The last Starfighter

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Nick Castle. 1984. U.S.A. 1h40. Avec Lance Guest, Dan O'Herlihy, Catherine Mary Stewart, Robert Preston

Sortie salles France: 5 Juin 1985

FILMOGRAPHIE: Nick Castle est un scénariste, acteur et réalisateur de film américain né le 21 septembre 1947 à Los Angeles (Californie, États-Unis). 1982 : T.A.G.: Le Jeu de l'Assassinat (Tag: The Assassination Game). 1984 : Starfighter (The last starfighter). 1986 : La Tête dans les nuages (The Boy Who Could Fly). 1987 : Histoires fantastiques (Amazing Stories) (Série TV) : (Saison 2, épisode 15 : Lucy). 1989 : Tap. 1990 : Shangri-La Plaza (TV). 1992 : Denis la Malice (Dennis the Menace). 1995 : Major Payne. 1996 : Mr. Wrong. 2001 : Delivering Milo. 2001 : 'Twas the Night (TV). 2003 : The Seat Filler. 2006 : Connors' War (Vidéo). 

Petit classique de la science-fiction des années 80 conçu pour émerveiller les ados à travers son sujet utopiste (un ado est recruté par un émissaire pour combattre dans l'espace de méchants E.T après avoir atomisé le score de son jeu-video "Starfighter"), The Last Starfighter demeure un divertissement bonnard que la génération 80 reverra sans doute la larme à l'oeil. Emaillé de maladresses, ultra prévisible, naïf et surtout desservi d'FX en images de synthèse obsolètes; The Last Starfighter dégage pour autant un évident charme attractif auprès de son concept débridé, à l'instar de toutes ses séquences "féeriques" de tendresse entre Alex et sa compagne mais aussi avec son voisinage familier tant attachant que l'on jurerait extirpé d'une prod Amblin Entertainment. 

Et c'est bien là le meilleur intérêt du métrage que de flirter fréquemment avec les bons sentiments attendrissants plutôt que de se réjouir des séquences d'action stellaires néanmoins amusantes, simplistes, ludiques. Quand à l'acting de seconde zone, là encore le métrage marque des points tant les comédiens expansifs prennent plaisir à participer à l'aventure avec une dose d'humour parfois lourdingue, mais la générosité qui en émane nous permet d'y faire abstraction si bien que The Last Starfighter doit notamment sa réussite grâce à son refus de prétention que de divertir avec une dose d'émotions exaltantes. Un plaisir mineur certes, mais qui fait chaud au coeur de renouer avec nos émotions d'ado en émoi avec une intégrité indiscutable, et ce sous l'impulsion d'une orchestration jouasse en bonne et due forme. 

*Bruno

Dune

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de David Lynch. 1984. U.S.A/Mexique. 2h17. Avec Francesca Annis, Leonardo Cimino, Brad Dourif, José Ferrer, Linda Hunt, Freddie Jones, Richard Jordan, Kyle MacLachlan, Virginia Madsen, Silvana Mangano, Everett McGill, Kenneth McMillan, Jack Nance, Siân Phillips, Jürgen Prochnow, Paul L. Smith, Patrick Stewart, Sting, Dean Stockwell, Max von Sydow, Alicia Witt, Sean Young.

Sortie salles France: 6 février 1985. U.S: 14 Décembre 1984

FILMOGRAPHIE: David Lynch est un réalisateur, photographe, musicien et peintre américain, né le 20 Janvier 1946 à Missoula, dans le Montana, U.S.A. 1976: Eraserhead. 1980: Elephant Man. 1984: Dune. 1986: Blue Velvet. 1990: Sailor et Lula. 1992: Twin Peaks. 1997: Lost Highway. 1999: Une Histoire Vraie. 2001: Mulholland Drive. 2006: Inland Empire. 2012: Meditation, Creativity, Peace (documentaire).

"Un monde au-delà de vos rêves. Un film au-delà de votre imagination", dixit la tagline de l’époque. Et c’est exactement – au mot près – ce que nous offre l’alchimiste David Lynch, qui renia pourtant son œuvre, sans jamais lui pardonner (notamment auprès des producteurs, dont De Laurentiis). Or, à l’instar de ces films mésestimés par leur propre auteur (Gloria de Cassavetes, Nomads de McTiernan, La Forteresse Noire de Mann), Dune est un spectacle SF monumental qu’on aurait tort de bouder sous prétexte des mauvaises langues (même si, aujourd’hui, il est enfin estampillé "culte"). Un OFNI ne ressemblant à aucun autre métrage, avec son budget de 45 millions de dollars. Aussi dégingandé, confus, impénétrable, austère, froid, distant et elliptique soit-il, ce grand spectacle venu d’un autre temps… Il n’en reste pas moins fascinant. Ce qui, inévitablement, causa un échec public sévère – plutôt compréhensible tant l’œuvre malade ne s’adresse certainement pas au grand public. On est très loin du divertissement bonnard de La Guerre des Étoiles.

Et pourtant… à la cinquième revoyure – ou plutôt, à chaque révision – j’ai la troublante impression de contempler, de (re)vivre une expérience quasi inédite. Comme s’il s’agissait encore et toujours d’une première fois. Qui plus est, dans une version 4K à damner un saint (je pèse mes mots : il faut le voir – et le comparer au Blu-ray – pour le croire). Du jamais vu, j’vous dis !

Ainsi, malgré son souffle surdimensionné qui nous en fout plein la vue à chaque minute – à travers ses décors colossaux, naturels, domestiques, sculpturaux, hérités du péplum et de l’univers stellaire ; ses costumes hiératiques taillés au scalpel ; ses FX mécaniques et charnels ; sa photographie sépia ; sa figuration massive digne d’un DeMille ; et ce score de Toto, d’une ampleur sombre et homérique – malgré cet aspect baroque incommensurable, Dune nous hypnotise par sa beauté funeste, lyrique, onirique, étrange, ombrageuse.

Lynch compose là, avec son ambition personnelle, un ballet funèbre traversé de séquences atypiques (notamment dans les rapports de force, les tensions psychologiques, les rivalités feutrées), qui nous interpellent par leur dialecte philosophique – quand bien même la posture déconcertante des personnages nous laisse pantois d’impassibilité. Qu’il s’agisse de leur manière de communiquer (certains par télépathie), de combattre par un cri guerrier, ou de cette profusion de détails morbides (les pustules de l’Empereur, cette baudruche volante emplie de perversité), d’armes et d’ustensiles mortels jamais vus sur pellicule.

Le dormeur doit se réveiller.

Fort d’un prestigieux casting habité par ses rôles, plongé dans une scénographie insensée au pouvoir de fascination troublant (là où l’émotion reste discrète, contenue, presque absente), Dune est un spectacle pharaonique qu’il faut avoir tenté au moins une fois dans sa vie. Tant il est impossible d’ignorer sa puissance formelle, traversée de visions anthologiques, parfois si énigmatiques qu’elles nous échappent – mais sans que cela ne nuise, au contraire, tant ce mystère fait partie intégrante de sa magie.
Qu’on y adhère ou non, on est confronté à une forme de cinéma halluciné, abstraite, impossible à définir ni à décrypter dans sa totalité.

*Bruno

5èx Vostfr

Brainstorm

                                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site mauvais-genres.com

de Douglas Trumbull. 1983. U.S.A. 1h46. Avec Christopher Walken, Natalie Wood, Louise Fletcher, Cliff Robertson

Sortie salles France: 1er Février 1984. U.S: 30 Septembre 1983

FILMOGRAPHIE: Douglas Trumbull est un réalisateur, producteur et scénariste américain, né le 8 Avril 1942 à Los Angeles. 1972: Silent Running. 1978: Night of Dreams. 1983: Brainstorm. 1983: Big Ball. 1983: New Magic. 1985: Let's go. 1985: Tour of the Universe. 1989: Leornardo's Dream. 1990: To Dream of Roses. 1993: In Search of the Obelisk. 1996: Luxor Live. 1996: Theater of Time.

Oeuvre oubliée des années 80 alors que l'émérite Douglas Trumbull n'est autre que le responsable du chef-d'oeuvre Silent Running, Brainstorm anticipe de quelque décennies les travaux virtuels de Kathryn Bigelow pour l'apocalyptique Strange Days. Le récit nous contant scrupuleusement avec réalisme documenté les travaux révolutionnaires d'apprentis sorciers ayant inventé un casque capable d'y enregistrer les pensées et émotions d'autrui que le sujet savoure comme s'il s'agissait de sa propre personnalité d'après ses 5 sens. Or, lors d'un évènement tragique, une bande mémorisée de souvenirs morbides intéresse le corps militaire afin d'accomplir d'obscurs desseins. Superbement interprété par une pléiade d'acteurs notoires n'ayant plus rien à prouver (Christopher Walken, Natalie Wood, Louise Fletcher, Cliff Robertson), Brainstorm vaut autant pour son acting irréprochable (mention à Walken et Fletcher en savants passionnés par leur devoir mais aussi leurs sentiments) que pour l'originalité de son concept technologique alarmiste autant fascinant qu'épeurant. 

Inquiétant, fascinant et captivant à la fois de par son intrigue novatrice sobrement exposée épaulé qui plus est d'un suspense en ascension si je me réfère à l'ultime demi-heure fertile en tension et action tout en y exploitant un sens du merveilleux spirituel formellement prodigieux, Brainstorm demeure un spectacle intelligent d'une surprenante modernité. Car outre son côté documentaire prégnant (il faut impérativement prioriser la VO) renforçant la crédibilité de ses passionnantes thématiques (lire dans les pensées d'autrui pour les revivre soi même et se remémoriser nos plus beaux souvenirs, visuellement parlant), les effets-spéciaux tiennent plutôt bien la route de nos jours en dépit de certaines rares séquences visuels conçues par ordinateur (les séquences expérimentales à bord de l'avion). Enfin, pour clore sur une note poignante, un petit mot sur l'actrice Nathalie Wood décédée quelques semaines avant la fin du tournage (sa soeur la doublera pour les séquences finales) lors d'une trouble circonstance de noyade sur un yacht, alors qu'elle partage ici la vedette avec Christopher Walken à travers une romance sobrement attachante, émouvante, pour ne pas dire fragile quant à l'issue précaire de leur relation lors d'une conclusion haletante. 

*Bruno

2èx

Récompenses:

Académie des films de science-fiction, fantastique et horreur 1984 :

Saturn Award de la meilleure actrice à Louise Fletcher.

Saturn Award de la meilleure musique à James Horner.

Les 3 Mousquetaires: D'artagnan

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Martin Bourboulon. 2023. France/Allemagne/Espagne/Belgique. 2h01. Avec François Civil, Vincent Cassel, Romain Duris, Pio Marmaï, Eva Green, Jacob Fortune-Lloyd, Vicky Krieps 

Sortie salles France: 5 Avril 2023

FILMOGRAPHIE: Martin Bourboulon, né le 27 juin 1979 est un réalisateur français. 2015 : Papa ou Maman. 2016 : Papa ou Maman 2. 2021 : Eiffel. 2023 : Les Trois Mousquetaires : D'Artagnan. 2023 : Les Trois Mousquetaires : Milady. 

Un divertissement carré, adulte, saillant, avec du style, du coffre et de l'ambition.

Quel formidable divertissement que nous offre là Martin Bourboulon (dont personnellement j'ignorai l'existence en tant que cinéaste) au sein d'un paysage français en voie de résurgence au vu de certains films qualitatifs touchants à tous les genres avec une sincérité (étonnamment) indéfectible (Bac Nord, Tout le monde debout, Petites, Grave, A plein temps, les Invisibles, La Nuée, les Petites Victoires, Boite Noire, As Bestas, Revoir Paris, Alibi.com 2, l'Ascension, Le Pari, etc...). Car visuellement immersif, pour ne pas dire atmosphérique, les 3 Mousquetaires est également un superbe film d'ambiance comme on en voit plus au coeur de l'aventure historique tous publics tant Martin Bourboulon fignole sa scénographie naturelle, architecturale, sculpturale, domestique avec un art consommé du réalisme sensoriel. Qui plus est épaulé d'une photo sépia que certains critiques déplorent alors qu'à mon sens ce parti-pris demeure idoine pour nous immerger dans ce thriller politique à la fois sombre, obscur, romanesque et violemment épique (toutes les incroyables scènes de combat chorégraphiées en plan-séquence sont retranscrites en vue subjective). 

Un spectacle efficace donc, formellement magnétique, bien mené (aucun temps mort à l'horizon) et impeccablement joué par une pléiade de comédiens résolument investis dans leur fonction héroïque ou inhospitalière (à l'instar de la vénéneuse Eva Green en mystérieuse Milady possédant plus d'un tour dans son sac). Mention spéciale toutefois à François Civil (la révélation de Bac Nord) endossant D'artagnan entre naturel rafraichissant et panache affûté si bien qu'il m'a un tantinet évoqué par instants les prémices du légendaire Bebel, toutes proportions gardées. Quant à la musique orchestrale que certains ont comparé au score de Zimmer de The Dark Knight, je n'ai jamais eu cette fâcheuse impression de plagiat tant les sonorités parfois similaires demeurent aussi discrètes que timorées (pour ne pas dire effacées). Léger bémol toutefois, mais qui n'engage que moi, l'intrigue bâtie sur les complots politiques entre protestants et catholiques m'a paru quelque peu complexe, un brin fouillis, peu limpide au fil d'une évolution narrative pour autant captivante quant au savoir-faire du cinéaste à nous plaquer au siège avec cette évidente ambition de renouer avec les grands (espaces de) spectacles à l'ancienne tout en le modernisant (par la forme) afin d'enthousiasmer la génération actuelle.

Vivement la suite, le 13 Décembre...

*Bruno

Box Office: 3 336 640 entrées à ce jour du 18.07.23

Morgiana

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Juraj Herz. 1972. Tchécoslovaquie. 1h41. Avec Iva Janžurová, Josef Abrhám, Nina Divíšková, Petr Čepek, Josef Somr, Jiří Kodet.

Sortie salles Tchécoslovaquie: 1er Septembre 1972

FILMOGRAPHIE SELECTIVE: Juraj Herz est un réalisateur, acteur et scénariste slovaque, né le 4 septembre 1934 à Kezmarok, en Tchécoslovaquie (actuellement en Slovaquie). 1968: l'Incinérateur de cadavres. 1972: Morgiana. 1978: La Belle et la Bête. 1979: Le 9è coeur. 1986: Galose stastia. 1996: Maigret tend un piège. Maigret et la tête d'un homme. 1997: Passage. 2009: T.M.A. 2010: Habermann.

Maître du cinéma Tchèque à qui l'on doit les grands classiques l'Incinérateur de Cadavres, le 9è Coeur et le splendide la Belle et la Bête, Juraj Herz n'en finit plus de nous surprendre avec Morgiana. Un thriller à suspense mâtiné de fantastique (en mode suggéré), d'onirisme et de surréalisme avec l'étrange sentiment de s'immerger dans un univers gothique sans égal. L'histoire obscure d'une rivalité entre 2 soeurs, Viktoria demeurant folle de jalousie auprès de Klara que la gente masculine ne cesse de courtiser. Or, un jour elle décide de passer à l'acte criminel en tentant de l'empoisonner. Mais rien ne se déroulera comme prévu. Et c'est ce qui fait le sel de ce récit reptilien latent sublimé du profil exécrable d'une snobe criminelle imbibée d'hypocrisie alors que les rebondissements que l'on ne voient pas arriver nous déconcertent en y désamorçant le surnaturel jusqu'à l'épilogue teinté de douce ironie. 

Les acteurs et actrices, tous méconnus chez nous ayant une identité propre au point que le spectateur reste fasciné pour leur comportement autre, leur façon un tantinet particulière de jouer et d'y donner la réplique, et par la manière dont le réalisateur use et abuse de gros plans, de cadrages agressifs de telle sorte de nous plonger dans une fantasmagorie singulière subtilement envoûtante. Mais outre l'efficacité de son récit machiavélique jouant sur le faux-semblant et la cruauté morale, Morgiana est transcendé de sa facture formelle faisant office de pur chef-d'oeuvre esthétisant (je pèse mes mots !). Tant auprès de sa splendide photo naturelle que de ces décors verdoyants mais aussi côtiers que Juraj Herz filme amoureusement à l'aide de cadrages alambiqués ne débordant jamais (on peut même parfois songer à Picnic à Hanging Rock pour le sens stylisé de sa poésie lascive, pour son cadre champêtre solaire, pour la tenue vestimentaire des gentes dames insouciantes, toutes proportions gardées). Enfin, la musique hétéroclite de Luboš Fišer irrigue toute l'intrigue, entre grâce, mystère, sensualité, vrombissements, dissonance, à l'instar de son autre chef-d'oeuvre bicéphale La Belle et la Bête.

A ne rater sous aucun prétexte d'autant plus que cette oeuvre rare, infiniment élégante et précieuse ne fut jamais distribuée au cinéma chez nous. 

*Bruno

Baby Blood. Prix Spécial du Jury, Avoriaz 90.

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Alain Robak. 1990. France. 1h28. Avec Emmanuelle Escourrou, François Frapier, Rémy Roubakha, Christian Sinniger, Jean-François Gallotte, Thierry Le Portier

Sortie salles France: 24 Janvier 1990

FILMOGRAPHIE: Alain Jérôme, dit Alain Robak, né le 6 juin 1954 à Paris2, est un réalisateur français. 1987 : Irena et les ombres. 1990 : Baby Blood. 1994 : Parano (film à sketches). 2000 : La Taule. 2000 : Le Piège d'Olea (téléfilm). 

Entre Frères de Sang et la Vampire Nue.

Prix Spécial du Jury à Avoriaz, on est d'autant plus surpris à la revoyure tant Baby Blood se vautre à corps perdu dans le gore émétique avec une évidente désinhibition eu égard du flot quasi ininterrompu de sang versé à l'écran. On peut même d'ailleurs peut-être prétendre qu'il s'agit là du film gore le plus trash et dégueulbif du cinéma français, qui plus est épaulé d'une réalisation étonnamment avisée, inventive pour un second essai. D'excellents effets-spéciaux mécaniques d'un rouge rutilant supervisés par Benoit Lestang et Jean-Marc Toussaint. Et si l'intrigue demeure résolument sans surprise (une jeune foraine est contrainte de nourrir de sang frais une créature tentaculaire infiltrée à l'intérieur de son estomac), Alain Robak compte sur les vicissitudes récursives de son anti-héroïne n'hésitant jamais à se mettre à nu à travers sa désinvolture naturelle pour mieux se fondre dans le corps d'une victime martyr qu'endosse l'actrice gironde Emmanuelle Escourrou. LA révélation (oh combien) étrange de cet ovni underground à la fois politiquement incorrect, ubuesque, nonsensique (les réactions impassibles de certains figurants face à l'apparition surprise de la meurtrière au visage ensanglanté), drôlement macabre, maladif aussi par son réalisme cru puis crapoteux par son climat blafard. 

Une farce de mauvais goût donc au climat malsain olfactif que les initiés devraient savourer en ayant toutefois le coeur accroché auprès des plus sensibles. Tant et si bien que je me suis surpris à détourner le regard à plus de trois reprises de par la taille surdimensionné de mon téléviseur avec une gêne viscérale. Road movie horrifique où les heureuses rencontres (Alain Chabat, Jacques Audiard que je n'ai pas reconnu) et mauvaises (Jean-Yves Lafesse  assez convaincant en routier égrillard, les fameux joueurs de foot avinés au sein de l'autobus) s'y succèdent pour s'enchaîner à rythme infernal, Baby Blood joue la carte de la série B provocatrice avec une générosité intègre. Tant on sent le réalisateur et son actrice expressive (sorte de Béatrice Dalle  autrement farouche et dévergondée, en mode crapoteux par sa tenue insalubre) communément impliqués pour nous projeter dans une absurde réaction en chaine meurtrière à la fois étrangement fascinante, répulsive, parfois même cartoonesque en mode caustique. 

P.S: Copie BR à tomber, à croire qu'il s'agit d'une remastérisation 2K.

*Bruno

3èx

Les Gardiens de la Galaxie 3 / Guardians of the Galaxy Vol. 3

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de James Gunn. 2023. U.S.A. 2h30. Avec Chris Pratt, Bradley Cooper, David Bautista, Karen Gillan, Pom Klementieff, Vin Diesel, Zoe Saldaña, Sean Gunn, Maria Bakalova, Chukwudi Iwuji, Will Poulter, Elizabeth Debicki, Linda Cardellini, Nathan Fillion.

Sortie salles France: 3 Mai 2023

FILMOGRAPHIE: James Gunn est un réalisateur, scénariste, acteur, producteur et directeur de photo, né le 5 Août 1970 à Saint Louis, dans le Missouri (Etats-Unis). 2006: Horribilis. 2010: Super. 2013: My Movie Project (Segment: Beezel). 2014. Les Gardiens de la Galaxie. 2017 : Les Gardiens de la Galaxie Vol. 2. 2021 : The Suicide Squad. 2023 : Les Gardiens de la Galaxie Vol. 3. 

Une pyrotechnie festive de chaque instant dédiée avant tout à la cause animale pour son respect à l'harmonie de toute forme de vie, terrestre / extra-terrestre. 

On ne change pas une équipe qui gagne si bien que les Gardiens de la Galaxie, Vol 3 ne déroge pas à la règle, comme l'ont d'ailleurs souligné les réactions fougueuses de la critique et du public réconciliés, une fois n'est pas coutume. D'une durée de 2h30, ce 3è opus redoutablement spectaculaire (si on épargne une mise en place un peu laborieuse) reprend les ingrédients de ces précédents épisodes même si ici la dramaturgie prend le pas sur l'humour au gré de situations étonnamment cruelles militant ostensiblement pour la cause animale (thème central du récit forçant le respect). Toute l'intrigue se focalisant sur la condition précaire du raton Rocket à 2 doigts de trépasser après une violente attaque si ses acolytes ne parviennent pas à retrouver une clef que le maître de l'évolution possède. 

"Plus le méchant est réussi, meilleur le film sera", et James Gunn a bien pigé la leçon Hitchcockienne si bien que l'on tient là le meilleur rival de la trilogie qu'endosse l'impassible Chukwudi Iwuji (acteur britannique né au Nigeria) en savant fou mégalo dénué de vergogne ou d'empathie auprès de ses pairs et moins de ses esclaves. Formellement toujours aussi dépaysant, onirique, féerique, voir aussi parfois baroque à travers sa scénographie stellaire (ou domestique) vue nulle part ailleurs, les Gardiens de la Galaxie nous en fout à nouveau plein la vue à renfort d'actions hyperboliques souvent accompagnées d'une émotion épique ou mélancolique terriblement expressive. Tant et si bien que ce pétulant divertissement renouant avec un certain goût nostalgique pour le Muppet Show (unifier héros animaliers et humains dans une ambiance euphorisante de communion fusionnelle) peut se targuer d'être l'opus le plus émouvant en prônant les nobles valeurs du pardon, de la seconde chance, de l'unité héroïque et de l'amitié tout en y dénonçant la vivisection animale avec un réalisme qui pourrait toutefois perturber les plus petits. 

Un fabuleux spectacle donc tous publics (ou presque si on élude peut-être les moins de 10 ans à mon humble avis), résolument flamboyant, luminescent, polychrome (apparenté à l'arc en ciel cosmopolite), expansif, lyrique mais surtout communicatif par sa vibrante chaleur humaine qu'irradient constamment à l'écran ses gardiens prévenants dénués de prétention. On peut même y voir en filigrane un plaidoyer anti-raciste durant le parcours évolutif de nos super-héros s'efforçant de rassembler les peuples lors d'un final rédempteur.

*Bruno

Les Orgies Macabres / L'orgia dei morti / The Hanging Woman

                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site thebloodypitofhorror.blogspot.com

de José Luis Merino. 1973. Italie/Espagne. 1h38. Avec Stelvio Rosi, Maria Pia Conte, Paul Naschy, Dyanik Zurakowska, Gérard Tichy, Carlos Quiney, Isarco Ravaioli 

Sortie salles France: 13 Février 1974. Italie: 3 Septembre 1973. Espagne: 29 Septembre 1975

FILMOGRAPHIE: José Luis Merino (né le 10 juin 1927 à Madrid et mort le 2 juillet 2019 dans la même ville) est un réalisateur et scénariste espagnol. 1958 : Aquellos tiempos del cuplé. 1960 : El vagabundo y la estrella. 1964 : Alféreces provisionales. 1966 : Per un pugno di canzoni. 1967 : Sang et Or. 1968 : Requiem pour Gringo. 1968 : Colpo sensazionale al servizio del Sifar. 1969 : Panzer division. 1969 : La Patrouille des sept damnés. 1969 : Z comme Zorro. 1970 : Os cinco Avisos de Satanás. 1970 : La Furie des Kyber. 1970 : Les Nouvelles Aventures de Robin des Bois. 1970 : Des Dollars pour McGregor. 1970 : Le Monstre du château. 1970 : Le Commando des braves. 1971 : Zorango et les comancheros. 1971:  El Zorro de Monterrey. 1972 : La rebelión de los bucaneros. 1972 : Les Orgies macabres. 1974 : Juegos de sociedad. 1974 : Tarzán en las minas del rey Salomón. 1974 : Juan Ciudad: ese desconocido. 1976 : Sábado, chica, motel ¡qué lío aquel!. 1977 : Marcada por los hombres. 1979 : Siete cabalgan hacia la muerte. 1983 : USA profession tueur. 1983 : La avispita Ruinasa. 1984 : Gritos de ansiedad. 1990 : Superagentes en Mallorca. 

Quelle aubaine incommensurable de découvrir à l'improviste une perle Bisseuse Italo-ibérique dont j'ignorai l'existence, alors que l'oeuvre zédifiante (nullement péjoratif chez moi) ne cesse de charmer l'initié à travers sa volonté de fer de nous faire croire à l'improbable. Ainsi, l'intrigue criminelle, au suspense latent, a beau constamment faire sourire (sans jamais s'en railler), on reste magnétisé par la volonté intègre des comédiens communément TRES attachants à endosser leur rôle avec sérieux rigoureusement imperturbable. Tant et si bien qu'en prime de sa scénographie gothique envoûtante (tous les intérieurs domestiques feraient presque parfois songer à du Hammer), entourée d'une vaste nature enneigée superbement photographiée et éclairée (notamment au niveau des séquences nocturnes), Les Orgies Macabres demeure génialement ludique pour qui raffole de séries B débridées (le final truffé de rebondissements vaut son pesant de cacahuètes) extrêmement sincères à tenter de nous faire frissonner l'échine avec parfois une certain brio inespéré. 

Les apparitions des zombies putréfiés faisant leur petit effet répulsif de par ses visions de cauchemar infiniment morbides, qui plus est d'une morphologie typiquement latine. On peut également préciser qu'en guise de cerise sur la gâteau (même si je ne suis pas un admirateur indéfectible de l'acteur) Mr Paul Naschy s'invite dans la demeure en fossoyeur interlope avec sa traditionnelle expressivité 1er degré si bien que l'on se distrait de ses quelques exubérances à tenter de nous faire douter de ses agissements potentiellement perfides, ou pas. Ainsi donc, l'intrigue capillotractée a beau en faire des tonnes (surtout lors de l'ultime demi-heure en roue libre menée à un train d'enfer) on croit pour autant à ce que l'on nous conte puisque plongé, comme les protagonistes, dans un cauchemar éveillé à l'atmosphère ombrageuse génialement saillante (qui plus est souvent joliment cadrée !). C'est d'ailleurs la plus grande qualité du film que de nous immerger dans cet univers macabre aux accents de Poe en prime d'apprécier avec réelle tendresse les agissements investigateurs de ces acteurs de seconde zone d'un charisme pittoresque indécrottable. A ne pas rater, d'autant plus que les 2 actrices parfois dénudées demeurent divines de beauté sensuelle par leur nationalité belge (Dorys) ou italienne (Nadja).

*Bruno

Né un 4 Juillet / Born on the Fourth of July. Oscar du Meilleur Réalisateur, 1990.

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Oliver Stone. 1989. U.S.A. 2h24. Avec Tom Cruise, Willem Dafoe, Bryan Larkin, Raymond J. Barry, Caroline Kava, Josh Evans, Sean Stone 

Sortie salles France: 21 Février 1990. U.S: 20 Décembre 1989.

FILMOGRAPHIE: Oliver Stone (William Oliver Stone) est un réalisateur, scénariste et producteur américain né le 15 Septembre 1946 à New-york. 1974: La Reine du mal (Seizure), 1981: La Main du Cauchemar, 1986: Salvador, Platoon, 1987: Wall Street, 1988: Talk Radio, 1989: Né un 4 juillet, 1991: The Doors, J.F.K, 1993: Entre ciel et terre, 1994: Tueurs nés, 1995: Nixon, 1997: U turn, 1999: l'Enfer du dimanche, 2003: Commandante (documentaire sur Fidel Castro), Persona non grata (documentaire sur l'Israel et la Palestine), 2004: Looking for fidel (télé-film), 2004: Alexandre, 2006: World Trade Center, 2008: W: l'improbable président, 2009: South of the border (documentaire sur Hugo Chavez), 2010: Wall Street: l'argent ne dort jamais. 2012 : Savages. 2016 : Snowden. 

Euphémisme que de prétendre que Né un 4 juillet est un puissant réquisitoire contre l'absurdité de la guerre du Vietnam après que le gouvernement ricain eut envoyé au front de jeunes recrues endoctrinés par leur sens du devoir patriotique. Porté à bout de bras par un Tom Cruise martyrisé dans sa condition paraplégique marquant ainsi de son empreinte estropiée peut-être le rôle de sa vie, Né un 4 juillet laisse un arrière goût d'amertume et de nonchalance sitôt le générique clôt. Oliver Stone, épaulé d'une caméra mobile, demeurant impliqué d'y autopsier l'introspection évolutive du vétéran Ron Kovic prenant peu à peu conscience de ses erreurs de s'être engagé aussi promptement par goût du risque et sens du courage et de la compétition (on témoigne d'ailleurs au préalable de sa passion pour le sport de la lutte) en rejoignant finalement le mouvement hippie en voie de rébellion contre le gouvernement (on est d'ailleurs aujourd'hui sidéré par la violence des matraques employée par les forces de l'ordre contre les manifestants). Descente aux enfers morale à la fois rigoureuse et éprouvante au fil du cheminement frondeur de Ron brisé par les horreurs de la guerre (notamment sa culpabilité inconsolable d'avoir tué accidentellement un de ses acolytes ou encore d'avoir été témoin de la mort de villageois, dont enfants et nourrissons vietnamiens), Né un 4 juillet provoque dégoût et révolte sous l'impulsion de Tom Cruise habité par la rage de l'injustice. 

Car s'efforçant de réveiller les consciences (tant auprès de sa famille profondément catholique que du gouvernement peu à l'écoute de ses anciens combattants déjà discrédités pour leurs soins hospitaliers de par la pénurie du matériel médical) avec une intensité émotionnelle où le désespoir suinte de ses pores (notamment auprès de sa romance impossible avec la ravissante Donna suggérée en filigrane). Quand bien même d'observer en temps réel l'émergence de sa prise de conscience à reconsidérer ses valeurs d'héroïsme patriotique renforce l'aspect dérisoire de sa condition soumise de s'être aussi naïvement laissé berner par les mensonges de son gouvernement. Véritable viol collectif que fut cette guerre vietnamienne ayant traumatisé sa jeune génération qui ne souhaitait qu'imprimer l'histoire afin d'honorer leurs ancêtres de la seconde guerre (dixit Ron), Né un 4 juillet est une oeuvre fleuve (2h24) résolument dure, rigoureusement cruelle et maladive, fétide, malsaine et cauchemardesque à travers les yeux éplorés d'un paraplégique, prisonnier de son corps inerte, ayant perdu toute dignité. Et ce avant de se raviser, de se relever afin de combattre son propre gouvernement pour le proscrire au pilori aux yeux du grand public. Grand film glaçant, assurément, voir même profondément édifiant, perturbant auprès de la responsabilité politique des américains du déni dénués d'empathie, de respect, de tolérance auprès de leurs héros sacrifiés. 

*Bruno

Récompenses:

National Board of Review 1989

Top Ten films

Oscars 1990

meilleur réalisateur pour Oliver Stone

meilleur montage pour David Brenner et Joe Hutshing

Golden Globes 1990

meilleur film dramatique

meilleur réalisateur pour Oliver Stone

meilleur acteur dans un film dramatique pour Tom Cruise

meilleur scénario pour Oliver Stone et Ron Kovic

BMI Film & TV Awards 1990

BMI Film & TV Award pour John Williams

Directors Guild of America Awards 1990

meilleur réalisateur pour Oliver Stone

Chicago Film Critics Association Awards 1990

meilleur acteur pour Tom Cruise

Golden Reel Awards 1990

meilleur montage sonore

meilleur montage des effets sonores

Dans ses yeux / El secreto de sus ojos. Oscar du Meilleur Film Etranger, 2010.

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Juan José Campanella. 2009. Argentine. 2h09. Avec Ricardo Darín, Soledad Villamil, Pablo Rago, Javier Godino, Guillermo Francella, José Luis Gioia

Sortie salles France: 5 mai 2010. Espagne : 25 septembre 2009

FILMOGRAPHIE: Juan José Campanella (né le 19 juillet 1959 à Buenos Aires) est un metteur en scène de cinéma argentin qui a surtout travaillé pour les télévisions américaines. 1979 : Prioridad nacional (court-métrage). 1984 : Victoria 392 (documentaire). 1991 : The Boy Who Cried Bitch (en). 1997 : La Part du mal. 1999 : El mismo amor, la misma lluvia. 2001 : Le Fils de la mariée (El hijo de la novia). 2004 : Luna de Avellaneda. 2009 : Dans ses yeux (El secreto de sus ojos). 2013 : Metegol. 2019 : La Conspiration des belettes. 

A la lisière du chef-d'oeuvre élégiaque politiquement incorrect.

Lardé de récompenses en Argentine, à Beaune et aux Oscars, Dans ses yeux est un plaisir de cinéma à la fois auteurisant et populaire comme on en voit peu dans le paysage du divertissement trop souvent formaté. Tant et si bien qu'ici on est constamment étonné, fasciné, attentionné, interloqué par le profil psychologique de ses personnages ibériques communément tourmentés, hantés, obsédés, chagrinés de culpabilité à la suite d'un viol crapuleux à l'issue finalement irrésolue. De par la profondeur psychologique de ceux-ci et cette trajectoire narrative reptilienne qu'on ne peut anticiper, on reste fasciné, magnétisé du jeu hétérodoxe des acteurs endossant leur rôle de façon à la fois si personnelle, naturelle, impliqués corps et âmes (jusque dans le non-dit), humainement versatile (notamment auprès de l'ami de Benjamin, Pablo, ivrogne prévenant, et du héros traumatisé par la candeur d'une victime sacrifiée à la beauté épurée). 

D'autre part, par sa science du suspense lestement latente et diffuse oscillant avec une rare intelligence, et au travers de nombreux flash-back, la fragilité de sentiments passionnels indécis avec l'enquête policière de longue haleine, Juan José Campanella y magnifie sa scénographie alambiquée, élégante, maîtrisée (notamment ce surprenant plan-séquence amorçant un zoom plongeant sur un stade de foot lors d'une filature) afin de parfaire une douloureuse histoire d'amour à l'issue indécise. A l'instar de son final ambigu à double niveau de lecture que le héros imagine dans sa psyché torturée. Ainsi, au bout du compte, Dans ses yeux demeure un sublime drame psychologique à la fois, trouble, ambivalent, ensorcelant, cruel et douloureux sous l'impulsion d'un récit passionnel remarquablement construit afin de surprendre le spectateur emporté dans un maelstrom d'émotions tendues, bouleversées, contrariées à la suite d'une découverte morbide inconsolable. Et d'y parfaire avec autant de brio métronome suspense, émotions et tendresse tout en prenant son temps afin de mieux nous surprendre de la tournure dramatique des évènements auprès de personnages complémentaires en proie à la corruption politique relève d'une gageure à l'identité propre. 

Dédicace à Steph Passoni

*Bruno

Récompenses: 

Prix Sud 2009 : 13 prix dont ceux du meilleur film, meilleur réalisateur, meilleur acteur et meilleure actrice argentins

Prix Goya 2010 : meilleur film étranger en langue espagnole

Oscars du cinéma 2010 : meilleur film en langue étrangère

festival international du film policier de Beaune 2010 : Grand prix du jury et prix du « jury spécial police »

Robinson Crusoe sur Mars / Robinson Crusoe on Mars

                                               Photo empruntée sur google, appartenant au site Imdb.com

de Byron Haskin. 1964. U.S.A. 1h48. Avec Paul Mantee, Victor Lundin, Adam West, Barney le singe 

Sortie salles France: 23 Décembre 1964

FILMOGRAPHIE: Byron Haskin est un réalisateur, directeur de la photographie et scénariste  américain, né le 22 avril 1899 à Portland, Oregon et mort le 16 avril 1984 à Montecito, États-Unis. 1927 : Ginsberg the Great. 1927 : Matinee Ladies. 1927 : Irish Hearts. 1927 : The Siren. 1943: Convoi vers la Russie. 1948 : L'Homme aux abois. 1948 : Man-Eater of Kumaon. 1949 : Too Late for Tears. 1950 : L'Île au trésor. 1951 : Tarzan's Peril. 1951 : Le Sentier de l'enfer. 1951 : La Ville d'argent. 1952 : Denver and Rio Grande. 1953 : La Guerre des mondes. 1954 : Le Roi des îles. 1954 : Quand la marabunta gronde. 1954 : Long John Silver. 1955 : La Conquête de l'espace. 1956 : The First Texan. 1956 : The Boss. 1958 : De la Terre à la Lune. 1959 : Little Savage. 1959 : Bagarre au-dessus de l'Atlantique. 1960 : September Storm. 1961 : Armored Command. 1963 : Capitaine Sinbad. 1964 : Robinson Crusoé sur Mars. 1968 : La Guerre des cerveaux.

Précurseur d'Enemy Mine du célèbre auteur de la Guerre des Mondes, Byron Haskin, Robinson Crusoe sur Mars est une sympathique curiosité d'y transposer le roman de Daniel Defoe sur la planète Mars en compagnie d'un astronaute, d'un singe puis, un peu plus tard, d'un esclave extra-terrestre. Amusant par son aspect kitch, assez prenant lors de sa 1ère partie contemplative où la solitude pèse sur notre héros (avec une jolie réflexion sur le sentiment invivable de déréliction), dépaysant et ludique par sa scénographie stellaire flamboyante, Robinson Crusoe sur Mars plaira aux amateurs de raretés oubliées à défaut de passionner. Byron Askin réfutant la démonstration de force pour préconiser la modestie, la simplicité et l'efficacité des situations de survie tablant sur la claustrophobie (on est d'ailleurs en droit de préférer la 1ère heure laconique par son aspect documenté). 

*Bruno

09.01.26. 3èx. Vost

Petites

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de  Julie Lerat-Gersant. 2022. France. 1h30. Avec Pili Groyne, Romane Bohringer, Victoire Du Bois, Lucie Charles-Alfred, Suzanne Roy-Lerat, Bilel Chegrani, Shirel Nataf. 

Sortie salles France: 22 février 2023

FILMOGRAPHIE: Julie Lerat-Gersant est une scénariste et réalisatrice française. Petites est son tout 1er long-métrage réalisé en 2022. 

Tirant parti d'un réalisme documenté façon Pialat, toutes proportions gardées, Petites est une claque émotionnelle par sa sensibilité à fleur de peau traitée sans fard ni moralisme. A l'instar de son final aigre-doux, ni blanc ni noir, qui risquerait peut-être d'en déconcerter plus d'un. Et quand on prend en compte qu'il s'agit du 1er long-métrage de la réalisatrice Julie Lerat-Gersant, on ne peut que s'incliner face à la maîtrise de son projet salutaire dénué de jugement, pour ne pas dire engagé, qui plus est entouré d'une poignée d'actrices moins connues et seconds-rôles méconnues si on éclipse l'apparition surprise, dépouillée, de Romane Borhanger en éducatrice au bord du pessimisme eu égard de sa psyché davantage torturée à tenter de sauver ses jeunes filles trop instables pour amorcer une vie monoparentale (ou familiale). Ainsi, 1h30 durant, Julie Lerat-Gersant n'a aucune peine pour nous fondre dans l'intropstection chétive de la jeune Camille (incarnée avec une force de vérité humaniste par Pili Groyne, la révélation !) 16 ans, placée dans un centre maternel faute de sa grossesse et d'une maman irresponsable accusant elle-même un passé chaotique traversé d'indécision et de marche-arrière. C'est donc un long parcours moral que nous relate studieusement la cinéaste sous l'impulsion d'un vérisme sociétal plus vrai que nature en dépit du soin imparti à sa photo subtilement saturée, notamment afin de contraster avec les états d'âme frondeurs de ses jeunes rebelles inaptes à éduquer leurs enfants en dépit de leur amour fulgurant pour eux (voir la séquence bouleversante d'Alison hurlant son amour maternel auprès d'un juge pour enfant). 

Une photo colorée accentuant parfois les plages d'onirisme naturel que cultivent ses jeunes filles en compagnie de leur petit ami ou plus confindentiellement, avec leur maman à la morale déguingandée par le reflet de leur immaturité souvent non assumée comme le souligne Clo, mère de Camille. Tour à tour humble, attachant, tendre, hypnotique mais aussi fulminant par ce sentiment d'injustice que ressentent ces victimes livrées à elles mêmes, Petites laisse en état de marasme, d'impuissance, de collapse, avec toutefois au bout de l'horizon ce désir d'amour rédempteur, cette prise de conscience gratifiante afin d'éviter de reproduire les mêmes erreurs après avoir observé puis vécu dans leur quotidienneté ces témoignages édifiants au destin incertain. Par conséquent, ce manifeste alarmiste sur la maternité juvénile émane de son humanité à fleur de peau que nous suscitent les actrices et seconds-rôles féminins comme si nous les fréquentions depuis toujours par leur fragilité tacite ou explicite où certaines explosions de violence ne pourront s'y contenir. Qui plus est, par le biais de séquences à la fois cruelles et douloureuses à dénoncer les mauvais traitements (ici uniquement moraux) de bambins livrés à eux-mêmes, Petites met mal à l'aise, perturbe l'âme, invoque le vertige, voir l'insupportable lors de ses dérives de crises de larmes sans nullement se vautrer dans l'ombre d'une complaisance déplacée. 

Puissamment émotionnel par sa tendresse immodérée et sa violence furibonde que ses jeunes mamans nous communiquent avec une force de vérité aigre, désenchantée mais aussi teintée d'espoir optimiste par leur résilience acharnée, Petites demeure une référence (pour ne pas dire un coup de maître) d'aborder avec autant de tact, d'intelligence, de pudeur et surtout d'acuité humaine cette douloureuse thématique que le spectateur endure de façon à la fois lucide, concerné, pédagogue, discursive. Si bien que Petites devrait être diffusé urgemment dans tous les collèges et lycées de France à l'aide d'un bouche à oreille prolifique.  

*Bruno

Ce qu'en a pensé la presse : 

Vendredi 13 VII, Un nouveau défi / Friday the 13th Part VII: The New Blood

                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site forum.sanctuary.fr

de  John Carl Buechler. 1988. U.S.A. 1h29. Avec Kane Hodder, Lar Park-Lincoln, Kevin Spirtas, Susan Jennifer Sullivan, Terry Kiser, Susan Blu

Sortie salles France: 20 Juillet 1988. U.S: 13 Mai 1988

FILMOGRAPHIE: John Carl Buechler (né le 18 juin 1952 à Belleville (Illinois) et mort le 18 mars 20191) est un réalisateur, maquilleur et technicien d'effets spéciaux américain. 1984 : Ragewar. 1986 : Troll. 1988 : Cellar Dweller. 1988 : Vendredi 13, chapitre VII : Un nouveau défi. 1991 : Ghoulies 3: Ghoulies Go to College (vidéo). 1998 : Les Proies : La Résurrection (en). 2001 : Péril de glace (Deep Freeze). 2002 : Curse of the Forty-Niner. 2003 : A Light in the Forest. 2004 : Grandpa's Place. 2006 : The Strange Case of Dr. Jekyll and Mr. Hyde. 2011 : Dark Star Hollow.

On prend les mêmes et on recommence. Pour la 7è fois consécutive Jason nous revient sous les traits d'un mort-vivant du plus bel effet (qu'il soit masqué ou zombifié, les maquillages sont irréprochables) pour se mesurer à une rivale douée de télékinésie et de prémonition à la suite de la mort (semi-) accidentelle de son père. Et c'est bien là la seule originalité du récit si bien que la recette payante reste inchangée avec de son lot de meurtres spectaculaires étalés toutes les 10 minutes auprès d'ados stupides (et d'un médecin sournois) qu'on aime détester jusqu'à leur cinglant trépas. Pour les afficionados de la franchise, Vendredi 13 VII reste donc une sympathique distraction que l'on reluque d'un oeil amusé par son lot de clichés éculés, persos neuneus, meurtres percutants, ritournelle entêtante et situations à la fois risibles et ubuesques, comme le souligne par ailleurs son final homérique faisant intervenir un surnaturel punitif. On peut enfin déplorer autant que s'amuser des pugilats rébarbatifs que s'opposent Tina, sa mère et un psychiatre venu semer la zizanie pour son propre intérêt. Mais bon comme de coutume c'est évidemment à savourer au second degré. 

*Bruno

3èx. Vostfr 5.1