la machine hardcore avec ce 10è opus autrement retors, prenant, affolant, efficace, évidemment sardonique, voir même surprenant eu égard de l'ingéniosité des tortures toutes plus machiavéliques les unes que les autres servi d'un scénario à twist (!) privilégiant la caractérisation humaine d'un des plus célèbres criminels de l'histoire de l'horreur qui tâche: Jigsaw / John Kramer. Et si l'intrigue pourrait paraître chez une frange du public tirée par les cheveux (à l'instar des actions invraisemblables des victimes pour se défaire de leur piège transcendées d'une intensité putride à la limite du soutenable), elle demeure pour autant à mon sens assez solide pour relancer les exactions putassières et assez intelligente pour y dénoncer en filigrane le charlatanisme de la chirurgie auprès de margoulins sans scrupule, sans compter le cynisme des labos pharmaceutiques en étroite complicité. 

Mais outre l'aspect à la fois jouissif et malaisant des châtiments corporels hyper gores et réalistes (je crois qu'on avait pas vu aussi émétique depuis l'opus 3 interdit aux - de 18 ans) que l'on nous sert sans anesthésie, Saw X est notamment enrichi d'un cast spécialement convaincant, expressif, caractériel (jusqu'aux seconds-rôles les moins éloquents, à l'instar du gamin mexicain) sous l'impulsion de Tobin Bell se fondant une ultime fois dans le corps décati du tueur moribond avec un flegme ici un peu plus indulgent comme le souligne sa compassion pour certains personnages. On apprécie également de retrouver l'invitée surprise Shawnee Smith (de retour après le second opus) en faire-valoir criminel au physique aujourd'hui autrement plus inquiétant passées quelques années de rides. Bref, les personnages existent par eux-mêmes sans déborder pour notre plaisir de spectateur attentif à leurs faits et gestes pour s'extirper de la mort. Néanmoins, pour apprécier le (nouveau) spectacle barbare d'une étonnante efficacité (qui plus est épaulé d'une certaine maîtrise dans la réalisation et d'une photo épurée), il vaudrait peut-être mieux aborder le divertissement au second degré tant l'ironie mordante fait des étincelles en dépit de l'hyper réalisme de l'horreur extrême que l'on redoute autant que l'on escompte dans notre fort intérieur de pervers refoulé (ah ah !).   

D'une durée d'1h58 défiant notre notion temporelle, Saw X est une heureuse surprise inespérée après tant d'âneries mercantiles purement opportunistes passée la trilogie modestement réussie. Méchamment délirant, extrême, captivant, constamment tendu, jamais ridicule et assez dégueulasse auprès de ces anthologies incroyablement inventives, cet ultime chapitre faisant honorablement suite au 1er opus parvient à réanimer la saga parmi le savoir-faire d'un scénario subterfuge dénonçant une fois de plus l'attrait à la fois pusillanime, égotiste, vénal de l'homme prêt à phagocyter son prochain (tant pour sa survie que pour son propre intérêt). C'était sans compter sur John Kramer, redresseur (amoral ?) de tort un peu plus humaniste qu'autrefois. 

Ordre de préférence de la saga: 1 - 3 - 10 - 2.

*Bruno

La Nuit de la Comète / Night of the comet

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de  Thom Eberhardt.1984. U.S.A. 1h35. Avec Catherine Mary Stewart, Kelli Maroney, Robert Beltran, Mary Woronov, Geoffrey Lewis, Peter Fox.

Sortie salles France: ?. U.S: 16 Novembre 1984

FILMOGRAPHIE: Thom Eberhardt est un réalisateur et scénariste américain né le 7 mars 1947 à Los Angeles, Californie (États-Unis). 1983 : Sole Survivor. 1984 : La Nuit de la comète. 1988 : The Night Before. 1988 : Élémentaire, mon cher... Lock Holmes. 1989 : Cours d'anatomie. 1992 : Captain Ron. 1993 : Space Rangers (série télévisée). 1997 : Face Down (TV). 1998 : Il était deux foiS (TV). 2000 : Ratz (TV). 2002 : I Was a Teenage Faust (TV). 

Je tiens d'abord à remercier ma projo déceptive du Toubib de Pierre Granier-Deferre sans qui je n'aurai pu oser enchainer dans improvisation l'excellente surprise que représente pour moi La Nuit de la Comète. Une perle des années 80 pas assez reconnue selon mon jugement de valeur (d'ailleurs beaucoup plus positif qu'au 1er visionnage) tant ce p'tit métrage génialement dénué de prétention eut pu me faire rêver avec une simplicité somme toute décomplexée. Et c'est justement ce qui fait le charme et le piquant de cette prod digne d'Amblin si j'ose dire, toutes proportions gardées, dans la mesure où le cinéaste Thom Eberhardt (inconnu pour moi) s'y entend pour nous immerger dans son univers post-apo avec une sincérité, une formalité (combien de rutilants panoramiques urbains m'ont totalement envoûtés, tel un rêve de gosse émerveillé !) et surtout une candeur forçant le respect. Notamment eu égard de la bonhomie du casting amiteux, prioritairement les actrices Catherine Mary Stewart, Kelli Maroney  jouant les soeurettes rivales avec tant d'implication auprès de leur charme innocent symptomatique des prods des années 80. 

                                      

Le climat de légereté qui environne tout le récit, conjugué à certains moments de flippe (les 3 premières apparitions des zombies m'ont réellement foutu les jetons à ma stupeur !) et de moments pittoresques confinant cette série B au divertissement atypique dans sa globalité. Qui plus est, et afin probablement de parfaire son métrage et de le clarifier (narrativement parlant) dans une plus-value de générosité, l'ultime demi-heure se permet d'enchainer les rebondissements, actions, quiproquos puis bouquet de tendresse imbibée de dérision (le final saugrenu est juste magnifique de poésie auprès de cette cohésion complice, aussi simpliste soit cette conclusion sciemment ubuesque) avec une spontanéité sémillante. On quitte donc l'aventure post-apo parmi nos sentiments fougueux de tendresse, bonheur, sourire de s'être autant familiarisé auprès de ces survivants juvéniles rarement angoissés/apeurés par leur condition de déreliction pour au contraire affronter l'avenir avec une insouciance ultra jouissive. Et c'est justement ce qui rend si fun, ludique, exaltante cette Nuit de la Comète que de compter sur le sarcasme et les bons sentiments badins pour emporter l'adhésion avec une faculté immersive proche de la féerie finalement. 

Teenage Mutant Horror Comet Zombies

Et donc pour conclure aussi simplement que cette satire dystopique: "C'était quand même quelque chose les années 80 ❤"

*Bruno

2èx

Le Toubib

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Pierre Granier-Deferre. 1979. France/Allemagne de l'Ouest. 1h36. Avec Alain Delon, Véronique Jeannot, Bernard Giraudeau, Francine Bergé, Michel Auclair, Catherine Lachens, Bernard Le Coq, Henri Attal, Jean-Pierre Bacri.

Sortie salles France: 27 Octobre 1979

FILMOGRAPHIE: Pierre Granier-Deferre, né le 22 juillet 1927 dans le 9e arrondissement de Paris et mort le 16 novembre 2007 dans le 16e arrondissement de Paris, est un réalisateur français.1961 : Le Petit Garçon de l'ascenseur.1962 : Les Aventures de Salavin. 1965 : La Métamorphose des cloportes. 1965 : Paris au mois d'août. 1967 : Le Grand Dadais. 1970 : La Horse. 1971 : Le Chat. 1971 : La Veuve Couderc. 1973 : Le Fils. 1973 : Le Train. 1974 : La Race des seigneurs. 1975 : La Cage. 1975 : Adieu poulet. 1976 : Une femme à sa fenêtre. 1979 : Le Toubib. 1981 : Une étrange affaire. 1982 : L'Étoile du Nord. 1983 : L'Ami de Vincent. 1985 : L'Homme aux yeux d'argent. 1986 : Cours privé. 1987 : Noyade interdite. 1988 : La Couleur du vent. 1990 : L'Autrichienne. 1992 : La Voix. 1993 : Archipel. 1995 : Le Petit Garçon. 

Comme l'une des règles d'or sur Strange Vomit Dolls est plutôt d'éviter de discréditer un film que l'on a pas aimé, je laisse libre arbitre au spectateur de juger par lui même.

*Bruno

Le Pianiste / The Pianist. Palme d'Or, Cannes 2002.

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Roman Polanski. 2002. France/Royaume-Uni/Pologne/Allemagne. 2h29. Avec Adrien Brody, Thomas Kretschmann, Frank Finlay, Maureen Lipman, Emilia Fox, Ed Stoppard, Ronan Vibert, Michał Żebrowski.

Sortie salles France: 26 Septembre 2002

FILMOGRAPHIE: Roman Polanski (né le 18 août 1933 à Paris) est un comédien, metteur en scène de théâtre et d'opéra puis un producteur, scénariste et réalisateur de cinéma franco-polonais. 1962 : Le Couteau dans l'eau , 1965 : Répulsion, 1966 : Cul-de-sac, 1967 : Le Bal des vampires, 1968 : Rosemary’s baby, 1971 : Macbeth, 1972 : Quoi ?, 1974 : Chinatown, 1976 : Le Locataire ,1979 : Tess, 1986 : Pirates, 1988 : Frantic, 1992 : Lunes de fiel ,1994 : La Jeune Fille et la Mort , 1999 : La Neuvième Porte ,2002 : Le Pianiste,2005 : Oliver Twist, 2010 : The Ghost Writer. 2011 : Carnage. 2013 : La Vénus à la fourrure. 2017 : D'après une histoire vraie. 2019 : J'accuse. 2023 : The Palace. 

Retraçant le destin hors du commun du pianiste Władysław Szpilman, survivant polonais du ghetto de Varsovie perpétré par l'Allemagne nazie durant la seconde guerre, Le Pianiste est une épreuve de force aussi éprouvante qu'insupportable de par l'acuité de son intensité dramatique dénuée de concession. Roman Polanski, résolument impliqué par son histoire vraie à la reconstitution infaillible, optant pour un vérisme documenté parfois à la limite du supportable (principalement la 1ère heure) pour retranscrire l'horreur nazie exterminant sans vergogne la communauté juive avec une haine inqualifiable. 

Outre la descente aux enfers en porte-à-faux impartie au personnage du pianiste en proie à la famine, la solitude et la maladie (la jaunisse), Adrian Brody endosse probablement l'un des plus beaux rôles de sa carrière en survivant de dernier ressort aussi empoté (il cumule certaines bourdes épineuses) que chanceux durant sa quête désespérée d'échapper aux nazies en se confinant dans les endroits les plus décharnés, insalubres, exigus (avec au terme de son cheminement de saisissantes images post-apos). Ce personnage à la fois héroïque et bienfaiteur demeurant d'une rigueur émotionnelle ardue auprès de son destin maudit gagné par son désir de vie, aussi fluet soit son espoir; notamment en la présence fortuite d'un (étrange) ange gardien nazi sans doute influencé par la rédemption. Grand moment de cinéma aussi puissant et expressif que La Liste de Schindler, Requiem pour un Massacre, le Vieux Fusil ou encore l'inoubliable série Holocauste, Le Pianiste ne nous laisse nullement indemne en dépit de son final libérateur d'une poésie fragile aussi amère qu'émotive. Sans omettre la beauté inquiétante de sa photographie blafarde extrêmement soignée par ses nuances de ton grisonnantes et quelque peu sépias.  

P.S: Restauration 4K de qualité optimale (message d'info en sus avant le générique).

*Bruno

2èx

Récompenses: 

Palme d'or au Festival de Cannes 2002

Prix Jacques-Prévert du scénario 2002, catégorie meilleur scénario adapté pour Ronald Harwood

Césars 2003

César du meilleur film : Roman Polanski et ses producteurs Robert Benmussa et Alain Sarde

César du meilleur réalisateur : Roman Polanski

César du meilleur acteur : Adrien Brody

César de la meilleure musique écrite pour un film : Wojciech Kil. ar

César du meilleur décor : Allan Starski

César de la meilleure photographie : Paweł Edelman

César du meilleur son : Jean-Marie Blondel, Gérard Hardy et Dean Humphreys

Goyas 2003 : meilleur film européen

Oscars 2003

Oscar du meilleur réalisateur : Roman Polanski

Oscar du meilleur acteur : Adrien Brody

Oscar du meilleur scénario adapté : Ronald Harwood

BAFTA Awards 2003

BAFTA du meilleur film

BAFTA du meilleur réalisateur : Roman Polanski

Le Train des Epouvantes / Dr. Terror's House of Horrors

                                              
                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Freddie Francis. 1965. Angleterre. 1h38. Avec Christopher Lee, Max Adrian, Ann Bell, Michael Gough, Ursula Howells, Isla Blair, Jennifer Jayne, Neil McCallum, Bernard Lee, Roy Castle, Peter Cushing.

Sortie salles France: 14 avril 1971. Angleterre: 23 Février 1965

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Freddie Francis est un réalisateur, directeur de photographie et scénariste britannique, né le 22 Décembre 1917 à Londres, décédé le 17 Mars 2007 à Isleworth (Royaume-Uni). 1962: La Révolte des triffides. 1963: Paranoiac. 1964: Meurtre par procuration. 1964: l'Empreinte de Frankenstein. 1965: Le Train des Epouvantes. 1965: Hysteria. 1965: The Skull. 1966: The Deadly Bees. 1966: Poupées de cendre. 1967: Le Jardin des Tortures. 1968: Dracula et les Femmes. 1970: Trog. 1972: Histoires d'Outre-Tombe. 1973: La Chair du Diable. 1973: Les Contes aux limites de la folie. 1974: Son of Dracula. 1975: La Légende du Loup-Garou. 1975: The Ghoul. 1985: Le Docteur et les Assassins. 1987: Dark Tower.

On pensera ce qu'on voudra de ce 1er essai chez la firme Amicus au sein du film omnibus, le Train des Epouvantes demeure aussi charmant que sympatoche en dépit de l'inégalité des sketchs. En particulier les 2 premiers selon mon jugement de valeur bien que le 1er récit ne manque ni d'attention ni de séduction auprès du thème classique du loup-garou, avec une chute assez étonnante par sa dérision sardonique. Et donc en dépit de la simplicité du script, Freddie Francis soigne la mise en forme gothique dans un esthétisme assez envoûtant afin de croire à son récit de vengeance lycanthrope. Quant au second sketch exploitant une plante mutante avec originalité, son intérêt demeure finalement limité faute de son récit beaucoup trop court et expédié, à l'instar de sa conclusion quelque peu bâclée. Dommage car l'aspect formel de cette plante meurtrière ne manquait pas d'un certain charisme en dépit de ses FX cheap. Mais c'est à partir du 3è récit que le Train des Epouvantes amorce son envol pour nous relater (plus) attentivement une histoire de vendetta vaudou formellement splendide, narrativement cocasse et intelligemment suggérée lorsqu'un musicien de Jazz est en proie aux forces diaboliques. 

D'autre part les fans de Jazz seront probablement aux anges lors d'une représentation musicale formidablement stimulante au sein d'un chaleureux cabaret bondé d'une aimable clientèle. Quant au 4è récit, il empreinte la voie de la "main baladeuse" avec autant d'efficacité que d'humour noir insolent lorsqu'un critique d'art est harcelé par une main vengeresse. Avec une interprétation génialement snobe de Christopher Lee en gouailleur altier se disputant l'autorité parmi l'illustre Michael Gough en peintre renommé. Enfin, le dernier segment, sans doute le meilleur, s'intéresse à la thématique du vampirisme au sein de l'époque contemporaine des Sixties. Baignant dans un esthétisme onirique à nouveau fulgurant, La Vampire demeure une savoureuse romance macabre plutôt cruelle quant à l'évolution de cette relation galvaudée par 2 praticiens acolytes. Là encore, on apprécie la justesse de l'interprétation aussi saillante en la présence réservée de Donald Sutherland accompagné de la très belle Jennifer Jayne par son magnétisme sensuel discrètement nuancé, qui plus est rehaussé de son regard noisette sensiblement attendrie. Enfin, Max Adrian ne manque pas non plus de charisme distingué auprès de sa force tranquille et de sureté en médecin médiateur tentant de résoudre l'improbable. 

Finalement plein de charme, d'humour noir et de frissons parfois tendus (principalement auprès de La Main Baladeuse); Le Train des Epouvantes inaugure le film à tiroirs avec assez d'efficacité et de fulgurance saturée au sein d'un scope de toute beauté. A l'instar de son cast aux p'tits oignons issue de l'ancienne école de l'horreur british artisanale. 

Ordre de préférence: 5 - 4 - 3 - 1 - 2

* Bruno 

02.04.18 / 12.10.23. 3èx

Les Pires. Grand prix Un certain regard, Cannes 2022

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Lise Akoka et Romane Guéret. 2022. France. 1h40. Avec Mallory Wanecque, Timéo Mahaut, Johan Heldenbergh, Esther Archambault, Loïc Pech.

Sortie salles France: 7 Décembre 2022

FILMOGRAPHIE: Lise Akoka est une réalisatrice et scénariste française. 2022: Les Pires. 

Romane Guéret est une réalisatrice et scénariste française. 2022: Les Pires.

Un choc frontal. Un traumatisme intime. « Écorchée vive : chronique d’une Lily perdue »
Quelque chose de profondément personnel a surgi, réveillé par cette héroïne aux allures de miroir brisé. Pendant 1h35, elle m’a remué les tripes — moralement, viscéralement — par l’intensité de son regard, expressif jusqu’à l’incandescence, par cette fragilité vive, écorchée, hyperactive, colérique, tendre, solaire.
Mallory Wanecque crève littéralement l’écran pour son tout premier rôle. On songe, toutes proportions gardées, aux fulgurances de Béatrice Dalle ou Vanessa Paradis à l’orée de leur carrière.
Elle désarme, désarme tout, par son franc-parler ravageur, son malaise existentiel, sa posture décomplexée de lolita aux yeux d’azur que l’on juge, que l’on épingle, que l’on isole — sans compassion, sans écoute — depuis la perte de son petit frère, emporté par le cancer.

Il m’a fallu pourtant une bonne demi-heure pour entrer dans ce monde, pour m’acclimater à ces jeunes aux langages crus, aux gestes brusques, aux réflexes agressifs. Des adolescents cabossés, incultes peut-être, mais surtout abandonnés : par les parents, par l’école, par le monde adulte tout entier.

Des mômes de quartier défavorisé que l’on suit sans voyeurisme, sur le tournage d’un film que s’efforce de tenir un réalisateur flamand, malgré leurs élans, malgré leur feu.

La mise en abyme, ici, devient vertige.
Les Pires brouille volontairement les lignes, entre documentaire et fiction, entre regard et intrusion, entre intimité et mise en scène. Ces séquences d’amour filmées sans fard, ces scènes crues à la frontière du malaise — notamment l’ambiguïté d’une relation entre Lily et un technicien de 32 ans — laissent un goût étrange, peut-être seulement sur moi. Mais elles disent quelque chose. De leur désarroi, de leur corps en éveil, de leur soif d’être regardés autrement.

Et puis soudain, au-delà de ce climat trouble, le cœur bat fort.
Les Pires touche juste dans l’évolution de ces jeunes paumés, aux mots simples, mais ivres d’amour à donner, d’espoir à saisir, de rêves à bâtir. Lily, bouleversante, veut percer dans le cinéma. Elle veut fuir sa cage. Elle veut exister.

« Les Pires, ou l’éblouissement d’un cœur fendu »

La dernière image m’a broyé le cœur. Cette étreinte, cette réconciliation entre un frère et une sœur, cette fulgurance d’émotion nue.
Les Pires ne laisse pas indemne. Film âpre, d’accès parfois difficile, mais bouleversant.
Et mon expérience, au-delà du film, s’est liée à Lily malgré moi. Car je l’ai reconnue. Sous ses traits, j’ai revu Aurélie. Une autre, quelques années plus tôt.
À elle, je dédie cette chronique.

A Aurélie qui a changé ma vie...

*Bruno

Récompenses: 

Festival de Cannes 2022 : Grand prix Un certain regard

Festival du film francophone d'Angoulême 2022 : Valois de diamant

Festival Fifigrot de Toulouse 2022 : prix du public et prix des étudiants

Festival international du film de Rome 2022 : Alice nella cita, prix d'interprétation féminine pour Mallory Wanecque

Festival de Saint-Paul-Trois-Châteaux 2022 : Grand prix

American French Film Festival, Los Angeles, 2022 : prix du meilleur premier film

Rencontres du cinéma de Villefranche 2022 : prix des lycéens

Festival du film de Sarlat 2022 : prix du jury « Jeune », prix d'interprétation féminine pour Mallory Wanecque

Festival de Cosne-sur-Loire 2022 : prix du meilleur film, prix d'interprétation féminine pour Mallory Wanecque, prix d'interprétation masculine pour Johan Heldenbergh

Festival du grain à démoudre de Gonfreville-l'Orcher 2022 : prix du Grand Jury pour le meilleur long métrage, prix du Jury des Lycéens pour le meilleur long métrage

Mission : Impossible - Dead Reckoning, partie 1

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Christopher McQuarrie. 2023. U.S.A. 2h43. Avec Tom Cruise, Hayley Atwell, Simon Pegg, Rebecca Ferguson, Ving Rhames

Sortie salles France: 12 Juillet 2023

FILMOGRAPHIE: Christopher McQuarrie est un scénariste et réalisateur américain né le 31 mai 1968 à West Windsor Township près de Princeton dans le New Jersey. 2000 : Way of the Gun (The Way of the Gun). 2012 : Jack Reacher. 2015 : Mission impossible : Rogue Nation (Mission: Impossible – Rogue Nation). 2018 : Mission impossible : Fallout (Mission: Impossible - Fallout). 2023 : Mission impossible : Dead Reckoning, partie 1 (Mission: Impossible – Dead Reckoning Part One). 2024 : Mission impossible : Dead Reckoning, partie 2. 

                                    Une (nouvelle) référence du cinéma d'action au sens épuré.

Le Pitch: Ethan Hunt et son équipe de l’IMF se lancent dans leur mission la plus périlleuse à ce jour : traquer une effroyable nouvelle arme avant que celle-ci ne tombe entre de mauvaises mains et ne menace l’humanité entière. Le contrôle du futur et le destin du monde sont en jeu. Alors que les forces obscures de son passé ressurgissent, Ethan s’engage dans une course mortelle autour du globe. Confronté à un puissant et énigmatique ennemi, Ethan réalise que rien ne peut se placer au-dessus de sa mission, pas même la vie de ceux qu’il aime.

Les superlatifs me manquent, allons donc droit au but, Mission Impossible - Dead Reckoning, partie 1 est un chef-d'oeuvre du cinéma d'action que j'ose déclarer sans ambages. Aucun autre film d'action ne lui arrive à la cheville cette année (ne me parlez pas de John Wick 4 ou d'Equalizer 3), voir même depuis l'exceptionnelle Mission Impossible Fallout alors qu'il ne s'agit ici que de la 1ère partie en guise de parti-pris aussi singulier que couillu. D'autre part, n'ayez crainte de sa durée substantielle si bien que les 2h43 (2h35 en épargnant le générique) défilent comme une lettre à la poste (ou plutôt à la vitesse d'un train effréné, toutes proportions gardées !) tant la mise en scène hyper maîtrisée, la beauté sauvage de ces montagnes autrichiennes, l'hyper dynamisme du montage et sa caméra hyper mobile (filmant parfois sous tous les angles les plus tarabiscotés l'action improbable !), le jeu adroit des acteurs infiniment impliqués dans l'action et son intrigue retorse débordante de rebondissements nous plaquent au siège sans nous laisser le temps de reprendre son souffle. Non, un peu plus sérieusement, et pour être autrement objectif, Mission Impossible - Dead Reckoning, partie 1 s'édifie en cinéma artisanal à l'ancienne au sein d'une thématique tristement actuelle: l'IA et ses dérives technologiques potentiellement terrifiantes entre les mains de celle-ci douée de réflexion et d'autant affublée d'un ennemi mégalo délibéré à dominer le monde. 

Un tant soit peu on se croirait dans un nouvel opus de James Bond sauf qu'il s'agit bien d'une mission impossible magnifiquement agencée par des artistes (à nouveau !) au sommet de leur art. En tête de peloton Tom Cruise, nouveau monstre sacré du cinéma d'action de ces dernières années épaulé de ses sbires héroïques et de son créateur perfectionniste (euphémisme): Mr Christopher McQuarrie déjà responsable des Mission impossible : Rogue Nation et Mission impossible : Fallout. Ainsi, en conjuguant dans une parfaite synergie (notamment stylisée) suspense, action, humour, espionnage, aventures, pointe de romance et revirement dramatique, cette 1ère partie magnétise l'esprit autant pour la solidité de son intrigue multipliant les chassés croisés pour l'enjeu d'une clef (avec moult personnages décoiffants se disputant l'autorité) et son action survitaminée faisant à nouveau office d'anthologies par sa lisibilité irréprochable dégageant un souffle éminemment épique. Une action d'autant plus hyper efficace car au service narratif en se permettant notamment des touches d'humour (à l'instar de son clin d'oeil ironique à l'attouchement sexuel) non négligeable afin de mieux faire passer la pilule de l'outrance que l'on accepte ici sans once de réserve. Bref, après son modèle du genre Fallout on a à nouveau ici affaire à un généreux spectacle de haute voltige à la fois sincère, noble, révérencieux, ultra jouissif, émotionnel, sans jamais se laisser distraire par l'ombre d'une facilité triviale. Du VRAI cinéma donc faisant office de sacerdoce, du grand spectacle comme on n'ose plus en faire de nos jours, en attendant sans crainte possible sa prometteuse seconde partie risquant à nouveau de repousser les limites d'une action mécanique terriblement expressive, tangible, capiteuse, pulsatile. 

*Bruno

Le Miroir de la Sorcière / El espejo de la bruja

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Chano Urueta. 1962. Mexique. 1h16. Avec Isabela Corona, Armando Calvo, Dina de Marco, Rosita Arenas, Carlos Nieto. 

Sortie salles Mexique: 12 Juillet 1962

FILMOGRAPHIE PARTIELLE: Chano Urueta (né le 24 février 1904 à Cusihuaráchi - mort le 23 mars 1979 à Mexico) est un acteur, réalisateur, scénariste, et producteur de cinéma mexicain. 1939 : La noche de los mayas. 1942 : Le Comte de Monte-Cristo. 1944 : Le Corsaire noir. 1945 : La Route de Sacramento. 1955 : La Rivale. 1962 : Le Baron de la terreur. 1962 : Le Miroir de la sorcière. 1966 : Blue Demon contre le pouvoir satanique. 

A condition de l'aborder au second degré en prenant notamment compte qu'il s'agit d'un hommage plutôt que d'un produit d'exploitation opportuniste, Le Miroir de la Sorcière est une sympathique curiosité horrifique remakant les Yeux sans Visage dans un superbe noir et blanc gothique. Et si les acteurs sont souvent en surjeu et que l'intrigue prémâchée, semée d'ellipses, ne s'embarrasse ni de subtilité ni de cohérence, on reste charmé par cette production mexicaine dénuée de temps morts tant les rebondissements s'y cumulent d'un oeil aussi fureteur qu'amusé. Evidemment dispensable mais assez agréable à suivre, voir parfois même envoûtant à travers ses quelques décors domestiques d'un gothisme sépulcral. 

*Bruno

2èx

Terreur sur la Ville / The Town That Dreaded Sundown

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Charles B. Pierce. 1976. U.S.A. 1h30. Avec Ben Johnson, Andrew Prine, Dawn Wells, Bud Davis, Mike Hackworth, Christine Ellsworth 

Sortie salles France: ?. U.S: 24 Décembre 1976

FILMOGRAPHIE: Charles B. Pierce est né le 16 juin 1938 dans l'Indiana, États-Unis. Il était réalisateur et scénariste. Chasing the Wind (1998). Renfroe's Christmas (1997). Hawken's Breed (1988). Boggy Creek II: And the Legend Continues (1983). Sacred Ground (1983). The Evictors (1979). Thorvald le Viking (1978). Duel à cheyenne pass (1977). Terreur sur la ville (1976). The Winds of Autumn (1976). Le faucon blanc (1975). Bootleggers (1974). The Legend of Boggy Creek (1972). 

On ne peut qu’être stupéfait lorsqu’on redécouvre aujourd’hui cette pépite oubliée des seventies, retraçant avec un vérisme presque documentaire – symptomatique de l’époque où elle fut conçue – le parcours meurtrier du « Phantom Killer », tueur fantomatique ayant terrorisé une petite bourgade du Texas dans les années 40. Il sévissait la nuit (superbes éclairages, parfois oniriques, magnifiés d'une photo scope lourdement saturée) auprès de couples désarmés, surpris dans leur voiture ou traqués jusque dans leur propre domicile.

Inspiré d’une histoire vraie, comme le rappelle la voix du narrateur tout au long d’une intrigue érigée en enquête policière, Terreur sur la ville détonne par sa froideur malsaine et ses séquences chocs, toutes terrifiantes à leur manière. On pourrait même dire que l’horreur s’y installe crescendo, au fil d’une tension de plus en plus insoutenable, le tueur imposant une force tranquille, une assurance glaciale née de son impunité totale.

La douleur des victimes - impuissantes, mutuellement à l’agonie - se fait sentir dans chaque plan. On partage leur désarroi moral, leur suffocation, comme dans l’inoubliable séquence du trombone. Quant au « Phantom » lui-même, affublé d’un sac à patates pour masquer son identité, il hante l’écran d’une présence animale : Bud Davis, acteur méconnu, incarne avec naturel ce regard vide, injecté de vice, de déraison, de pur sadisme.

Au-delà de son ancrage historique fidèlement retranscrit, le film séduit par la sobriété d’un casting solide, soutenu par une partition classique dont la tonalité rétro installe un climat d’inquiétude sourde, presque spectrale, au cœur d’une Amérique champêtre. Ce psycho-killer méthodique, rigoureusement narré et structuré, préfigure déjà les exploits de Michael Myers dans Halloween et de Jason Voorhees dans Vendredi 13 (Steve Miner s’en inspira d’ailleurs pour le costume de son tueur). Le film instaure un sentiment d’insécurité croissant, nourri par un suspense sans concession, jusqu’à une conclusion terriblement pessimiste : le Phantom Killer ne fut jamais appréhendé.

Les policiers de Texarkana poursuivirent en vain leurs recherches jusqu’à la fin de leur vie, tandis que les survivants, eux, ne se remirent jamais du traumatisme.

À découvrir avec intérêt, de préférence dans sa version originale, dont le réalisme âpre - pour l’époque - confère à ce cauchemar texan de 1946 la texture singulière d’un reportage hanté.

— le cinéphile du cœur noir

Ci-joint la chronique de sa séquelle: STRANGE VOMIT DOLLS: THE TOWN THAT DREADED SUNDOWN (brunomatei.blogspot.com)

Les Anges Sauvages / The Wild Angels

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Roger Corman. 1966. U.S.A. 1h27. Avec Peter Fonda, Nancy Sinatra, Bruce Dern, Diane Ladd, Buck Taylor, Norman Alden. 

Sortie salles France: 1er Février 1967. U.S: 20 Juillet 1966

FILMOGRAPHIE: Roger Corman est un cinéaste américain, né le 5 avril 1926 à Détroit, Michigan. 1955: Day the World Ended. 1956: It's Conquered the World. 1957: Rock all Night. 1957: l'Attaque des Crabes Géants. 1957: Not of this Earth. 1957: Vicking Women. 1957: The Undead. 1958: War of the Satellites. 1958: She-Gods of Shark Reef. 1958: Swamp Women. 1958: Teenage Caveman. 1958: Mitraillette Kelly. 1959: Un Baquet de Sang. 1960: La Petite Boutique des Horreurs. 1960: La Chute de la Maison Usher. 1961: Ski Troop Attack. 1961: La Chambre des Tortures. 1961: Atlas. 1962: The Intruder. 1962: l'Enterré Vivant. 1962: l'Empire de la Terreur. 1962: La Tour de Londres. 1963: Le Corbeau. 1963: La Malédiction d'Arkham. 1963: l'Horrible cas du Dr X. 1963: l'Halluciné. 1964: Le Masque de la Mort Rouge. 1964: l'Invasion Secrète. 1965: Le Tombe de Ligeia. 1965: Not of this Earth. 1966: Les Anges Sauvages. 1967: l'Affaire Al Capone. 1967: The Trip. 1970: Bloody Mama. 1971: Gas-s-s-s. 1971: Le Baron Rouge. 1990: La Résurrection de Frankenstein.

"Nous voulons être libres ! Nous voulons être libres de faire ce que nous voulons faire ! Nous voulons être libres de rouler ! Et nous voulons être libres de rouler sur nos bécanes sans être harcelés par les flics. Et nous voulons être défoncés. Et nous voulons passer du bon temps ! Et c'est ce que nous allons faire. Nous allons passer du bon temps. Nous allons faire la fête ! »

Près de 60 ans après sa sortie, ce précurseur d'Easy Rider et de Mad-Max reste d'une incroyable audace provocatrice en s'immergeant 1h30 durant sur les exactions irresponsables de Wild Angels délibérés à vivre libre quelque soit les conséquences encourues à la suite du décès d'un des leurs lors d'une poursuite avec la police. Et même si on a vu pire depuis au sein du film de Bikers, sa violence triviale à la fois grotesque, débridée, immorale et dramatique continue encore aujourd'hui de choquer à travers la perte de valeurs essentielles au bon fonctionnement d'une société, aussi intolérante, cupide et raciste peut-elle être. Ainsi, en recrutant de véritables Hells Angels à l'écran, Roger Corman n'y va pas avec le dos de la cuillère pour retranscrire avec un réalisme plutôt documenté leurs us et coutumes dénués de déontologie. Tant auprès de leur indifférence pour la populace locale, pour la police, pour le clergé et le respect des défunts (incroyable séquence nécrophile si j'ose dire lors d'une beuverie catholique !!!) que pour leur propre camp au point de se trahir entre eux pour des mobiles vaniteux, gratuits, égotistes, machistes surtout. 

D'ailleurs, lors de sa sortie commerciale à la fois houleuse et notoire, les véritables Hells Angels ont daigné intenter un procès à Corman (en menaçant notamment de l'occire !) tant celui-ci les représenta à l'écran sans fard ni indulgence dans leur anti-manichéisme à cumuler les vilénies en roue libre (viols, apologie du fascisme à travers leur insigne SS, beuveries sexuelles, drogue et alcool sans modération, passages à tabac d'une infirmière et d'un curé, etc...). Ainsi donc, Les Anges Sauvage reste un témoignage historique d'une audace insensée eu égard de son impact visuel aussi délirant que pathétique. Si bien que s'il sortait de nos jours il s'attirerait sans conteste les ligues féministes, fondamentalistes, policières et consorts tant cette série B au cachet vintage ose l'inqualifiable sans vergogne (ou alors si peu si je fais référence au protagoniste "Blues"). Or on ne s'étonnera guère qu'il fut interdit à l'époque aux moins de 18 ans en France et Outre-Atlantique. Quand bien même les acteurs pros (la révélation Peter Fonda en président dépité en voie de remise en question, le personnage le moins décervelé avec sa compagne Monkey endossée par Nancy Sinatra, fille "timorée" de Frank Sinatra), amateurs et figurants se disputent la vedette avec assez de conviction pour croire en cette époque révolue de la contre-culture retranscrite ici d'après des "faits divers" que Corman nous relate sans filtre. 

No Futur.

Une oeuvre scabreuse surprenante donc n'ayant rien perdu de son aura putassière d'autant plus assumée, qui plus est sans lueur d'espoir pour le destin de ces loubards d'avant-garde, si bien que seul compte pour eux le temps présent en se brûlant les ailes. 

*Bruno
2èx

Le Jardin des Tortures / Torture Garden

                                           

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

de Freddie Francis. 1967. Angleterre. 1h40. Avec Jack Palance, Burgess Meredith, Beverly Adams. Peter Cushing, Lancelot Canning, Michael Bryant, Colin Williams, John Standing.

Sortie salles France: 27 Décembre 1967

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Freddie Francis est un réalisateur, directeur de photographie et scénariste britannique, né le 22 Décembre 1917 à Londres, décédé le 17 Mars 2007 à Isleworth (Royaume-Uni). 1962: La Révolte des triffides. 1963: Paranoiac. 1964: Meurtre par procuration. 1964: l'Empreinte de Frankenstein. 1965: Le Train des Epouvantes. 1965: Hysteria. 1965: The Skull. 1966: The Deadly Bees. 1966: Poupées de cendre. 1967: Le Jardin des Tortures. 1968: Dracula et les Femmes. 1970: Trog. 1972: Histoires d'Outre-Tombe. 1973: La Chair du Diable. 1973: Les Contes aux limites de la folie. 1974: Son of Dracula. 1975: La Légende du Loup-Garou. 1975: The Ghoul. 1985: Le Docteur et les Assassins. 1987: Dark Tower.

Produit par la Amicus en pleine vogue du film à sketchs, Le Jardin des tortures demeure un fort sympathique film à sketchs même si on fait mieux pour le genre durant cet âge d'or British. Un chat meurtrier aux pouvoirs hypnotiques, des comédiens notoires adeptes d'une chirurgie révolutionnaire, un piano sentimental doué de vie et enfin la résurrection de l'écrivain Edgar Allan Poe se disputent efficacement la vedette au sein d'un esthétisme gothique tantôt macabre (le 1er et le dernier sketch sont un régal pour les yeux), tantôt stylisé ou raffiné (le second et le surtout 3è détonnent par le changement de ton). D'ailleurs sur ce point formel, il faut avouer que Freddie Francis soigne scrupuleusement chaque scénographie afin de mieux nous immerger dans ses récits d'épouvante toujours contés avec efficacité (le segment "Enoch" en particulier) quand bien même le récit élaboré autour du personnage d'Edgar Allan Poe "The Man Who Collected Poe") s'avère à la fois débridé et captivant pour clore de manière aussi convaincante qu'enthousiasmante cette sarabande infernale illustrant comme de coutume des profils peu recommandables. Peter Cushing et Jack Palance se partageant la vedette avec inimitié dans leurs rapports de force davantage tendus à élucider le mystère entourant la disparition de l'écrivain. Des forces d'expression particulièrement intenses renforçant le côté ludique, captivant, fascinant de cette troublante histoire macabre contée avec soin comme toutes les autres histoires susnommées. Si bien que le 1er segment demeure à mes yeux le plus angoissant, envoûtant et terrifiant à nous dépeindre scrupuleusement la lente progression dans la folie d'un homme vénal ayant ouvert une boite de pandore qui pourrait lui coûter cher. On notera enfin en guise de cerise sur le gâteau une partition musicale classique symptomatique des productions Hammer que la firme Amicus tenter de concurrencer.

Mon ordre de préférence des sketchs: 

1 - 4 - 3 - 2

Bruno 

09.06.17. 300 v

02.10.23. 2èx  

Gran Turismo

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Neill Blomkamp. 2023. U.S.A. 2h14. Avec Archie Madekwe, David Harbour, Orlando Bloom, Darren Barnet, Djimon Hounsou, Geri Halliwell-Horner.

Sortie salles France: 9 Août 2023. U.S: 25 Août 2023

FILMOGRAPHIE: Neill Blomkamp est un réalisateur et scénariste sud-afro-canadien, né le 17 septembre 1979 à Johannesbourg dans la province de Gauteng en Afrique du Sud. 2009 : District 9. 2013 : Elysium. 2015 : Chappie. 2021 : Demonic. 2023 : Gran Turismo. 

Une belle surprise inscrite dans la modestie d'y renouer en toute  simplicité avec l'émotion des années 80. 

En dépit de critiques timorées qui me paraissent franchement inéquitables au vu du résultat à la fois humble et sincère qui en résulte sans effet de manche, Gran Turismo est un formidable actionner pulsatile que le public a facilement adopté eu égard de sa prude émotion symptomatique d'un spectacle grand public des années 80. Car relatant l'histoire vraie de Jann Mardenborough, pilote devenu professionnel après s'être entrainé grâce au jeu vidéo Gran Turismo, Neill Blomkamp compte sur l'efficacité de son récit tracé d'avance, sur l'action survitaminée des courses automobiles (filmées sous tous les angles) et enfin sur la bonhomie si attachante de ces acteurs expressifs (le trio gagnant David Harbour, Orlando Bloom et surtout le jeune Archie Madekwe crève l'écran auprès de leur solidarité amiteuse impartie au sens de la gagne) pour rendre le spectacle aussi stimulant qu'émotionnellement intense et émouvant. 

Et c'est bien là à mes yeux ce qui le distingue des blockbusters triviaux rouleurs de mécanique (Fast and Furious pour ne pas le citer) incapables d'insuffler une quelconque empathie faute de leur opportunisme bankable. Avec notamment un joli discours sur le courage de ne pas renoncer à la défaite suite à la dramaturgie d'un enjeu sportif de grande ampleur. On peut donc sans rougir prétendre qu'il s'agit là du meilleur film de son auteur depuis son 1er coup de maître District 9, de par son habileté, son savoir-faire à retranscrire le plus honnêtement possible sa success story (Rocky n'est pas loin) avec poignante humilité. L'acteur Archie Madekwe cultivant un charisme quasi ordinaire en pilote surdoué aussi fragile que résigné à remporter le trophée en dépit de ses doutes, ses craintes et son appréhension de se confronter à l'échec à la suite d'un rebondissement qui pourrait altérer sa destinée. 

The Champ ou Le Rêve Américain.

Série B de luxe totalement évacuée de prétention (j'insiste là dessus), Gran Turismo transpire l'amour des courses automobiles à travers une floppée de moments de bravoure aussi vertigineux (quel final fulgurant !) qu'émotionnellement attendrissants sans pour autant verser dans le sentiment programmé. Le récit efficacement captivant étant notamment irrigué d'une ambiance langoureuse planante sous l'impulsion d'une partition fragile sensiblement lyrique. 

*Bruno

La Foreuse sanglante / The Toolbox Murders

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Dennis Donnelly. 1978. U.S.A. 1h33. Avec Cameron Mitchell, Pamelyn Ferdin, Wesley Eure, Nicolas Beauvy, Tim Donnelly.

Sortie salles France: ? U.S: 3 Mars 1978 (Int - 18 ans)

FILMOGRAPHIE: Dennis Donnelly est né le 24 août 1942 en Californie, États-Unis. Il est réalisateur et assistant réalisateur. 1978: La Foreuse Sanglante. 

Classique horrifique des Seventies qu'on a un peu tendance à occulter aujourd'hui en dépit de la confection de son remake réalisé beaucoup plus tard par Tobe Hooper, La Foreuse Sanglante n'a rien perdu de son aura malsaine symptomatique de son époque vintage (= ancien et authentique) dans laquelle il fut conçu. La première demi-heure, sorte de précurseur de Maniac de Lustig, nous illustrant avec réalisme documenté les exactions sanglantes d'un tueur à la boite à outil dénué de pitié pour ses victimes féminines sexuellement libérées. Si bien qu'un peu comme dans Maniac, celui-ci se réjouit de passer à l'acte criminel à la suite d'un accident de voiture d'une brutalité injustifiée. A savoir se débarrasser des femmes véreuses au sein d'une société contagieuse infectée par le Mal, le vice, la luxure comme le souligna la voix-off rigoriste du préambule vouée au fanatisme religieux. Les meurtres demeurant sanglants, crus et donc assez percutants, choquants pour nous ébranler notre psychologue torturée. Notamment en y insufflant un étrange climat de fascination assez indécrottable qu'une musique primesautière (chansons country) renchérit par son ton décalé en totale contradiction. 

A cet égard, la séquence érotico-morbide de la baignoire efficacement réalisée reste à mes yeux anthologique par sa dramaturgie stylisée. Place ensuite à une brève enquête policière infructueuse pour céder place aux divers monologues du tueur en étroite relation avec son ultime victime kidnappée au sein d'une chambre intime. Ainsi, affichant un vérisme horrifique symptomatique des années 70, La Foreuse Sanglante exploite avec assez d'intelligence, d'audace et de maturité le psycho-killer hardcore (si j'ose dire) sous l'impulsion d'un Cameron Mitchell irréprochable en serial-killer en berne habité par la psychopathie. Quand bien même la dernière partie renforcera ce trouble climat d'insécurité malsaine parmi l'intervention d'autres personnages secondaires que nous n'attendions pas. Et si un ou deux acteurs superficiels pêchent un peu par leur absence d'aplomb ou de spontanéité; leur charisme ordinaire, leur posture paradoxalement naturelle et surtout l'impact des scènes cruelles qui y émanent achèvent de nous convaincre de son final saillant. Notamment en cédant place enfin à une magnifique séquence contemplative implantée dans le parking d'un centre commercial durant une nuit mutique dénuée de présence humaine à l'exception d'une chancelante. Quand bien même son entêtant thème élégiaque déjà entendu en cours de récit vient finalement baisser le rideau en nous précisant toutefois que toute l'histoire que nous venions de suivre était résolument véridique. 

Une Affaire de Famille. 

A revoir avec un vif intérêt donc, d'autant plus l'édition Blu-ray US "Blue Underground" disponible en Vostfr bénéficie d'une qualité technique toute à fait réjouissante (en y préservant évidemment son grain familier si typique des Seventies). A trôner soigneusement auprès de Maniac, Driller Killer, Deranged.

*Bruno

01.03.18.  

26.09.23. 3èx

Traquée / No One Will Save You

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Brian Duffield. 2023. U.S.A. 1h30. Avec Kaitlyn Dever, Elizabeth Kaluev, Zack Duhame, Lauren L. Murray, Geraldine Singer, Dane Rhodes. 

Sortie Internationale VOD: 22 Septembre 2023

FILMOGRAPHIE: Brian Duffield est un réalisateur, scénariste et producteur américain. 2020: Spontaneus. 2023: Traquée. 

Misant sur l'efficacité d'une situation de survie auprès d'une jeune fille esseulée (formidable Kaitlyn Dever révélée par la série choc Dopesick) en proie à une invasion extra-terrestre, Traquée est une bonne petite surprise pour qui raffole des suspense horrifiques. Il rappellera d'ailleurs sans doute aux initiés l'épisode culte Les Envahisseurs issu de la 4è Dimension. Avec en filigrane, une métaphore sur l'acceptation du deuil par le biais d'un amour fraternel que l'héroïne tente de se pardonner au fil de sa reconstruction morale faisant la part belle à l'héroïsme en désespoir de cause. Car outre le jeu infaillible de l'actrice susnommée; ce divertissement bien rodé est surtout l'opportunité de nous présenter des E.T plus vrais que nature (si j'ose dire) tant les FX numériques parviennent véritablement à susciter trouble et fascination à chacune de leurs nombreuses apparitions au design charismatique. 

Et si le récit somme toute simpliste ne révèle que peu de surprise en dehors de son final ésotérique d'une émotion gracile, le réalisateur exploite à merveille les dons des E.T, leur morphologie autonome, leurs stratégies offensives par le biais de détails auditifs et visuels extrêmement probants. Qui plus est, avoir l'audace de maintenir l'intérêt durant une longue confrontation interne et externe sans une ligne de dialogue relève autant de la gageure que d'une singularité que peu de cinéastes osent pratiquer au cinéma (si on excepte par exemple le récent Sans un bruit). Ajouter notamment une jolie photographie scope auprès de sa scénographie bucolique quelque peu magnétique et vous obtenez une série B intègre auquel le genre est un sacerdoce tant Brian Duffield vous un véritable amour pour ces Aliens belliqueux à l'imagerie stylisée. 

*Bruno