Cruising (La Chasse)

                                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site acesite.e-monsite.com

de William Friedkin. 1980. U.S.A. 1h42. Avec Al Pacino, Paul Sorvino, Karen Allen, Richard Cox, Don Scardino, Joe Spinell, Jay Acovone.

Sortie salles France: 24 Septembre 1980

FILMOGRAPHIE: William Friedkin est un réalisateur, scénariste et producteur de film américain, né le 29 août 1935 à Chicago (Illinois, États-Unis). Il débute sa carrière en 1967 avec une comédie musicale, Good Times. C'est en 1971 et 1973 qu'il connaîtra la consécration du public et de la critique avec French Connection et L'Exorciste, tous deux récompensés à la cérémonie des Oscars d'Hollywood. 1967: Good Times. 1968: l'Anniversaire. 1968: The Night they Raided Minsky's. 1970: Les Garçons de la bande. 1971: French Connection. 1973: l'Exorciste. 1977: Le Convoi de la peur. 1978: Têtes vides cherchent coffres pleins. 1980: The Cruising. 1983: Le Coup du Siècle. 1985: Police Fédérale Los Angeles. 1988: Le Sang du Châtiment. 1990: La Nurse. 1994: Blue Chips. 1995: Jade. 2000: l'Enfer du Devoir. 2003: Traqué. 2006: Bug. 2012: Killer Joe.

Ce film n'est pas un réquisitoire contre l'homosexualité. Il ne dépeint qu'une minorité, non représentative.

Film culte controversé, Cruising fut pointé du doigt par certaines ligues homosexuelles américaines pour l’image sordide qu’il infligerait à leur identité sexuelle. Pourtant, le film est avant tout une descente aux enfers, un voyage au bout de la nuit dans les marges SM du milieu gay new-yorkais. Depuis qu’un meurtre effroyable a été commis, un jeune flic est contraint d’infiltrer les clubs cuir pour traquer le tueur. Alors que deux nouveaux assassinats viennent d’être perpétrés, Steve Burns, à la dérive, oriente ses soupçons sur un jeune homosexuel et l’attire dans un piège. (Friedkin en profite au passage pour dénoncer les méthodes brutales de la police, prêtes à tout pour arracher des aveux.) Pendant ce temps, le véritable tueur continue d’observer, silencieux, en quête de sa prochaine proie.

Cruising est un film choc à plus d’un titre, dont l’aura de scandale a largement contribué à la légende. Mais c’est aussi une expérience sensorielle et émotionnelle atypique, tant nous sommes happés dans un univers suffocant, poisseux, aussi dérangeant qu’irrésistiblement fascinant. Rarement une caméra n’aura osé s’immiscer aussi frontalement dans le monde SM avec une telle précision documentaire. D’autant que la présence magnétique, ambivalente d’Al Pacino nous force à endosser malgré nous le rôle du voyeur. À travers ses errances nocturnes, nous pénétrons des lieux interlopes où se pratiquent des rituels sexuels défiant toute pudeur — rites qu’il devra parfois lui-même incarner.

Ainsi, par l’infiltration de ce flic indécis, William Friedkin orchestre l’introspection d’un hétérosexuel confronté à une communauté marginale, perçue comme déviante, et au risque de se perdre dans les méandres du Mal. Car à force de travestir son identité, de feindre un désir qui n’est pas le sien, Steve Burns se compromet, se fragmente, et s’engage dans un combat intérieur — traquant un tueur pour mieux échapper à ses propres démons. Pour reprendre une célèbre citation : « Celui qui combat des monstres doit prendre garde à ne pas devenir monstre lui-même. » Et lorsque le suspect est enfin interpellé, Friedkin pousse le malaise jusqu’à son paroxysme en instillant une ambiguïté glaciale sur la culpabilité réelle du héros.

D’un réalisme cru — aussi bien dans sa violence que dans sa représentation frontale du milieu SM — et d’une rigueur technique d’une rare maîtrise, Cruising réinvente le thriller noir sous une forme hypnotique, presque expérimentale. Un voyage au cœur des ténèbres que Pacino traverse avec une fragilité spectrale, comme aspiré par une fascination perverse. Et c’est justement cette opacité troublante qui nous interroge : jusqu’où le Mal s’infiltre-t-il en nous ?

Attention chef-d’œuvre.

Bruno 

3èx

                                       

The Children. Mention spéciale du Jury au Festival de Strasbourg, 2009

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de Tom Shankland. 2008. Angleterre. 1h25. Avec Eva Birthistle, Stephen Campbell Moore, Hannah Tointon, Eva Sayer, William Howes, Rachel Shelley.

Sortie salles France: 21 Octobre 2009. Angleterre: 5 Décembre 2008

FILMOGRAPHIE: Tom Shankland est un réalisateur et scénariste anglais.
2006: No night is too long (télé-film). 2007: Waz. 2009: The Children

Après Waz, un excellent thriller passé inaperçu, Tom Shankland change de registre pour bifurquer vers l'horreur en empruntant la thématique de l'enfant tueur. Dans la lignée du Village des Damnés et plus précisément des Révoltés de l'an 2000, The Children relate la journée de cauchemar de deux familles anglaises réunis dans un cadre bucolique pour fêter le jour de l'an mais sévèrement pris à parti avec leurs propres enfants depuis qu'un éventuel virus s'est infiltré en eux ! Néanmoins, nous ne connaîtrons jamais l'origine de ce mal mystérieux jusqu'à sa conclusion nihiliste. A moins d'avoir sombré dans la démence, nous ne serons jamais ce qu'il en adviendra, d'autant plus que seuls les enfants en furent les principales victimes de cette étrange épidémie. Série B terriblement oppressante à la tension exponentielle, The Children joue dans la cour des grands afin d'y consolider un film d'horreur premier degré. C'est à dire adulte, intègre, froid, tranché, totalement éludé de fioriture, si ce n'est un humour noir terriblement grinçant. Passé l'intro nous présentant la convivialité de jeunes parents préparant les festivités au sein de leur chalet, un climat inquiétant va rapidement s'installer quand la caméra ausculte les regards équivoques de chacun des bambins. 

Semblant épris d'un malaise aussi psychologique que viscéral, leur manière hostile d'observer leur famille provoque une gêne qui va doucement accroître au fil de leurs vicieuses stratégies. Car ce climat suspicieux particulièrement angoissant accroît son intensité lorsque le premier incident meurtrier nous sera dévoilé. Dès lors, le spectateur est pris à la gorge pour témoigner des exactions sanglantes d'assassins en culottes courtes éludés de moindre compassion pour leurs proches. Avec un réalisme cru et une brutalité peu commune, le réalisateur exacerbe des séquences chocs cinglantes nous provoquant un malaise palpable, d'autant plus que de simples enfants en sont ici les principaux tortionnaires ! Qui plus est, avec un esprit jusqu'au-boutiste, Tom Shankland poussera encore plus loin le bouchon de la tolérance en assassinant "brutalement" face écran trois des chérubins. Et si l'intrigue linéaire demeure sans surprise, le réalisateur se raccroche fort habilement à l'efficacité d'une succession d'évènements sanglants s'enchaînant sans répit pour y parfaire un survival brut de décoffrage. Déboussolés et pris de stupeur de par la gravité des incidents meurtriers, la plupart des adultes se refuse à admettre la culpabilité de leurs enfants et finissent donc par se rejeter la faute l'un sur l'autre avant de pointer du doigt la jeune adolescente Casey (l'unique témoin ayant compris le comportement assassin des enfants). Au décor réfrigérant d'une neige endeuillée, un sentiment de claustration s'y fait notamment ressentir quand les derniers survivants doivent s'isoler à l'intérieur de la maison pour tenter de s'y protéger. Des séquences tendues d'une intensité terrifiante parfois difficilement supportable psychologiquement parlant, notamment lorsque la violence intolérable des actes meurtriers s'y confondent entre adultes et enfants. 

D'un réalisme brutal dans sa violence radicale, The Children met les nerfs à l'épreuve pour nous horrifier en provoquant un vrai malaise face à la responsabilité infantile de nos anges exterminateurs ! Il en résulte inévitablement un film-choc d'une redoutable efficacité, une référence confinée aux archives du genre, à ne pas mettre toutefois entre toutes les mains du fait de sa rigueur émotionnelle franchement éprouvante. 

Bruno 
3èx. Vostfr

Récompense: Mention spéciale du Jury lors du Festival européen du film fantastique de Strasbourg, 2009.

HER

                                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site teaser-trailer.com

de Spike Jones. 2013. U.S.A. 2h00. Avec Joaquim Phoenix, Scarlett Johansson, Amy Adams, Rooney Mara, Olivia Wilde, Sam Jaeger, Luka Jones.

Sorties salles France: 19 Mars 2014. U.S: 18 Décembre 2013

FILMOGRAPHIE: Spike Jonze (né Adam Spiegel le 22octobre 1969 à Rockville, Maryland) est un réalisateur de vidéos clips et de cinéma ainsi qu'un producteur de télévision.
1999: Dans la peau de John Malkovich. 2003: Adaptation. 2009: Max et les maximonstres. 2013: Her.

Dans la veine de Simone et d'Electric Dreams, Her dépeint de manière expérimentale les comportements amoureux d'un écrivain avec une conscience informatique au sein d'une société futuriste. Au fil de leurs rapports intimes que Théodore entretient à l'aide d'une simple oreillette, Her renouvelle le concept amoureux par l'intonation d'une voix synthétique douée d'une grande intelligence et capable d'éprouver de réels sentiments. Leurs échanges de conversations finissent rapidement par déboucher sur une relation sentimentale intense que le spectateur ressent avec réelle compassion, et cela en dépit du caractère saugrenu d'un homme réduit à la matérialité de son ordinateur et sa solitude d'un récent divorce. Au fil de leurs entretiens qu'ils se livrent dans un jeu de confiance et de confidences mutuelles, nous nous surprenons à éprouver comme Théodore une véritable affection pour une voix artificielle dénuée de corps mais éprise d'émotions et de désir sexuel ! Ce qui donne lieu à des situations hors normes parfois déstabilisantes, pour ne pas dire dérangeantes (je pense au triolisme imposé par Samantha qui débouchera sur une sévère désillusion). Cette liaison atypique entièrement conçue sur le dialecte des personnages est notamment une occasion de dévoiler l'acuité des mots et leurs capacités à faire naître l'amour lorsqu'ils sont exprimés avec passion, intégrité et considération. Mais c'est également oublier les effets pervers de la passion dévorante, sa nature égoïste, son esprit possessif et sa jalousie rancunière, quand bien même l'infidélité en était la principale conséquence !

Drame romantique d'une sensibilité prude et désespérée auquel son climat austère reflète bien la déshumanisation de nos sociétés modernes, Spike Jones illustre un conte des plus anxiogènes sur l'individualité de l'être humain toujours plus capricieux car dépendant d'outils technologiques toujours plus performants. A travers la liaison artificielle que Théodore entretient avec une voix informatisée, le réalisateur décrypte donc l'étude comportementale de l'homme isolé dans sa propre prison, car ne sachant plus aimer dans une modeste simplicité et donc réduit à retrouver un semblant de liberté dans l'illusion du sommeil. Angoissant et déprimant, à l'instar de tous ces citadins radoteurs déambulant comme des automates au sein d'une urbanisation dénuée de communication, Her bouleverse les sens du spectateur car il ne cesse de nous alarmer sur la dégénérescence morale de notre civilisation noyée dans une course au progrès.

"L'amour commence par l'éblouissement d'une âme qui n'attendait rien et se clôt sur la déception d'un moi qui exige tout."
Au rythme fragile d'une partition mélancolique, il en émane un constat alarmiste et déprimant sur le poids de la solitude et de l'incommunicabilité, non dépourvu de lueur d'espoir dans sa conclusion en demi-teinte, mais auquel sa dimension poétique ébranle le spectateur pour sa remise en question sur la notion de l'amour et notre dépendance à la matérialité.

Bruno Matéï

Récompenses:
Festival international du film de Rome 2013 : prix de la meilleure actrice pour Scarlett Johansson (sélection officielle)
Alliance of Women Film Journalists Awards 2013 : meilleure représentation de la nudité, de la sexualité ou de la séduction pour Scarlett Johansson et Joaquin Phoenix
American Film Institute Awards 2013 : top 10 des meilleurs films de l'année
Austin Film Critics Association Awards 2013 : meilleur film, meilleur scénario original pour Spike Jonze, Special Honorary Award pour Scarlett Johansson
Chicago Film Critics Association Awards 2013 : meilleur scénario original pour Spike Jonze, meilleure musique de film pour Arcade Fire
Detroit Film Critics Society Awards 2013 : meilleur film, meilleur scénario, meilleure actrice dans un second rôle pour Scarlett Johansson
Florida Film Critics Circle Awards 2013 : meilleur scénario original pour Spike Jonze
Indiana Film Journalists Association Awards 2013 : meilleur scénario original pour Spike Jonze, Original Vision Award
Kansas City Film Critics Circle Awards 2013 : meilleur scénario original pour Spike Jonze, meilleur film de science-fiction, d'horreur ou fantastique
Las Vegas Film Critics Society Awards 2013 : meilleur scénario pour Spike Jonze
Los Angeles Film Critics Association Awards 2013 : meilleur film (ex-æquo avec Gravity), meilleure direction artistique pour K. K. Barrett
Online Film Critics Society Awards 2013 : meilleur scénario original pour Spike Jonze
National Board of Review Awards 2013 : meilleur film, meilleur réalisateur pour Spike Jonze
New York Film Critics Online Awards 2013 : meilleur scénario pour Spike Jonze
San Diego Film Critics Society Awards 2013 : meilleur film, meilleur scénario original, meilleure musique de film pour Arcade Fire
St. Louis Film Critics Association Awards 2013 : meilleur scénario original pour Spike Jonze et meilleure musique de film pour Arcade Fire
Toronto Film Critics Association Awards 2013 : meilleur scénario original pour Spike Jonze
Washington D.C. Area Film Critics Association Awards 2013 : meilleur scénario original pour Spike Jonze
Central Ohio Film Critics Association Awards 2014 : meilleur scénario original pour Spike Jonze et meilleure musique de film pour Arcade Fire
Critics' Choice Movie Awards 2014 : meilleur scénario original pour Spike Jonze
Golden Globes 2014 : meilleur scénario pour Spike Jonze
Writers Guild of America Awards 2014 : meilleur scénario original pour Spike Jonze
Oscars du cinéma 2014 :
Meilleur scénario original pour Spike Jonze

Indiana Jones et le Royaume du crane de Cristal / Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull

                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de Steven Spielberg. 2008. U.S.A. 2h03. Avec Harrison Ford, Shia LaBeouf, Cate Blanchett, Karen Allen, Ray Winstone, John Hurt, Jim Broadbent.

Sortie salles France: 21 Mai 2008. U.S: 22 Mai 2008

FILMOGRAPHIE: Steven Allan Spielberg, Chevalier de l'Ordre national de la Légion d'honneur est un réalisateur, producteur, scénariste, producteur exécutif, producteur délégué et créateur américain, né le 18 décembre 1946 à Cincinnati (Ohio, États-Unis).1971: Duel , 1972: La Chose (télé-film). 1974: Sugarland Express, 1975: Les Dents de la mer, 1977: Rencontres du troisième type, 1979: 1941, 1981: les Aventuriers de l'Arche Perdue, 1982: E.T. l'extra-terrestre , 1983: La Quatrième Dimension (2è épisode), 1984: Indiana Jones et le Temple maudit, 1985: La Couleur pourpre, 1987: Empire du soleil, 1989: Indiana Jones et la Dernière Croisade, Always, 1991: Hook, 1993: Jurassic Park, La Liste de Schindler, 1997: Le Monde Perdu, Amistad, 1998: Il faut sauver le soldat Ryan Saving Private Ryan, 2001: A.I., 2002: Minority Report, Arrête-moi si tu peux, 2004: Le Terminal , 2005: La Guerre des Mondes, 2006: Munich, 2008: Indiana Jones et le Royaume du crâne de cristal, 2011: Les Aventures de Tintin, cheval de guerre. 2012: Lincoln.

"Les derniers éclats du fouet."

Dix-neuf ans après sa dernière croisade, Indiana Jones remet le couvert et se lance dans une nouvelle chasse au trésor, direction le Pérou. Cette fois, il s’agit de retrouver la trace du crâne de cristal, objet légendaire jadis lié à la cité d’Akator, aujourd’hui disparu. Parti à sa recherche, son ami Oxley a été enlevé par l’armée russe du colonel Irina Spalko. Épaulé par son propre fils, Indy devra s’allier à un agent double - bientôt rejoint par son ancienne compagne Marion - pour récupérer le trésor et en déjouer le détournement.

Inspiré d’une idée imposée par George Lucas, qui souhaitait renouer avec l’esprit B movie de la science-fiction des années 50, Steven Spielberg rallume la flamme de l’aventure épique en situant l’action à l’époque de la guerre froide. Fort de son savoir-faire technique et du charme retrouvé de ses interprètes (en dépit de Karen Allen, peu à l'aise), Indiana Jones et le Royaume du Crâne de Cristal s’impose comme un divertissement aussi haletant que réjouissant - même si la magie et l’intensité d’antan s’y font plus timides, faute de certains FX en CGI étonnamment ratés pour une prod Spielberg. Tous les ingrédients familiers (action, aventure, romance, humour) sont heureusement au rendez-vous, suivant le même canevas narratif que ses illustres prédécesseurs.

Si certains ont moqué le final ésotérique, je trouve au contraire que l’idée, audacieuse, reste fidèle à la veine paranormale de la saga et s’inscrit parfaitement dans la mythologie des crânes de cristal - cette frontière fascinante entre croyance scientifique et foi en l’inexplicable.

La nouvelle recrue Shia LaBeouf s’en sort brillamment : rebelle, nerveux, il incarne avec aplomb un jeune héros fougueux et insolent. En revanche, la présence de Karen Allen déçoit. Sa première apparition suscite la douce nostalgie des débuts, pour sûr, mais son jeu, manquant d’éloquence et de tonus, peine bizarrement à s’harmoniser avec l’énergie du groupe. Celle qui incarnait jadis une femme vive, téméraire et pleine de compassion pour Indy, n’est plus ici que l’ombre d’elle-même, malgré la bienveillance de son sourire comme le souligne son final émotif. 

Quant à Harrison Ford, malgré le poids des années, il parvient encore à retrouver, presque intacte, la vigueur bondissante de ses débuts : héros opiniâtre, indomptable face au danger. Enfin, Cate Blanchett, dans le rôle de la méchante, compose avec charisme une matriarche russe figée dans son autorité glaciale.

"Le crépuscule d'Indiana Jones."

Si ce quatrième volet ne possède pas la patine de ses modèles et du dernier opus - le numérique trahissant parfois la texture des décors naturels et la majesté du temple maya -, Indiana Jones et le Royaume du Crâne de Cristal demeure néanmoins trépidant, grandiose et bougrement spectaculaire. De l’ouverture nerveuse dans l’entrepôt de la zone 51 à la course-poursuite hallucinante en pleine jungle, Spielberg prouve encore qu’il sait orchestrer l’aventure avec une énergie communicative. Un retour imparfait, certes, mais généreux, charmant, ludique, bonnard, qui garde vivante la légende.

— le cinéphile du cœur noir

3èx. 19.10.25. 4K. VF

La critique des Aventuriers de l'arche perdue (les): http://brunomatei.blogspot.fr/2014/02/les-aventuriers-de-larche-perdue.html
Indiana Jones et le temple maudit: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/02/indiana-jones-et-le-temple-maudit.html

Indiana Jones et la Dernière croisade: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/03/indiana-jones-et-la-derniere-croisade.html

Le Massacre des Morts-Vivants

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant à Dead-movie

de Jorge Grau. 1974. Espagne/Italie. 1h35. Avec Cristina Galbo, Ray Lovelock, Arthur Kennedy, Aldo Massasso, Giorgio Trestini, Roberto Posse, José Lifante, Jeannine Mestre.

Sortie salles : 28 Novembre 1974

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Jorge Grau est un réalisateur et scénariste espagnol, né le 27 Octobre 1930 à Barcelone. 1973: Ceremonia sangrienta. 1974: Le Massacre des Morts-Vivants. 1959: Costa Brava. 1960: Sobre Madrid. 1960: Medio siglo en un pincel. 1961: Laredo, Costa Esmeralda. 1961: Barcelona vieja amiga. 1976: La Siesta. 1982: La Leyenda del tambor. 1983: Coto de Caza. 1987: El extranger-oh ! de la calle Cruz del Sur. 1990: La punyalada. 1994: Tiempos mejores.

 

"Apocalypse en vallée morte : l’ombre putride du Massacre des Morts-Vivants".

À travers le thème du zombie transalpin, alors que Lucio Fulci signait ses lettres de noblesse avec quatre fleurons inoxydables - L’Enfer des Zombies, Frayeurs, L’Au-delà, La Maison près du Cimetière - un cinéaste espagnol s’essaya dès 1974 à dépoussiérer le genre avec une outrancière appétence pour la tripaille. Retitré en France Le Massacre des Morts-Vivants, ce produit italo-hispanique à faible budget bouscule le paysage horrifique, même si La Nuit des Morts-vivants venait d’imprimer une marque indélébile dans la mémoire des spectateurs.

Le pitch : alors que des agriculteurs bombardent leurs champs d’un procédé chimique irradiant, les nouveau-nés d’un hôpital se muent en créatures agressives. Pire encore, des cadavres d’une nécropole ressuscitent, harcelant les vivants. Un couple de touristes paiera le prix fort, tentant de se protéger malgré la police locale, persuadée de leur culpabilité dans une série de meurtres.

 
Avec ses dialogues sommaires et la prestance timorée d’acteurs cabotins, Le Massacre des Morts-Vivants semble d’abord maladroit, presque invraisemblable. Pourtant, sa réflexion écologique sur les méfaits des insecticides apporte un vernis d’intelligence à l’ensemble. Malgré quelques scènes risibles et la présence outrancière d’un flic borné - sans doute l’un des policiers les plus crétins du cinéma ! - ce film d’horreur typiquement transalpin dégage une ambiance putride, glaciale et envoûtante.

Jorge Grau renouvelle avec force la peur, dans une forme viscérale, profondément inconfortable. Les décors bucoliques des vallées anglaises se prêtent parfaitement à cette atmosphère feutrée, étrange, où la vie animale semble bannie. Si la caractérisation des zombies se révèle minimaliste - une simple teinte blafarde vite étalée sur leurs visages - ils déclenchent à chaque apparition une hostilité palpable. Le premier zombie surgissant des eaux d’une rivière, face à une touriste horrifiée ; ou le couple piégé dans une cave aux côtés de trois macchabées : des séquences haletantes, tendues, sublimées par un cadrage et un montage adroits.

Quant à l’attaque finale, confinée dans un hôpital, on songe à ce que Fulci aurait pu en tirer, s’en inspirant pour parfaire la dernière partie de L’Au-delà - sanglante et furieuse - assénée au couple de survivants. Les râles titubants des morts-vivants rappellent ceux du maître, amplifiés par une bande-son ombrageuse qui distille la peur. Cette montée d’angoisse, menée par un cinéaste avisé, s’articule autour d’un florilège d’épreuves macabres que le couple devra déjouer. Les événements s’enchaînent comme un cauchemar irrationnel où la réalité s’efface, tandis que la police, impuissante, court toujours après un temps perdu

Malgré ses couacs vite pardonnés, Le Massacre des Morts-Vivants captive, plongeant le spectateur dans un cauchemar sépulcral, où l’ombre d’une apocalypse se profile. L’angoisse et l’effroi s’y font palpables, portés par la présence mortifère de cadavres croulants - prémices des débordements sanglants chers à Fulci. Véritable perle putride du genre, ce film n’a rien à envier à ses homologues italiens. À redécouvrir d’urgence pour tous les amateurs d’ambiance moisie, de gore faisandé et d’aura anxiogène intensément palpable.

* Bruno

07.03.14
04.11.22. 6èx

Prophecy: le monstre / Prophecy.

                                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de John Frankenheimer. 1979. U.S.A. 1h42. Avec Robert Foxworth, Talia Shire, Armand Assante, Richard Dysart, Victoria Racimo, George Clutesi, Burke Byrnes.

Sortie salles: 15 Juin 1979

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: John Frankenheimer est un réalisateur américain, né le 19 Février 1930 à New-York (Etats-Unis), décédé le 6 Juillet 2002 à Los Angeles (Californie). 1957: Mon père cet étranger. 1962: Le Prisonnier d'Alcatraz. 1962: Un Crime dans la tête. 1964: Le Train. 1966: Grand Prix. 1966: L'Opération Diabolique. 1968: L'Homme de Kiev. 1970: Les Cavaliers. 1975: French Connection 2. 1977: Black Sunday. 1979: Prophecy, le monstre. 1982: A Armes égales. 1986: Paiement Cash. 1992: Year of the gun. 1996: L'Ile du Dr Moreau. 1998: Ronin. 2000: Piège fatal. 2002: Sur le chemin de la guerre.

Série B aujourd'hui sombrée dans l'oubli mais bien connue des vidéophiles des années 80, Prophecy, le monstre est la première incursion dans l'horreur de John Frankenheimer, aussi surprenante soit-elle.  Ainsi, sous couvert de divertissement frissonnant où plane l'ombre d'un monstre de légende (le Kathadin !), celui-ci aborde intelligemment le thème écolo de la pollution lorsqu'une usine de papiers déverse illégalement du mercure dans un lac. Par cette occasion alarmiste, il en profite notamment pour y dénoncer le racisme infligé à une nation indienne incriminée par des ricains méprisants à leur égard. Le pitch: Un peuple amérindien vivant reclus dans la forêt subit les frais d'une contamination si bien que des malformations de nouveaux-nés, la taille anormale des poissons de rivière et l'état d'ébriété inexplicable de certains d'entre eux les contraignent à alerter le gouvernement américain. Or, ils doivent faire face à l'hostilité d'un agent de protection délibéré à les mettre sous les verrous depuis la macabre découverte de corps déchiquetés. Mais grâce au soutien d'un médecin philanthrope et de son épouse dépêchés sur place, les indiens vont pouvoir coopérer pour tenter de dévoiler au grand jour le scandale.

Avec sa mise en scène solide proprement indiscutable et le jeu dépouillé des interprètes (le couple  Robert Foxworth / Talia Shire apporte une réelle intensité sentencieuse à travers leur investigation scrupuleuse et leur mésentente conjugale compromis à la maternité), John Frankenheimer confectionne une série B de luxe adroitement troussée car privilégiant de prime abord l'épaisseur psychologique de ses personnages. Qui plus est, avec la qualité des effets spéciaux conçus par Tom Burman, Prophecy, le Monstre réussit à crédibiliser un animal colossal particulièrement rugissant et agressif (sorte d'ours mutant) lorsqu'il s'acharne sur ses victimes. Et à ce niveau, ses méfaits meurtriers font parfois l'objet d'instants de terreur aussi cinglants qu'inopinés ! En ce qui concerne la physionomie de la créature, et en dépit du latex imposé, elle s'avère aussi impressionnante que pathétique, car victime de la responsabilité de l'homme d'avoir avili sans vergogne son environnement naturel. D'ailleurs, bien avant les attaques récursives du monstre lors du final épique, le réalisateur aura pris soin de nous susciter l'empathie avec la découverte d'un bébé mutant moribond. Son aspect terriblement difforme, ses gémissements et ses braillements plaintifs s'avérant éprouvants pour le spectateur. Et si la dernière partie finit par surprise à céder à l'esbroufe horrifique dans son mode "survival", elle n'en demeure pas moins haletante, intense, terrifiante par son lot d'incessantes attaques surprises et de scènes-chocs sanglantes brillamment maîtrisées.  

En accordant autant d'intérêt à l'aspect ludique du film de monstre impeccablement mené et à la réflexion écolo sur les conséquences désastreuses de la pollution infectant l'homme et l'animal (la nutrition par empoisonnement du poisson), John Frankenheimer confectionne une série B horrifique constamment captivante. Qui plus est, la conviction des comédiens (jusqu'aux seconds rôles fort attachants), l'esthétisme accordé à la beauté de ces paysages forestiers et l'ampleur de son score épique l'acheminent au classique du genre que la génération 80 pourra à nouveau redécouvrir avec un enthousiasme d'autant plus nostalgique. A réhabiliter d'urgence. 

*Bruno

22.04.22. Vostfr. 5èx

BIENVENUE CHEZ LES CH'TIS

                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de Danny Boon. 2008. France. 1h46. Avec Kad Merad, Dany Boon, Zoé Felix, Anne Marivin, Line Renaud, Stéphane Freiss, Philippe Duquesne, Patrick Bosso, Michel Galabru

Sortie salles France: 20 Février 2008 dans le Nord-Pas-de-Calais. 27 Février en sortie nationale

FILMOGRAPHIE: Danny Boon (Daniel Hamidou) est un humoriste, acteur et réalisateur français, né le 26 Juin 1966 à Armentières (Nord). 2006: La Maison du Bonheur. 2008: Bienvenue chez les Ch'tis. 2011: Rien à Déclarer. 2014: Supercondriaque. 2017 : Raid dingue. 2018 : La Ch'tite famille

Phénomène de société ayant engrangé plus de 20 489 303 entrées à travers la France, Bienvenue chez les ch'tis a même réussi à détrôner la place de La Grande Vadrouille pour devenir le plus grand succès français de tous les temps derrière Titanic (20 758 887 entrées). Ce triomphe fracassant est en parti redevable à l'intégrité de son réalisateur, scénariste et acteur Dany Boon puisque l'homme, natif du Nord, nous déclare ici sa vraie déclaration d'amour à une région mal perçue des étrangers. Pour rappel historique, le terme ch'ti (du picard "Ché ti ? / C'est toi ?) était un surnom attribué à la base chez les poilus de la première guerre mondiale originaires du Nord ou du Pas-de-Calais. Avec une tendresse immodérée pour ces "Ch'tis" indéfectibles, le réalisateur souhaite mettre un terme aux préjugés pour nous dévoiler au grand jour leur esprit chaleureux et leur générosité quand un étranger vient de débarquer chez eux à l'improviste. Avec le tandem impayable formé par Kad Merad et Dany Boon, Bienvenue chez les 'chtis renoue avec l'esprit bon enfant de la comédie franchouillarde lointainement héritée des facéties de De Funes et de Bourvil, voir aussi des Charlots et de Pierre Richard.

 Car on retrouve ici cette même bonhomie, cette humilité tendre où les acteurs entièrement impliqués s'en donnent à coeur joie pour provoquer rire et larmes ! En alternant la cocasserie, la tendresse (la relation maternelle avec la mère d'Antoine, son rapport amical avec Philippe !) et la romance (les déconvenues amoureuses vécues par nos facteurs avec leur compagne), on sent bien que le réalisateur souhaite ici renouer avec le spectacle typiquement populaire (et donc dénué de prétention !) dans un jeu de mots dialectiques imparti au patois. Ce langage particulier souvent dénigré car considéré comme trivial donne lieu ici à une accumulation de réparties irrésistibles quand un sudiste de la France essaie d'en déchiffrer le sens ! Ce qui donne lieu à un florilège de gags verbaux proprement hilarants (l'apprentissage du patois au restaurant devant le cuisto parisien !) et de situations débridées (l'accueil glacial établi par les ch'tis à la femme de Philippe au fin fond d'une cité minière), à l'instar d'une beuverie à bicyclette anthologique improvisée par nos deux lurons ! Avec une admiration sans borne pour le Nord de la France, Danny Boon filme avant tout avec son coeur pour rendre autant hommage à la simplicité de sa région et des citadins qui y résident, là où les baraques à frites, les corons, le maroilles, la bière et les tintements de carillon font partie intégrante du paysage nordiste !

Dérivatif anti-dépresseur, Bienvenue chez les ch'tis est un petit miracle de bonne humeur, d'éclat de rire, de fantaisie et de tendresse où l'émotion est entièrement dédiée au caractère chaleureux des gens de ch'nord ! Ce phénomène de société peut rejoindre sans rougir la liste prisée des classiques de la comédie populaire et redorer ainsi l'image d'une région minière trop souvent discréditée de son climat blafard. Car n'oubliez pas que "Quand un étranger vient vivre dans ch'nord, il brait deux fois: quand il arrive et quand il repart..."

Bruno Matéï (natif du Nord, dans l'âme et le coeur)
2èx

PHANTOM OF THE PARADISE. Grand Prix à Avoriaz, 1975

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site badazzmofo.com

de Brian De Palma. 1974. U.S.A. 1h32. Avec Paul Williams, William Finley, Jessica Harper, George Memmoli, Gerrit Graham.

Grand Prix au Festival International d'Avoriaz en 1975

Sortie salles France: 25 Février 1975. U.S: 31 Octobre 1974

FILMOGRAPHIE: Brian De Palma, de son vrai nom Brian Russel DePalma, est un cinéaste américain d'origine italienne, né le 11 septembre 1940 à Newark, New-Jersey, Etats-Unis.
1968: Murder à la mod. Greetings. The Wedding Party. 1970: Dionysus in'69. Hi, Mom ! 1972: Attention au lapin. 1973: Soeurs de sang. 1974: Phantom of the paradise. 1976: Obsession. Carrie. 1978: Furie. 1980: Home Movies. Pulsions. 1981: Blow Out. 1983: Scarface. 1984: Body Double. 1986: Mafia Salad. 1987: Les Incorruptibles. 1989: Outrages. 1990: Le Bûcher des vanités. 1992: l'Esprit de Cain. 1993: l'Impasse. 1996: Mission Impossible. 1998: Snake Eyes. 2000: Mission to Mars. 2002: Femme Fatale. 2006: Le Dahlia Noir. 2007: Redacted.

Auréolé du prestigieux Grand Prix à Avoriaz quelques mois après sa sortie, Phantom of the Paradise a remporté tous les suffrages pour édifier le chef-d'oeuvre de De Palma au rang d'authentique film-culte ! Brassant tous les genres cinématographiques avec une harmonie miraculeuse, cette satire musicale sur le milieu du Showbizz s'avère un moment d'émotion d'une intensité vertigineuse. Tour à tour romantique, fantastique, horrifique, délirant et tragique, Phantom of the Paradise ne possède aucun code de conduite pour parfaire l'entertainment, à l'instar des styles musicaux hétéroclites qui émaillent l'intrigue et qui vont provoquer chez le spectateur un sentiment d'euphorie proche de l'hallucination. Avec un désir de bousculer nos habitudes conventionnelles, Brian De Palma réactualise le mythe de Faust et du Fantôme de l'opéra dans une forme contemporaine où l'extravagance est reine ! 

Soutiré de son texte musical, un jeune compositeur de talent décide de se venger auprès de son producteur en semant la terreur à l'intérieur de son palais, le Paradise, un show musical où la mort fait partie intégrante de la scène ! A partir de ce postulat mainte fois adapté au cinéma, le réalisateur en extrait une frénésie visuelle où le délire satirique est une manoeuvre afin de dénoncer l'opportunisme dans le métier du spectacle. Un univers de paillettes entièrement bâti sur le profit, l'esprit de compétition et l'apparence car exploitant sans vergogne le talent d'artistes charismatiques en quête de reconnaissance. Les effets indésirables de la drogue sont notamment mis en exergue pour épauler le soutien moral de ces interprètes populaires réduits aux caprices d'une nouvelle vie dissipée. Bourré de clins d'oeil ironiques aux classiques du genre (le cabinet du Dr Caligari, Frankenstein, le Portrait de Dorian Gray, Psychose), Brian De Palma en profite pour y déclarer sa flamme avec le soutien de Winslow, fantôme déchu de ses écrits musicaux mais rendu fou amoureux de la douce voix de Phoenix ! Incarné par Jessica Harper, l'actrice nous dévoile ici ses talents de cantate avec une grâce épurée que le public aphone du Paradise écoute dans une vigilance troublée ! Quand bien même l'extravagant Beef venait de rendre l'âme sur l'autel de la scène rock dans une représentation gay de Frankenstein ! Quand à la noce du mariage inaugurée au sein du Paradise, De Palma l'organise à la manière d'une messe mortuaire que Winslow tentera de déjouer pour sauvegarder sa bien-aimée ! Cette conclusion tragique converge au paroxysme de la folie, à l'instar de la fougue erratique du public de la salle qui ira jusqu'à célébrer la mort dans une inconscience collective ! Ce moment de délire incontrôlé, nous le subissons de plein fouet par la force des images d'hystérie commune mais aussi par la compassion amoureuse qui unissent fatalement le couple maudit.  

Souhaitant cristalliser un spectacle musical hors norme et décadent, Brian De Palma a transcendé avec Phantom of the Paradise un univers fantastique inoxydable (Faust lui même semble l'avoir diabolisé !) où la notion de cinéma ne possède plus de repère. A la manière d'un trip binaire, cet opéra rock versicolore incarne de manière effrontée une certaine idée du paradis, avant que l'amour et la mort nous rappelle à la raison d'une tragédie humaine ! 

Bruno Matéï

5èx

Indiana Jones et la Dernière Croisade (Indiana Jones and the Last Crusade)

                                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

de Steven Spielberg. 1989. U.S.A. 2h07. Avec Harrison Ford, Sean Connery, Denholm Elliott, Alison Doody, Michael Byrne, John Rhys-Davies.

Sortie salles France: 18 Octobre 1989. U.S: 24 Mai 1989

FILMOGRAPHIE: Steven Allan Spielberg, Chevalier de l'Ordre national de la Légion d'honneur est un réalisateur, producteur, scénariste, producteur exécutif, producteur délégué et créateur américain, né le 18 décembre 1946 à Cincinnati (Ohio, États-Unis).1971: Duel , 1972: La Chose (télé-film). 1974: Sugarland Express, 1975: Les Dents de la mer, 1977: Rencontres du troisième type, 1979: 1941, 1981: les Aventuriers de l'Arche Perdue, 1982: E.T. l'extra-terrestre , 1983: La Quatrième Dimension (2è épisode), 1984: Indiana Jones et le Temple maudit, 1985: La Couleur pourpre, 1987: Empire du soleil, 1989: Indiana Jones et la Dernière Croisade, Always, 1991: Hook, 1993: Jurassic Park, La Liste de Schindler, 1997: Le Monde Perdu, Amistad, 1998: Il faut sauver le soldat Ryan Saving Private Ryan, 2001: A.I., 2002: Minority Report, Arrête-moi si tu peux, 2004: Le Terminal , 2005: La Guerre des Mondes, 2006: Munich, 2008: Indiana Jones et le Royaume du crâne de cristal, 2011: Les Aventures de Tintin, cheval de guerre. 2012: Lincoln.

5 ans après le tour de montagne russe d'Indiana Jones et le Temple Maudit, Steven Spielberg renoue avec l'épopée épique de son modèle dans une nouvelle aventure où l'humour occupe une place de choix. Le pitch: Après avoir libéré son père des nazis au sein d'un château, Indiana Jones doit collaborer avec lui afin de retrouver un nouveau trésor, le fameux Graal ! Mais Donovan et sa troupe sont également de la partie pour s'approprier l'objet si convoité, une coupe mythique ayant la capacité d'offrir la jeunesse éternelle. Avec l'aimable participation de Sean Connery, ce 3è opus tire parti de son originalité grâce à son imposante présence si bien que ce dernier y endosse le rôle du père d'Indiana Jones, un briscard bourru assez piètre aventurier lorsqu'il s'agit de prêter main forte à son fils ! Leur rapport conflictuel aux réparties irrésistibles donnant lieu à de savoureux gags lorsqu'ils doivent s'allier pour se dépêtrer des situations les plus alarmistes. Si Karen Allen est encore exemptée de l'aventure, on peut compter sur le charme insidieux d'une jeune autrichienne (la jeune inconnue Alison Doody magnétise l'écran de par son regard azur perçant !) afin d'attendrir le professeur Jones ! 

Démarrant comme de coutume sur les chapeaux de roue, Steven Spielberg utilise un flash-back judicieux pour nous remémorer un épisode de la jeunesse d'Indiana Jones. Un prologue d'anthologie levant un voile sur son instinct d'aventurier casse-cou, sur l'origine de son surnom mais aussi sur son influence vestimentaire (le choix symbolique alloué au chapeau et à l'ustensile du fouet), quand bien même sa frayeur des serpents nous sera dévoilé lors d'un concours de circonstances intempestives ! Reprenant la même topographie narrative que le premier épisode, Indiana Jones et la dernière croisade renoue avec l'esprit d'équipe conçu sur un duo impétueux (l'héroïsme imparti au père et au fils Jones !) et les divers traquenards imposés par les camps adverses afin d'empêcher nos aventuriers de s'approprier le trésor. Avec une efficacité toute aussi optimale, Spielberg élabore donc une nouvelle course contre la montre où les péripéties ne cessent de rebondir avec un sens de dérision plein d'éloquence. Ce dosage d'action spectaculaire et de loufoquerie irrésistible auquel la complicité amicale de nos héros renforcent la sympathie étant mené de main de maître où le sens du montage laisse une fois encore pantois ! (notamment celui de suivre de manière simultanée deux, voire trois bravoures distinctes !)

Conduit à un train d'enfer à travers son alliage de péripéties homériques et de réparties cocasses, et rehaussé d'un scénario plus étoffé que le second opus, Indiana Jones et la dernière croisade boucle sa première trilogie avec un sens de la perfection aussi persuasif que le premier volet. Renouer avec le "chef-d'oeuvre" lorsque l'on façonne une troisième partie relève du miracle si bien qu'on ne peut qu'applaudir la perspicacité de Spielberg d'être parvenu à émuler son modèle sans une once de surenchère ostentatoire. 

La critique des Aventuriers de l'arche perdue (les): http://brunomatei.blogspot.fr/2014/02/les-aventuriers-de-larche-perdue.html
Indiana Jones et le temple maudit: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/02/indiana-jones-et-le-temple-maudit.html
Indiana Jones et le royaume du crane de cristal: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/03/indiana-jones-et-le-royaume-du-crane-de.html

Bruno Matéï
3èx

Martin

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site silverferox.blogspot.com

de George A. Romero. 1977. U.S.A. 1h35. Avec John Amplas, Lincoln Maazel, Christine Forrest, Elyane Nadeau, Tom Savini, Roger Caine.

Sortie salles France: 5 Juillet 1978. Cannes: Mai 1977. U.S: 7 Juillet 1978

FILMOGRAPHIE: George Andrew Romero est un réalisateur, scénariste, acteur, auteur américain, né le 4 Février 1940 à New-York. 1968: La Nuit des Morts-vivants. 1971: There's Always Vanilla. 1972: Season of the Witch. 1973: The Crazies. 1977: Martin. 1978: Zombie. 1981: Knightriders. 1982: Creepshow. 1985: Le Jour des Morts-vivants. 1988: Incidents de parcours. 1990: Deux Yeux Maléfiques. 1992: La Part des Ténèbres. 2000: Bruiser. 2005: Land of the Dead. 2008: Diary of the Dead. 2009: Survival of the Dead. 2011: Deep Red.

Martin est mon film favori. Ce fut l'unique fois où je pus exactement retranscrire à l'image ce qui était écrit dans le scénario. Je me rappelle également le plaisir que j'ai eu à le réaliser, épaulé par une équipe fantastique. Un moment très fort de ma carrière.
George Romero.

Considéré comme l’œuvre la plus personnelle de son auteur, Martin emprunte le mythe du vampire avec une originalité sans égale. Baignant dans une atmosphère dépressive, le film suit le cheminement funèbre de Martin, jeune homme timoré contraint de se nourrir de sang humain sans comprendre l’origine de cette irrépressible addiction. Afin d’épargner la souffrance à ses victimes, il les endort d’un sédatif avant d’entailler leurs veines et d’en boire le sang. De retour dans sa région natale, il est froidement accueilli par son oncle, vieillard intégriste persuadé que son neveu est l’incarnation de Nosferatu.

Les meurtres sanglants qui jalonnent le récit frappent par leur crudité réaliste, renforcée par des effets spéciaux d’une efficacité sobre, signés d’un jeune Tom Savini. Au-delà du gore, se dégage une ambiance glauque et malsaine, portée par un esthétisme blafard et des décors confinés - compartiment de train, maison close et oppressante - ou industriels, tels les fumées épaisses et toxiques des usines de Pittsburgh. Filmé comme un documentaire, Romero dresse le constat d’un univers anxiogène où chaque personnage, englué dans une société conformiste, porte un malaise existentiel. Adultère, fanatisme religieux et solitude se mêlent pour peindre l’errance de citadins sans repères, prisonniers de l’ennui, de l’incommunicabilité et du chômage, glissant vers la sinistrose.

En marginal criminel, Martin observe ce monde avec amertume, incapable de nouer un lien durable avec quiconque - tant auprès de sa cousine que de sa voisine. Ce pessimisme radical n’empêche pas une certaine empathie, tant pour ces citadins esseulés que pour Martin lui-même, voué à un châtiment cruel présenté comme expiation. Sa pathologie vampirique le montre non comme un monstre immortel, mais comme une victime prisonnière de pulsions qu’il sait inhumaines.

D’apparence blême, pétri de timidité maladive, John Amplas livre une interprétation viscérale : celle d’un tueur complexé par son instinct morbide et sa crainte des femmes, qu’il endort avant de les violer, fruit amer d’une éducation parentale sectaire.

Désenchanté et mélancolique - la sublime élégie musicale de Donald Rubinstein y participe pour beaucoup -, dérangeant et malsain, beau et fascinant, Martin renouvelle le mythe du vampire dans une vision intime et poignante, radiographiant l’aliénation d’une société anachronique.

— le cinéphile du cœur noir

 

sam Juin 2025. Vost

Quasimodo / The Hunchback of Notre Dame

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site thehunchblog.com

de William Dieterle. 1939. 1h56. U.S.A. Avec Charles Laughton, Maureen O'Hara, Sir Cedric Hardwicke, Thomas Mitchell, Edmond O'Brien, Alan Marshal, Walter Hampden, Harry Davenport.

Sortie salles France: 10 Septembre 1947. U.S: 29 Décembre 1939

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: William Dieterle est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur allemand, né le 15 Juillet 1893 à Ludwigshafen, décédé le 8 décembre 1972 à Ottobrunn (Allemagne).
1921: Escalier de service. 1923: l'Expulsion. 1934: Les Pirates de la mode. 1934: Madame du Barry. 1935: Le Songe d'une nuit d'été. 1936: La Vie de Louis Pasteur. 1937: La Vie d'Emile Zola. 1939: Quasimodo. 1941: Tous les biens de la terre. 1948: Le Portrait de Jennie. 1952: Le Cran d'arrêt. 1953: Salomé. 1954: La Piste des Eléphants. 1955: Feu magique. 1957: Les Amours d'Omar Khayyam. 1960: Les Mystères d'Angkor. 1964: The Confession.

Réalisé en 1939, cette septième adaptation cinématographique du roman de Victor Hugo est considérée à juste titre comme la plus emblématique. C'est d'autre part grâce à l'interprétation habitée de Charles Laughton que le film doit en partie sa renommée puisque l'acteur quasi méconnaissable insuffle une présence aussi impressionnante dans sa posture difforme qu'empathique pour son amour porté à Esmeralda. Son regard empli d'affection, de colère et de désespoir s'emparant de l'écran avec une vérité prude. On peut notamment saluer la perfection des maquillages auquel le noir et blanc accentue son caractère sinistre et pathétique. Secondé du charme si suave de Maureen O'Hara, la comédienne dégage une candeur angélique afin de symboliser la pureté d'une gitane éprise de compassion mais aussi de désespoir eu égard de sa condition criminelle. Le pitch: Au 15è siècle, après la guerre de 100 ans, une gitane et ses comparses s'introduisent à Paris malgré l'hostilité du gouvernement français. C'est là qu'elle rencontre Quasimodo, un bossu sonneur de cloche condamné au fouet après avoir été jugé pour troubles à l'ordre public. Epuisé et assoiffé devant une foule hilare, Esméralda décide de lui venir en aide pour lui ramener un peu d'eau. Réticent de prime abord, le bossu finit par se laisser border et tombe subitement amoureux de la jeune inconnue. Injustement accusée d'un crime qu'elle n'a pas commis, Quasimodo va à son tour tenter de la secourir et la protéger au sein de sa cathédrale.

La passion amoureuse et le combat pour la liberté demeurent les thèmes universels intelligemment exploités dans ce drame historique quand bien même l'obscurantisme, l'intolérance, le racisme (la condition des roms en France, sujet plus qu'actuel) et les superstitions continuent d'empoisonner les mentalités rétrogrades. Mais c'est auprès de l'intervention de Frollo, évêque puritain subitement épris d'amour pour Esméralda que le réalisateur met en exergue les effets pervers du fanatisme religieux. Si bien que cet homme d'église empli d'égoïsme ira jusqu'à commettre la lâcheté d'un assassinat en guise de rancoeur et de jalousie, puis d'accuser de sorcellerie celle par qui l'amour osa le provoquer ! Observant les injustices d'un juge vénal, l'insolence d'une population arriérée et l'insurrection des mendiants pour sauvegarder la bohémienne, Quasimodo se porte en sacrifice pour témoigner de sa décence envers la belle Esméralda. Témoignage de tolérance pour le droit à la différence et de celle de la laideur physique, le film iconise le portrait d'un déficient d'apparence monstrueuse où la beauté du coeur finit par y dévoiler des trésors de vertu. Enfin, le réalisateur met également en parallèle le cheminement évolutif d'une société en mutation (le roi finit par céder aux exigences des mendiants) où les écrits d'un texte sont perçus avec plus de bon sens chez le lecteur dans cette nouvelle forme de liberté d'expression qu'incarne l'invention de l'imprimerie. 

Histoire d'un amour impossible entre un héros ignorant au grand coeur et une bohémienne victime de son élégance physique, Quasimodo s'érige en fable humaniste pour témoigner de l'intolérance des hommes et de l'injustice de l'amour. Un classique destiné à perdurer pour le traitement accordé à ces thèmes d'actualité auquel la prestance inoubliable de Charles Laughton renforce son climat (monochrome) irrésistiblement fascinant.  

Bruno

12.07.23. 4èx