Bête mais discipliné

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Claude Zidi. 1979. France. 1h35. Avec Jacques Villeret, Michel Aumont, Michel Robbe, Kelvine Dumour, Céleste Bollack, Catherine Lachens.

Sortie salles France: 22 Août 1979

FILMOGRAPHIE: Claude Zidi est réalisateur et scénariste français né le 25 juillet 1934 à Paris.
1971 : Les Bidasses en folie. 1972 : Les Fous du stade. 1973 : Le Grand Bazar. 1974 : La moutarde me monte au nez. 1974 : Les Bidasses s'en vont en guerre. 1975 : La Course à l'échalote. 1976 : L'Aile ou la Cuisse. 1977 : L'Animal. 1978 : La Zizanie. 1979 : Bête mais discipliné. 1980 : Les Sous-doués. 1980 : Inspecteur la Bavure. 1982 : Les Sous-doués en vacances. 1983 : Banzaï. 1984 : Les Ripoux. 1985 : Les Rois du gag. 1987 : Association de malfaiteurs. 1988 : Deux. 1989 : Ripoux contre ripoux. 1991 : La Totale ! 1993 : Profil bas. 1997 : Arlette. 1999 : Astérix et Obélix contre César. 2001 : La Boîte. 2003 : Ripoux 3. 2011 : Les Ripoux anonymes, série coréalisée avec son fils Julien Zidi.

Réalisé entre La Zizanie et Les Sous-doués, Bête mais discipliné est une aimable petite comédie franchouillarde que Claude Zidi mène plus ou moins efficacement en s'épaulant de Jacques Villeret parfaitement convaincant en gaffeur timoré tentant de retrouver sa fiancée un week-end de perm. Or, contraint d'endosser le rôle d'un chauffeur ambulancier pour des agents secrets, il usera de subterfuge pour la rejoindre au moment même de découvrir son infidélité. Plaisante comédie sans prétention si bien que l'intrigue capillotractée affiche cependant un étrange climat baroque en y conjuguant la science-fiction (l'intervention du cyborg, l'expérimentation du gaz azimuté), Bête mais discipliné use du naturel de "chien battu" de Jacques Villeret pour nous amorcer les rires. Une interprétation innée à la hauteur de son talent (notamment épaulé de son charisme ventripotent) alors qu'à l'époque il n'était pas encore reconnu par la critique.

Et bien que les gags redondants ne cessent de jouer sur la caractérisation empotée de celui-ci multipliant les gaffes à l'instar d'un Pierre Richard, on prend plaisir à suivre ses vicissitudes le sourire constant aux lèvres (à défaut d'éclats de rire prévus). Notamment lorsque Claude Zidi y insuffle un léger climat de tendresse et de mélancolie en second acte depuis l'apparition d'une fillette roublarde s'éprenant d'affection pour Jacques en proie à la désillusion amoureuse. Il en émane un sympathique moment de détente aussi facétieux qu'étonnamment attachant (Villeret s'avère même parfois touchant lors de ses expressions sentencieuses), même si on déplore la pauvreté de sa mise en scène, certaines lourdeurs dans les ressorts du rire et une conclusion expéditive déconcertante quoique plutôt couillue quant à son refus du happy-end.

*Bruno
3èx 

Box Office France: 684 518 entrées

Child's Play

Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Lars Klevberg. 2019. U.S.A. 1h30 Avec Gabriel Bateman, Aubrey Plaza, Mark Hamill, Tim Matheson, David Lewis, Brian Tyree Henry

Sortie salles France: 19 Juin 2019

FILMOGRAPHIE: Lars Klevberg est un réalisateur et scénariste américain. 2019: Polaroïd. 2019: Child's Play, la poupée du mal.

Une bonne surprise que ce reboot de la célèbre saga (alimentaire) de Chucky se réappropriant du matériaux d'origine avec adresse, intelligence et même ambition; si bien que je n'aurai pas misé un clopé pour son éventuel intérêt lucratif. De par ses réflexions sur l'influence que peut générer la violence au cinéma, et par le biais des mauvaises fréquentations d'une jeunesse sevrée aux performances de l'informatique, Child's Play demeure un efficace divertissement horrifique aussi percutant que soigné. Tant auprès de sa réalisation consciencieuse donnant chair à une nouvelle poupée de sang étonnamment expressive et empathique (toute la 1ère partie relatant l'initiation amicale entre Andy et Chcuky s'avère étonnamment attachante pour faire préparer l'intrigue vers une direction autrement ombrageuse) que de son cast juvénile que Gabriel Bateman monopolise en ado apeuré puis revanchard avec une force d'expression assez dépouillée.

Lars Klevberg s'épaulant d'une narration structurée lorsqu'il s'agit de mettre en exergue la lente dérive criminelle de Chucky influencé par son entourage immature, faute de l'émancipation d'ados capricieux prenant comme modèle de pop-culture le rappeur Tupac Shakur (assassiné par un gang) ou se gaussant par exemple à la vision de films d'horreur sardoniques (au passage, joli pied de nez à Massacre à la Tronçonneuse 2 de Tope Hooper). Une poupée douée de vie plus vraie que nature car monopolisant sobrement l'écran grâce à sa prouesse technique encore plus développée que les antécédents opus ! (étonnante articulation labiale à titre éloquent !). Une plus-value de choix donc afin de renforcer la crédibilité des situations les plus improbables. Car émaillé de séquences gores parfois couillues et inventives (ça charcle pas mal lors des mises à mort les plus crapoteuses), Child's Play retombe hélas dans les convenances lors de son final éculé, mais continue toutefois d'y canaliser l'intérêt de par l'intensité des affrontements de survie se déployant au sein d'un supermarché bondée de consommateurs erratiques (là aussi à travers l'effet de masse décérébré on peut y tirer une diatribe sarcastique contre le consumérisme).

Un bon divertissement donc, d'une efficacité persuasive, que Lars Klevberg ne manque pas de substantialiser derrière une inquiétante mise en garde contre les dérives du capitalisme tributaire de l'accroissement de l'informatique et des sciences via l'électronique. Probablement la meilleure déclinaison depuis la création de son modèle de Tom Holland et La Fiancée de Chucky. 

Dédicace à Jean-Marc Micciche

*Bruno

3 Hommes et un couffin. César du Meilleur Film.

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Coline Serreau. 1985. France. 1h45. Avec Roland Giraud, Michel Boujenah, André Dussollier, Philippine Leroy-Beaulieu, Dominique Lavanant, Marthe Villalonga, Annick Alane.

Sortie salle France: 18 Septembre 1985

FILMOGRAPHIE: Coline Serreau est une actrice, réalisatrice, scénariste, compositrice et chef de chœur française, née le 29 octobre 1947 à Paris. 1977 : Pourquoi pas ! 1979 : Grand-mère de l'Islam (téléfilm). 1982 : Qu'est-ce qu'on attend pour être heureux ! 1985 : Trois hommes et un couffin. 1989 : Romuald et Juliette. 1992 : La Crise. 1996 : La Belle Verte. 2001 : Chaos. 2002 : 18 ans après. 2005 : Saint-Jacques… La Mecque. 2014 : Couleur locale (téléfilm). 2015 : Pierre Brossolette ou les passagers de la lune (téléfilm).

Même si j'avoue n'avoir jamais été fervent admirateur du succès phénomène de Coline Serreau (10 251 813 entrées rien qu'en France, excusez du peu !), je reconnais que 3 Hommes et un couffin est une bonne comédie familiale tirant parti d'une trame originale truffée de quiproquos, d'imprévus et de réparties cinglantes. Et sur ce dernier point on peut compter sur l'abattage du trio en roue libre Roland Giraud, Michel Boujenah, André Dussollier jouant les papas débonnaires avec un sens de l'improvisation très efficace pour y générer drôlerie, précipitations et cocasserie. Quand bien même Coline Serreau maîtrise à merveille les expressions naturelles du bambin lors d'un concours de circonstances maternelles. Un bon moment de détente, qui plus est non dénué de douce tendresse et de poésie quant à la candeur du couffin sujet à l'épreuve éducative.

*Bruno

Box Office France: 10 251 813 entrées

Récompenses: César du meilleur film
César du meilleur scénario original ou adaptation écrit par Coline Serreau
César du meilleur acteur dans un second rôle pour Michel Boujenah
Prix de l'Académie nationale du cinéma

INFO WIKIPIEDIA: Les circonstances de son inattendu succès !
Le film a eu un très grand succès en France (il était un des triomphateurs aux César du cinéma de 1985), obtenant trois prix, dont celui du meilleur film. Toutefois, ce triomphe en France n'eut lieu qu'après la cérémonie des Césars, ce film ayant eu un succès mitigé lors de sa sortie en salles.

Zorro

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de Duccio Tessari. 1975. France/Italie. 1h58. 120 minutes (version américaine). 124 minutes (version originale). Avec Alain Delon, Stanley Baker, Ottavia Piccolo, Moustache, Enzo Cerusico, Giacomo Rossi Stuart.

Sortie salles France: 15 Mars 1975. Italie: 6 Mars 1975. U.S: Juin 1976

FILMOGRAPHIE: Duccio Tessari, de son vrai nom Amadeo Tessari, né le 11 octobre 1926 à Gênes et mort d'un cancer le 6 septembre 1994 à Rome, en Italie, est un réalisateur et scénariste italien. 1962: Les Titans. 1963 : Le Procès des doges ou Le Petit boulanger de Venise. 1964 : La sfinge sorride prima di morire - stop - Londra. 1965 : Una voglia da morire. 1965 : Un pistolet pour Ringo . 1965 : Le Retour de Ringo. 1966 : Très honorable correspondant. 1967 : Per amore... per magia... 1968 : Meglio vedova. 1968 : Le Bâtard. 1968 : Un train pour Durango. 1969 : Mort ou vif... de préférence mort. 1970 : Quella piccola differenza. 1970 : La Mort remonte à hier soir. 1971 : Cran d'arrêt. 1971 : Forza G. 1971 : Et viva la révolution ! 1973 : Les Grands Fusils. 1973 : Les Enfants de chœur. 1974 : L'Homme sans mémoire. 1974 : Les Durs. 1975 : Zorro. 1976 : Les Sorciers de l'île aux singes 1976 : La madama. 1978 : Le Crépuscule des faux dieux. 1981 : Un centesimo di secondo. 1985 : Tex Willer e il signore degli abissi. 1985 : Baciami strega (TV). 1986 : Bitte laßt die Blumen leben. 1987 : Una grande storia d'amore (TV). 1990 : Au bonheur des chiens. 1992 : Beyond Justice. 1994 : Le Prince du désert.

Co-produit entre la France et l'Italie d'après une réalisation de Duccio Tessari (à la carrière aussi pléthorique que passionnante), Zorro est une énième adaptation du célèbre justicier redresseur de tort qu'Alain Delon, étonnamment à l'aise dans un rôle bicéphale (volontiers empoté en civil badin, fringant et goguenard en héros masqué), impose avec un panache galvanisant. Dénué de prétention à l'aide d'un budget assez solide (photo flamboyante autour de luxueux décors, costumes et figurants déployés en masse), Zorro est un divertissement bonnard truffé d'actions, de romance et de cocasserie conçu avant tout pour ravir les enfants. Quand bien même sa touche bisseuse typiquement transalpine pourrait toutefois déconcerter les puristes autant qu'agréablement surprendre les fans de cinéma de quartier. Outre ses nombreuses péripéties fertiles en affrontements à l'épée entre l'intrépide Zorro et des antagonistes plaisamment cabotins, le point d'orgue final nous vaut par ailleurs 15 minutes de bravoure épique de par sa chorégraphie aussi inventive qu'avisée. Duccio Tessari usant habilement de ses décors gothiques afin de faire progresser l'action dans des directions plutôt vertigineuses que Zorro et le colonel Huerta arpentent avec une constance à couper le souffle.

Peut-être pas aussi intense et passionnant qu'escompté mais néanmoins fort sympathique, avenant, gentiment facétieux et bon enfant, Zorro perdure son pouvoir enchanteur sous l'impulsion d'Alain Delon pleinement à l'aise dans sa posture à la fois désirable et frétillante. 

*Bruno

Box-Office France: 1 218 320 entrées.

A Vigilante

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Sarah Dagger-Nickson. 2018. U.S.A. 1h31. Avec Olivia Wilde, Morgan Spector, Kyle Catlett, Tonye Patano, Chuck Cooper, Betsy Aidem, Judy Marte, CJ Wilson.

Sortie salles U.S: 29 Mars 2019. Uniquement en Dvd en France: 25 Juillet 2019

FILMOGRAPHIE: Sarah Dagger-Nickson est une réalisatrice et scénariste américaine. 2018: A Vigilante.

Pour une première réalisation, A Vigilante est une proposition aussi intéressante que risquée de cinéma d'auteur réfrigérant (climat hivernal clairsemé à l'appui) à travers le sous-genre du Vigilante Movie. Car auprès du thème tristement actuel de la maltraitance conjugale et parentale (tant auprès des femmes que des enfants battus), Sarah Dagger-Nickson se débarrasse intelligemment des codes à travers une mise en scène chiadée opérant pour le hors-champs, la pudeur et le non-dit. L'intrigue se focalisant sur la virée expéditive d'une justicière délibérée à prêter main forte aux femmes et enfants molestés afin de mieux encaisser son propre fardeau domestique soldé de la perte de l'être cher. Porté à bout de bras par le jeu viscéral d'Olivia Wilde en femme martyr traumatisée par son calvaire marital, A Vigilante ne pourra toutefois faire l'unanimité, faute de son extrême lenteur et d'un cheminement narratif aussi déconcertant que poussif. Tant et si bien que sa dernière demi-heure davantage austère aura fini par me décourager à ma grande frustration. On peut d'ailleurs relever en dernier acte quelques incohérences et facilités lorsque cette dernière se confronte moult fois à son bourreau lors d'un jeu de cache-cache insidieux dénué de tension (spectaculaire et dramatique). 

Davantage ennuyeux ou sensiblement captivant, alors que certaines scènes puissamment poignantes nous éprouvent moralement sous l'impulsion névralgique d'une Olivia Wilde transie de souffrance morale et de cicatrices corporelles, A Vigilante est tout de même à découvrir afin de se forger sa propre opinion. 

*Bruno

Rose Bonbon

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Pretty in pink" de Howard Deutch. 1986. U.S.A. 1h36. Avec  Molly Ringwald, Harry Dean Stanton, Jon Cryer, Annie Potts, James Spader, Andrew McCarthy

Sortie salles France: 4 Juin 1986

FILMOGRAPHIE: Howard Deutch est un réalisateur et producteur de cinéma américain né le 14 septembre 1950 à New-York. 1986 : Rose bonbon. 1987 : L'Amour à l'envers. 1988 : The Great Outdoors. 1992 : Article 99. 1994 : Rends la monnaie, papa. 1995 : Les Grincheux 2. 1998 : Drôle de couple 2. 2000 : Les Remplaçants. 2004 : Mon voisin le tueur 2. 2009 : La Copine de mon meilleur ami.

Ecrit et produit par John Hughes, maître du Teen movie durant la sacro-sainte décennie 80, Rose Bonbon aborde la comédie romantique sous la houlette de Howard Deutch, cinéaste ayant officié dans le registre du divertissement populaire plutôt mainstream (si on en juge les Grincheux 2, Drôle de couple 2, Mon voisin le tueur 2). Ainsi donc, sans jamais rivaliser avec les classiques natifs des années 80 que John Hughes marqua de sa leste empreinte (la Folle journée de Ferris Bueller, Une Créature de Rêve et surtout Breakfast Club), Rose Bonbon dégage un charme et une innocence tout à fait rafraîchissant au sein d'un genre mineur trop fréquemment exposé à la trivialité ou aux convenances. Car prenant pour thème central la déception amoureuse du point de vue d'une ado en émoi sentimental et de son paternel incapable d'assumer son deuil conjugal, Rose Bonbon touche plutôt juste à travers les sentiments fragiles de ces protagonistes assaillis par la remise en question, le doute, la désillusion mais aussi l'espoir et le pardon.

Car c'est à travers la posture sentencieuse de son père, incapable de tirer un trait sur son échec marital, qu'Andre Walsh va pouvoir voler de ses propres ailes afin de transcender sa cruelle déception amoureuse qu'elle venait d'amorcer avec un bourgeois influencé par une mauvaise fréquentation (un comparse suffisant campé par un James Spader juvénile au charisme saillant). Ainsi, grâce à la force de caractère progressive de l'héroïne et à son entourage amical et familial studieusement développé au gré de traits de caractères envieux (le meilleur ami d'André éperdument amoureux d'elle), dépités (le père d'André plongé dans la chimère et le mensonge) ou contradictoires (le nouvel ami d'André à tendance bipolaire), Rose Bonbon existe par lui même pour se forger une personnalité propre. Et si on aurait préféré une réalisation un peu mieux maîtrisée ainsi qu'un rythme un peu plus tonifiant (personnellement il m'a fallu un temps d'adaptation durant la première demi-heure), Rose Bonbon parvient à faire vibrer l'empathie sans une once d'émotion programmée. Notamment en comptant sur le charme ténu, tout en discrétion de la jeune Molly Ringwald davantage touchante, puisque toujours plus expressive à travers son épreuve émotionnelle de se confronter à la complexité de l'amour lorsque la confiance est rompue.

Saturé d'une BO pop / new-wave symptomatique des années 80 autour de tenues vestimentaires aussi rétros que génialement extravagantes (notamment auprès de quelques postiches hirsutes !), Rose Bonbon parviendra à émouvoir sans fard le public réceptif à l'humanisme torturé de ces personnages en requête d'amour passionnel. Une tendre comédie romantique donc bâtie sur la capacité à s'exprimer ouvertement afin de braver la désillusion amoureuse, quelque soit l'âge endossé. 

Dédicace à Thierry Alex Rogan
*Bruno

Guet-Apens

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

"The Getaway" de Sam Peckinpah. 1972. U.S.A. 2h03. Avec Steve McQueen, Ali MacGraw, Al Lettieri, Sally Struthers, Ben Johnson, Slim Pickens, Richard Bright.

Sortie salle France: 25 Janvier 1973

FILMOGRAPHIE: Sam Peckinpah est un scénariste et réalisateur américain, né le 21 Février 1925, décédé le 28 Décembre 1984. 1961: New Mexico, 1962: Coups de feu dans la Sierra. 1965: Major Dundee. 1969: La Horde Sauvage. 1970: Un Nommé Cable Hogue. 1971: Les Chiens de Paille. 1972: Junior Bonner. Guet Apens. 1973: Pat Garrett et Billy le Kid. 1974: Apportez moi la tête d'Alfredo Garcia. 1975: Tueur d'Elite. 1977: Croix de Fer. 1978: Le Convoi. 1983: Osterman Week-end.

Parangon du film d'action novateur au sein des Seventies, de par ses éclairs de violence sanguine chorégraphiés au ralenti, Guet-apens exploite le western urbain avec une efficacité optimale. Tant et si bien que, grâce à la mise en scène irréprochable de Peckinpah (qui plus est renforcé d'un montage à couper au rasoir faisant intervenir dans un même temps diverses actions simultanées) et à sa charpente narrative particulièrement musclée (signée Walter Hill svp !), Guet-apens scande le jeu de massacre sous l'impulsion du duo mythique McQueen / MacGraw. Un couple de gangsters en pleine crise conjugale mais sur le qui vive depuis que la police et la pègre auront décidé de les alpaguer à la suite d'un hold-up meurtrier dénué de loyauté. Survival intense donc mené sur un rythme trépidant, de par ses rebondissements en pagaille (le vol du sac et la poursuite qui s'ensuit dans le train, la planque dans la benne à ordure, le règlement de compte final paroxystique, son épilogue inopinément cordial auprès d'un complice métayer - à connotation d'inégalité sociale -) et son humour sardonique parfois hilarant (le malfrat Rudy Butler et sa godiche décérébrée batifolant les amoureux avec une provocation puérile face à l'époux de cette dernière !), Guet-apens ne nous laisse aucun répit au gré des gunfights que s'échangent flics et voyous.

Mais au-delà de l'aspect jouissif de sa violence frénétique anticipée par la force tranquille de McQueen, Sam Peckinpah ne manque pas d'empathie auprès de ses anti-héros en plein doute amoureux. Alors même que leur parcours chaotique leur permettra de renouer les liens sentimentaux grâce au compromis du pardon. Ali MacGraw jouant la concubine à la fois empotée et distraite avec autant de sensibilité que de constance morale à tenir tête à son partenaire machiste et à répliquer en flingueuse justicière. Si bien que Steve McQueen joue le repris de justice aguerri avec un charisme viril proéminent dans son costard noir taillé sur mesure. De par leur jeu naturel inné (si bien qu'ils furent couples à la ville juste après le tournage !), on s'étonne d'ailleurs de prendre autant de plaisir à observer leurs chamailleries sobrement expressives, notamment auprès des moments d'intimité placides où planent les échanges de regards affectés. Peckinpah accompagnant ses moments de pudeur d'une partition musicale aussi chétive que subtilement envoûtante. Alors que quelques instants plus tard, celui-ci ne manquera pas de transgresser les règles de la moralité lorsque Doc décidera de corriger physiquement sa femme à la suite d'un écart extraconjugal.

Chef-d'oeuvre du western urbain à la mise en scène étonnamment moderne, Guet-apens resplendit de 1000 feux sous l'impulsion du duo incandescent Steve McQueen / Ali MacGraw jouant les "Bonnie and Clyde" avec une classe et un humanisme naturellement attachants. Alors qu'en guise de cerise sarcastique, on apprécie autant le charisme bourru d'Al Lettieri en truand ventripotent génialement  présomptueux et condescendant, jusqu'aux éclats de rire nerveux ! 

*Bruno
4èx

Babycall. Grand Prix, Prix de la Critique, Gérardmer 2012.

de Pal Sletaune. Norvège. 2011. 1h36. Avec Noomi Rapace, Kristoffer Joner, Henrik Rafaelsen, Vetle Qvenild Werring, Bjorn Moan, Torkil Johannes, Swensen Hoeg.

Sortie salles France: 2 Mai 2012. U.S: non daté

FILMOGRAPHIE: Pal Sletaune est un réalisateur, scénariste, producteur, né le 4 Mars 1960 en Norvège. 1994: Eating Out. 1997: Junk Mail. 2001: Amatorene. 2005: Next door. 2011: Babycall

Six ans après l'excellent thriller féministe Next Door, le norvégien Pal Sletaune renoue avec les ambiances lourdes et contractées afin d'y décrire Spoil !!! la dégénérescence mentale d'une mère de famille traumatisée par un deuil familial fin du Spoil. A la lisière de Répulsions de Polanski,  Babycall a tellement convaincu les membres du jury de Gérardmer qu'il repart avec les honneurs du Grand Prix et celui de la critique ! Anna et son jeune fils de 8 ans quittent leur foyer conjugal depuis la cause de maltraitances infligées par un mari abusif. Après avoir emménagé dans un appartement, cette dernière décide d'acheter un babyphone afin de surveiller le sommeil perturbé de son fils. Une nuit, elle entend à travers l'appareil les cris d'un enfant molesté venant de l'appartement voisin.  Drame psychologique, suspense lattent, thriller parano et fantastique diaphane se télescopent afin de jongler avec une intrigue ombrageuse. Car à travers une ambiance anxiogène renforcée par l'aigreur d'une photo désaturée, Babycall nous illustre la douloureuse introspection d'une mère de famille délibérée à protéger son fils d'un ex-mari tyrannique. Ainsi, en jouant la carte du suspense et du mystère interlope planant sur les frêles épaules de l'héroïne, Babycall nous confronte à son désarroi hanté d'incertitude, faute de son esprit torturé, mais pour autant bien consciente de souffrir d'hallucinations incontrôlées.
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Réfugiée dans la solitude d'un appartement restreint pour mieux préserver la fragilité de son fils, Anna va peu à peu se confronter à une série d'évènements inexpliqués et perdre pied avec la réalité ! C'est d'abord le babyphone préalablement acheté chez un commerçant qui émet en intermittence de violents cris d'enfant et de femme brutalisée ! C'est ensuite la visite impromptue dans l'appartement d'un garçonnet étrange et taciturne, camarade influent de son fils. Il y a aussi le conducteur d'un camion réfugié sous le parking du HLM, car transportant dans son coffre ce qui s'apparente à un cadavre empaqueté. Enfin, un assistant social un peu trop envahissant estime suspecter la jeune mère de manquer à sa responsabilité parentale pour interdire son bambin de rejoindre les classes de cours. Malaise sous-jacent, lourd et diffus, ambiance schizo découlant de facteurs contradictoires sont habilement distillés pour nous entraîner vers un drame funèbre profondément intime. Reposant sur les épaules chétives de Noomi Rapace portant le film à bout de bras, celle-ci déploie une sobre intensité dramatique à illustrer le profil versatile d'une mère désemparée, obstinée à sauvegarder l'existence de son enfant, auparavant victime d'un traumatisme. Son comportement terriblement introverti et refoulé, son regard craintif empli d'angoisse et sa perplexité à ne plus savoir dissocier la réalité du fantasme nous désarme de sa solitude meurtrie.

Baignant dans un climat d'angoisse cérébral émanant de l'esprit tourmenté d'une jeune femme en détresse maternelle, Babycall se décline en drame susceptible, transcendé du talent épuré de Noomi Rapace en mère névrosée aussi attentionnée qu'épeurée. Retranscrit avec sensibilité à travers une narration nébuleuse faisant habilement intervenir en second acte un argument fantastique (dont je tairais le thème), cette oeuvre modeste amorce son impact émotionnel auprès d'un épilogue aussi bouleversant que rédempteur.

*Bruno
09.09.19
21.03.12. 151v

Récompense: Grand Prix et Prix de la critique à Gérardmer, 2012. 

Nous finirons ensemble

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Guillaume Canet. 2019. France. 2h08. Avec François Cluzet, Marion Cotillard, Gilles Lellouche, Benoît Magimel, Laurent Lafitte, Pascale Arbillot, Clémentine Baert, Valérie Bonneton, José Garcia,
Joël Dupuch.

Sortie salles France: 1er Mai 2019

FILMOGRAPHIE: Guillaume Canet, né le 10 avril 1973 à Boulogne-Billancourt en France, est un acteur, réalisateur, producteur associé, scénariste, dialoguiste et adaptateur français. 2002: Mon Idole. 2006: Ne le dis à Personne. 2010: Les Petits mouchoirs. 2013 : Blood Ties. 2017 : Rock’n’Roll. 2019: Nous finirons ensemble.

9 ans après son joli succès public les Petits Mouchoirs, Guillaume Canet rempile pour une suite avec Nous finirons ensemble, hommage selon ses dires à Maurice Pialat à travers Nous ne vieillirons pas ensemble sorti en 1972. Et on peut dire que Canet, complètement transi par ce qu'il filme puisque  infiniment inspiré et perfectionniste, parvient haut la main à surpasser son modèle. Notamment en bouclant son intrigue avec une émotion tellement plus sobre et naturelle si on la compare au final sirupeux des Petits Mouchoirs maladroitement trivial. Hymne à la vie, à la fiesta, à l'amour et surtout à l'amitié, Nous finirons ensemble est un pur concentré de bonheur expansif comme on en voit trop peu dans le paysage français. Si bien que selon mon jugement de valeur, j'ai vécu un moment de cinéma en apesanteur de par son semblant de féerie ainsi que sa puissance d'évocation à travers moult situations que j'ai déjà personnellement vécu de manière aussi juste qu'authentique ! Il va d'ailleurs sans dire que Canet s'avère l'un des meilleurs cinéastes de sa génération à savoir diriger ses acteurs au sein de la comédie française, tant et si bien que chaque séquence semble avoir été quasi improvisée avec souci documentaire. C'est dire si l'immersion du spectateur fonctionne à plein régime à travers ses tranches de vie purement amicales où se télescopent prises de bec, éclats de rire, ébriétés et réconciliations autour d'une crise identitaire d'un sexagénaire plongé dans une lourde dépression.

Tant auprès de sa situation économique, de son ancienne relation conjugale (il est sur le point de divorcer) que de sa nouvelle épreuve  existentielle à devoir franchir le cap de la soixantaine. Faut t'il préciser que l'immense François Cluzet accomplit une fois encore une performance viscérale de par sa vigueur d'expression névralgique à nous insuffler ses sautes d'humeur cyclothymiques ! Outre la posture si justement expressive de ce dernier portant le film sur ses épaules avec autant de fragilité que de résilience dans sa requête du dépassement de soi et du désir de renouer avec la gagne, les autres acteurs qui l'accompagnent, frétillants, communicatifs, fripons, tendres et/ou écorchés, sont à la fête à travers leurs traits de caractère hétéroclites où priment les valeurs de l'amour, de la fidélité et de la cohésion amicale. A l'instar de leurs houleuses relations conjugales ou de leur nouvelle accointance sentimentale (les rapports nouvellement intimes entre Gilles Lellouche et la sémillante Marion Cotillard dans un rôle à contre-emploi de chieuse frondeuse). A la fois drôle, exaltant, lyrique et émouvant parmi la juste mesure de sobriété (aucun acteur ne cède à la caricature ou à l'outrance verbale ou gestuelle), Nous finirons ensemble nous communique un arc en ciel d'émotions bipolaires si bien que le spectateur s'identifie auprès de ces personnages, notamment en se remémorant ses propres réminiscences personnelles que Guillaume Canet parvient à réanimer sur pellicule grâce au vérisme plus vrai que nature de sa mise en scène chiadée et à la ferveur des comédiens constamment en roue libre de par leur force tranquille confondante de naturel !

La fureur de vivre. 
Comédie chorale festoyant autour des thèmes de l'amitié, de la vieillesse et de l'amour sous l'impulsion d'une communion de comédiens transpirant la bonhomie tintée de tendresse, Nous finirons ensemble redore ses lettres de noblesse au "film de potes" avec une intensité émotionnelle infiniment fructueuse dans sa capacité à remettre en question l'éthique du spectateur lui permettant de renouer avec une seconde jeunesse ! 1000 mercis Guillaume pour ce précieux écrin ! 

*Bruno

Box Office: 2 759 831 entrées

Amityville 2, "le possédé" / "Amityville 2: The Possession"

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site wrongsideoftheart.com

de Damiano Damiani. 1982. U.S.A. 1h44. Avec James Olson, Burt Young, Rytanya Alda, Jack Magner, Andrew Prine, Diane Franklin, Moses Gunn, Ted Ross, Erika Katz, Brent Katz, Leonardo Cimino.

Sortie en salles en France le 5 Janvier 1983. U.S: 24 Septembre 1982

FILMOGRAPHIE: Damiano Damiani (23 Juillet 1922 à Pasiano di Pordenone) est un écrivain, scénariste, acteur et réalisateur de cinéma italien. 1960: Jeux Précoces, 1961: Il Sicario, 1962: L'Isola Di Arturo, 1963: La Repatriée, l'Ennui et sa Diversion, 1966: La Strega in Amore, El Chuncho, 1968: Una ragazza piuttosto complicata, La Mafia fait la loi, 1970: Seule contre la Mafia, 1971: Confession d'un commissaire de police au procureur de la République, Nous Sommes tous en Liberté Provisoire, 1972: Girolimoni, il mostro di Roma, 1974: Il sorriso del grande tentatore, 1975: Un Génie, deux Associés, une Cloche, 1976: Perché si uccide un magistrato, 1977: Un Juge en Danger, 1980: Goodbye e amen, Un uomo in Ginocchio, 1981: L'avvertimento, 1982: Amityville 2, le possédé, 1985: Pizza Connection, 1986: La Gran Incognita, l'Inchiesta, 1989: Gioco al Massacro, 1990: Il sole Buio, 1992: l'Angelo con la Pistola, 2000: Alex l'ariete, 2002: Assassini dei giorni di Festa.

 

"Amityville 2 : la maison dévore ses enfants".

Trois ans après le triomphe d’Amityville, classique de la hantise encore trop mésestimé, le producteur Dino De Laurentiis confie à l’Italien Damiano Damiani la réalisation d’une préquelle. Oscillant entre film de maison maudite et possession satanique, Amityville 2 amortit son budget pour gagner, au fil des décennies, une aura de culte : pour beaucoup, il est aujourd’hui le meilleur volet de la saga.

La famille Montelli emménage à Long Island, dans leur nouvelle demeure d’Amityville. Dès leur arrivée, d’étranges signes s’éveillent — et le fils aîné se laisse happer par le souffle éthéré de la maison. Peu à peu, une force diabolique s’infiltre en lui, le ronge et l’incite au carnage.

D’après le scénario épineux de Tommy Lee Wallace, librement inspiré du massacre DeFeo, la fascination vénéneuse de cet opus tient au portrait d’une famille rongée de l’intérieur. Le père, mécréant et irascible, impose ses brutalités et ses chantages charnels ; la mère, catholique pratiquante, endure en silence ; leurs enfants, eux, subissent ces querelles qui pourrissent jusqu’au repas. Passé un premier quart d’heure égrainant des manifestations spectaculaires, l’ambiance s’épaissit — pour se lover dans l’esprit vicié du fils aîné.
Nul n’oublie la scène incestueuse où Johnny, malin comme un serpent, envoûte sa sœur compatissante — jusqu’au remords muet qui la dévore. Instant d’intimité sourdement glauque, nourri de regards troubles et d’une séduction diaphane. Bien avant cette dérive, un autre sommet s’impose : Johnny, possédé, traqué par une caméra subjective virevoltante, fuit à travers la maison avant de s’écrouler, torse nu, implorant l’entité de ne pas le violer. Une scène terrifiante, filmée comme un cauchemar fiévreux.

Tout du long, Damiani radiographie, au compte-gouttes, la contamination démoniaque de Johnny dans une atmosphère fuligineuse, sournoisement insidieuse. Il surpasse même son modèle : plus réaliste, plus poisseux, jonglant entre angoisse, impuissance et horreur. Les comédiens, eux, livrent une partition habitée : névrose, honte et perversion infusent chaque geste. Diane Franklin, en jeune sœur rattrapée par la culpabilité d’être devenue l’objet d’un tabou, fend le cœur. Jack Magner, lui, incarne l’héritier du Mal — isolé, vicieux, profanateur de chair et de foi.
Et si le dernier acte, flirtant avec L’Exorciste, fléchit dans un air de déjà-vu, il conserve un pouvoir d’inquiétude grâce à la figure pathétique du tueur juvénile et l’ultime sursaut rédempteur du prêtre. Sans sombrer dans le grand-guignol, l’exorcisme final reste concis et d’une laideur jouissive : la chair du possédé se fend sous nos yeux en lambeaux purulents.

"Le Possédé : confession d’une demeure impure".

Porté par le score entêtant de Lalo Schifrin, Amityville 2 : Le Possédé fait partie de ces rares suites qui surpassent l’original. Subversif, poisseux, anxiogène jusqu’à l’os : la perversion suinte, l’angoisse étouffe, et le massacre, filmé avec une cruauté implacable, vous arrache un frisson qui persiste.

Quant à Jack Magner, il glace, magnétique, jusqu’à l’ultime regard — à redécouvrir, d’urgence.

Note : Le film ne fut pas tourné dans la véritable maison, mais dans une autre bâtisse recréée en fac-similé.

* Bruno
06.09.19. 4èx
11.08.11. 162 v

Frère de sang 2

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Basket Case 2" de Frank Henenlotter. 1990. U.S.A. 1h30. Avec Kevin Van Hentenryck , Judy Grafe, Annie Ross , Heather Rattray , Chad Brown , Beverly Bonner , Alexandra Auder

Sortie salles U.S: 5 Octobre 1990

FILMOGRAPHIE: Frank Henenlotter est un réalisateur américain de films d'horreur né le 29 août 1950 à New-York. 1982: Frères de sang. 1988: Elmer, le remue-méninges. 1990: Frères de sang 2. 1990: Frankenhooker. 1992: Frères de Sang 3. 2008: Sex Addict.

8 ans après avoir été révélé auprès des amateurs de déviance horrifique avec le ravageur Frère de sang; Frank Henenlotter s'impose une modeste séquelle avec Frère de sang 2. Du B movie trash underground que ce dernier continue d'assumer dans son refus du conformisme si bien que seul compte pour lui déviance, vulgarité et provocation à travers le schéma d'un cartoon live bête et méchant. Ainsi, après leur défenestration; Duane et son frère Belial sont transportés à l'hôpital pour y être soignés. Mais après avoir tué un des infirmiers et pris la fuite, ils sont aimablement hébergés par la tante de Duane qui accueille en secret une étrange communauté de marginaux. Des laissés pour compte d'apparence monstrueuse que la société policée refuse d'insérer. Duane et son frère tentent alors de cohabiter au sein de cette communauté au moment même où un trio de journalistes cupides s'efforcent d'y opérer un juteux scoop.

Sans jamais rivaliser avec la qualité de son modèle, authentique film-culte étonnamment percutant et couillu dans sa disparité des genres; Frère de sang 2 réfute la redite pour nous proposer un écrin autrement singulier qu'Henenlotter ose transgresser, entre grotesque et mauvais goût débridé. Soufflant cependant le chaud et le froid, de par le côté routinier des mises à mort rehaussé pour autant d'une inquiétante scénographie d'un stylisme baroque (le colloque entre Duane et le journaliste dans la pénombre d'un bar dégage une ambiance de film noir étonnamment hybride !); Frère de sang 2 ne manque pas d'idées vrillées (notamment la pathologie d'un certain protagoniste !) pour surprendre le spectateur embarqué dans une monstrueuse parade aussi déconcertante que facétieuse. Quand bien même Henenlotter continue de développer les profils des frères siamois, particulièrement Duane toujours aussi avide d'indépendance et d'aspiration conjugale auprès de la fille de sa tante. Quant à son petit frère impotent (au maquillage de latex un peu plus élaboré !), il poursuit ici son périple meurtrier en guise de vengeance. A savoir, supprimer les journalistes délateurs avant d'y fricoter également l'amour auprès d'un binôme féminin. Henenlotter y injectant par cette occasion inusité une dérision salace effrontée par le biais d'un coït aussi graphique que dérangeant !

Ainsi donc, avec une modeste efficacité, Frank Henenlotter parvient à rendre gentiment ludique cette séquelle folingue en tablant surtout sur la hiérarchie carnavalesque des monstres de foire tentant de cohabiter avec les frères siamois avec une décontraction (délibérément) grotesque. Et ce avant qu'Henenlotter n'opère un virage à 180° pour ébranler leur sérénité en optant un retour à la case départ pour la condition uniforme de Duane / Belial ! Une séquence finale caustique aussi hallucinante que profondément dérangeante, assurément le moment le plus marquant de cette sympathique récréation potache. A réserver toutefois aux aficionados de curiosité barrée !

*Bruno
05.09.19. 3èx
12/09/16. 113 v

La Fièvre au corps

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Body Heat" de Lawrence Kasdan. 1981. U.S.A. 1h53. Avec William Hurt, Kathleen Turner, Richard Crenna, Ted Danson, J.A. Preston, Mickey Rourke.

Sortie salles France: 24 Février 1982. U.S: 28 Août 1981

FILMOGRAPHIE: Lawrence Kasdan est un producteur, scénariste, réalisateur et acteur américain né le 14 janvier 1949 à Miami Beach, Floride (États-Unis). 1981 : La Fièvre au corps. 1983 : Les Copains d'abord. 1985 : Silverado. 1988 : Voyageur malgré lui. 1990 : Je t'aime à te tuer. 1991 : Grand Canyon. 1994 : Wyatt Earp .1995 : French Kiss. 1999 : Mumford. 2003 : Dreamcatcher. 2012 : Freeway et nous.

Thriller torride autour d'un duo d'amants fébriles emportés par la vague du crime passionnel, La Fièvre au Corps rend hommage au film noir des années 50 avec une efficacité certaine à défaut de
révolutionner le genre. Car si le classicisme de sa première partie opte le déjà vu (il s'agit du même schéma meurtrier que le Facteur sonne toujours 2 fois), la maîtrise de la mise en scène posée et surtout le jeu assez magnétique du duo lubrique William Hurt (en avocat véreux coureur de jupon) / Kathleen Turner (en vamp perfide atteinte de nymphomanie) parviennent pour autant à instaurer un suspense latent prenant toute son intensité lors de sa vénéneuse seconde partie. Si bien que Lawrence Kasdan s'alloue d'un scénario solide pour nous surprendre au gré rebondissements imprévisibles d'une diabolique habileté, à l'instar de son étonnant dénouement plutôt immoral.

Outre l'aspect ludique de son intrigue criminelle soigneusement narrée et d'un érotisme ardent lors de son 1er acte régi en vase-clos étouffant, La Fièvre au corps s'avère davantage captivant auprès du témoignage de l'avocat insidieux pris dans les mailles du soupçon et de la culpabilité eu égard de ses adjoints à l'affût du moindre indice. D'une cruauté inouïe quant aux véritables propos pernicieux de sa maîtresse vénale, La Fièvre au corps ne cessera donc lors de sa seconde partie à décrédibiliser la parole de l'avocat emporté dans la tourmente de la duperie et du simulacre. Si bien qu'à ce jeu de pouvoir entre amants corrompus y émane le portrait d'une veuve noire impitoyable quant à ses ambitions cupides dénuées d'une once de compassion.

Baignant dans un climat solaire rubigineux à travers les ébats impudents du duo en rut, la Fièvre au Corps affiche un climat d'érotisme sulfureux derrière l'hommage sincère au film noir. Quand bien même William Hurt et Kathleen Turner envoûtent sans fard l'écran avec une complicité amoureuse terriblement mielleuse. A (re)découvrir. 

*Bruno
3èx

Série noire pour une nuit Blanche. Prix spécial du jury, Cognac 85.

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Into the Night" de John Landis. 1985. U.S.A. 1h48. Avec Jeff Goldblum, Michelle Pfeiffer, Stacey Pickren, Carmen Argenziano, Dan Aykroyd, Bruce McGill, Dedee Pfeiffer, Richard Farnswort.

Sortie salles France: 22 Mai 1985

FILMOGRAPHIE: John Landisest un réalisateur, acteur, scénariste et producteur américain, né le 3 Août 1950 à Chicago (Illinois, Etats-Unis). 1973: Schlock. 1977: Hamburger Film Sandwich. 1978: American College. 1980: The Blues Brothers. 1981: Le Loup-garou de Londres. 1983: Un Fauteuil pour deux. 1983: La Quatrième Dimension. 1985: Série noire pour une nuit blanche. 1985: Drôles d'espions. 1986: Trois amigos ! 1986: Cheeseburger film sandwich. 1988: Un Prince à New-York. 1991: l'Embrouille est dans le sac. 1992: Innocent Blood. 1994: Le Flic de Beverly Hills 3. 1996: Les Stupides. 1998: Blues Brothers 2000. 1998: Susan a un plan. 2010: Cadavres à la pelle.

Une merveilleuse comédie policière à travers une balade stellaire jonchée de rencontres patibulaires, de cadavres, de majordomes et de villas huppées.
Réalisateur reconnu comme un maître de la comédie décalée tout en ayant percé dans le cinéma d'horreur, le film musical et le polar avec un mutuel brio, John Landis ne perd rien de son savoir-faire avec Série noire pour une nuit Blanche récompensée du Prix Spécial du Jury à Cognac. Car maîtrisant à nouveau les ruptures de ton comme personne, John Landis nous régale d'une délicieuse intrigue criminelle truffée d'éclairs de violence, de fantasmagorie et de cocasserie à travers le cocktail d'un survival à perdre haleine. Qui plus est, magnifiquement filmé de nuit au coeur d'une cité urbaine bon chic bon genre, ce dernier y transcende la forme à travers ses villas et hôtels luxueux que Jeff Goldblum et Michelle Pfeiffer arpentent afin de déjouer les menaces tous azimuts. Dans la mesure où un quatuor de tueurs israéliens et d'autres clans mafieux sont à leur trousse afin d'empocher 6 émeraudes que Diana passa en fraude avec la complicité de son amant. Au même moment, dans un concours de circonstances aléatoires, Ed Okin se réfugia à l'aéroport depuis ses problèmes d'insomnie, faute d'avoir témoigné de l'adultère de son épouse. Mais c'est lors d'une tentative de kidnapping que nos deux héros vont se rencontrer et se prêter main forte pour un mutuel enjeu de survie. Pour ce faire, ils mettront en oeuvre leur cohésion amicale le temps restreint de deux nuits blanches. 

Ainsi donc, à travers sa moisson de péripéties et rebondissements en pagaille, ses gags hilarants et ses instants de cocasserie émaillés de plages de tendresse, Serie noire pour une nuit blanche est d'autant mieux illuminé de la complémentarité sentimentale de Jeff Goldblum / Michelle Pfeiffer en voie d'étreinte amoureuse. Celui-ci endossant avec une sobriété nuancée le rôle d'un cadre à la fois introverti et taiseux auprès de son épouse infidèle, quand bien même son parcours tumultueux avec sa nouvelle compagne lui permettra de braver les dangers en faisant preuve de bagout audacieux et d'héroïsme toujours placide. Juvénile, sémillante et sexy, Michelle Pfeiffer se fond dans le corps d'une escort girl pour autant étonnamment loyale, solidaire et indulgente quant aux rapports précaires avec son partenaire timoré plongé dans l'univers insoupçonné de la pègre meurtrière. Si bien qu'il est étonnant de constater combien John Landis s'affranchit des interdits en injectant par intermittence à son intrigue pittoresque des scènes de violence tranchées en totale contradiction avec son climat décalé de douce folie. A l'instar de la vigoureuse panique finale dans l'aéroport, pur moment d'anthologie de par son action erratique où se disputent dans la cacophonie, flics, malfrats et héros à nouveau pris en otage.

Série noire pour deux nuits blanches
C'est donc une nouvelle fois un incroyable divertissement hybride que nous offre généreusement John Landis à travers cette comédie policière effrontée déployant une pléthore de situations débridées sous l'impulsion d'antagonistes extravagants en proie aux diamants verts d'un couple emporté par la fougue d'un conte de fée aussi bien pailleté que macabre. Un régal à revoir sans se lasser. 

10/10

*Bruno
3èx

Puppet Master, The Littlest Reich. Grand Prix Gérardmer, 2019

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Sonny Laguna et Tommy Wiklund. 2018. U.S.A. 1h29. Avec Thomas Lennon, Jenny Pellicer, Nelson Franklin, Charlyne Yi, Michael Pare

Sortie en VOD, U.S: 17 Août 2018

FILMOGRAPHIE: Sonny Laguna est un réalisateur et scénariste américain. 2018: Puppet Master: The Littlest Reich. 2015 We Are Monsters. 2012 Cabin of the Death. 2011 Blood Runs Cold. 2010 Madness (Video). Tommy Wiklund est un réalisateur, scénariste et producteur américain. 2018: Puppet Master: The Littlest Reich. 2015 We Are Monsters. 2012 Cabin of the Death. 2010 Madness (Video). 2006 Jag såg min bäste vän dö (Video).

12 è volet de la franchise créé par Full Moon, Puppet Master the littlest Reich s'apparente à un épisode lambda de la saga Vendredi 13 de par l'ossature de son pitch sans surprise, dénué d'enjeux dramatiques, ses situations aussi routinières qu'éculées et ses meurtres métronomes que le duo Sonny Laguna / Tommy Wiklund met en exergue sans passion. Et ce en dépit d'un cast convaincant d'autant bien dirigé et de la qualité des FX nanti de maquillages ultra gores. Seul véritable intérêt de cette franchise (ultra) mineure puisqu'elle ne se contente de nous divertir qu'à travers ses scènes chocs sardoniques souvent percutantes et inventives à défaut de nous immerger dans un huis-clos de tous les dangers dénué d'intensité dramatique et de rebondissements (en dépit de son épilogue bizarroïde avec l'intervention de Toulon). Quant à son inexplicable Grand Prix décerné à Gérardmer, il restera pour moi aussi injustifié que les surfaits Dream Lover, Patrick et Darkside, les contes de la nuit noir primés à Avoriaz, quand bien même sa facture téléfilmesque (épaulé d'un scope inutile !) renforce un peu plus le côté aseptique de l'entreprise.

*Bruno