LA MERDITUDE DES CHOSES (De helaasheid der dingen)

                                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Felix van Groeningen. 2009. Belgique/Hollande. 1h48. Avec Kenneth Vanbaeden, Koen de Graeve, Johan Heldenbergh, Valentijn Dhaenens, Wouter Hendrickx, Gilda De Bal, Bert Haelvoet.

Sortie salles France: 30 Décembre 2009. Belgique: 7 Octobre 2009

Récompenses: Amphore d'or au Festival de Quend du film grolandais, 2009. 

Prix Art et Essai de la CICAE, Festival de Cannes, 2009. 

Meilleur Film, Meilleur Scénario, Meilleur Acteur, Meilleur Acteur de second rôle, Meilleur Espoir, Prix du Public au Prix du Cinéma Flamand, 2010. 

Coup de coeur du Jury Lycéen, Festival Les Enfants du Cinéma (Ardennes), 2011. 

FILMOGRAPHIE: Felix van Groeningen est un réalisateur belge flamand, né à Gand en 1977.
2000: 50CC. 2004: Steve + Sky. 2007: Dagen zonder lief (des jours sans amour). 2009: La Merditude des Choses. 2012: The Broken Circle Breakdown

Déjà responsable de l'électro-choc Alabama Monroe, récompensé en 2014 de l'Oscar du Meilleur Film Etranger, Felix van Groeningen avait déjà montré ses preuves de cinéaste talentueux trois ans au préalable avec La Merditude des choses. Un drame social plutôt glauque dans la peinture marginale adressée à une famille de chômeurs englués dans l'ennui et l'alcool. Le jeune Gunther Strobbe tente de se faire une place au sein de sa famille, entre les beuveries de son père et de ses oncles quotidiennement fourrés dans les bars, et parmi le témoignage impuissant de sa grand-mère. Comment cristalliser alors une adolescence équilibrée et cultivée dans un environnement aussi malsain où les hystéries collectives, les violences verbales et physiques, les grossièretés et les états d'ébriété font partie de son morne quotidien ? 

Alternant tranches de vie du passé et du présent, La Merditude des Choses évoque avec un réalisme cru, pour ne pas dire jusqu'au-boutiste, l'itinéraire incertain d'un adolescent paumé co-existant dans une cellule familiale en déliquescence sociale. Outre la structure avisée du récit prenant soin de décrire les états d'âme fragilisés du jeune Gunther et de brosser le caractère besogneux de chacun des parents, l'intensité qui s'y dégage émane de leurs comportements erratiques à s'y brûler les ailes. Époustouflants de naturel avec leur trogne tuméfiée et leur dégaine ventripotente, les comédiens s'avèrent incroyablement expressifs pour insuffler un humanisme en perdition, entre sentiments de révolte et d'impuissance. Car victimes de leur condition rétrograde et d'une sévère accoutumance à l'alcool, c'est avec la fierté de leur patronyme qu'ils décident de survivre dans une solidarité inconsciente de débauche. Au milieu de ces machistes incultes se vautrant dans la médiocrité, Gunther (Kenneth Vanbaeden s'avère touchant d'innocence et de naïveté dans sa condition infantile) observe leurs effronteries grossières, entre rire amusé, sourire gêné et lassitude grandissante. Victime de désaffection et de déconsidération, notamment envers le corps scolaire, mais épris d'un regain de conscience, c'est avec le soutien de sa grand-mère et d'une assistante sociale qu'il va tenter de modifier son parcours pédagogique afin de concrétiser une destinée plus optimiste. Advenu à son tour adulte quelques années plus tard pour devenir un potentiel écrivain et papa d'un enfant, aura-t'il la maturité responsable de faire face au statut paternel et aura t-il la constance professionnelle de parvenir à son rêve ? En brassant les thèmes de l'exclusion, de l'immaturité, du chômage, des ravages de l'alcool, de l'influence de l'entourage et de la démission parentale, Felix van Groeningen nous ausculte un drame social d'une incroyable verdeur dans la peinture de ces laissés-pour-compte auquel l'émotion poignante et rigoureuse vient nous alpaguer de manière aléatoire. 

Dur, cruel, poignant, bouleversant, La Merditude des Choses s'avère aussi dérangeant qu'éprouvant lorsqu'il nous retranscrit avec gravité et tendresse la quotidienneté d'une famille déshéritée dans les bas-fonds d'un village flamand. Sans misérabilisme et avec souci de vérité, Felix van Groeningen pose la question essentielle de la responsabilité parentale tout en évoquant les conséquences de la postérité d'un enfant ayant évolué dans un milieu familial aussi dépravé. Ode à l'espoir, au courage à l'amour et à la persévérance, un film coup de poing d'une intensité émotionnelle névralgique !

La critique d'Alabama Monroe: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/01/alabama-monroe-broken-circle-breakdown.html

Remerciement à Dany Dumont et Jennifer Winter

Bruno Matéï

Massacre à la Tronçonneuse / The Texas Chainsaw Massacre. Prix de la Critique, Avoriaz 76

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Silverferox.

de Tobe Hooper. 1974. U.S.A. 1h23. Avec Marilyn Burns, Paul A. Partain, Allen Danziger, William Vail, Teri McMinn, Edwin Neal, Jim Siedow, Gunnar Hansen.

Sortie salles France: 5 Mai 1982. VHS: 1979.

FILMOGRAPHIE: Tobe Hooper est un réalisateur américain né le 25 Janvier 1943 à Austin (Texas). 1969: Eggshells, 1974: Massacre à la Tronçonneuse, 1977: Le Crocodile de la Mort, 1979: The Dark (non crédité), 1981: Massacre dans le Train Fantôme, 1982: Poltergeist, 1985: Lifeforce, 1986: l'Invasion vient de Mars, Massacre à la Tronçonneuse 2, 1990: Spontaneous Combustion, 1993: Night Terrors, 1995: The Manglers, 2000: Crocodile, 2004: Toolbox Murders, 2005: Mortuary, 2011: Roadmaster.

"Totem de chair et folie texane".

Mastodonte de l’horreur poisseuse, épreuve de force traumatique discréditée par la critique bien-pensante dès sa sortie, Massacre à la Tronçonneuse subit les foudres de la censure internationale — en raison de l’intensité de sa violence extrême, de son réalisme aride, et de son caractère faussement sanglant. Hormis son Prix de la Critique à Avoriaz, le film fut marginalisé. Et pourtant, aujourd’hui, tout le monde s’est réconcilié avec l’évidence : la virtuosité de son auteur, l’influence majeure exercée sur des générations de cinéastes, et l’impact émotionnel sidérant infligé aux spectateurs. Tobe Hooper, jadis paria, foule désormais le tapis rouge de Cannes.

À partir d’un pitch trivial — cinq jeunes amis sillonnent la campagne texane pour rejoindre la maison familiale de l’un d’eux, avant d’être méthodiquement exterminés par une famille de rednecks psychopathes —, le jeune Hooper tire un modèle d’efficacité brutale, où les nerfs du spectateur sont mis à rude épreuve durant 1h23 ! Et ce, dès le générique rubigineux, où les flashs d’un appareil photo impriment en gros plan des membres de cadavres putréfiés. Le plan suivant, dévoilant deux corps en position de totem, nous propulse dans un univers où le viol de sépulture est un rite inaugural. Puis vient l’inoubliable séquence de l’auto-stoppeur : l’homme détaille ses anciennes méthodes d’abattage bovin, se tranche la main au canif, puis entaille le bras de Franklyn, l’impotent. La "démence humaine" est plantée.

Avec un souci du détail crapoteux — la caméra s’attardant sur une nuée d’insectes lovés au plafond, ou sur une dent humaine ramassée au sol —, la première partie installe un suspense latent, une montée d’angoisse implacable. Deux maisons insalubres deviennent les portes d’un cauchemar, où surgit le monstre le plus aberrant de l’histoire criminelle : Leatherface. Dès que les protagonistes s’égarent dans cette campagne claquemurée, un sentiment d’insécurité les assiège, amplifié par une bande-son dissonante, hybride, inventée pour l’effroi. Hooper joue avec une atmosphère solaire irrespirable, soulignée par une photo granuleuse et criarde, et un décor insalubre : odeur de charogne, ossements animaux, sang séché… Le spectateur est pris à la gorge.

La seconde partie, la plus cauchemardesque, est une traversée de la folie — un chemin de croix de torture morale, une étude de la démence paroxystique (gros plans sur les yeux révulsés d’une martyre), un crescendo vers l’effroi absolu. Sally Hardesty devient combattante, survivante d’un enfer domestique peuplé de bouchers cannibales. La bande-son, stridente, scande l’hystérie. La course-poursuite débouche sur un repas familial délirant, à la fois cartoonesque et insoutenable. Notamment lors du rituel du marteau, où l’on invoque la main sénile du grand-père pour frapper la victime. L’horreur culmine — et avec elle, un sentiment d’impuissance viscéral, jusqu’au malaise sensoriel.

"Sous le soleil, la charogne".

Tableau schizo de l’Amérique profonde, métaphore de l’exclusion, du chaos et de la désillusion, Massacre à la Tronçonneuse est une plongée sans retour dans la déchéance. Une diatribe sociale sur la précarité, l’ignorance, la marginalisation — et sur ce que la misère engendre de plus monstrueux.

Le film se décline en acmé d’horreur inhumaine, par sa terreur viscérale et son réalisme brutal hérité du reportage. Un bad trip expérimental, à la frontière d’un cartoon vitriolé, où Tex Avery aurait glissé par erreur. Outre sa puissance visuelle et auditive, alternant suggestion oppressante et éclairs de brutalité malsaine, il faut saluer le jeu viscéral d’une scream queen transie de démence : la regrettée Marilyn Burns.

*Bruno

26.04.26. 6èx

Récompense: Prix de la Critique au Festival d'Avoriaz, 1976

Ci-joint la Chronique de Massacre à la Tronçonneuse 2: http://brunomatei.blogspot.fr/…/massacre-la-tronconneuse-2.…

La Chronique du remake Massacre à la Tronçonneuse: http://brunomatei.blogspot.fr/2014/04/massacre-la-tronconneuse-2003-texas.html

TERMINATOR RENAISSANCE (Terminator Salvation)

                                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site lunkiandsika.wordpress.com

de McG. 2009. U.S.A. 1h57 (Director's Cut). Avec Christian Bale, Sam Worthington, Bryce Dallas Howard, Roland Kickinger, Common, Anton Yelchin, Moon Bloodgood, Helena Bonham Carter.

Sortie salles France: 3 Juin 2009. U.S: 21 Mai 2009

FILMOGRAPHIE: McG (Joseph McGinty Nichol) est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 2000: Charlie et ses drôles de dames. 2003: Charlie's Angels 2: les anges se déchaînent. 2005: We are Marshall. 2009: Terminator Renaissance. 2012: Target. 2014: 3 Days to Kill.

Repéré avec deux adaptations d'une série TV culte des années 70 (Drôles de Dames), McG est enrôlé en 2007 pour relancer la nouvelle franchise de Terminator dont l'action se situera cette fois-ci dans le futur d'un Los-Angeles post-apo. C'est donc un film de guerre destroy que nous façonne le cinéaste avec l'esthétisme crépusculaire d'une photo désaturée et un sens épique souvent impressionnant dans son lot de bravoures explosives. Que ce soit au niveau des poursuites motorisés, en hélicoptère, en vaisseaux high-tech ou en camion, ou encore celles des offensives belliqueuses manoeuvrées secrètement entre l'homme et la machine, Terminator Renaissance privilégie l'actionner bourrin avec l'efficacité d'un script haletant émaillé d'idées intéressantes. A l'instar de l'identité suspicieuse de Marcus Wright, ancien condamné à mort voué à une résurrection hybride dans le futur de 2018, à l'exemple de la stratégie de défense employée avec une arme capable de paralyser les machines, ou encore au niveau de la démesure des différents prototypes de robots se déplaçant sur moto, sous l'eau ou en vaisseau afin de mieux riposter. 

En dépit d'un manque d'intensité dans les enjeux humains accordés entre John Connor, Kyle Resse et Marcus Wright, le trio réussit tout de même à insuffler une certaine densité dans leur conflit de divergence et leur cohésion héroïque avant de suspecter la condition de l'un d'eux réduit à l'état d'homme-machine. C'est là l'élément le plus intéressant de cette réactualisation du mythe de Frankenstein lorsque le monstre se révoltait contre son créateur de lui avoir violé sa propre identité. Le réalisateur insistant sur la prise de conscience humaine d'un homme d'acier délibéré à déjouer les ambitions immorales de ces créateurs. Une diatribe contre la dictature militaire est également survolée lorsque le général Ashdon s'évertue à donner l'assaut de ces troupes au sein de l'entreprise de Skynet malgré l'enjeu humanitaire de résistants retenus prisonniers à l'intérieur. Afin de retenir l'intérêt, et en dépit de ces séquences homériques décapantes qui empiètent régulièrement le récit, deux facteurs majeurs sont donc alloués à la résistance de nos héros et à la survie de l'humanité ! Retrouver en vie Kyle Reese (le futur père de John Connor !) retenu prisonnier chez Skynet, et détruire ce gigantesque ordinateur responsable de la hiérarchie des machines à tuer. 

En dépit d'un final assez prévisible au sentiment de déjà vu, du manque d'intensité dramatique (exit l'univers dystopique sombre et désespéré entraperçu dans les 2 premiers volets !) et du défaut d'aplomb dans la réalisation, Terminator renaissance ne manque pas de trouvailles, de souffle épique et d'esthétisme cendré (décors décharnés à l'appui !) pour crédibiliser un univers post-apo régi par les robots. S'il est loin de rivaliser avec la réussite des 2 premiers opus, il n'en demeure pas moins un spectacle ultra spectaculaire épaulé des prestances viriles de Christian Bale et Sam Worthington. 

Bruno Matéï

2èx

LE DERNIER DES MOHICANS (The Last of the Mohicans)

                                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site lecritiqueurfou.blogspot.com

de Michael Mann. 1992. U.S.A. 1h52. Avec Daniel Day-Lewis, Madeleine Stowe, Russell Means, Eric Schweig, Jodhi May, Steven Waddington, Wesley Studi, Maurice Roëves, Patrice Chéreau.

Sortie salles France: 26 Août 1992. U.S: 25 Septembre 1992

FILMOGRAPHIE: Michael Kenneth Mann est un réalisateur, scénariste et producteur américain né le 5 Février 1943 à Chicago.
1979: Comme un Homme Libre, 1981: Le Solitaire, 1983: La Forteresse Noire, 1986: Le Sixième Sens, 1989: LA Takedown, 1992: Le Dernier des Mohicans, 1995: Heat, 1999: Révélations, 2001: Ali, 2004: Collatéral, 2006: Miami Vice, 2009: Public Enemies. 2015: Hacker.

Les colonies américaines. Troisième année de guerre entre l'Angleterre et la France pour la possession du continent. Trois hommes, les derniers d'un peuple en extinction, sont sur la frontière ouest de la rivière Hudson. 

Neuvième adaptation du roman de James Fenimore Cooper, le Dernier des Mohicans relate la guerre de la conquête française sur le sol américain en 1757. Epaulé des Hurons, ils s'engagèrent dans une bataille sans merci contre l'armée britannique, eux même soutenus par les Mohicans. Le récit se concentre ensuite sur l'héroïsme de trois Mohawks venus sauver d'une embuscade l'officier anglais Duncan Heyward et les soeurs, Cora et Alice Munro. Impliqués indirectement dans leur conflit, ils vont tenter d'influencer le colonel britannique Munro de plier bagage d'un fort avant l'offensive attendue des français. 

C'est donc une lutte sans merci pour le pouvoir que nous illustre Michael Mann avec un souffle épique impressionnant. Que ce soit pour la beauté des vallées montagneuses ornées de cascades ou des batailles rangées coordonnées de jour comme de nuit par des armées orgueilleuses, le Dernier des Mohicans transpire la fureur belliqueuse avant de faire appel au romantisme lorsque Nathanael finit par succomber au charme de Cora. Avec une pudeur inscrite dans la noblesse des sentiments, Michael Mann dresse en parallèle le portrait de ce couple en étreinte impliqué au milieu d'un conflit historique qui les dépassent. Par l'aspect sanglant des diverses batailles homériques, on est aussi frappé par la brutalité des affrontements physiques, les Hurons s'acharnant sauvagement sur leurs victimes à coups de hache pour les éventrer, leur arracher le coeur ou les scalper. Par son réalisme acéré, cette barbarie reflète sans complaisance l'inhumanité de la guerre au sein d'une époque colonialiste ancrée dans le conservatisme où le plus couard n'hésitait pas à feindre et trahir son allié pour parvenir à la victoire. Mais le Dernier des Mohicans, c'est aussi une leçon de sagesse, de pacifisme et de tolérance, un sens de l'honneur, de la justice et du sacrifice établis par trois Mohawks afin d'apaiser les tensions. A l'instar de leur compromis partagé avec l'armée anglaise ou de leur stratégie de défense invoquée en dernier ressort pour épargner de la mort trois otages. Ce qui nous converge à un final anthologique d'une intensité dramatique éprouvante et d'un lyrisme bouleversant pour la destinée de ces survivants séparés par la partialité ! 

Dominé par le charisme viril de comédiens insufflant sentiments de bravoure, de loyauté et de dignité, et scandé par l'exaltante partition de Trevor Jones et Randy Edelman, Le Dernier des Mohicans réanime le souffle épique, la candeur romanesque des plus grands récits d'aventures inscrits dans le lyrisme et la fougue des sentiments. Grâce à la virtuosité de la mise en scène, son réalisme historique nous immerge dans ces rivalités étrangères avec fureur et passion pour dénoncer l'orgueil du colonialisme et l'inanité de la guerre dans sa barbarie, son injustice et ses trahisons. Un grand moment de cinéma émaillé de séquences vertigineuses, à l'instar du duo incandescent Daniel Day-Lewis/Madeleine Stowe.

Bruno Matéï

3èx

MISERY. Oscar de la Meilleure Actrice, Kathy Bates, 1991.

                                                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site flickfacts.com

de Rob Reiner. 1990. U.S.A. 1h47. Avec James Caan, Kathy Bates, Lauren Bacall, Frances Sternhagen, Richard Farnsworth, Graham Jarvis.

Sortie salles France: 13 Février 1991. U.S: 30 Novembre 1990

Récompenses: Oscar de la meilleur Actrice pour Kathy Bates, 1991
Golden Globe de la meilleure Actrice pour Kathy Bates, 1991

FILMOGRAPHIE: Rob Reiner est un réalisateur, acteur, producteur et scénariste américain, né le 6 Mars 1947 dans le Bronx à New-York.
1984: Spinal Tap. 1985: Garçon choc pour nana chic. 1986: Stand by me. 1987: Princess Bride. 1989: Quand Harry rencontre Sally. 1990: Misery. 1992: Des Hommes d'honneur. 1994: L'Irrésistible North. 1995: Le Président et Miss Wade. 1996: Les Fantômes du passé. 1999: Une vie à deux. 2003: Alex et Emma. 2005: La Rumeur court... 2007: Sans plus attendre. 2010: Flipped. 2012: Un Eté magique. 2014: And so it goes.

Démarche inopinée que celle du réalisateur de Stand by me, Princess bride et Quand Harry rencontre Sally de porter à l'écran un suspense horrifique initié par le maître Stephen King. C'est d'ailleurs la seconde fois que Rob Reiner adapte l'un de ses écrits avec le même succès commercial et critique. Régi en mode huis-clos réfrigérant, Misery nous confine à l'intérieur d'un chalet isolé pour nous scander la confrontation au sommet d'un éminent écrivain réduit à la paralysie et d'une fan hystérique avide d'évasion romantique. A travers le portrait de cette quadra solitaire férue de passion pour les histoires de Paul Sheldon, l'intrigue met en exergue le revers de médaille de la célébrité du point de vue de son auteur et surtout le rapport fanatique d'une frange de lecteurs incapables de distinguer la part de fiction et de réalité lorsqu'ils sont obnubilés par l'intensité d'un récit plus vrai que nature. Jusqu'où peut donc mener l'emprise de la passion, l'influence du bouquin, l'addiction des suites à succès chez les êtres susceptibles réduits au spleen de leur solitude ?

Si Misery se prend un finaud plaisir à élaborer un suspense psychologique aussi haletant que sardonique dans ces instants d'humour nerveux, il le doit beaucoup au tandem formé par le couple maudit, James Caan et Kathy Bates. Paralysé depuis son accident de voiture dans un ravin enneigé et toujours plus molesté par sa tortionnaire exigeante, l'acteur exprime avec retenue ses sentiments d'impuissance dans une hypocrisie affable afin d'amadouer sa dominatrice et avant une démarche progressive de stratagèmes de défense. Rob Reiner nous infligeant des moments de suspense tendu lorsqu'il essaie à plusieurs reprises de s'échapper de sa chambre, ou des instants horrifiques d'un réalisme rigoureux lorsqu'il en est sévèrement châtié (personne ne peut oublier l'épisode brutal des pieds broyés par une massue !). Quand à l'ultime confrontation paroxystique, nos nerfs sont mis à rude épreuve lorsque Paul essaie dans une posture précaire de se débattre contre la violence démentielle de sa tortionnaire  ! Pourvue d'une stature corpulente et douée d'un charme attendrissant dans son regard pétillant, Kathy Bates insuffle une présence subtilement perfide dans sa perversité goguenarde à vouloir dompter son otage pour le caprice d'un roman à suites à l'épilogue inconsolable ! Ses crises d'hystérie inattendues et ses éclairs de violence laissant également transparaître la névrose d'une dangereuse sociopathe déjà responsable d'un sordide passé ! La densité cruelle de Misery résulte donc dans ce rapport dysfonctionnel établi entre la victime et le bourreau contraints de cohabiter ensemble pour satisfaire le contentement de cette lectrice irrationnelle avide de romance et de reconnaissance !

Jouissif dans le mécanisme infaillible de son suspense charpenté et éprouvant dans le calvaire cruel imposé à l'écrivain démuni, Misery distille une angoisse sous-jacente et redouble l'efficacité des affrontements psychologiques autour d'un survival subtilement affolant.  

Bruno Matéï
3èx

Sunshine

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Danny Boyle. 2007. Angleterre. 1h47. Avec Cillian Murphy, Chris Evans, Rose Byrne, Michelle Yeoh, Cliff Curtis, Troy Garity, Hiroyuki Sanada.

Sortie salles France: 11 Avril 2007. Angleterre: 6 Avril 2007

FILMOGRAPHIE: Danny Boyle est un réalisateur Britannique, né le 20 Octobre 1946 à Manchester.
1994: Petits Meurtres entre amis. 1996: Trainspotting. 1997: Une Vie moins Ordinaire. 2000: La Plage. 2002: 28 Jours plus tard. 2004: Millions. 2007: Sunshine. 2008: Slumdog Millionaire. 2010: 127 Hours. 2013: Trance.

Echec commercial lors de sa sortie, Sunshine bénéficie pourtant d'un spectacle vertigineux régi autour du système solaire lorsque huit astronautes vont tenter de ranimer le soleil à l'aide d'une bombe nucléaire. Or, leur mission va être compromise par un concours de circonstances infortunées. Qu'en sera t-il du devenir de l'humanité ? Si le pitch peut prêter à sourire de par l'aspect fantaisiste d'une telle mission comparable à celle du blockbuster (indigeste) Armageddon, Sunshine élude toute forme de racolage, aussi spectaculaire qu'il soit, pour se focaliser sur l'attitude démunie de ses astronautes en quête existentielle. Et pour une première incursion dans la science-fiction, Danny Boyle s'en sort donc avec les honneurs de nous avoir conçu cette splendide série B (de luxe) riche en rebondissements et rehaussée d'un esthétisme fulgurant au sein de sa scénographie spatiale plus vraie que nature. J'ose même avouer que le réalisme imparti aux décors industriels ou à ceux des vaisseaux spatiaux voguant à proximité de l'immense soleil anticipe le tour de force technique démontré dans le novateur Gravity ! Odyssée de l'espace à la dimension humaine rude quand une poignée de héros vont mesurer leur sens du courage, de loyauté et du sacrifice, Sunshine nous conte leur épreuve de force dans un univers stellaire d'où plane l'ombre d'une divinité malfaisante. 

Confrontés aux dilemmes moraux, aux incidents techniques, aux conflits de virilité puis à la découverte surprise d'un saboteur inconnu, leur espoir de sauver l'humanité s'avère toujours compromise par un concours d'évènements impondérables. Réalisé avec souci de réalisme (euphémsime), à l'instar de l'incroyable beauté de ces effets-spéciaux numériques, Sunshine possède l'atout de filmer l'espace comme si vous y étiez ! Qui plus est, à l'aide d'une intrigue pessimiste où l'avenir de notre humanité est à deux doigts de se volatiliser, les séquences d'action qui s'y interposent sont tributaires du cheminement aussi héroïque que suicidaire des protagonistes à bout de course. Il s'avère donc que, outre sa dramaturgie imposée durant ce cheminement périlleux où les pertes humaines affluent, le film distille une intensité haletante quant à la survie de ces astronautes confrontés à leur curiosité de percer les origines de la vie et à affronter les risques inconsidérés. Quand au final onirique scandé du thème élégiaque de John Murphy et Underworld, il laisse percer l'émotion Spoil ! parmi le témoignage de ces ultimes survivants et d'une famille contemplant de la terre la résultante de leur mission de dernier ressort Fin du Spoil. 

Hymne à l'immensité de l'espace et à ses secrets impénétrables, ode à la bravoure de ces astronautes suicidaires pourvus d'une digne humanité, Sunshine renouvelle l'expédition spatiale avec l'indéniable efficacité d'un script imprévisible épaulé d'une réalisation littéralement formelle (on en prend plein la vue sans interruption possible). Du grand space opera naturaliste qui fera date. 

* Bruno

29.07.22. 

25.03.24. 4èx. Vostfr

Ghosts of Mars

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de John Carpenter. 2001. U.S.A. 1h38. Avec Natasha Henstridge, Ice Cube, Jason Statham, Clea DuVall, Pam Grier, Joanna Cassidy, Richard Cetrone.

Sortie salles France: 21 Novembre 2001. U.S: 24 Août 2001

FILMOGRAPHIE: John Howard Carpenter est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur, compositeur et producteur de film américain né le 16 janvier 1948 à Carthage (État de New York, États-Unis). 1974 : Dark Star 1976 : Assaut 1978 : Halloween, la nuit des masques. 1979: Le Roman d'Elvis. 1980 : Fog 1981 : New York 1997 1982 : The Thing 1983 : Christine 1984 : Starman 1986 : Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin 1987 : Prince des ténèbres 1988 : Invasion Los Angeles 1992 : Les Aventures d'un homme invisible 1995 : L'Antre de la folie 1995 : Le Village des damnés 1996 : Los Angeles 2013 1998 : Vampires 2001 : Ghosts of Mars 2010 : The Ward.

Échec commercial d’autant plus injustement discrédité par une frange de la critique de l’époque, Ghosts of Mars incarne l’œuvre maudite à réhabiliter. Un western futuriste d’une redoutable efficacité, constamment captivant par son flot d’action, de mystères (toute la première partie éthérée) et de rebondissements, tout en distillant, en sous-texte, une diatribe acerbe contre le colonialisme américain.

Synopsis: En 2076, Mars est exploitée par une colonie de mineurs afin d’être rendue habitable. Deux femmes flics, Helena Braddock et Mélanie Ballard, sont chargées de récupérer un dangereux criminel responsable de la mort de six travailleurs à Shining Canyon. Sur place, elles découvrent une cité étrangement désertée, à l’exception de Desolation Williams et de quelques prisonniers erratiques, confinés dans une cellule. Mais à l’extérieur, une menace bien plus vicieuse et délétère s’apprête à lancer son offensive.

Si l’on peut reprocher à Carpenter de recycler certaines situations de siège déjà explorées dans Assaut ou The Thing, il est impossible de nier l’efficacité implacable de cette guérilla homérique, aussi barbare que belliqueuse. En s’appuyant sur une dynamique de groupe minée par la discorde avant de converger vers une cohésion salvatrice, les survivants finissent par s’allier à des marginaux pour affronter une tribu de guerriers sanguinaires.

La scénographie rutilante d’un Mars inquiétant participe pleinement au dépaysement, immergeant le spectateur dans un environnement aussi hostile que tangible. À l’image de cette menace invisible - une poudre rouge - qui s’empare des corps humains pour les posséder un à un, fédérant une hiérarchie révolutionnaire. Affublés de peintures tribales et de piercings couvrant leurs visages, ces fantômes issus d’une biologie indigène, libérés de leur caveau, deviennent une métaphore limpide du sort réservé aux peuples indiens lors de la conquête américaine. Leur vengeance s’accomplit ici sur Mars, pour repousser une fois encore l’envahisseur.

Au-delà du caractère jouissif de séquences d’action rigoureusement chorégraphiées et d’idées subversives - l’ingestion de drogue devient ici un rempart contre l’emprise de l’entité indigène - Ghosts of Mars brille aussi par la prestance burnée de comédiens en roue libre, affublés d’un look fétichiste. L’audace de Carpenter réside également dans le choix d’un personnage féminin pour incarner l’autorité : une jeune mannequin blonde, révélée dans la très sympathique série B La Mutante, parfaitement crédible, pour ne pas dire magnétique, en lieutenant inflexible, tout aussi loyale lorsqu’elle coopère avec un anti-héros difficilement domptable. Secondé par Ice Cube, celui-ci livre sans retenue l’un de ses rôles les plus marquants, incarnant un délinquant inébranlable sur la réserve, longtemps stigmatisé par sa couleur de peau, désormais mû par un héroïsme rédempteur.

"Invaders from Mars." 

Porté par le score électro de Carpenter et les percussions hard rock d’Anthrax, Ghosts of Mars illustre l’excellence d’une série B de samedi soir menée avec maîtrise, efficacité et subversion. On s’attache à ces protagonistes au caractère bien trempé, symboles d’une escorte solidaire placée sous le signe de la bravoure et du sacrifice, quelles que soient les différences et les appartenances sociales. Un spectacle régressif, aussi savoureux qu’atmosphérique, traversé d’émotions furibondes et d’accalmies anxiogènes, sourdement envoûtantes. Le mépris qu'il essuie depuis sa sortie me parait donc disproportionné, voir imbitable, surtout venant de la part d'amateurs éclairés du maître. 

— le cinéphile du cœur noir 🖤

4èx. 4K. Vost

Harlequin. Prix du Jury, Prix de la Critique, Prix du Meilleur Acteur (Robert Powell) au Rex de Paris.

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site cineday.orange.fr

de Simon Wincer. 1980. Australie. 1h35. Avec Robert Powell, David Hemmings, Carmen Duncan, Broderick Crawford, Gus Mercurio, Alan Cassell, Mark Spain.

Sortie salles France: 14 Janvier 1981. Australie: 20 Mars 1980

FILMOGRAPHIE: Simon Wincer est un réalisateur, producteur et scénariste australien né en 1943 à Sydney (Australie). 1979: Snapshot. 1980: Harlequin. 1983: Phar Lap. 1985: D.A.R.Y.L. 1987: La Chevauchée de Feu. 1990: Mr Quigley l'Australien. 1991: Harley Davidson et l'Homme aux santiags. 1993: Sauvez Willy. 1994: Jack l'Eclair. 1995: Opération Dumbo. 1996: Le Fantôme du Bengale. 2001: Crocodile Dundee 3. 2003: La Légende de l'Etalon Noir. 2011: The Cup.

Sorti en plein âge d'or du Fantastique australien, Harlequin reçu un accueil enthousiaste de la part du public et du vidéophile l'ayant découvert à l'orée des années 80 dans son vidéo-club du coin. Célébré de trois prix au Festival du Rex de Paris (Prix du jury, Prix de la Critique et Prix du Meilleur acteur pour Robert Powell), cette série B impeccablement troussée puise son originalité par son concept peu commun bâti autour de l'intrusion d'un prestidigitateur chez une famille politique. Car surgi de nulle part, Grégory Wolf se résigne à sauver la vie du fils d'un sénateur atteint d'un cancer incurable. Alors que le sous-gouverneur Steele est porté disparu en mer, Rick Rast est sur le point de prendre sa place parmi l'influence de son entourage politique. Mais l'arrivée inquiétante de Wolf multipliant tours de prestige et exploits de guérison va bouleverser son ambition professionnelle ainsi que sa vie conjugale ! 

Cet étrange scénario dénonçant en sous texte social la corruption, l'influence et la mégalomanie au sein du corps politique use de supercherie et de manipulation parmi le témoignage d'un énigmatique Harlequin. Endossé par Robert Powell, l'acteur parvient à se tailler une stature quasi surnaturelle par son apparence lunaire, ses tours de passe-passe improvisés, sa spontanéité d'y dominer l'illusion. Renforcé de son regard azur littéralement perçant, sa présence magnétique doit beaucoup au caractère fascinant et ambigu de sa personnalité tant il réussit à nous faire douter de ses intentions louables ou disgracieuses. Tout l'intérêt réside alors de savoir quel est le motif de son arrivée au sein de la famille Rast, est-il réellement doué de pouvoirs surnaturels et de guérison, et d'où vient-il ? Alors que d'étranges évènements vont ébranler la tranquillité de certains membres du sénateur et rendre publique une potentielle affaire de viol, Grégory Wolf ne se prive pas de sarcasme pour railler ses adversaires avec une insolence dérangeante. Ainsi, avec intense efficacité et suspense progressif, Simon Wincer met en appui une intrigue infaillible auprès de son lot de rebondissements oscillant stratégies politiques et simulacre de magie, là où l'apparence s'avère aussi bien fallacieuse dans les deux camps. Quand au final haletant imprégné de mysticisme, il laisse planer le doute quand à la nouvelle destinée du fils du sénateur, quand bien même le générique de fin s'attarde sur son portrait imprimé sur le carrelage d'une cuisine !

Avec intelligence, malice et originalité, Harlequin idéalise le divertissement adulte à travers une fantaisie sardonique diablement ficelée fustigeant la manipulation politique. Rehaussé de la performance ensorcelante de Robert Powell, de seconds-rôles attachants et d'un climat d'inquiétude teinté d'onirisme, le film préserve toujours autant son pouvoir irréel de fascination ! 

Récompenses: Prix du jury, Prix de la Critique et Prix du Meilleur Acteur pour Robert Powell au 10è Festival du film Fantastique de Paris.

Prix du jury de la critique internationale, meilleur scénario et meilleure photographie au Festival du film de Catalogne, 1980

*Bruno
4èx

PREDESTINATION

                                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site comingsoon.net

de Michael Spierig et Peter Spierig. 2014. Australie. 1h37. Avec Ethaw Hawke, Noah Taylor, Sarah Snook, Elise Jansen, Christopher Kirby, Freya Stafford.

Sortie Dvd France: 1er Décembre 2014. Australie: 28 Août 2014

FILMOGRAPHIE: Michael Spierig et Peter Spierig sont des réalisateurs australiens, nés le 29 Avril 1976 à Buchholz (Allemagne).

2003: Undead. 2010: Daybreakers. 2014: Predestination

"Ne faites jamais hier ce qui devrait être fait demain. Si vous réussissez, ne réessayez jamais !"

Après le médiocre Undead et le sympathique Daybreakers, les frères Spierig se retrouvent pour le coup relégués à la case DTV avec Predestination, une série B d'anticipation inspirée d'un roman de Robert A. Heinlein, "Vous les zombies". Un agent secret a pour mission d'annihiler un dangereux terroriste. Avec l'aide d'un procédé temporel, il parcourt le passé afin d'éviter un prochain attentat de grande envergure. Gravement brûlé au visage lors d'une ultime altercation avec l'assassin, il se résigne une dernière fois à voyager dans le temps afin de l'éradiquer. 

Si ce bref résumé a de quoi laisser dubitatif l'amateur de récits temporels "singuliers", détrompez vous du leurre, Predestination tirant parti d'un concept follement original autour de l'affrontement psychologique de personnages en quête identitaire. Exit donc les scènes d'action pétaradantes observées dans le dernier Blockbuster ricain pour laisser place ici à un affrontement entre deux individus avides d'une résolution existentielle car compromis dans un concours de circonstances dysfonctionnelles. La première partie nous précise le passé tourmenté d'une jeune femme pugnace, Jane, réduite à la solitude depuis sa naissance dans un orphelinat. Captivant dans sa structure détaillée, son cheminement malchanceux insuffle une réelle empathie pour l'étrange destin de cette femme destituée de sa propre personnalité et en quête de vengeance. Le second acte se focalise ensuite sur la transaction temporelle impartie entre l'agent secret (barman à ses heures perdues) et Jane après que cette dernière lui eut expliqué ses raisons de supprimer son amant, le paternel responsable de sa nouvelle condition et d'un enfant préalablement kidnappé à la naissance. Je n'en dévoilerais pas plus pour la progression des enjeux dramatiques riches d'imprévus et de révélations malsaines, mais outre l'aspect captivant d'une énigme retorse embourbée dans un contexte temporel sans fin, Predestination sous-tend une réflexion sur l'échec de la personnalité, de la psychose et la schyzophrénie (qui suis-je ? d'ou je viens ?) lorsqu'une personne rongée par la solitude et la colère se condamne elle même à briser une vie commune sans issue. L'intensité du conflit émane donc de la généalogie scabreuse d'une relation humaine bâtie sur la fraude, le simulacre et le viol d'identité.  

Destination finale

Conçu à la manière d'un puzzle complexe inévitablement confus, Predestination brode un scénario perfide pour nous entraîner dans une inexorable descente aux enfers autour de personnages interlopes noyés par leur solitude et l'échec de la réussite. Il en émane une perle de déviance (encore plus couillue que l'étonnant Looper de Rian Johnson !), un récit de science-fiction lancinant dans ses thématiques abordés où le contexte temporel fait office d'offrande empoisonnée (le serpent qui se mord la queue indéfiniment!), rehaussé en prime d'un score percutant et surtout de la constance tranchée des comédiens (Ethan Hawke et Noah Taylor sont hantés par une désillusion amoureuse).

Dédicace à Jean Marc Micciche

Bruno Matéï 

L'ORPHELINAT (El Orfanato). Grand Prix, Gérardmer 2008.

                                                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site allocine.fr

de Juan Antonio Bayona. 2007. Espagne. 1h45. Avec Belen Rueda, Fernando Cayo, Roger Princep, Montserrat Carulla, Géraldine Chaplin, Mabel Rivera.

Récompenses: Grand Prix à Gérardmer, 2008
Prix du Jury Sci-Fi à Gérardmer, 2008
Prix Goya des Meilleurs Effets Spéciaux, 2008

Sortie salles France: 5 mars 2008. Espagne: 11 Octobre 2007

FILMOGRAPHIE: Juan Antonio Bayona est un réalisateur et scénariste espagnol, né en 1975 à Barcelone. 2004: Sonorama (video). 2004: 10 anos con Camela (video). 2005: Lo echamos a suertes (video). 2007: l'Orphelinat. 2012: The Impossible.

Immense succès dans son pays d'origine, à l'instar de son ovation française reçue au Festival de Gérardmer (Grand Prix, Prix du Jury Sci-fi !), l'Orphelinat incarne l'archétype du Fantastique Espagnol noble lorsqu'un scénario charpenté est entièrement alloué à l'humanisme des personnages, au sens d'un mystère palpable et à l'ambiance éthérée d'un cas de hantise. En empruntant les thématiques délicates de l'enfance meurtrie, de l'instinct maternel, de la difficulté de surmonter le deuil et du sens du sacrifice, Juan Antonio Bayona se porte en conteur avisé pour mettre en exergue l'investigation rigoureuse d'une mère de famille obsédée par la disparition de son fils. Ancienne pensionnaire d'un orphelinat durant sa jeunesse, Laura décide aujourd'hui de rouvrir l'établissement pour accueillir de jeunes enfants handicapés. Mais le comportement de son fils, Simon, s'avère toujours plus inquiétant lorsqu'il se distrait avec ses potentiels amis invisibles. Le jour de l'inauguration, ce dernier disparaît sans laisser de traces. Malgré l'impuissance de la police, Laura se lance alors à sa recherche afin de le retrouver en vie puis finit par faire appel à une éminente parapsychologue. 

Autour de cette douloureuse histoire de disparition infantile Spoil !!! mais aussi du châtiment macabre intenté à de jeunes orphelins fin du Spoil !, Juan Antonio Bayona aborde le sujet de l'injustice de la mort avec la sensibilité prude de parents déboussolés en quête de vérité. En particulier du point de vue de Laura, une mère déjà ébranlée par son ancienne adoption au sein de l'orphelinat, puisque du jour au lendemain contrainte de se séparer inopinément de ses jeunes amis pensionnaires. La manière intelligente dont le cinéaste fait intervenir le surnaturel s'avère d'autant plus crédible qu'il ne fait appel à aucune esbroufe puisque préconisant la fragilité psychologique de Laura (Belen Rueda s'avérant remarquable de sobriété dans son épreuve maternelle toujours plus significative !) embarquée dans une investigation aussi macabre que fructueuse. Outre sa force dramatique impartie aux thèmes de l'enfance meurtrie, du deuil inéquitable et de la démission parentale, l'Orphelinat joue sur la notion spirituelle de l'existence en l'au-delà avec pudeur afin de dédramatiser l'angoisse du trépas. En second plan, son onirisme candide et son atmosphère feutrée laissent planer un mystère diffus autour de cette bâtisse gothique entachée de mauvais souvenirs et de secrets inavoués. Sans déflorer l'alibi de l'intrigue riche en rebondissements, le film puise donc son acuité dans le cheminement mystique de Laura emmêlée dans une énigme aussi longue et cruelle mais aussi salvatrice. 

Avec émotion et sensibilité, Juan Antonio Bayona renouvelle le film de fantôme grâce à l'intelligence d'un script retors impeccablement structuré. Car sans volonté d'ébranler le spectateur, il occulte la terreur traditionnelle pour miser sur le suspense lattent et la caractérisation humaine de ces personnages confrontés à un destin aussi funèbre que rédempteur ! Poème d'amour et de mort, l'Orphelinat se résumant à une bouleversante leçon de décence envers ces enfants martyrs épris de grâce maternelle ! 

Bruno Matéï

2èx

Assaut / Assault on Precinct 13

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de John Carpenter. 1976. U.S.A. 1h31. Avec Austin Stoker, Darwin Joston, Martin West, Laurie Zimmer, Nancy Kyes, Tony Burton, Charles Cyphers.

Sortie salles France: 5 Juillet 1978. U.S: 5 Novembre 1976

FILMOGRAPHIE: John Howard Carpenter est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur, compositeur et producteur de film américain né le 16 janvier 1948 à Carthage (État de New York, États-Unis). 1974 : Dark Star 1976 : Assaut 1978 : Halloween, la nuit des masques. 1979: Le Roman d'Elvis. 1980 : Fog 1981 : New York 1997 1982 : The Thing 1983 : Christine 1984 : Starman 1986 : Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin 1987 : Prince des ténèbres 1988 : Invasion Los Angeles 1992 : Les Aventures d'un homme invisible 1995 : L'Antre de la folie 1995 : Le Village des damnés 1996 : Los Angeles 2013 1998 : Vampires 2001 : Ghosts of Mars 2010 : The Ward.

 

Après un premier essai de science-fiction fauché (Dark Star), John Carpenter signe un coup de maître avec Assaut, variation moderne du Rio Bravo d’Howard Hawks qu’il vénère sans réserve. Mal reçu dans son pays, le film gagne pourtant ses lettres de noblesse en Europe, jusqu’à devenir culte. Inspiré aussi de La Nuit des morts-vivants, Carpenter, avec un budget dérisoire, orchestre une prouesse : narrer l’état de siège d’un commissariat assailli par une horde de meurtriers impassibles. Tout part du témoignage d’un homme réfugié dans le central 13, témoin de l’assassinat brutal de sa fille (scène-choc d’un réalisme insoutenable encore aujourd'hui) qui, dans un geste de vengeance, abat le chef du gang. Traumatisé, incapable d’articuler sa détresse après avoir vu sa fille et un marchand de glace exécutés, il entraîne malgré lui le commissariat dans un blocus infernal. Bientôt, autour du bâtiment, se regroupent des assaillants venus de toutes origines, prêts à le réduire au silence. Alors, avec l’aide de deux criminels en transfert, le shérif Ethan Bishop, la secrétaire Leigh et la standardiste Julie vont tenter de le protéger et de résister.

Modèle d’efficacité brute, Assaut enferme ses protagonistes dans un huis clos où des policiers s’allient à des criminels pour survivre, acceptant leurs divergences morales et sociales face à un ennemi commun. Ces gangsters, silhouettes fantomatiques, mutiques et véloces, prennent des allures surnaturelles dans leur attaque méthodique. Carpenter nous projette dans un western moderne quasi horrifique: action rageuse, héroïsme viril, commissariat vétuste transformé en fortin et surtout climat d'angoisse et d'inquiétude indicible qui imprègne toute la pellicule. Scandée par la pulsation électro du maître, l’ambiance crépusculaire s’agrippe d’une horreur diffuse, surtout lors des assauts silencieux au pistolet muni de silencieux : scènes d’anthologie, jouissives et glaçantes, où le silence devient une arme. Au-delà de ses éclairs de violence spectaculaires et de son ambiance sépulcrale aux allures d'apocalypse, Assaut brille par un suspense implacable et par l’engagement total de ses acteurs, jusque dans les seconds rôles inoubliables. Chacun prend des risques insensés pour éviter les balles et chercher une improbable issue. Parmi eux, l'étrange Laurie Zimmer magnétise à coeur ouvert : secrétaire téméraire, au regard doux et loyal, elle impose une force tranquille, discrète et audacieuse qui surpasse parfois ses partenaires endurcis.

Dans sa lecture sociale à la fois implacable et visionnaire, Assaut révèle une Amérique rongée par la violence (policière / délinquante) et la prolifération des armes. Mais il transcende ce constat en western urbain incandescent : mise en scène millimétrée, partition obsédante, frénésie d’action, ambiance funèbre parfois mélancolique et héroïsme désespéré. Tout concourt à hisser ce film indépendant au rang de mythe sous l'impulsion d'un sublime portrait de femme langoureuse dont je ne me suis jamais remis de son pouvoir de séduction évanescent. 

— le cinéphile du cœur noir
6èx. Vostf

Le Mort-Vivant / Dead of Night

                                                                            Photo scannée appartenant à Bruno Matéï

de Bob Clark. 1972/74. U.S.A. 1h32. Avec John Marley, Lynn Carlin, Richard Backus, Henderson Forsythe, Anya Ormsby, Jane Daly, Michael Mazes.

Sortie salles France: 20 Août 1975. U.S: 30 Août 1974  

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Bob Clark est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur américain, né le 5 Août 1941 à La Nouvelle-Orléans, en Louisiane (Etats-Unis), décédé le 4 Avril 2007 à Pacific Palisades, en Californie. 1966: The Emperor's New Clothes. 1967: She-Man. 1972: Children Shouldn't play with dead things. 1974: Le Mort-Vivant. 1974: Black Christmas. 1979: Meurtre par décret. 1980: Un Fils pour l'été. 1982: Porky's. 1983: Porky's 2. 1983: A Christmas Story. 1984: Rhinestone. 1985: Turk 182 ! 1987: From the Hip. 1990: Loose Cannons. 1995: Derby (télé-film). 1999: P'tits génies. 2004: SuperBabies.

Juste avant Black Christmas, fer de lance du psycho-killer, Bob Clark marqua les esprits avec le Mort-Vivant, authentique film culte d'une surprenante originalité pour son thème emprunté au mythe du zombie suggérant une métaphore sur le trauma vietnamien. Car sous couvert d'une intrigue horrifique au climat sévèrement mortifère, le film traite en filigrane de la difficile réinsertion des vétérans américains livrés à la folie et la solitude dans leur pays en berne. 

Le pitch: Un officier du ministère vient apprendre à la famille Brooks que leur fils Andy est mort au front vietnamien. Quelques jours plus tard, ce dernier réapparaît vivant à la stupeur des parents ! Mais déboussolé, impassible et mutique, Andy se morfond dans la solitude quand bien même un routier est retrouvé sauvagement assassiné. Une descente aux enfers commence pour la famille et leur nouveau rejeton réduit à l'état de monstre. 

Portrait glaçant d'un soldat infériorisé par sa dégénérescence physique et morale, le Mort-Vivant est un cauchemar américain d'un réalisme acéré. De par la prestance magnétique de l'acteur John Marley pourvu d'une trogne aussi famélique que rigide, et le parti-pris de sa mise en scène proche du documentaire, Le Mort-Vivant laisse en état de choc. Privilégiant l'étude de caractère des personnages, le film gagne en crédibilité lorsque le cinéaste s'attarde à souligner la situation de crise d'une cellule familiale tourmentée par le retour de leur fils, car réfugié depuis dans l'isolement. Alors que le père adopte un comportement davantage irascible et suspicieux à son égard, la mère, déjà bien perturbée de sa longue absence, préserve aujourd'hui son instinct maternel afin de le protéger contre toute culpabilité. Quand à la soeur d'Andy, elle mise pour le retrait, une manière docile de ne pas interférer dans la discorde afin d'y apaiser les tensions. Emaillé de séquences horrifiques assez malsaines, le Mort-Vivant provoque une terreur sourde pour les agissements meurtriers de ce soldat revenu de l'Enfer ! Les meurtres sauvagement perpétrés s'avérant d'autant plus déconcertants qu'Andy pratique des perfusions intraveineuses pour se nourrir du sang des victimes. Il y émane une trouble fascination face à son comportement interlope, notamment pour la variation de son look (col roulé et lunettes noires afin de panser ses plaies purulentes puis sa vision déclinante) et de sa dégénérescence physique appuyée des maquillages du débutant Tom Savini (Andy se putréfiant inexorablement en dépit de ses dernières agressions sanglantes). Qui plus est, épaulé d'une photo granuleuse et sombre, le climat glauque qui enveloppe le récit distille une atmosphère étouffante que la musique de Carl Zittrer accentue dans des tonalités dissonantes. Enfin, le film s'achève de manière bien cruelle lors d'un épilogue dérangeant resté dans les mémoires, de par son caractère poignant proprement tragique nous laissant dans un état d'amertume désemparé.

Moi, Zombie, chronique du traumatisme.
Avec audace, intelligence et originalité, Bob Clark suggère avec le Mort-Vivant un pamphlet contre la barbarie guerrière et le traumatisme des vétérans livrés à l'abandon à leur retour au pays. Grâce à l'interprétation effrayante de John Marley, aux seconds-rôles dépouillés plus vrais que nature (les parents d'Andy insufflent une empathie torturée) et à la verdeur de son réalisme, cette oeuvre ultra noire insuffle une aura putrescente auprès de sa descente aux enfers d'une rigueur infiniment cauchemardesque. 

AVERTISSEMENT ! N'optez surtout pas pour la Version Française, le doublage ultra superficiel et sa nouvelle partition musicale usurpée dénaturant sans vergogne l'identité de l'oeuvre maudite.

*Bruno

5èx. Vostfr. 13.07.24. 

Récompenses: Prix du Meilleur Scénario au Festival du film fantastique de Paris.

Prix du Meilleur Scénario au Festival du film de Catalogne, 1975