Médecin de Nuit

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Élie Wajeman. 2020. France. 1h22. Avec Vincent Macaigne, Sara Giraudeau, Pio Marmaï, Sarah Le Picard, Florence Janas, Lou Lampro, Ernst Umhauer.

Sortie salles France: 16 Juin 2021

FILMOGRAPHIE: Élie Wajeman est un auteur, réalisateur et scénariste français né le 21 août 1980. 2012 : Alyah. 2015 : Les Anarchistes. 2020 : Médecin de nuit. 

"Dans chaque rue, il y a un inconnu qui rêve d'être quelqu'un. C'est un homme seul, oublié, qui cherche désespérément à prouver qu'il existe."

Probablement influencé par la série TV homonyme créée par Bernard Kouchner, Hervé Chabalier et  Gilles Bression et diffusée entre le 22 septembre 1978 et le 27 juin 1986 sur Antenne 2, Médecin de Nuit en reprend le concept de base (la virée nocturne d'un praticien soignant ses malades à leur domicile le temps d'une nuit de labeur) sous un contexte contemporain de misère sociale (la toxicomanie juvénile) et de corruption professionnelle (trafic d'ordonnances pour la prescription de Subutex). Magnifique portrait d'un individu paumé victime de sa clémence, de sa fragilité morale et de son altruisme débonnaire,  Vincent Macaigne porte le film à bras le corps au coeur de cette cité urbaine crépusculaire que l'on croirait extirpée des années 80 (alors que le film, très sombre et clinique, semble hors du temps par ce classicisme monocorde dénué de fioriture). Le réalisateur recourant avec certain souci documenté à l'ambiance anxiogène, davantage dépressive au fil des déambulations de Mickaël très attaché à prêter main forte aux plus précaires et démunis (surtout les jeunes toxicos) tout en tentant de sauver son couple en dépit de son attirance pour sa jeune maîtresse (plus lucide que lui car sans illusion). 

Tous les interprètes, criants de naturel, jouant sobrement leur humanisme contrarié, empathique autour de ce médecin lunatique plongé dans un imbroglio vénal parmi la complicité du cousin Dimitri auquel il livre ces ordonnances. Riche d'intensité dramatique pour ce profil torturé se remettant sans cesse en question dans une posture contradictoire incohérente, Vincent Macaigne apporte une aspérité psychologique captivante à tenter de s'extraire maladroitement de sa besogne peu recommandable. Car anti-héros dénué de manichéisme, celui-ci cherche désespérément du fond de sa conscience démunie une main secourable puisque accablé par sa solitude et ses remords de s'être adonné à autant de charité se retournant au final contre lui. Homme enfant si j'ose dire probablement blessé par une démission parentale lors de son enfance (ça n'est que ma réflexion personnelle) et par une société arbitraire à 2 vitesses, Mickael arpente les rues parisiennes entre angoisse morale et cri de rage externe, notamment en tenant compte de ses ripostes physiques qu'il ose opérer contre ses antagonistes dénués de morale. Une manière expéditive d'y prouver son autorité au moment d'y essuyer moult menaces et chantages toujours plus draconiens. 

Un monde sans pitié

Séance intime de cinéma vérité anti diction théâtrale (rare pour ne pas le souligner dans le paysage du cinéma Français), Médecin de Nuit se décline en odyssée urbaine désenchantée (de triste actualité) à travers son climat de déréliction tangible que les interprètes insufflent avec un humanisme désargenté. La mise en scène, prude et personnelle, étant entièrement soumise à leurs actions fébriles au sein de cette cité atone évanescente (avec un dénouement bipolaire laissant libre choix au spectateur d'y opérer sa propre conclusion). Un des meilleurs films de 2021, toutes nationalités confondues.

*Eric Binford

Total Recall

                                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Paul Verhoeven. 1990. U.S.A. 1h53. Avec Arnold Schwarzenegger, Rachel Ticotin, Sharon Stone, Ronny Cox, Michael Ironside, Marshall Bell, Mel Johnson Jr.

Sortie salles France: 17 Octobre 1990 (Int - 12 ans). U.S: 1er Juin 1990

FILMOGRAPHIE: Paul Verhoeven est un réalisateur néerlandais, né le 18 Juillet 1938 à Amsterdam. 1971: Business is business. 1973: Turkish Delices. 1975: Keetje Tippel. 1977: Le Choix du Destin. 1980: Spetters. 1983: Le Quatrième Homme. 1985: La Chair et le Sang. 1987: Robocop. 1990: Total Recall. 1992: Basic Instinct. 1995: Showgirls. 1997: Starship Troopers. 2000: l'Homme sans Ombre. 2006: Black Book. 2016: Elle. 2021 : Benedetta. 

Blockbuster inspiré d'une nouvelle de Philip K. Dick sous la houlette du hollandais Paul Verhoeven, Total Recall demeure un excellent film d'action transplanté dans le cadre d'une anticipation schizophrène. Et ce en dépit d'effets spéciaux aujourd'hui kitchs mais néanmoins réussis, ce qui renforce aujourd'hui un charme rétro non négligeable. Le scénario irracontable relatant la tentative houleuse de Douglas Quaid à récupérer sa mémoire après avoir (peut-être) participé à un voyage sur Mars grâce à ses vagues réminiscences. En dépit d'un récit sciemment confus ne cessant de semer le doute sur ce que nous voyons et interprétons au fil du parcours moral du héros en constante interrogation identitaire, Total Recall est avant tout un généreux film d'action mené de main de maître par un Paul Verhoeven assez décomplexé à travers le parti-pris de sa violence sanguine à la fois caustique et sardonique. Arnold Schwarzenegger se prêtant au jeu du héros pugnace avec une aisance confirmée si bien que l'on peut prétendre qu'il s'agit sans doute d'un de ses rôles les plus probants à travers sa détermination acharnée à récupérer son profil en compagnie d'une brune aussi farouche que solidaire. 

La méconnue Rachel Ticotin lui partageant la vedette dans une expression spontanée en guerrière latino soutenant le héros pour tenter de dénicher le réacteur à oxygène appartenant à la planète Mars que l'ignoble Cohaagen prive de ses habitants mutants en dictateur mégalo. Quand bien même Sharon Stone participe à la trouble aventure en vénéneuse traitresse usant autant de son charme torride que de son bagout afin de convaincre Quaid qu'il est bel et bien son époux souffrant de grave paranoïa. Enfin, le génial Michael Ironside use lestement de son charisme hostile pour alpaguer durant tout le périple le retors Quaid (notamment grâce à ces gadgets futuristes - à l'instar de l'hologramme - qu'il actionne contre ses ennemis) épaulé de ses sbires armés jusqu'aux dents. Le récit extrêmement nerveux ne lésinant pas sur les gunfights sanglants au gré de chairs déchiquetées par les déflagrations. 

Voyage au centre de la mémoire. 

Inventif, dépaysant, drôle et sans prétention de par ses délirants effets de surprises, rebondissements et détails visuels émanant d'une rutilante scénographie stellaire, généreux en diable pour son action ultra violente impeccablement coordonnée (le dynamisme du montage n'a pas pris une ride !), Total Recall déménage en diable auprès de sa course poursuite effrénée que Schwarzenegger domine avec sa traditionnelle carrure mastard. Le tout servi par un dédale narratif assez captivant de Philip K. Dick nous interrogeant sur la part ambivalente de rêve et de réalité issue d'une schizophrénie que tout un chacun pourrait subir sans s'en apercevoir. 

P.S: Copie 4k fastueuse redorant assurément une seconde jeunesse au métrage. 

*Eric Binford. 

5èx

Un Faux Mouvement. Grand Prix / Prix de la Critique, Cognac 93.

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

"One False Move" de Karl Franklin. 1992. U.S.A. 1h46. Avec Bill Paxton, Cynda Williams, Billy Bob Thornton, Michael Beach, Jim Metzler 

Sortie salles France: 5 Mai 1993. U.S: 8 Mai 1992

FILMOGRAPHIE: Carl Franklin, né Carl Michael Franklin, est un réalisateur et acteur américain né le 11 avril 1949 à Richmond (Californie). 1989 : Nowhere to Run. 1989 : Eye of the Eagle 2: Inside the Enemy. 1990 : Full Fathom Five. 1992 : Un faux mouvement. 1993 : Laurel Avenue (TV). 1995 : Le Diable en robe bleue. 1998 : Contre-jour. 2002 : Crimes et Pouvoir. 2004 : Out of Time. 

Loin d'être passé inaperçu, tant par la critique unanime de l'époque (celles des journaux, internet étant apparu dans les foyers en 94) que de son Grand Prix et Prix de la Critique à Cognac, Un faux Mouvement ne nous laisse pas indemne sitôt le générique bouclé. Ca démarre fort avec un prologue meurtrier proprement insoutenable lorsque trois malfrats, une métisse, son compagnon blanc et un black de type intello déciment les membres d'une soirée festive pour un enjeu de cocaïne. La violence, rigoureuse, abjecte, crapuleuse, purement gratuite nous horrifiant la vue de par l'exaction sadique d'un des tueurs recourant au self control afin de parfaire sa besogne. Une séquence abominable qui me hantera personnellement à jamais tant son réalisme cru, mais non complaisant, parvient à retranscrire avec souci de vérité le désarroi de la victime féminine aussi impuissante que suppliante face à son tortionnaire. Eprouvant et profondément malsain, ce carnage domestique ne laissera nul répit aux victimes bâillonnées réduites comme objets de soumission. La suite n'est qu'une traque langoureuse entre ce trio de psychopathes poursuivi par 2 flics émérites et un jeune shérif champêtre, et qui, durant l'enquête, tentera de prouver à ces policiers de la ville qu'il est à la hauteur de les appréhender après les avoir surpris de railleries contre lui. 

Bill Paxton endossant à la perfection ce shérif naïf et inconséquent à l'évolution morale plus complexe qu'elle n'y parait, notamment si je me réfère aux rapports étroits qu'il eut entamé autrefois avec l'un des 3 malfrats. Ainsi, en conjuguant le film noir âpre et désespéré avec le drame familial d'une intensité dramatique graduelle, Un faux Mouvement nous immerge de plein fouet dans cette équipée immorale par le biais d'une ambiance crépusculaire davantage élégiaque. Tant et si bien que l'on redoute inévitablement l'issue de cette sordide virée criminelle avec un désarroi appréhensif, la gorge nouée au bord des larmes. Notamment en s'attachant aux personnages les plus paumés et infortunés que personnifient le shérif Dale Dixon et Lila, jeune métisse influençable, lâche et pathétique mais pour autant nantie d'une affectation maternelle franchement poignante. Karl Franklin se chargeant d'humaniser ses personnages complexés Spoil ! par le biais de leur passé conjugal à la fois chaotique, déviant, équivoque, désargenté. Autrement dit un couple raté n'ayant jamais su remonter la pente, faute de sermons et cruelle rancoeur d'origine xénophobe Fin du Spoil. 

Virée criminelle d'une grave intensité dramatique, tant auprès de ses éclairs de violence incontrôlés que le public subit avec dégoût et amertume, que des rapports psychologiques des personnages les plus torturés et vulnérables, Un Faux Mouvement s'édifie en chef-d'oeuvre crépusculaire (l'ambiance solaire envoûtante cède ensuite place aux nuits viciées de la façon la plus imprévue) sous l'impulsion d'un cast irréprochable faisant parfois froid dans le dos à travers leur perversité d'un flegme glaçant (Billy Bob Thornton et surtout Michael Beach plus dépouillé que son partenaire formant un tandem résolument insidieux et décomplexé). Un des plus grands polars des années 90 d'une saveur d'âpreté toujours intacte, si bien qu'il se doit d'être réservé à un public averti.

*Eric Binford

21.10.21. 4èx
28.03.01

Titane. Palme d'Or, Cannes 2021

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Julia Ducournau. 2021. France/Belgique. 1h48. Avec Vincent Lindon, Agathe Rousselle, Garance Marillier, Laïs Salameh, Dominique Frot, Myriem Akheddiou, Bertrand Bonell.

Sortie salles France: 14 Juillet 2021. U.S: 1er Octobre 2021

FILMOGRAPHIE: Julia Ducournau est une réalisatrice et scénariste française née le 18 novembre 1983 à Paris. 2011 : Mange (téléfilm co-réalisé avec Virgile Bramly). 2016 : Grave. 2021: Titane. 

Révélé par l'oeuvre choc Grave et son Grand Prix (mérité) à Gérardmer, Julia Ducournau n'en finit plus de déranger les consciences avec sa nouvelle provocation, Titane, pour le coup couronné de la Palme d'Or à Cannes ! Ca-rré-ment ! Aussi improbable que cela puisse paraître comme ont pu le souligner le public de la croisette médusé par son contenu indocile. Une hérésie diront certains, une farce de mauvais goût vociférèrent d'autres ! A tort mais aussi à raison si bien que l'on se demande ce qui a bien pu passer par la tête des membres du jury d'ovationner une oeuvre trash aussi marginale, aussi décalée, aussi viscéralement malaisante, pour ne pas dire dérangeante ad nauseam (principalement pour la séquence finale anthologique relevant de l'impensable Spoil ! en mode Tetsuo si je puis dire Fin du Spoil). Car d'une rutilante beauté à travers sa photo clinquante, ses effets de style baroques et sa sensualité sulfureuse jonglant avec la bisexualité, Titane ne ressemble à rien de connu bien que certaines références au cinéma de Cronenberg et à Crash sont sciemment nécessaires par sa réalisatrice férue de passion  amoureuse pour le maître canadien adepte de la nouvelle chair. Parlons en de cette nouvelle chair qui semble prendre possession du corps de cette tueuse en série contrainte d'apprendre à aimer un père de substitution afin d'échapper à la police suite à ces homicides sanguins (violence crue à l'appui en mode Gaspard Noe).  

L'actrice Agathe Rousselle se vouant corps et âme à se tailler une carrure dégingandée de monstre transgenre afin de taire sa véritable identité souillée par le sang et la démission parentale. Portant le film à bout de bras, celle-ci parvient autant à nous enivrer qu'à nous déstabiliser dans sa psychopathie irrévocable à la suite du traumatisme accidentel de son enfance. Sa transformation corporelle donnant lieu à un climat de malaise à la fois sous-jacent puis tangible au fil de son évolution morale à changer d'identité pour l'amour du nouveau père. Constamment inquiétant, vénéneux, toujours imprévisible (d'où le plaisir constamment éprouvé au fil de l'intrigue reptilienne dont on ignore l'issue éventuelle de rédemption !), décalé et parfois déjanté, Titane tire parti de son pouvoir attractif de par la mise en scène infiniment inspirée de Julia Ducournau déclarant sa flamme au cinéma hétérodoxe conçu pour diviser le public. Vous voilà donc à nouveau prévenu après le controversé Grave que certains ont radicalement discrédité (ce qui ne risque pas de les réconcilier avec Titane). Car outre l'intensité expressive de son étonnant casting (notamment Vincent Lindon monopolisant l'écran en pompier toxico incapable d'assumer sa perte filiale - son meilleur rôle à l'écran -), Titane demeure aussi original que constamment inventif à nous servir sur un plateau faisandé une intrigue sinueuse faisant office d'expérimentation viscérale. La réalisatrice s'efforçant de troubler, déranger par le brio de sa mise en scène parfois frontale (sa violence incisive) ainsi que par les comportements physiques des 2 anti-héros du récit (Alexia / Vincent s'apprivoisant mutuellement) martyrisant leurs corps par les effets laxatifs de la drogue et du sexe. 

Plaidoyer pour le droit à la différence et à la liberté sexuelle (quelque soit notre orientation) dans une mise en forme sciemment marginale et burnée, Titane se décline en authentique oeuvre culte à travers sa capacité formelle et viscérale d'y transfigurer (le verbe est sciemment un peu fort !) un amour paternel désespéré où la tendresse humaniste ne peut se concevoir qu'à partir d'une nouvelle chair scarifiée de plaies inguérissables. Une oeuvre bâtarde au demeurant n'ayant jamais la prétention de divertir son public pour le caresser dans le sens du poil. Car comme avec l'éclatant Grave et sa satire du végétarisme, Titane ne cessera de diviser faute de sa subtile outrance aussi malaisante que fascinante. En tout état de cause, il s'agit selon moi d'une vraie proposition de cinéma biologique sortant des sentiers battus (au risque délibéré de me réitérer) si bien que l'on s'extrait de la séance, entre soulagement, catharsis, ivresse et interrogation de ce à quoi nous venons de vivre et de participer.  

P.S: Julia, si tu me lis demain (soyons un tantinet perché), je t'aime les yeux fermés 💗

Récompense: People's Choice Award du Festival de Toronto. 

Palme d'Or, Cannes 2021

- (En attendant son éventuelle récompense aux Oscars)

                                  Ce qu'en a conclu l'ensemble de la critique : 

Le Fils de Frankenstein

                                                                      Photo empruntée sur Google 

"Son of Frankenstein" de Rowland V. Lee. 1939. U.S.A. 1h39. Avec Basil Rathbone, Boris Karloff, Bela Lugosi, Lionel Atwill, Josephine Hutchinson, Donnie Dunagan, Emma Dunn.

Sortie salles France: 29 Mars 1939

FILMOGRAPHIE PARTIELLE: Rowland Vance Lee, né le 6 septembre 1891 à Findlay et mort le 21 décembre 1975 à Palm Desert (États-Unis), est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur américain. En tant qu'acteur, il est crédité sous le nom de Rowland Lee.1931 : The Guilty Generation. 1932 : That Night in London. 1933 : Révolte au zoo. 1933 : I Am Suzanne! 1934 : Le Comte de Monte-Cristo. 1934 : Gambling. 1935 : Cardinal Richelieu. 1935 : Les Trois Mousquetaires. 1936 : One Rainy Afternoon. 1937 : L'Étrange visiteur. 1937 : L'Or et la Chair. 1938 : Bonheur en location. 1938 : Service de Luxe. 1939 : Le Fils de Frankenstein. 1939 : Frères héroïques. 1939 : La Tour de Londres. 1940 : Le Fils de Monte-Cristo. 1942 : Powder Town. 1944 : The Bridge of San Luis Rey. 1945 : Le Capitaine Kidd. 

Ultime épisode de la trilogie Frankenstein immortalisée par Boris Karloff, le Fils de Frankenstein fleure bon l'épouvante vintage sous la houlette de Universal (Monsters). Car bien que l'acteur regrette d'avoir participé à ce 3è opus, le Fils de Frankenstein est une splendide réactualisation du mythe de par sa fulgurance formelle (noir et blanc expressionniste, décors baroques au sein du vaste château, cadrages alambiqués, éclairages contrastés) et l'efficacité d'une intrigue mettant en exergue les exactions perfides de l'assistant Igor magnifiquement incarné par Bela Lugosi. Probablement un de ses meilleurs rôles tant l'acteur se délecte à se tailler une carrure démanchée, faute de son cou brisée par la pendaison, qui plus est saturé d'un regard sournois transpirant le vice à travers son rictus édenté. Ce dernier jouant une fonction faussement paternelle auprès du monstre afin de se venger des responsables de sa pendaison auquel il réchappa in extremis. 

Dans celui du baron Wolf (loup y est tu ?), fils de Henry Frankenstein, Basil Rathbone excelle également à se compromettre à la complicité d'une résurrection depuis que le monstre est plongé dans un coma. Son amitié équivoque avec le policier Krogh (excellement incarné par Lionel Atwill avec son bras amovible plus vrai que nature !) nous caractérisant peu à peu un homme plutôt lâche et impuissant à loser lui ébruiter la vérité en dépit des morts qui s'accumulent au village maudit de nouveau hanté par la présence du monstre. Et bien que cet opus ne soit pas réalisé par l'illustre James Whale, Rowland V. Lee s'en sort haut la main à honorer dignement la franchise, notamment en y respectant le choix de Karloff à renouer avec la pantomime (à contrario du précédant volet donc) afin de rendre encore plus fascinant le monstre à nouveau victime de l'arrogance de l'homme ici voué à se venger. Le monstre répétant à son tour la même démarche punitive (tel père, tel fils !) à un moment propice de l'intrigue, de manière habile à relancer l'action vers un axe autrement dramatique.  

Aussi fascinant pour ses décors baroques vus nulle part ailleurs que passionnant pour la caractérisation consciencieuse de ses personnages jouant à nouveau les apprentis sorciers sous la mainmise d'un odieux forgeron que Lugosi immortalise au point d'y voler presque la vedette du monstre, le Fils de Frankenstein, s'il n'atteint pas la dimension poétique de ses prédécesseurs, demeure un classique incontournable de la Universal de par son authenticité monochrome infiniment minutieuse. Un fascinant spectacle donc remarquablement mené sans temps morts. 

*Eric Binford

2èx

Les Grands Fonds / "The deep"

                                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Peter Yates. 1977. U.S.A. 2h04. Avec Robert Shaw, Jacqueline Bisset, Nick Nolte, Louis Gossett Jr., Eli Wallach, Dick Anthony Williams. 

Sortie salles France: 21 Septembre 1971. U.S: 17 Juin 1977

FILMOGRAPHIE: Peter Yates, né le 24 juillet 1929 à Aldershot et mort le 9 janvier 2011 à Londres1, est un réalisateur britannique. 1964 : One Way Pendulum. 1967 : Trois milliards d'un coup. 1968 : Bullitt. 1969 : John et Mary. 1971 : La Guerre de Murphy. 1972 : Les Quatre Malfrats. 1973 : Les Copains d'Eddie Coyle. 1974 : Ma femme est dingue. 1976 : Ambulances tous risques. 1977 : Les Grands Fonds. 1979 : La Bande des quatre. 1981 : L'Œil du témoin. 1983 : L'Habilleur. 1984 : Krull. 1985 : Eleni. 1987 : Suspect dangereux. 1988 : Une femme en péril. 1989 : Délit d'innocence. 1992 : Year of the Comet. 1995 : Un ménage explosif.

Film oublié, voire mésestimé - peut-être parce qu’il s’agit de l’adaptation d’un roman de Peter Benchley, et que deux ans plus tôt Les Dents de la mer raflait tout en révolutionnant le blockbuster horrifique - Les Grands Fonds demeure pourtant un formidable film d’aventures, comme on n’en fait plus aujourd’hui. Car si l’intrigue se réduit à un schéma convenu, la mise en scène solide de Peter Yates (Bullitt, excusez du peu), l’implication résolue de son prestigieux casting (Jacqueline Bisset, Robert Shaw et Nick Nolte se partageant l’affiche en aventuriers en herbe), et ce climat sous-marin envoûtant insufflent un rythme nerveux, aussi captivant que tendu, dans ses effets de suspense dramatique.

Mais si Les Grands Fonds demeure aussi plaisant que charmant à travers son cadre exotique magnifié par le scope et une photographie saturée, il le doit surtout à la dextérité de Yates, à son art de conter avec une limpidité charpentée. En misant sur l’enjeu d’une improbable chasse au trésor, entre flots bleus et luttes acharnées entre bons et méchants, il cultive un réalisme quasi documentaire : la beauté des fonds marins, la présence de poissons parfois hostiles, l’épave qui recèle autant de merveilles que de déconvenues. À cela s’ajoute une violence oppressante, qui ne lésine pas sur une cruauté crue. Les rebondissements et corps-à-corps, intenses et scrupuleusement incarnés, confèrent une vigueur qui nous fait craindre pour le sort des protagonistes, même secondaires, tout en souffrant de leurs blessures infligées par des antagonistes sournois.

Divertissement d’aventure artisanal, fort de la rigueur de sa mise en scène, de l’aplomb de ses comédiens et de sa scénographie maritime à la fois inquiétante et fascinante - avec ses multiples déconvenues que les héros affrontent avec un sobre héroïsme - Les Grands Fonds ne se laisse jamais engloutir par l’ennui. Sa trame fertile en détails historiques crédibilise l’origine du trésor convoité par d’audacieux baroudeurs. Un film très agréable, dépaysant en diable.

 

— le cinéphile du cœur noir

2èx

La Compagnie des Loups / The Compagny of Wolves. Prix Spécial du Jury, Avoriaz 1985.

                                         
                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Neil Jordan. 1984. Angleterre. 1h35. Avec Sarah Patterson, Angela Lansbury, David Warner, Tusse Silberg, Micha Bergese, Graham Crowden, Kathryn Pogson.

Sortie salles France: 23 Janvier 1985. U.S: 19 Avril 1985. Angleterre: 21 Septembre 1984

FILMOGRAPHIE: Neil Jordan est un réalisateur, producteur, scénariste et écrivain irlandais, né le 25 Février 1950 à Sligo. 1982: Angel. 1984: La Compagnie des Loups. 1986: Mona Lisa. 1988: High Spirits. 1989: Nous ne sommes pas des Anges. 1991: L'Etrangère. 1992: The Crying Game. 1994: Entretien avec un Vampire. 1996: Michael Collins. 1997: The Butcher Boy. 1999: Prémonitions. 1999: La Fin d'une Liaison. 2002: L'Homme de la Riviera. 2005: Breakfast on Pluto. 2007: A vif. 2009: Ondine. 2012: Byzantium

Adaptation cinématographique du fameux conte de Perrault, la Compagnie du loup empreinte la légende du Petit Chaperon Rouge dans une texture horrifico-hermétique. Si bien qu'à travers les songes d'une jeune adolescente en émoi sexuel, Neil Jordan nous confine dans un univers particulièrement baroque où la féerie côtoie l'étrangeté la plus indicible. Entièrement tourné en studio afin d'accentuer le côté fantasmatique des "rêves" de l'héroïne, le film baigne dans un esthétisme onirique lestement envoûtant parmi son village médiéval implanté au coeur d'une forêt auquel les animaux font office d'effigie. En l'occurrence, il n'y a pas vraiment de structure narrative mais plutôt un assemblage d'historiettes fondées sur la crainte du loup. Une manière d'interpeller l'éveil à la séduction d'une adolescente surprise par sa croissance physique et intellectuelle (notamment son attirance/répulsion pour le passage à l'âge adulte). Le loup étant ici une métaphore afin de mettre en exergue le côté prédateur de l'homme lorsqu'il s'agit d'un dangereux séducteur prêt à commettre ses méfaits sexuels sur une jeune pubère. Ainsi, à travers cette analogie, on peut d'ailleurs y déceler une mise en garde de la pédophilie (et des pervers paraphiles) si bien qu'ici l'adulte est pleinement conscient d'y courtiser une adolescente candide. 

Imprégné d'images picturales où les animaux et la nature y communient, et émaillé de symboles métaphoriques, la Compagnie des Loups transcende l'excursion baroque d'une jeune fille prête à aborder le grand méchant loup. Dans un climat diaphane à l'aura impénétrable, Neil Jordan réussit à transfigurer le conte de fée en cauchemar psychanalytique pour les rapports de couple (les thèmes de l'adultère, de la phallocratie et du flirt dominent leur comportement). A l'instar du jeu de séduction qu'entretiennent l'homme et la femme, leur attirance charnelle étant extériorisée par la pulsion sexuelle. Quand bien même notre petit chaperon maquillé de rouge à lèvres finira par se laisser influencer par l'apparence sournoise du loup. Pour les brèves séquences de transformation, si les FX peuvent aujourd'hui paraître un brin datés lors de certains plans, il ne manque pas d'originalité dans leur conception afin de se distinguer de ses homologues ayant préalablement accompli le miracle technique (l'inévitable diptyque: Hurlements, le Loup-garou de Londres). Enfin, on peut saluer la présence charismatique des comédiens (les rôles impartis à la grand-mère et au chaperon rouge semblent s'être littéralement évacués du conte de Charles Perrault !), des personnages iconiques se combinant parfaitement avec l'environnement dépeint.

Abstrait et opaque en bousculant intelligemment nos habitudes puis davantage envoûtant et majestueux lors d'un long final confinant au sublime, La Compagnie des Loups demeure la caractérisation idéale du cinéma fantastique d'auteur tentant de proposer au public un spectacle atypique, voir difficile d'accès en y réfutant les conventions et la trivialité du divertissement standard. Ainsi, à l'instar du célèbre livre de Charles Perrault, La Compagnie des Loups est un chef-d'oeuvre destiné à la pérennité, à revisionner plusieurs fois pour mieux l'apprivoiser, notamment pour en savourer toute sa substance dangereusement lascive.  

*Eric Binford

17.01.14. 306 v

13.10.21. 4èx

20.09.24. 5èx. Vostfr.

Récompenses: Prix Spécial du Jury à Avoriaz, 1985
Grand Prix, Prix de la Critique, Prix des Effets-spéciaux, Sitges 1984
Prix du meilleur film, meilleurs effets spéciaux (Christopher Tucker) et prix de la critique internationale au Festival du film de Catalogne, 1984.
Mention Spéciale au Fantafestival, 1985

Prix du meilleur film, prix du jury, prix de la critique et prix des meilleurs effets spéciaux au Festival de Fantasporto, 1985.

Sanglante Paranoïa / Brain dead

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Adam Simon. 1990. U.S.A. 1h24. Avec Bill Pullman, Bill Paxton, Bud Cort, Nicholas Pryor, Patricia Charbonneau, George Kennedy 

Sortie salles France: 27 Janvier 1993 (Janvier 90 à Avoriaz). U.S: 19 Janvier 1990

FILMOGRAPHIE: Adam Simon, né le 6 février 1962 à Chicago, dans l'Illinois (États-Unis), est un scénariste et réalisateur américain. 1990 : Sanglante Paranoïa. 1992 : Body Chemistry II: The Voice of a Stranger. 1993 : Carnosaur. 

Série B native de 1990 mais sortie chez nous 3 ans plus tard; Sanglante Paranoïa est un sympathique divertissement horrifique surfant sur le concept paranoïde de l'éprouvant l'Echelle de Jacob. Interprété par Bill Pullman et Bill Paxton dans des rôles inévitablement équivoques, le récit, redondant mais pour autant efficace, relate la schizophrénie galopante d'un éminent neurochirurgien, Rex Martin, décidé à opérer John Halsey, brillant mathématicien devenu paranoïaque à la suite du massacre de sa famille. Alors que l'opération demeure un succès (le sujet semble retrouver la raison); Rex Martin perd peu à peu la boule à la suite d'hallucinations sanglantes. 

Ainsi, en suivant le délire psychotique de celui-ci lourdement éprouvé par sa nouvelle identité (tout l'entourage le prend pour John Halsey !), le spectateur ne parvient plus comme lui à distinguer la réalité des hallucinations récursives à travers des séquences ubuesques dénuées de raison. D'où l'intérêt expérimental du métrage à nous semer (parfois très efficacement) doute, confusion et malaise psychologique. Et bien que la réalisation manque clairement de maîtrise et que le scénario joue un peu trop avec l'inexpliqué comme le surligne sa conclusion ambivalente (à moult niveaux de lecture), Sanglante Paranoïa parvient parfois à terrifier (cérébralement parlant), avec parfois un goût prononcé pour l'onirisme formel (les papillons s'extirpant du crane). Inquiétant, perfide et débridé, Sanglante Paranoïa exploite donc assez efficacement une horreur cérébrale insécure dans un format de série B à la fois modeste et bricolée. A découvrir avec curiosité en y retenant surtout une effrayante lobotomie séculaire filmée en noir et blanc documenté. Malaise garanti !  

*Eric Binford.

2èx

Old

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de M. Night Shyamalan. 2021. U.S.A. 1h48. Avec Gael García Bernal, Vicky Krieps, Rufus Sewell, Alex Wolff, Thomasin McKenzie, Abbey Lee Kershaw. 

Sortie salles France: 21 Juillet 2021. U.S: 23 Juillet 2021

FILMOGRAPHIE: M. Night Shyamalan est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain, d'origine indienne, né le 6 Août 1970 à Pondichéry. 1992: Praying with Angers. 1998: Eveil à la vie. 1999: Sixième Sens. 2000: Incassable. 2002: Signs. 2004: Le Village. 2006: La Jeune fille de l'eau. 2008: Phenomènes. 2010: Le Dernier maître de l'air. 2013: After Earth. 2015: The Visit. 2017: Split. 2019: Glass. 2021: Old. 

Cette peur viscérale de la vieillesse. 

Ce n'est un secret pour personne, M. Night Shyamalan est capable du meilleur comme du pire, et ce de façon métronome depuis la genèse de sa carrière. Ainsi, à chaque nouveau projet qui se profile, on reste dans l'espoir de retrouver le talent de cet habile artisan voué corps et âme à sa passion pour le genre Fantastique. Et je peux présumer qu'avec Old, Shyamalan nous réconcilie à nouveau avec lui tant cet épisode grandeur nature de la 4è Dimension nous captive et nous met mal à l'aise sans se laisser dériver vers un goût d'inachevé. Aussi standard soit son schéma narratif adepte de rebondissements horrifiques en pagaille. Car tout est dans l'art et la manière d'y maîtriser son histoire en progression dramatique spécialement malsaine. A l'instar de son twist final aussi crédible qu'intelligent y dénonçant Spoil !!! les dérives de la recherche médicale à force de vouloir nous empêcher de mourir Fin du Spoil. Un thème plus qu'actuel faisant inévitablement écho à la pandémie mondiale de la Covid tout en égratignant en filigrane notre société formaliste adepte de chirurgie esthétique afin d'éclipser notre peur innée de la vieillesse. Recrutant un casting hétéroclite d'acteurs aussi inquiétants que convaincants (certains visages hagards ou patibulaires font froid dans le dos à travers des plans serrés fondés sur leur incompréhension), Old parvient furtivement à insuffler un sentiment d'angoisse paranoïde qui ira crescendo au fil des incidents cauchemardesques que subira un groupe de touristes confinés sur une plage. 

Photo scope et décors splendides; la scénographie tropicale nous offre un contraste saisissant auprès de ses protagonistes en proie à un commun désarroi davantage dépressif. Dans la mesure où ceux-ci subiront un nombre incalculable d'incidents cauchemardesques à travers leur déliquescence à la fois corporelle et cérébrale. Ces derniers souffrant de maladie plus ou moins grave, raison pour laquelle ils s'exilèrent au sein de cette cure thermale faisant office de complexe touristique pour familles bourgeoises. Epreuve insurmontable de survie au sein de ce no man's land mutique terriblement hostile (si je me réfère aux immenses rochers qui entourent la berge), Old cultive un sentiment d'insécurité permanant de par son rythme effréné d'y cumuler l'horreur des situations improbables avec une intensité dramatique infaillible. Car paranoïaque en diable, nos protagonistes toujours plus esseulés ne devront compter que sur leur indépendance pour tenter de rester en vie au sein de ce décor paradisiaque redoutablement insidieux. Tant et si bien que l'empathie éprouvée pour eux demeure toujours prégnante, même auprès des personnages superficiels les plus antipathiques (la blondasse fluette aux yeux bleus obsédée par son enveloppe corporelle faisant office d'anguille écervelée). 

Un Eté d'Enfer

C'est donc en observant la psychologie à la fois torturée et désoeuvrée des personnages que l'appréhension du danger invisible fleurit le mieux sous la houlette d'un Shyamalan plutôt mesquin à molester ses protagonistes sans faire preuve de concession. Autant dire que le cauchemar estival à la fois viscéral, dérangeant et cérébral fonctionne à plein régime pour qui raffole de pitch génialement dingo. Pas un grand film, certes, mais un excellent divertissement horrifique poétiquement morbide que Shyamalan adopte au 1er degré, avec en sus une maîtrise technique parfois singulière (certains mouvements de caméra hyper véloces m'ont paru inédit dans le paysage cinématographique). 

*Eric Binford.  

Horror Hospital / La Griffe de Frankenstein

                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site mattmulcahey.files.wordpress.com

"Computer Killer" de Anthony Balch. 1973. Angleterre. 1h30. Avec Michael Gough, Robin Askwith, Ellen Pollock, Skip Martin, Vanessa Shaw, Dennis Price.

Sortie salles France: 7 Avril 1976. U.S: Avril 1975

FILMOGRAPHIE: Anthony Balch est un réalisateur anglais né le 10 Septembre 1937 à Londres, décédé en Avril 1980. 1963: William Buys a Parrot. Towers Open Fire. 1966: The Cut Ups. 1970: Secret of sex. 1972: Bill and Tony. 1973: Horror Hospital

Un bijou d'horreur british, authentique perle culte issue du Bis marginal. 

Ultime métrage du réalisateur méconnu Anthony Balch, Horror Hospital (ou La Griffe de Frankenstein) est une version réactualisée du fameux mythe de Frankenstein avec un accent prononcé pour le délire assumé. Si bien que cette farce grotesque toujours plus aberrante par son intrigue désincarnée entretient la réjouissance à travers sa galerie de personnages excentriques et ses idées grand-guignolesques jubilatoires. 

Le pitch: En guise de cure de repos, un chanteur de rock rejoint la ferme de santé du Docteur Storm dans une contrée anglaise. Durant son trajet ferroviaire, il fait la connaissance de Judy, une jeune blonde convoquée par sa tante, l'épouse du chirurgien utopiste. Or, cet hôpital reculé est en fait un laboratoire d'expériences insensées pratiquées sur des individus lobotomisés !

Petit succès des années 80 lors de sa sortie Vhs, les rats des vidéo-clubs ne manquèrent pas d'évoquer lors de discussions fougueuses son fameux prologue inconcevable. Jugez en ! 

A l'intérieur d'une limousine noire, deux individus patibulaires installés à l'arrière attendent patiemment l'arrivée de deux fuyards à proximité d'une forêt ! Les proies étant rapidement localisées, la voiture s'engage furtivement pour les traquer, quand bien même l'adjoint de petite taille s'engage à actionner le levier d'un boitier afin d'extraire du côté droit du véhicule une longue lame acérée pour décapiter les deux malheureux. En guise de trophées, les têtes retombant pile-poil dans un panier disposé sous la lame d'acier. Une situation totalement aberrante mais oh combien ludique et tout de même efficacement montée de par son effet de surprise grand-guignolesque. 

Quant aux péripéties prochaines, elles s'avèrent du même acabit puisque regorgeant de séquences impayables toutes aussi risibles ou pétulantes, c'est selon. A savoir qu'un couple abordé plus tôt dans un train sera pris au piège dans le manoir du Dr Storm à travers un odieux trafic d'humains. Pour preuve, ce médecin utopiste (notre vétéran Michael Gough, toujours aussi charismatique dans sa sinistre physionomie patibulaire) souhaite dominer le monde en lobotomisant des badauds par greffe de cerveau, et ce pour les rendre insensibles à la douleur. Ces automates téléguidés d'une machine révolutionnaire étant réduits à l'état végétatif, à l'instar de zombies aphones déambulant dans les locaux sous l'allégeance du Dr Storm. Ainsi, nos deux héros déconcertés vont non seulement fréquenter ces trognes délavées mais aussi des geôliers pugnaces en combinaison de cuir affublés de casque de moto, un assistant nabot versatile, une tante sournoise et enfin un incroyable monstre de foire, concurrent défaillant du Dr Phibes ou peut-être encore du Monstre qui vient de l'espace ! La posture ballot de nos deux protagonistes insufflant de manière permanente la cocasserie à force de s'interroger sur les agissements suspicieux du personnel cynique et d'évènements inquiétants s'y déroulant de façon ostentatoire. Surtout qu'un troisième luron tout aussi gogo égayera notamment l'horreur surréaliste en s'introduisant dans l'établissement pour tenter d'extraire nos deux héros (et sa p'tite amie Emilie) des griffes de Storm.

Les insatisfaites poupées atones du Dr Storm !
Par conséquent, à travers l'aspect irrésistiblement pittoresque de l'entreprise médicale occupée par des fêlés du bulbe et des psychopathes anachroniques, Horror Hospital se permet d'y insuffler une ambiance assez glauque par moments de par son sentiment d'insécurité ombrageux comme le soulignent ces draps imbibés de sang d'un plumard vide que les héros reluquent naïvement. On reste donc constamment surpris durant tout le récit du ton cintré de l'entreprise émanant du parti-pris sarcastique du cinéaste puisque délibéré à décomplexer une épouvante vintage en y instillant du gore faisandé aimablement grotesque. En l'occurrence, Horror Hospital demeure encore plus fun par son climat déjanté si bien que les vidéophiles des eighties éprouveront plus de plaisir masochiste face à ce jubilatoire jeu de massacre aussi étrange que génialement capillotracté.

*Eric Binford

05.10.21. 3èx

04.04.12. 250 v

Une Nuit trop noire / "One dark night"

                                                

                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site cult-trash-in-french-dvd-composite.blogspot.com

de Tom Mcloughlin. 1983. U.S.A. 1h29. Avec Meg Tilly, Melissa Newman, Adam West, Robin Evans, Kevin Peter Hal, Leslie Speights, Donald Hotton, Elizabeth Daily.

Sortie salles France: 1982, au Rex de Paris. U.S: 25 Février 1983

FILMOGRAPHIE: Tom Mcloughlin est un scénariste et réalisateur américain né en 1950. 1983: One Dark Night, 1986: Jason le mort-vivant, 1987: Date with an angel, 1991: Sometimes they come back, 1992: Something to live for: the alison gertz story, 1999: Anya's Bell, 2001: The Unsaid, 2002: Murder in Greenwich, 2003: D.C. Sniper: 23 Days of fear, 2004: She's too young, 2005: Odd Girl Out, Cyber Seduction: His secret life, 2006: Not like everyone else, 2007: The Staircase Murders, 2008: Fab Five: The Texas Cheerleader Scandal.

                                      

Une perle du macabre, ce pur film d’ambiance old school qui ferait pâlir de jalousie le moindre produit d’horreur mainstream s’efforçant d’insuffler une once d’aura funèbre.
Connu des amateurs grâce à Jason le mort-vivant (Vendredi 13 VI), Tom McLoughlin fit ses armes trois ans plus tôt avec Une Nuit trop noire, réalisé en 1983. Série B sans prétention, au scénario linéaire, dont la réussite jaillit d’une atmosphère horrifique rétro — introuvable de nos jours — soutenue par des FX supervisés par Tom Burman et, à plus petite échelle, par une photo saturée qui envoûte sans relâche.

Le pitch : dans un mausolée, un trio d’étudiantes joue un sale tour à l’une de leurs rivales, l’enfermant pour la nuit dans ce caveau attenant au cimetière. Or, dans ce tombeau vient d’être inhumé un étrange professeur aux dons télékinésiques, peut-être responsable de la mort d’adolescents découverts dans son ancien appartement. Bientôt, ce vampire mental libère ses forces surnaturelles, prêt à annihiler ses hôtes venus troubler le repos des morts.

Production modeste ficelée avec trois bouts de ficelle — hormis des FX artisanaux soignés pour un final paroxystique ! — Une Nuit trop noire entame sa première partie sous le signe d’une vengeance de petites frappes : des adolescentes rancunières, jalouses, qui briment leur proie. Pendant ce temps, la fille du défunt s’instruit sur les agissements funèbres de ce père capable d’aspirer l’énergie vitale par pur ressort psychique. Et cette mise en place, d’apparence convenue, bascule vite vers le clou de l’intrigue : l’épreuve cauchemardesque, au cœur d’un mausolée rongé par une force démoniaque.

 

Julie — interprétée avec sobriété par la novice et charmante Meg Tilly, surtout face à ses partenaires potiches qu’on rêve de gifler — doit tenir toute une nuit dans cet antre morbide, armée pour seul réconfort d’une lampe de poche et d’un duvet. Cette torture mentale, commanditée par les trois harpies, lui est infligée pour avoir osé flirter avec l’un de leurs ex. En mal de reconnaissance, ces rebelles de pacotille pénètrent finalement dans la crypte pour effrayer leur captive par des farces macabres. Sans temps mort — malgré une mise en place sans soubresauts —, le film exploite à merveille les corridors funèbres de la morgue, et distille une ambiance ombreuse, étouffante, sublimée par une partition lancinante qui étreint tout le récit et s’insinue dans les nerfs de Julie. Jusqu’à une dernière partie haletante, affolante, où surgit une armée de cadavres exsangues à l’aura pestilentielle, déversant une atmosphère mortifère sur ces pauvres mortelles désemparées.

Outre cette ambiance poisseuse, saluons l’efficacité des effets spéciaux : maquillages putrides, chairs dégoulinantes, anatomies décharnées, tout renforce le réalisme d’un cauchemar impossible à juguler pour les fuyardes paniquées. Des macchabées si fétides qu’on les croirait exhumés d’une production des années 70, tant leur pourriture semble documentaire.

« Une Nuit trop noire : mausolée des rancunes, crypte des morts-vivants » 

En dépit d’une intrigue minimaliste — jamais ennuyeuse — qui ose réinventer le vampirisme (mental, ici !), de quelques incohérences (l’héroïne, trop facilement brisée par les brimades, sans jamais percer à jour la présence pataude de ses bourreaux) et de personnages stéréotypés qu’on adore haïr, Une Nuit trop noire reste une perle pour amateurs de nuits glacées et de zombies suintants. Une immersion nécrophage à savourer dans le noir, à l’abri du souffle fétide de ses morts insomniaques.

*Eric Binford                
01/10/21. 6èx

03.10.18. (171)
10.05.11.  (310 v) 

Fenêtre sur Cour

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

"Rear Window" d'Alfred Hitchcock. 1954. U.S.A. 1h52. Avec James Stewart, Grace Kelly, Wendell Corey, Thelma Ritter, Raymond Burr, Judith Evelyn, Ross Bagdasarian Sr., Georgine Darcy 

Sortie salles France: 25 Avril 1955 (ou 14 Septembre 1955). U.S: 1er Août 1954

FILMOGRAPHIE: Alfred Hitchcock est un réalisateur, producteur et scénariste anglo américain, né le 13 Août 1899, décédé le 29 Avril 1980. 1935: Les 39 Marches. 1936: Quatre de l'Espionnage. Agent Secret. 1937: Jeune et Innocent. 1938: Une Femme Disparait. 1939: La Taverne de la Jamaique. 1940: Rebecca. Correspondant 17. 1941: Soupçons. 1942: La 5è Colonne. 1943: l'Ombre d'un Doute. 1944: Lifeboat. 1945: La Maison du Dr Edward. 1946: Les Enchainés. 1947: Le Procès Paradine. 1948: La Corde. 1949: Les Amants du Capricorne. 1950: Le Grand Alibi. 1951: L'Inconnu du Nord-Express. 1953: La Loi du Silence. 1954: Le Crime était presque parfait. Fenêtre sur cour. 1955: La Main au Collet. Mais qui a tué Harry ? 1956: l'Homme qui en savait trop. Le Faux Coupable. 1958: Sueurs Froides. 1959: La Mort aux Trousses. 1960: Psychose. 1963: Les Oiseaux. 1964: Pas de Printemps pour Marnie. 1966: Le Rideau Déchiré. 1969: l'Etau. 1972: Frenzy. 1976: Complot de Famille.

"Quand on se sent voyeur c'est qu'on n'est pas assez proche des gens."

Modèle de mise en scène à travers un concept narratif follement original et inventif ne recourant qu'à très peu d'actions, Fenêtre sur Cour est un régal d'intelligence aux moult niveaux de lecture. Mise en abyme auprès du pouvoir du cinéma (James Stewart se confond en cinéaste novice à imprimer de son regard des tranches de vie clippesques au sein d'une quotidienneté domestique), réflexion sur les rapports délicats du couple, la peur de l'engagement mais aussi de la solitude. Mais surtout méditation sur le voyeurisme auquel nous dépendions tous, comme le souligne notre passion immodérée pour le 7 art d'y reluquer confortablement sans bouger de notre siège moults images extravagantes, Fenêtre sur Cour doit être enseigné dans toutes les écoles spécialisées tant Hitchcock, en pleine possession de ses moyens techniques (on ne compte plus les plans-séquences géométriques d'y contempler la banalité quotidienne de résidents d'un immeuble) redouble de dextérité et de créativité à travers une intrigue criminelle inusitée. Car il fallait oser façonner huis-clos aussi laconique avec, comme personnage principal, un héros grabataire cloué sur son fauteuil et tuant son ennui à épier ses voisins en compagnie quelque peu houleuse de sa compagne et de sa domestique. Or, en tant que maître incorruptible du suspense, Hitchcock leur confie sur un plateau d'argent un argument criminel redoutablement jouissif. Dans la mesure où ceux-ci vont rapidement se substituer en enquêteurs en herbe à tenter de démasquer, sans quasiment bouger de leur bercail, leur voisin probablement coupable du meurtre de son épouse aujourd'hui disparue. 

Emaillé de détails troubles et inquiétants que ces derniers reluquent à l'aide d'une jumelle et d'un téléobjectif qu'ils se relayent de temps à autre, Fenêtre sur Cour demeure un jubilatoire jeu du chat et de la souris par appartements interposés. L'entièreté du récit s'évertuant à confiner nos héros dans leur appartement restreint puisque observant méticuleusement, et dans la pénombre pour ne point être démasqués, faits et gestes des voisins et du présumé coupable avec une audace toujours plus illégale. A l'instar du stratagème badin de Grace Kelly (d'une douceur d'esprit pour autant lascive et raffinée) décidant finalement de pénétrer par effraction dans l'appartement du potentiel assassin. Quand bien même James Stewart (d'une sobriété placide en posture fureteuse et contrariée) et Thelma Ritter (en domestique sclérosée prônant le bon sens auprès de son employeur, célibataire endurci difficile à persuader) observent la situation avec une appréhension davantage ingérable. Alfred Hitchcock redoublant par ailleurs de perversité lorsque l'une des voisines de l'immeuble est sur le point de s'empoisonner au moment même où Grace Kelly demeure en très fâcheuse posture avec le propriétaire suspicieux de l'appartement. Ainsi, se pose donc la question cruciale ! Qui doivent-ils sauver ? Et donc, à travers leurs attitudes fureteuses et affrontements contradictoires à culpabiliser ou non ce mystérieux voisin de manière toujours plus affirmative, Hitchcock nous démontre à quel point l'accoutumance irrépressible du voyeurisme puisse parfois prêter à confusion à partir de préjugés. Même si en l'occurrence nos protagonistes s'avèrent sur la voie de la vérité de par leur intelligence d'esprit à cumuler de nombreux indices probants.  

Modèle de rigueur dans son suspens ciselé (en dépit de quelques longueurs lors de sa mise en place) n'omettant jamais l'humour auprès des aimables apartés des comédiens à la complicité vivace, Fenêtre sur Cour ne cesse de nous ébranler la vue et l'esprit à travers cette insensée mise en abyme  qu'Hitchcock transfigure pour mieux nous opposer aux bas instincts du "spectacle" visuel. Celui de notre appétence voyeuriste que chacun de nous reluque dans une discrétion à peine assumée.  

*Eric Binford

3èx

Récompense: Prix Edgar-Allan-Poe du meilleur scénario en 1955 pour John Michael Hayes