A tombeau ouvert / Bringing Out the Dead

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Martin Scorsese. 1999. U.S.A. 2h01. Avec Nicolas Cage, Patricia Arquette, John Goodman, Ving Rhames, Tom Sizemore, Marc Anthony, Cliff Curtis.

Sortie salles France: 12 Avril 2000. U.S: 22 Octobre 1999.

FILMOGRAPHIE: Martin Scorsese est un réalisateur américain né le 17 Novembre 1942 à Flushing (New-york). 1969: Who's That Knocking at my Door, 1970: Woodstock (assistant réalisateur), 1972: Bertha Boxcar, 1973: Mean Streets, 1974: Alice n'est plus ici, 1976: Taxi Driver, 1977: New-York, New-York, 1978: La Dernière Valse, 1980: Raging Bull, 1983: La Valse des Pantins, 1985: After Hours, 1986: La Couleur de l'Argent, 1988: La Dernière Tentation du Christ, 1990: Les Affranchis, 1991: Les Nerfs à vif, 1993: Le Temps de l'innocence, 1995: Un voyage avec Martin Scorsese à travers le cinéma américain, 1995: Casino, 1997: Kundun, 1999: Il Dolce cinema -prima partie, A Tombeau Ouvert, 2002: Gangs of New-York, 2003: Mon voyage en Italie (documentaire), 2004: Aviator, 2005: No Direction Home: Bob Dylan, 2006: Les Infiltrés, 2008: Shine a Light (documentaire), 2010: Shutter Island. 2011: Hugo Cabret. 2013: Le Loup de Wall Street.

Œuvre à part dans la carrière pléthorique de Martin Scorsese, À Tombeau Ouvert s’impose par son climat mortifère, aussi envoûtant que déconcertant, et par une narration hystérique saturée de mélancolie existentielle. Le film s’érige en expérience surréaliste, à la fois spirituelle et profondément humaine, traversée par une angoisse métaphysique à vif.

Le pitch :
Ambulancier noctambule, Frank Pierce frôle la mort chaque nuit en tentant d’arracher quelques âmes au chaos urbain. Défilent alors marginaux suicidaires, vieillards avinés, trafiquants de drogue, criminels errants, prostituées, demeurés et SDF psychotiques. Éreinté par l’épuisement et hanté par l’impuissance de ne pouvoir sauver davantage de vies, Frank sombre dans une morosité sans fond, jusqu’à se raccrocher à la présence amère d’une jeune femme en berne, écho douloureux d’une connaissance qu’il n’a jamais su sauver.

Humour noir vitriolé dans les dialogues et les situations, personnages lunaires aux comportements absurdes, ambiance crépusculaire d’un New York hanté par les âmes des défunts : À Tombeau Ouvert malmène le spectateur, prisonnier du bad trip d’un secouriste en pleine névrose paranoïaque. Frank assiste chaque nuit à la mort d’autrui, entend presque télépathiquement l’appel muet des mourants, reniant toute volonté de survivre, tandis que les familles s’effondrent dans l’angoisse d’un trépas imminent.

Au cœur de ce marasme funèbre, où les cadavres saturent les morgues hospitalières, cet insomniaque à bout de nerfs tente de se réconforter auprès d’une âme sœur en perdition : Mary, jeune femme aigrie, dangereusement attirée par la mort. Baroque, stylisée, alambiquée, débridée, décalée, la mise en scène virtuose - sans cesse réinventée - de Scorsese radiographie une cité cauchemardesque peuplée de laissés-pour-compte, que la vie extorque parfois sans ménagement.
Sa texture blafarde, presque hypnotique, s’incarne dans l’épuisement maladif d’un Nicolas Cage transi, sublimé par une photographie fiévreuse et trouble. Le film est transcendé par ses interprètes borderline, tous parfaitement ajustés à cette galerie d’êtres fragiles, à la lisière de la démence.

Nicolas Cage incarne avec un humanisme dépressif et torturé un ambulancier en perdition morale, traînant sa silhouette de mort-vivant entre amertume morbide, remords cafardeux - celui de n’avoir pu sauver une fugueuse latine - et lassitude besogneuse face à un quotidien jonché de paumés irrécupérables. À tel point qu’il tentera à plusieurs reprises de se faire licencier par un patron goguenard, conscient de sa dépendance maladive à cette endurance sacrificielle.
Patricia Arquette lui donne la réplique avec une vulnérabilité tout aussi précaire, incarnant une fille paumée en quête désespérée d’une figure paternelle rompue depuis trois ans. Ensemble, ils forment - avec une pudeur bouleversante et sans jamais sombrer dans le pathos - les amants de l’infortune, jusqu’à ce qu’une lueur d’espoir les arrache à leur torpeur dans un épilogue bipolaire d’une candeur inoubliable.

Sauver autrui pour se sauver soi-même.

 

Décalé, vrillé, électrifiant et ténébreux, À Tombeau Ouvert est profondément mélancolique, tendre, onirique et anxiogène, notamment à travers des séquences surréalistes surgissant sans prévenir. Le film n’a aucune ambition de caresser le spectateur dans le sens du poil : son ambiance mortifiée épouse entièrement les états d’âme d’un secouriste en quête d’un héroïsme de dernier recours.
Scorsese y interroge sa propre conscience désaxée dans une introspection morale éprouvante, vécue en immersion, portée par une intensité dramatique jamais forcée. Chef-d’œuvre pulsatile dédié à la fragilité humaine aux frontières de la psychose, À Tombeau Ouvert résonne comme un poème morbide, méditation existentielle sur le sens de la mort et celui de la vie à travers l’assistance portée aux plus démunis.
Un cinéma écorché vif, d’une puissance formelle et cérébrale troublante, paradoxalement empreinte de pudeur et d’humilité. On ne sort pas indemne de cette interminable descente aux enfers, cri d’alarme contre la déliquescence des proscrits livrés au chaos et au mutisme de l’injustice sociale.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

08.12.21. 4èx

16.09.15.

The Burrowers /Les Créatures de l'Ouest.

                                               

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site impawards.com

de J.T Petty. 2008. U.S.A. 1h36. Avec Clancy Brown, William Mapother, Laura Leighton, Sean Patrick Thomas, Doug Hutchison, Alexander Skarsgard.

Sortie en France directement en Dvd.

FILMOGRAPHIE: J.T. Petty est un réalisateur et scénariste américain, né le 28 Février 1976. 2001: Soft for Digging. 2002: Mimic: Sentinel (video). 2006: S and Man. 2008: The Burrowers. 2012: Hellbenders.

Le Pitch: En 1879, dans une région déserte et dénudée des Badlands, des fermiers et une troupe militaire s'associent pour partir à la recherche d'une famille disparue. Suspectant en premier lieu les indiens de l'avoir enlevé, ils vont découvrir une révélation cauchemardesque qui ne les lâchera pas d'une semelle durant leur houleux périple. 

Inédit en salles, tant Outre-Atlantique que dans l'Hexagone, The Burrowers est une excellente surprise injustement méprisée en dépit d'une poignée de défenseurs chez certaines critiques spécialisées. Tant et si bien qu'à la 3è revoyure, cette série B réfractaire aux conventions (car ne caressant jamais dans le sens du poil le spectateur) fascine irrémédiablement à travers la chevauchée rigoureuse d'une poignée de cow-boys tentant de survivre en s'en prenant aux indiens qu'ils croient responsables de la disparition de femmes et enfants. Avec ces personnages austères peu aimables, assez individualistes, méprisables et racistes, qui plus est jamais romantisés, le spectateur a bien du mal à s'identifier à eux si bien que le cinéaste J.T. Petty nous les présente comme des quidams rigides sans volonté de nous plaire mais en restant tout simplement eux mêmes avec leurs défauts respectifs précités. Pour autant, on suit avec un intérêt davantage croissant leur errance sinueuse au sein d'une nature redoutablement hostile implantée dans le cadre du western classique. Tout du moins en apparence puisque l'horreur s'y conjuguera rapidement de manière perfide à travers un climat solaire et crépusculaire lestement malsain. Tant auprès de la menace des indiens non avares de cruauté pour se venger (mais aucunement responsables des portés disparus) que de celle des monstres voraces que le cinéaste retarde au possible afin d'accentuer leur attrait fascinant. Et à cet égard, The Burrowers marque de nombreux points en jouant la carte d'une horreur à la fois adulte, insalubre et escarpée eu égard des victimes pouvant trépasser à tous moments, jusqu'aux rôles les plus majeurs et autoritaires. 

Mais revenons un peu à l'apparence hideuse de ces créatures de l'Ouest filmés hélas en CGI lors d'effets parfois ratés mais pour autant étonnamment crédibles de par leur aspect résolument repoussant, visqueux, rampant, et leur manière insidieuse d'alpaguer leurs victimes à l'aide d'un venin paralysant. Leurs proies étant ensevelies sous terre, le temps que le cadavre y pourrisse (pour ne pas dire fermente) afin de leur servir de garde manger et manger les morceaux les plus tendres. On peut d'ailleurs y relever de bonnes idées de mise en scène lors de cadrages alambiqués, de façon à entrevoir une victime moribonde par l'orifice d'un oeil entrouvert à la surface d'un sol terreux. Des séquences malaisantes renforcées de la respiration contenue de la victime puisque enterrée vivante en ayant l'incapacité d'y bouger leur membre (à l'exception de l'index d'une main grattant par réflexe nerveux la terre ou un doigt de pied !). Et si de prime abord, le récit destructuré peine à captiver; notamment faute du classicisme de son pitch initial (retrouver en vie une famille disparue en s'en prenant aux indiens durant leur expédition criminelle) et ses persos languides, son climat westernien à la fois malsain, étrange et inquiétant s'avère toujours plus prégnant au fil de rebondissements alertes d'une violence insidieuse. Là encore, le cinéaste adopte un parti-pris draconien à travers l'épreuve de force de nos anti-héros épuisés tentant de combattre les 2 menaces dans un sentiment de désarroi et d'incompréhension assez névralgique eu égard des pièges tendus contre eux qu'ils se coltinent de façon désabusée. Le tout étant exploité dans une mise en scène dépouillée et réaliste agrémentée de séquences chocs davantage fortuites au sein d'un vénéneux climat fétide. 

Le mariage réussi du western classique et de l'horreur faisandée.

Plaidoyer écolo en faveur de la cause des bisons (que les créatures eurent autrefois l'opportunité de sacrifier pour s'y sustenter), réquisitoire contre le génocide indien pointé du doigt comme la menace intrusive du sol ricain, The Burrowers fait office d'étrangeté horrifique au sein du western vitriolé que l'on reluque avec une fascination à la fois perverse, malsaine et viscérale. A découvrir avec une vive attention donc pour les amateurs de rareté rubigineuse en dépit d'une mise en place un tantinet laborieuse (notamment faute du caractère peu empathique des personnages orgueilleux - bémol tout de même payant puisqu'ils existent par eux mêmes sans déborder -). 

*Eric Binford

07.12.21. 3èx

18.12.14. 90 v

The Power of the Dog. Lion d'Argent, Meilleure Réalisatrice: Mostra de Venise.

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Jane Campion. 2021. U.S.A/Nouvelle-Zélande, Australie, Canada, Royaume-Uni. 2h08. Avec Benedict Cumberbatch, Kirsten Dunst, Jesse Plemons, Kodi Smit-McPhee, Thomasin McKenzie, Frances Conroy, Keith Carradine.

Diffusé sur Netflix le 1er Décembre 2021

FILMOGRAPHIE: Jane Campion est une réalisatrice et scénariste néo-zélandaise née le 30 avril 1954 à Wellington. 1989 : Sweetie. 1990 : Un ange à ma table. 1993 : La Leçon de piano. 1996 : Portrait de femme. 1999 : Holy Smoke. 2003 : In the Cut. 2009 : Bright Star. 2021 : The Power of the Dog. 

Un excellent drame psychologique qui doit beaucoup à l'intensité de son vénéneux récit que Jane Campion affine sans fioriture, et à son cast résolument irréprochable auquel se disputent Kirsten Dunst (en mère alcoolique trop chétive pour se tailler une carrure frondeuse), Benedict Cumberbatch (en homo refoulé se complaisant dans la condescendance puis dans la rédemption), Jesse Plemons (époux accort trop soumis à l'autorité de son frère aîné pour fonder sa famille en bonne et due forme) et Kodi Smit-McPhee (jeune adulte gay à la fois introverti et équivoque quant à son rapprochement amiteux avec son ennemi). Ainsi, à travers la scrupuleuse mise en place de son récit morcelé en plusieurs chapitres (il s'agit de l'adaptation d'un roman de Thomas Savage), on reste captivé par les écorchures de ces personnages en constante souffrance tentant d'asseoir leur autorité et d'y résoudre leur conflit dans une posture à la fois taiseuse, névrotique et insidieuse. The Power of Dog étant avant tout un pur film d'acteurs magnifiquement dirigés sans esbroufe au sein d'un cadre naturel apte aux grands espaces (splendide photo en sus aux teintes sépias). On reste enfin surpris par la dramaturgie funeste de son épilogue interlope que personne n'a vu arriver. 

*Eric Binford

Black Christmas

 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Glen Morgan. 2006. U.S.A/Canada. 1h32. Avec Katie Cassidy, Kristen Cloke, Michelle Trachtenberg, Mary Elizabeth Winstead, Lacey Chabert, Andrea Martin, Crystal Lowe, Oliver Hudson, Karin Konoval.

Sortie salles U.S: 25 Décembre 2006

FILMOGRAPHIE: Glen Morgan est un scénariste, producteur et réalisateur américain né le 23 mai 1967 à Syracuse (New York). 2003 : Willard. 2006 : Black Christmas. 2016 : X-Files (saison 10 épisode 4). 2018 : X-Files (saison 11 épisode 2). 

Un pied de nez blasphématoire à la fête religieuse de Noël.

Formidable déclinaison - bien plus qu’un remake éculé - du chef-d’œuvre de Bob Clark, ce Black Christmas new look porte la signature d’un Glen Morgan (déjà coupable du sous-estimé Willard) terriblement impliqué, tant sur le plan formel, technique, mélomane que narratif. Maudit d’avance, ce psycho-killer festif fut accueilli à sa sortie par des critiques déconfites, aveugles à l’inventivité en roue libre du divertissement retors qu’il proposait avec une générosité pourtant louable. Honteusement inédit en salles chez nous, malgré un modeste succès Outre-Atlantique, Black Christmas version 2006 assume pleinement son goût du détournement acide. Saupoudrant sa narration imprévisible (tout du moins pendant une bonne heure) d’une ironie tantôt tacite, tantôt explicite, le film redouble d’efficacité dans sa pléthore de rebondissements horrifiques menés tambour battant - sans jamais lasser, ni griser, ni irriter le spectateur embarqué dans ce conte macabre fait de chausse-trappes et de revirements fulgurants (avec quelques clins d’œil bien sentis à son modèle originel), malgré un dernier quart d’heure un peu plus classique, mais redoutablement spectaculaire.

Dès le prologue, le réalisateur tisse tension, mystère et appréhension en alternant habilement présent et flashbacks sur les origines d’un tueur élevé dans un cadre familial dysfonctionnel. Difficile alors de bouder cette pochette surprise, formellement somptueuse - photo rutilante à tomber à la renverse -, stylisée jusqu’à la moelle, semblable à un conte de Noël dégoulinant de fiel. Entre la brutalité glaçante des meurtres (brefs mais acérés, portés par un tueur teigneux, impitoyable), et une scénographie constamment transfigurée à l’aide de cadrages tarabiscotés et d’un montage ultra nerveux sans jamais perdre en lisibilité, Glen Morgan livre un exercice de style d’une rare maestria.

On flirte sans cesse avec la semi-parodie assumée - que les critiques n’ont sans doute pas su déceler - tant le réalisateur s’amuse à grossir le trait dans les réactions parfois cartoonesques des protagonistes (féminins comme masculins), courant à l’aveugle dans un décor devenu piège de fête foraine sadique. Le tueur, lui, règne en maître dans l’art de la planque, du camouflage et de la mise à mort festive. Et pour les amateurs de gore faisandé, le film ose sans détour : arrachages d’yeux en gros plans, festin de chair crue... L’horreur y devient grotesque, presque carnavalesque, dans un jeu du chat et de la souris dont le vrai but est de profaner la culture de Noël à grands coups d’humour noir corrosif.

Prototype déviant du slasher de fêtes, Black Christmas ne se prend que rarement au sérieux — et pourtant, son réalisme acéré contredit en permanence cette désinvolture, au fil de séquences brillamment stressantes. Détonnant et généreux, ce joyau maudit du psycho-killer 2000’s, fausse série B et vraie perle d’inventivité, mérite d’être réhabilité. Le portrait du tueur, marqué par une maladie corporelle aussi monstrueuse que charismatique, en impose. Tandis que son casting féminin - pêchu, charmant, déterminé - affronte cette tempête d’hémoglobine avec une vaillance qui force l’admiration.

En définitive, Black Christmas version 2006 demeure, ni plus ni moins, l’un des meilleurs psycho-killers de sa décennie.

*Eric Binford

2èx

Dream Lover. Grand Prix, Avoriaz 86.

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Alan J. Pakula. 1986. U.S.A. 1h44. Avec Kristy McNichol, Ben Masters, Paul Shenar, Justin Deas, John McMartin, Gayle Hunnicutt. 

Sortie salles France: 2 Avril 1986

FILMOGRAPHIE: Alan J. Pakula est un producteur et réalisateur américain, né le 7 avril 1928 à New York et mort dans un accident de voiture le 19 novembre 1998 à Melville (État de New York)).1969 : Pookie. 1971 : Klute. 1973 : Love and Pain and the Whole Damn Thing. 1974 : À cause d'un assassinat. 1976 : Les Hommes du président. 1978 : Le Souffle de la tempête. 1980 : Merci d'avoir été ma femme. 1981 : Une femme d'affaires. 1982 : Le Choix de Sophie. 1986 : Dream Lover. 1987 : Les Enfants de l'impasse. 1989 : À demain, mon amour. 1990 : Présumé innocent. 1992 : Jeux d'adultes. 1993 : L'Affaire Pélican. 1996 : Ennemis rapprochés. 

Flingué dès sa sortie hexagonale, dû en grande partie à son Grand Prix (injustifié) à Avoriaz, le mal aimé Dream Lover ne méritait pas tant de discrédit selon mon jugement de valeur, aussi perfectible et parfois incohérent soit-il (notamment faute d'un montage malhabile et de l'attitude nonsensique de certains protagonistes - le couteau en plastique planté dans le dos du confrère de Kathy-). Car proposition sincère d'un Fantastique psychanalytique superbement interprété par Kristy McNichol (le meilleur rôle de sa carrière, qui, pour le coup, aurait méritait un Prix d'Interprétation), Dream Lover empreinte la thématique du rêve de manière résolument adulte eu égard de son parti-pris scientifique (nous apprenons par exemple qu'une substance chimique secrétée par le cerveau nous empêche de  mouvoir notre corps au moment de nos songes nocturnes) et de son rythme languissant dénué de fioriture. Sur ce dernier point, il est vrai que son climat à la fois vaporeux, ombrageux et feutré (qui plus est renforcé de la posture interlope du père de Kathy excellemment endossé par Paul Shenar tout en charisme funeste) peut parfois prêter à la lassitude (on aurait peut-être pu raccourcir le métrage de 20 minutes) et décourager le grand public peu habitué à fréquenter les divertissements languides réfutant une action ostentatoire. 

Mais l'intérêt de l'intrigue en suspens reprend souvent le dessus grâce à la fascination exercée sur le cas de conscience de l'héroïne hantée de culpabilité et qui tentera après moult expériences de s'extirper de son mal-être. Kathy demeurant profondément perturbée après s'être violemment défendue contre un intrus menaçant au sein de son domicile durant une nuit de sommeil. Dès lors, sujette à de fréquents cauchemars malsains, elle finit par accepter de se porter cobaye auprès d'un spécialiste du sommeil afin d'extérioriser ses démons agitant ses nuits de sommeil. Dans la mesure où celui-ci va peu à peu parvenir à modifier les rêves de Kathy (par le mouvement corporel !) alors que cette dernière se laisse dériver par le somnambulisme pour y confondre réalité et illusion. Et ce au point d'intenter à sa propre vie. 

Correctement réalisé par Alan J Pakula (loin d'être un manchot au vu de son illustre carrière) et servi par le surprenant jeu à la fois fébrile et fragile de Kristy McNichol (Dressé pour Tuer), Dream Lover est un intéressant essai psychanalytique (teinté de futile romance quelque peu attachante) par le biais d'un Fantastique éthéré à la fois trouble et imprégné d'étrangeté (qui plus est renforcé d'éclairages limpides assez poétiques). Le récit s'autorisant des séquences fantasmatiques sensiblement fascinantes, inquiétantes ou envoûtantes au gré de la névrose morale de l'héroïne traumatisée par ses pulsions criminelles qu'elle n'aurait jamais soupçonnées. A (re)découvrir donc, tout du moins chez les amateurs de Fantastique dépouillé adeptes du 1er degré.

*Eric Binford.

2èx

Le Dernier Duel / The Last Duel

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Ridley Scott. 2021. U.S.A/Angleterre. 2h33. Avec Matt Damon, Adam Driver, Jodie Comer, Ben Affleck, Harriet Walter, Nathaniel Parker, Sam Hazeldine, Michael McElhatton.

Sortie salles France: 13 Octobre 2021

FILMOGRAPHIE: Ridley Scott est un réalisateur et producteur britannique né le 30 Novembre 1937 à South Shields. 1977: Duellistes. 1979: Alien. 1982: Blade Runner. 1985: Legend. 1987: Traquée. 1989: Black Rain. 1991: Thelma et Louise. 1992: 1492: Christophe Colomb. 1995: Lame de fond. 1997: A Armes Egales. 2000: Gladiator. 2001: Hannibal. 2002: La Chute du faucon noir. 2003: Les Associés. 2005: Kingdom of heaven. 2006: Une Grande Année. 2007: American Gangster. 2008: Mensonges d'Etat. 2010: Robin des Bois. 2012: Prometheus. 2013 : Cartel. 2014 : Exodus: Gods and Kings. 2015 : Seul sur Mars. 2017 : Tout l'argent du monde. 2017 : Alien : Covenant. 2021 : Le Dernier Duel. 2021 : House of Gucci. 2023 : Kitbag. En préproduction : Gladiator 2 (titre provisoire). 

Immense, somptueux, magnifique... Scott se taille une seconde naissance. 

2h32 de cinéma épuré comme on en voit que trop rarement sur nos écrans numérisés ! Voilà ce que nous propose sur un plateau argenté Ridley Scott terriblement inspiré à retranscrire avec réalisme historique le dernier duel survenu en France en 1386. Car du haut de ses 83 ans, cela fait bien des décennies que je n'avais pas assisté à une oeuvre aussi gracieuse, puissante, limpide et maîtrisée venant de sa part. Tant auprès de sa mise en scène studieuse entièrement dédiée à la psychologie de ses protagonistes que de sa direction d'acteurs sobrement dépouillés jouant communément la contrariété au sein d'un triangle amoureux. Car entièrement voué à la cause des femmes en cette époque féodale où le patriarcat, la religion et l'obscurantisme ne laissaient que peu de crédit à la parole féministe, Ridley Scott nous conçoit un rape and revenge scindé en 3 temps. C'est à dire relancer l'histoire du point de vue de nos 3 personnages (les 2 rivaux: le chevalier et l'écuyer, autrefois amis, et leur victime désireuse de dévoiler l'esclandre au grand jour au péril de sa vie) à travers des flash-back subtilement reconsidérés selon l'émotivité de chacun des personnages. Tant masculin que féminin. Le 3è chapitre demeurant le plus violent et éprouvant du point de vue subjectif de la femme que Scott radiographie avec une dramaturgie bouleversante. Le champ-contrechamp ne cessant d'y modifier l'emplacement de tel personnage selon les chapitres évoqués. Passionnant et anxiogène quant aux affrontements psychologiques que s'opposent Jacques Le Gris et Jean de Carrouges ne cessant d'hurler l'arbitraire afin de retrouver sa dignité, Le Dernier Duel jongle dans la juste mesure, entre félonie amicale et violence sexuelle (si actuelle de nos jours, Me Too oblige) en dépit de son action timorée que Scott filme brièvement sans trop s'attarder sur l'impact dévastateur des corps à corps armurés (tant à cheval que lorsqu'ils combattent à pied). Je songe uniquement aux batailles rangées disséminées en intermittence lors de la première heure. 

Le cinéaste faisant plutôt preuve d'une attention infinie pour nous familiariser auprès de ces 3 personnages peu à peu divisés par un évènement dramatique aussi sournois que crapuleux. Le violeur se déculpabilisant au possible pour substituer sa victime en complice afin de la forcer à ne pas ébruiter l'affaire. Quand bien même l'époux, vaniteux, rétrograde et égoïste mais stoïque et pugnace au front (peu de le dire !), songe plus à son ego plutôt que de servir l'amour de sa femme. Et ce en dépit de ses éclairs de prise de conscience que celle-ci tente à plusieurs reprises de lui raisonner dans son sens de l'équité et de la maternité. D'une dramaturgie à la fois latente et éthérée si bien qu'on ne la voit jamais arriver, Le Dernier Duel invoque une vibrante émotion culminant lors du dénouement paroxystique où les 2 hommes se combattront avec une férocité sans égale. Véritable morceau d'anthologie à l'issue si précaire que l'on redoute, comme l'héroïne, en larmes, apeurée et oppressée, avec une appréhension somme toute viscérale. L'enjeu émanant autant du destin de l'époux d'un courage hors-pair à nous laisser pantois (qui plus est rongé par la peur de la trahison !), que de celle-ci potentiellement vouée à brûler vive si Dieu ne permettait pas la victoire à celui-ci. Probablement l'un des plus impressionnants duels vus au cinéma puisque traité avec vérisme névralgique eu égard de son intensité à la limite du soutenable que Scott transfigure sans fioritures en dépit de son immense brutalité primale dévoilée au compte goutte (les échanges des coups, toujours plus lourds, s'impactant lentement sur les corps déchiquetés, faute du poids de leurs armures et de la fatigue corporelle).  

Grand moment de cinéma militant avec tact, pudeur, rigueur et intelligence pour la parole émancipatrice de la femme discréditée par l'autorité patriarcale, le Dernier Duel nous offre 2h30 durant un affrontement physique et cérébral d'une gravité peu à peu bouleversante à travers les conséquences désastreuses du viol éminemment impardonnable. Matt Damon (habité par ses pulsions frondeuses),  Adam Driver (quel charisme ténébreux à travers sa large carrure !), Jodie Comer (toute en élégance candide presque réservée), Ben Affleck (quasi méconnaissable en comte railleur et dédaigneux, puisqu'il m'a fallu 45 minutes pour m'en apercevoir !) s'opposant mutuellement avec une vérité humaine sobrement expressive jusqu'à la rédemption finale faisant preuve d'acuité émotive incontrôlée. Et s'il ne s'agit pas d'un chef-d'oeuvre selon le public le plus drastique, Ridley Scott l'a probablement effleuré au vu des traces qu'il nous laisse dans la rétine, le coeur et l'encéphale, alors que notre actualité contemporaine ne cesse de tenter de libérer la parole de la femme violentée et bafouée depuis des siècles de machisme comme nous le rappelle ici dignement le cinéaste à travers le motif "fait-divers".

*Eric Binford. 

976-Evil / La Ligne du Diable

                                            

                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site primatemaster.blogspot.com

de Robert Englund. 1988. U.S.A. 1h32. Avec Stephen Geoffreys, Jim Metzler, Maria Rubell, Pat O'Bryan, Sandy Dennis

Sortie salles France: uniquement en Dvd. U.S: 24 Mars 1989

FILMOGRAPHIE: Robert Englund est un acteur et réalisateur américain né le 6 Juin 1947 à Glendale, Californie, USA. 2008: Killer Pad. 1989: Freddy, le cauchemar de vos nuits (TV Series) (2 episodes). 1988: 976-Evil.

Le pitch: Après avoir composé un numéro de téléphone leur promettant l'avenir, les citadins d'une bourgade sont victimes des sarcasmes du diable en personne en quête de suppôt influençable. C'est à cet instant qu'intervient Hoax, un jeune ado timoré et mal dans sa peau, délibéré à prendre sa revanche sur ses oppresseurs.

B movie horrifique symptomatique de son époque dans laquelle il fut conçu, 976 Evil fit les beaux jours des vidéophiles des années 80, aussi mineur soit son contenu terriblement maladroit. L'acteur Robert Englund se prêtant pour la première fois au jeu de la réalisation sans prétention aucune au grand dam de son inexpérience pour autant gratifiante. Si bien que sa récréation horrifique bricolée avec futile tendresse demeure aussi charmante qu'attachante. Et rien que d'un aspect purement esthétique, 976 Evil dégage une séduisante atmosphère de "teen movie" à l'orée de la BD macabre, de par sa photo flamboyante émaillée de décors saillants (notamment un impressionnant enfer glacé lors du règlement de compte final). 

Ainsi, à travers la caractérisation approximative de ses personnages franchement caricaturaux (la mère bigote qu'endosse avec plaisante outrance Sandy Dennis à travers sa perruque à bigoudis, le détective privé déambulant durant tout le métrage sans parvenir à faire avancer l'intrigue ni évoluer son personnage, la blonde lunaire maladroitement éprise d'affection pour Hoax), 976 Evil nous illustre la quotidienneté de Spike, jeune charmeur au gros bras batifolant avec sa nouvelle compagne volage (une blondasse qu'incarne Lezlie Deane dans une posture hyper sexy d'avatar de Madonna), accompagné de son cousin Hoax (endossé par le ouistiti Stephen Geoffreys, chieur hystérique de Vampires, vous avez dits Vampires), souffre-douleur auprès d'une bande de marginaux décérébrés. Spike venant fréquemment à sa rescousse tout en encaissant les préceptes religieux de la mère d'Hoax fanatisée par les 10 commandements. Mais un beau soir, (après la prédication mystique d'une pluie de poissons !?), Spike tombe par mégarde sur un étrange lobby-card lui suggérant de composer un numéro de téléphone. La voix du combiné lui prédisant des évènements futurs qui s'avéreront payants. Quand bien même, un peu plus tard, c'est au tour de Hoax d'y composer le fameux numéro du diable afin d'y planifier une vengeance morbide en concertation avec Satan. Hoax affichant lors de l'ultime demi-heure une posture de possédé ricaneur à travers ses exactions gorasses sympathiquement ludiques, pied de nez à la déontologie catholique de sa mégère follingue. 

Méfiez vous quand l'appel est gratuit !

Par conséquent, à travers sa réalisation inexpérimentée, son pitch à la fois décousu et prémâché (en quoi les prédictions de Satan sont elles nécessaires ?, le créateur de la ligne téléphonique, citoyen lambda, est-il complice auprès des forces du Mal ?), son cast stéréotypé et la motivation simpliste mais intègre d'Englund de nous distraire avec fantaisie sardonique, 976 Evil fait son petit effet de spectacle décérébré du Samedi soir. Notamment grâce à sa facture visuelle tantôt fascinante et séduisante (même auprès de décors quelconques), tantôt inquiétante au gré d'un (original) concept débridé loin de passé inaperçu. Ses nombreuses imperfections (indiscutables) extériorisant un charme innocent assez magnétique tout en patientant la vendetta d'Hoax avec une stimulante curiosité. 

Dédicace à Seb Lake

*Eric Binford

01/11/19. 147 v

27.11.21. 3èx

Remerciement au blog "le primate indiscipliné" pour sa version HD. 

187: Code Meurtre

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

"One Eight Seven" de Kevin Reynolds. 1997. U.S.A. 1h59. Avec Samuel L. Jackson, Clifton Collins Jr., Kelly Rowan, John Heard, Tony Plana, Karina Arroyave.

Sortie salles France: 29 Avril 1998

FILMOGRAPHIE: Kevin Reynolds est un réalisateur, scénariste et producteur américain né le 17 Janvier 1952 à San Antonion, Texas. 1985: Une Bringue d'enfer. Histoires Fantastiques (Epis, vous avez intérêt à me croire). 1988: La Bête de Guerre. 1991: Robin des Bois, prince des voleurs. 1993: Rapa Nui. 1995: Waterworld. 1998: 187 Code Meurtre. 2002: La Vengeance de Monte Cristo. 2006: Tristan et Yseult.

Cri d'alarme nécrosé contre la violence scolaire du point de vue d'une délinquance criminelle sans éthique, 187 Code meurtre nous laisse un goût de souffre dans la bouche au fil du générique de fin. Kevin Reynolds retraçant avec une efficacité vénéneuse le calvaire moral, ou plutôt la résilience d'un enseignant déjà victime de tentative d'homicide sur lui 1 an plus tôt. Acceptant un poste de suppléant dans un lycée aussi difficile puisque soumis à la tyrannie de gangs, Trevor Garfield tente malgré tout d'enseigner ses cours avec une amertume hélas davantage plombante. Samuel L. Jackson portant le film à bout de bras dans sa fonction victimisée recluse sur lui même en dépit de l'amitié quelque peu sentimentale qu'il entame avec sa consoeur, Ellen Henry, elle aussi victime d'intimidation et de menaces au grand dam d'un quelconque appui solidaire du côté de ses pairs. 

Ainsi, à travers une ambiance peu à peu dépressive, malsaine et suicidaire, 187 Code Meurtre demeure insidieux, nihiliste, fétide de par son terrifiant discours sur l'impuissance du corps enseignant ne bénéficiant d'aucun soutien juridique, scolaire et judiciaire à travers un dialogue de sourds où chacun se renvoit la balle sans pouvoir faire preuve d'altruisme et de discernement. Or, c'est à partir de cette impasse insupportable que 187 Code meurtre bifurque peu à peu vers une idéologie réactionnaire lorsque Trevor décide subrepticement de se faire justice à force d'essuyer les menaces et provocations quotidiennes. Le climat inhospitalier demeurant franchement inquiétant, étouffant (environnement solaire à l'appui) et épeurant, notamment auprès du sort précaire de celui-ci ayant inévitablement généré de futurs règlements de compte à la fois criminels et suicidaires. Par conséquent, à travers un drame social assez captivant, ténébreux et parfois clippesque (traversé d'une BO rap envoûtante - très atmosphérique - alors qu'à la base je n'y suis absolument pas fan !), Kevin Reynolds n'y va pas avec le dos de la cuillère pour y dénoncer avec pessimisme et amertume la lassitude de ces enseignants  incapables de diriger leur cours en bonne et due forme, qui plus est discrédités par leur hiérarchie plus préoccupée par leur réputation et leur finance.  

Plus dure sera la chute.

A la fois dérangeant et malsain, poignant et révoltant, désenchanté et sentencieux, 187 Code Meurtre ne nous laisse pas indemne de nous avoir retracé avec force et réalisme parfois poisseux la dérive morale d'un enseignant perdant lentement pied avec sa propre éthique. Quand bien même nous apprenons au cours du générique final que le scénariste fut autrefois professeur dans le système public à Los Angeles. On ne peut plus tristement actuel, c'est donc un cri de désespoir dénué d'illusions que nous assène froidement Kevin Reynolds, notamment quant au devenir d'une jeunesse désoeuvrée abdiquée par leurs parents et la société, alors que quelques enseignants forcément soucieux de leur avenir tentaient de leur éveiller les valeurs de la pédagogie, de la dignité et du respect d'autrui.  

*Eric Binford

3èx

Nocturnal Animals. Lion d'Or / Grand Prix du Jury, Mostra de Venise 2016

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Tom Ford. 2016. U.S.A. 1h56. Avec Amy Adams, Jake Gyllenhaal, Michael Shannon, Aaron Taylor-Johnson, Isla Fisher.

Sortie salles France: 4 Janvier 2017. U.S: 9 Décembre 2016

FILMOGRAPHIE: Thomas Carlyle Ford, dit Tom Ford, né le 27 août 1961 à Austin (Texas), est un styliste, acteur et réalisateur américain. 2009 : A Single Man. 2016 : Nocturnal Animals. 

"Les plus belles histoires d'amour sont celles qu'on a pas eu le temps de vivre."

Douloureux drame conjugal transplanté dans le cadre du thriller noir, Nocturnal Animals dégage un sentiment mélancolique de plus en plus poignant (voir bouleversant à un moment propice) au fil de la dérive existentielle de son héroïne, Susan Morrow, galeriste mal dans sa peau à la suite de son échec marital et celui actuel qu'elle subit dans la félonie d'un époux volage englué dans son confort. Superbement interprété dans une expression humaniste à la fois torturée et prévenante, Amy Adams et Jake Gyllenhaal forment le duo infortuné au gré d'une intensité dramatique dépouillée. Le réalisateur dépeignant scrupuleusement les écrits de Edward Sheffield, l'ex compagnon de Susan délibéré à lui prouver ses talents d'écrivain en herbe à travers le récit d'un thriller sauvage où la vengeance finira par y souiller la victime en quête de rédemption. Sa facture visuelle, Texane, demeurant aussi vénéneuse qu'hypnotique à travers son désert crépusculaire, de jour comme de nuit. A l'instar de la composition faussement fréquentable de l'excellent Michael Shannon en flic mourant adepte d'une violence à la fois expéditive et contagieuse. 

Ainsi donc, au fil de la lecture qu'amorce Susan, entre fascination et appréhension, elle se remémore son passé en établissant un lien étroit avec les états d'âme de son ex époux, Edward Sheffield (que Jake Gyllenhaal compose dans un rôle bicéphale à travers l'exploration de sa culpabilité et de son manque de confiance qu'elle lui reprocha autrefois). Or, au fil de la prise de conscience démunie de Susan en proie au remord et au regret (notamment le fait d'avoir inconsciemment considéré la parole contradictoire de sa mère réfractaire à sa 1ère relation maritale), cette fois-ci trahie par son nouvel époux de la manière la plus sournoise, Nocturnal Animals suscite une pudeur émotive que le spectateur perçoit avec une empathie éprouvée. Tant auprès de la cruauté psychologique exercée sur sa profonde solitude et celle, torturée, d'Edward, que de la sauvagerie des actes des violeurs sans vergogne qu'Edward retranscrit avec un réalisme brute à travers son livre cathartique. 

"Il y aura toujours des histoires d'amour qui se frôleront du bout des doigts et qui prendront vie dans les pensées. Ce sont celles-ci qui durent toute une vie..."

D'une vibrante émotion jamais outrée, puisque contenue et introvertie sous l'impulsion d'une Amy Adams d'une fragilité timorée, Nocturnal Animals exploite brillamment le drame psychologique en disséquant les états d'âme bafoués du couple en quête d'absolution. Spoil ! La conclusion, froide, inquiétante et bouleversante, s'autorisant un parti-pris mélodramatique que le spectateur subira impuissant la gorge nouée au gré du score sensible, sentencieux d'Abel Korzeniowski (résonnant bien au-delà de la projection). Fin du Spoil.

*Eric Binford

2èx

Récompenses:

Mostra de Venise 2016 : Lion d'argent - Grand prix du jury

Golden Globes 2017 : Golden Globe du meilleur acteur dans un second rôle pour Aaron Taylor-Johnson

David di Donatello 2017 : Meilleur film étranger

Festival Polar de Cognac 2017 : « POLAR » 2017 du Meilleur Film Long Métrage International de Cinéma

Last night in Soho / Dernière nuit à Soho

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Edgar Wright. 2021. Angleterre. 1h56. Avec Thomasin McKenzie, Anya Taylor-Joy, Matt Smith, Terence Stamp, Sam Claflin, Diana Rigg, Michael Ajao

Sortie salles France: 27 Octobre 2021 (int - 12 ans). U.S: 29 Octobre 2021 (int - 17 ans).

FILMOGRAPHIE: Edgar Wright est un réalisateur, scénariste et producteur britannique, né le 18 avril 1974 à Poole, dans le Dorset (Royaume-Uni). 1994 : A Fistful of Fingers. 2004 : Shaun of the Dead. 2007 : Hot Fuzz. 2010 : Scott Pilgrim. 2013 : Le Dernier Pub avant la fin du monde. 2017 : Baby Driver. 2021 : The Sparks Brothers (documentaire). 2021 : Last Night in Soho. 

"Et le miroir se brisa."

La résurgence du Psycho-killer artisanal au sens le + gracieux.

Nouveau maître du divertissement au sens le plus noble enchaînant les surprises à rythme quasi métronomique, Edgar Wright ne déroge pas à la règle qualitative avec son dernier né, Last Night in Soho. Pur thriller Hitchockien mâtiné de Giallo à la Argento taillé sur mesure à travers sa mise en scène capiteuse où rien n'est laissé au hasard, Last Night in Soho est un pur plaisir de cinéma comme on en voit que trop rarement dans le paysage ludique. La réalisateur parvenant méticuleusement à nous introduire dans le conscience paranoïde de l'héroïne sous l'impulsion d'un pitch redoutablement solide pour qui raffole de psycho-killer schizo à l'aura névralgique. Dans la mesure où l'alchimiste Edgar Wright, terriblement inspiré par son récit labyrinthique (c'est peu de le dire), parvient à nous mener par le bout du nez en télescopant admirablement les genres (Fantastique, Musical, Romance, Thriller, Drame psychologique, Horreur) avec une sagacité forçant le respect. L'émotion hybride, à la fois inquiétante et féérique nous emportant dans un vortex de séquences musicales où les tubes des années 60 se mêlent à la pop-rock contemporaine. L'intrigue se focalisant sur l'ambition d'une jeune créatrice de mode partie s'exiler à Londres pour tenter de percer dans le milieu. 

Or, à partir du moment où celle-ci emménage dans le quartier, elle est victime de visions à la fois enchanteresses et cauchemardesques en s'identifiant auprès du personnage de Sandie, chanteuse de music-hall dans les années 60. Peu à peu, au fil d'hallucinations davantage prégnantes et agressives, Eloise perd pied avec la réalité au point de virer vers une dérive potentiellement psychotique. Autant dire que le spectateur, dérouté par cette énigme sinueuse, essaie de disséquer sa psychologie torturée avec une appréhension toujours plus opaque et épeurante. Habitée par son rôle bicéphale auquel nous nous identifions cérébralement à son désarroi (à croire qu'elle finit par nous posséder par la puissance sensorielle des images baroques défilant avec une musicalité Giallesque façon Goblin), Thomasin McKenzie transperce l'écran (et les miroirs !) avec une expression exorbitée à la fois poignante et malaisante. Son parcours moral en perdition s'apparentant à une course effrénée pour la quête de vérité à travers une investigation criminelle toujours plus ombrageuse quant on y cultive le faux semblant. Quand bien même l'illustre Anya Taylor-Joy se fond dans le corps langoureux d'une danseuse de music-hall avec l'élégance charnelle qu'on lui connait à travers ses yeux noirs perçants souillés par ..............................

"Terror Eyes."

Hommage passionnel aux thrillers psychologiques et psycho-killers macabres que les plus grands cinéastes ont su marquer de leur empreinte infaillible (on peut également évoquer Polanski pour  Répulsion et Nicolas Roeg pour Ne vous retournez pas selon les aveux de Wright jamais à court de références subtilement éthérées), Last night in Soho relève la gageure de les honorer avec un brio formel, émotionnel et technique hypnotisant. L'expérience, à la fois déroutante, fascinante, ensorcelante et dérangeante demeurant d'une intensité dramatique dégingandée. Si bien que le spectateur absorbé par l'étrangeté de cette proposition "pailletée", orange sanguine, ne parvient pas à maitriser ce que déroule lentement le cinéaste sous nos yeux jusqu'au dénouement antithétique (et ce sans argument tarabiscoté), feu d'artifice cathartique à l'émotivité disparate. Futur classique, sans se soucier de son éventuelle dégradation temporelle.     

*Eric Binford

Dredd

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Pete Travis. Angleterre/Afrique du Sud. 2012. 1h35. Avec Karl Urban, Olivia Thirlby, Lena Headey, Domhnall Gleeso.

Sortie salles France: 16 Septembre 2012, uniquement en avant-première à l'Etrange Festival. U.S.A. 21 Septembre 2012. Belgique: 21 Novembre 2012

FILMOGRAPHIE: Pete Travis est un réalisateur britannique né à Manchester en Angleterre.

2008: Angles d'attaque. 2009: Endgame. 2012: Dredd. 

Si le nanar Judge Dredd campé par un Stallone cabotin fut un échec cuisant lors de sa sortie en 1995, sa réactualisation entreprise aujourd'hui par un réal pourtant novice va définitivement inhumer le pudding édulcoré de Danny Cannon. 

Le pitch: Dans une société futuriste totalitaire régie par des juges pugnaces, Dredd et sa nouvelle recrue, Anderson, doivent faire face à un cartel de la drogue manoeuvré par une psychopathe notoire. Alors qu'ils sont sur le point de mettre sous les verrous l'un de ses alliés, la matriarche "ma-ma" décide de boucler l'immeuble pour les embrigader en invoquant à la population de les déssouder. 

Ainsi donc, ceux qui attendaient désespérément une version cinématographique emblématique du comics créé par John Wagner risquent bien de jubiler à la vue de cet actionner bourrin dédié à la subversion ultra violente. Caractérisé d'un scénario simpliste mais redoutablement haletant de par son enchaînement d'action décomplexée, Dredd nouveau cru est un plaisir innocent à la générosité difficilement perturbable.

Avec peu de décors (l'essentiel de l'action se focalisant derrière les murs anti-atomiques d'une gigantesque tour), le réalisateur Pete Travis réussit à nous immerger de plein fouet dans l'urbanisation d'une cité futuriste en décrépitude. Un monde irradié et déshumanisé où drogue et criminalité y sont un fléau permanent sous l'allégeance d'une criminelle sanguinaire (elle dépèce vivant ses adversaires qui empiètent son territoire avant de les droguer et de les éjecter du haut de 200 étages !). Avec sa photo cristalline saturée de teintes fluos, cette mouture hardgore utilise harmonieusement une palette de couleurs criardes afin de mettre en exergue les nombreuses effusions sanguinolentes qui en émanent. Notamment quelques plages de poésie fantasmagorique, tels ces effets hallucinogènes de la nouvelle drogue "slo-mo" produisant chez le sujet un effet de ralentissement sur la notion temporelle ! Pour ce qui concerne les péripéties encourues chez nos deux baroudeurs pourvus d'armes high-tech (gadgets à l'appui !), Pete Travis ne cesse de leur faire subir moult épreuves de survie au sein d'un immeuble infesté de tueurs et de quidams corrompus. Ainsi, à l'instar d'une compétition, nos deux héros doivent affronter subterfuges et rixes cinglantes face à des antagonistes toujours plus déterminés (telle cette embuscade furibonde à la sulfateuse, morceau d'anthologie du film !) et tenter d'obstruer la mégère dégénérée.

Dans le rôle titre, Karl urban s'en sort avec les honneurs pour incarner le nouveau justicier impassible. S'il peut paraître au départ un poil rigide dans sa posture héroïque à la mâchoire contractée, il réussit fissa à s'imposer en héros flegmatique, sensiblement épris de conscience humaniste depuis l'indulgence de sa co-équipière. La charmante Olivia Thirlby prêtant son talent pour endosser de façon circonspecte une mutante douée de pouvoirs psychiques, mais aussi de compassion chez les déshérités. Enfin, en baronne de la drogue burinée d'une cicatrice sur le visage, Lena Headey se révèle aussi délectable que méprisable lors de ses agissements sanguinaires afin de prouver son autorité inébranlable à une populace disciplinée. On peut même prétendre qu'elle crève l'écran.

Escape from Mega City One

Ultra violent, bourrin, gore, immersif et surtout redoutablement jouissif, Dredd se coltine en prime d'une bande-son électro émoustillante afin d'y scander les péripéties explosives qui empiètent le récit. Honteusement ignoré en salles dans l'hexagone, ce film d'action furibond, symptomatique de la série B décomplexée, insuffle une vigueur et un charisme animal face à la déliquescence urbaine d'une société en perdition. Juste avant de lever un voile d'espoir en la présence clairvoyante de la mutante clémente. Une perle du genre à ne pas rater. 

Eric Binford

03.01.13

17.11.21. 

23.10.24. Vostfr

Rocky IV: Rocky vs Drago - The Ultimate Director's Cut

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Sylvester Stallone. 1985/2021. U.S.A. 1h34. Avec Sylvester Stallone, Talia Shire, Burt Young, Carl Weathers, Dolph Lundgren, Brigitte Nielsen, Tony Burton 

Sortie salles France (Rocky 4); 22 Janvier 1986. U.S (director's cut): 11 Novembre 2021.

FILMOGRAPHIE: Sylvester Stallone est un réalisateur, acteur, scénariste et producteur américain, né le 6 Juillet 1946 à New-York. 1978: La Taverne de l'Enfer. 1979: Rocky 2, la Revanche. 1982: Rocky 3, l'Oeil du Tigre. 1983: Staying Alive. 1985: Rocky 4. 2006: Rocky Balboa. 2008: John Rambo. 2010: Expendables: Unité Spéciale.

La technologie au service de l'effort physique.

En précisant qu'à mes yeux Rocky 4 est le volet le plus faible de la saga en dépit de son immense succès public assouvi par l'aspect jouissif des combats, une version Director's Cut remaniée par son auteur attisa inévitablement ma curiosité, même si sa durée quasi similaire (3' supplémentaires au compteur) pouvait laisser craindre une affaire purement lucrative. Et si évidemment Rocky 4 reste un divertissement (trop) simpliste et cliché, notamment auprès de ses séquences clippesques que Stallone a quelque peu remanié (les flash-back sont ici en noir et blanc), cette nouvelle mouture demeure louablement plus sombre, plus adulte, plus posée que son prédécesseur. Si bien que globalement parlant elle demeure donc moins clinquante et tape à l'oeil à travers une multitude de modifications plus censées, plus réfléchies, notamment en y établissant une relation plus prononcée avec Rocky 3, l'Oeil du Tigre (le prologue plus long accorde plus d'importance aux rapports professionnels entre Creed et Rocky, et la fin s'avère moins vulgaire et politisée, avec un générique de fin impulsé par le thème cher de Survivor). 

Exit donc la séquence la plus risible où intervenait le robot à l'anniversaire de Paulie et à d'autres moments intimes (en compagnie du fils de Rocky), Stallone privilégiant l'humanité en berne de ses personnages, à l'instar des funérailles plus longues de Creed auquel il verse cette fois-ci des larmes faciles. La musique de Bill Conti étant notamment plus présente lors des moments les plus intimes et poignants, quand bien même le final évacue un peu le discours (et ses symboles) politique(s) tant raillé(s) à l'époque au profit de l'humanisme torturé de Drago avouant devant son supérieur qu'il se bat pour lui même, non pas pour sa patrie. Et pour ceux qui ont revu coup sur coup Rocky 4, version ciné afin d'établir un comparatif beaucoup plus détaillé (car personnellement, il y a plus de 15 ans que je ne l'ai pas revu), de nombreux dialogues auraient été également supprimés et dispatchés durant tout le récit afin de mettre l'accent sur une dramaturgie dépouillée. Pour autant, quelques pointes d'humour sont heureusement restée présentes et ne demeurent pas hors propos ou outrancières lorsque Paulie tente de détendre l'atmosphère tendue avec la maladresse impayable qu'on lui connait. Des séquences vraiment drôles aux répliques inventives qui font mouche, notamment grâce au naturel décomplexé de Burt Young toujours envieux de son maître à penser. Enfin, le métrage est recadré en 2.35 en lieu et place du 1.85 initial, probablement afin de lui offrir un cachet formel plus stylé, plus cinégénique. 

Une ode à l'effort primal. 

En tout état de cause, à la sortie de la projo, Rocky vs Drago m'a paru globalement plus sobre, plus présentable, plus équilibré et plus humain que sa version ciné (marque de fabrique de tous les opus émotifs de Rocky), alors que le combat final reste un morceau d'anthologie assez percutant (même si personnellement je vibre beaucoup plus pour celui de l'Oeil du Tigre) parmi la posture monolithique de l'impressionnant Dolph Lundgren en machine à tuer lobotomisée. Quoiqu'il advienne, ce Director's cut risque de diviser son public, surtout auprès des puristes indéfectibles de la version ciné si chère à leurs yeux, assumant sans réserve sa naïveté et ses facilités triviales. 

*Eric Binford

4èx

Ci-joint chroniques des antécédents opus: 

Rocky: http://brunomatei.blogspot.fr/…/rocky-oscar-du-meilleur-fil…

Rocky 2: http://brunomatei.blogspot.fr/20…/…/rocky-2-la-revanche.html
Rocky 3, l'Oeil du Tigre: http://brunomatei.blogspot.fr/…/12/rocky-3-loeil-du-tigre.h…

Récompenses (Rocky 4):

Napierville Cinema Festival 1985 : trophée Marshall du meilleur acteur pour Dolph Lundgren

Goldene Leinwand 1986 : meilleur film