The Creator

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Gareth Edwards. 2023. U.S.A. 2h15. Avec John David Washington, Madeleine Yuna Voyles, Gemma Chan, Ken Watanabe, Allison Janney, Sturgill Simpson, Ralph Ineson, Marc Menchaca.

Sortie salles France: 27 Septembre 2023

FILMOGRAPHIE: Gareth Edwards est un réalisateur, scénariste et producteur britannique, né le 31 Décembre 1975. 2010 : Monsters. 2014 : Godzilla. 2016: Rogue One: a star wars story. 2023: The Creator. 

L'enfant roi.

Impossible pour moi d'établir un avis concret détaillé juste après avoir subi de plein fouet ce choc visuel aussi prégnant que Blade Runner (carrément oui j'ose le dire), si bien que je n'ai pas vu défiler les 2h15 (2h04 sans le générique) au point de me surprendre de voir débouler brutalement le générique final sans pouvoir comprendre ce que je venais de vivre le temps (trop furtif) de cette expérience chimérique. Alors oui, si certains ont reproché la simplicité de son scénario classique il est vrai, il m'eut paru pour autant dense, réflexif, spirituel, métaphysique, digne d'intérêt pour les rapports de force les moins véreux, pour son discours sur l'impérialisme ricain et pour l'enjeu de la survie de l'humanité sous l'impulsion d'une profondeur humaine désespérée. Et ce en y opposant personnages de chair et humanoïdes au sein d'une compétition belliqueuse militant en filigrane pour une paix universelle quand on saisi les tenants et aboutissants des rapports de force finalement fallacieux. Ainsi donc, à cause de son pouvoir visuel littéralement fascinatoire, ensorcelant, immersif, capiteux, de par l'intensité de ce dépaysement authentifié, je suis parfois un peu passé à côté de son intensité émotionnelle impartie aux rapports humains d'amour filial et familial. A moins qu'il y manque une certaine maîtrise pour rendre compte de la psychologie fragile de ces personnages partagés entre doute, remise en question, revirement sacrificiel. 

Or, les acteurs (communément) charismatiques sont pleinement investis dans leur mission alerte pour se fondre dans ce décor d'anticipation avec un humanisme aussi torturé que contrarié eu égard de l'avalanche d'incidents guerriers qui irriguent l'intrigue auprès d'effets spéciaux numériques ahurissant de réalisme presque charnel. Bref, le grand spectacle escompté est rigoureusement si stupéfiant, palpable, sensoriel, plus vrai que nature, que l'on en perd parfois le fil narratif à force de (trop) se concentrer sur sa virtuosité formelle fourmillant d'autant de détails techniques et ornementaux que Blade Runner de Scott (encore lui). Je reste en tous cas persuadé que The Creator gagnera en fiabilité et réputation au fil des années pour atteindre le niveau de classique tant le métrage novateur dégage une puissance formelle (mais aussi discursive) résolument trouble quant à notre devenir de l'humanité potentiellement tributaire de l'IA, pour le meilleur et (ou) pour le pire. En tout état de cause, loin de se soumettre à l'apologie de la guerre (c'est tout le contraire dont il s'agit en y dénonçant le mensonge, l'hypocrisie, le faux-semblant), The Creator me semble porteur d'espoir par son message autant divin que technologique afin de préserver le calme plutôt que la tempête dans un futur anarchisé. Tristement actuel donc au point de se questionner sur l'éventuelle humanisation d'une intelligence artificielle autrement plus lucide, pacifiste, tolérante, déférente envers son prochain. A revoir absolument passée sa digestion visuelle. 

*Bruno

Doomsday

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Neil Marshal. 2008. U.S.A/Afrique du Sud, Allemagne/Angleterre. 1h52 (Uncut). Avec Rhona Mitra, Bob Hoskins, Adrian Lester, Alexander Siddig, David O'Hara, Malcolm McDowell, Craig Conway.

Sortie salles France: 2 Avril 2008

FILMOGRAPHIE: Neil Marshall, né le 25 mai 1970 à Newcastle upon Tyne en Angleterre au Royaume-Uni, est un réalisateur, scénariste, monteur et producteur britannique. 2002: Dog Soldiers. 2005: The Descent. 2008: Doomsday. 2010: Centurion.

Un Bis de luxe incompris formidablement ludique pour le plus pur plaisir du fun décomplexé. 

Pur trip d'actionner bourrin (Dieu sait si je déteste cette locution), Doomsday est un plaisir de chaque instant à tous ceux et toutes celles qui vouent une véritable affectation au cinéma Bis "post-apo" que les transalpins se sont surtout appropriés dans les années 80 à travers leur système D, entre débrouillardise et générosité en roue libre. C'est peut-être d'ailleurs à cause de ce malentendu que le film fut à l'époque si mal perçu par la critique quand bien même le jeune public réfractaire aux séries Z de cette époque révolue n'avaient pas le bagage culturel pour les comprendre. Si bien qu'en l'occurence, et à la revoyure d'un regard autrement plus indulgent, complice, fougueux, en mode "âme d'enfant", Doosmday transpire l'amour de la série Z (de luxe !) à l'aide d'un budget contrairement plus dense, substantiel eu égard de l'avalanche de scènes d'action pétéradantes chorégraphiées au sein d'une scénographie urbaine aussi vaste que dépaysante (la partie moyen-ageuse totalement lunaire injecte un effet de surprise beaucoup plus appréciable à la revoyure). Et si on peut déplorer que les bastonnades corporelles demeurent étonnamment timorées car peu véloces et inventives, les gun-fight, courses poursuites et cascades automobiles sont heureusement d'un niveau technique autrement plus persuasif afin d'appuyer l'attrait jouissif de situations aussi saugrenues que débridées. 

Le final mad-maxien est d'aileurs sans doute le moment le plus jubilatoire par son délire assumé d'une action hyperbolique à donner le vertige. L'intrigue, à peine influencée par le référentiel  New-York 1997 (on remplace l'anti-héros par une anti-héroïne en mission pour récupérer un sérum au sein de la prison urbaine d'Ecosse afin de sauver Londres d'un virus mortel) n'étant qu'un pur prétexte à cumuler les affrontements barbares, bourrins, bien gorasses avec un art consommé de la désinhibition (tous les acteurs sont à la fête). Neil Marshal ne se prenant nullement au sérieux pour rendre hommage à tout un pan de la série Z italienne qu'auront marqué de leur empreinte Atomic Cyborg, 2019 après la chute de New-York, les Guerriers du Bronx; le Gladiateur du Futur et consorts). Pour se faire, outre son budget beaucoup plus conséquent au sein d'un format scope crépusculaire (en dépit du final résolument solaire), il s'entoure notamment d'illustres acteurs que forment Bob Hoskins en faire-valoir conseiller jouant la sobriété assumé et Malcolm McDowell en dictateur médiéval à l'ironie à peine tacite. Quant à Rhona Mitra, si elle ne délivre pas l'interprétation de l'année, elle s'avère suffisamment pugnace, renfrongnée, affirmative, voire même assez charismatique de par son regard borgne (électronique !) pour se laisser aimablement convaincre de sa posture héroïque en leader féministe à l'autorité frondeuse (l'épilogue attendu, pied de nez au politiquement correct). 

                                            

Généreux en diable à travers son contexte de divertissement du Samedi soir ne tablant que sur le rythme endiableé et l'excentricité des punks décervelés pour rendre un charmant hommage à la série B/Z du post-nuke des Eighties, Doomsday insuffle une sympathie assez jouissive pour rendre l'attraction pop-rock (concert improvisé en sus génialement entrainant sous l'impulsion de Frankie Goes to Hollywood) jamais ennuyeuse au sein de ces règlements de compte déjantés, cocasses, triviaux, devergondés aussi. 

*Bruno

2èx. Vf

The Killer

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de David Fincher. 2023. U.S.A. 2h00. Avec Michael FassbinderTilda Swinton, Charles Parnell, Arliss Howard, Kerry O'Malley, Sophie Charlotte, Emiliano Pernía.

Diffusé sur Netflix le 10 Novembre 2023

FILMOGRAPHIE: David Fincher est un réalisateur et producteur américain, né le 28 Août 1962 à Denver (Colorado). 1992: Alien 3. 1995: Seven. 1997: The Game. 1999: Fight Club. 2002: Panic Room. 2007: Zodiac. 2008: L'Etrange histoire de Benjamin Button. 2010: The Social Network. 2011: Millénium. 2014: Gone Girl. 2020: Mank. 2023: The Killer. 

Pas un grand Fincher, faute d'une intrigue éculée plutôt classique, mais un excellent polar qui tient la route et retient l'attention (on ne s'ennuie pas une seconde) grâce au jeu personnel de Michael Fassbinder en tueur à gage méthodique, taiseux, impassible, et à la maîtrise de la mise en scène quasi hypnotique. Avec une scène de baston sidérante d'intensité fulgurante pour tenir lieu de brio technique et de gestion des sentiments d'appréhension et d'effroi. Photo scope, subtilité de la luminosité nocturne et bande-son à la fois concise et monocorde aussi habités par le goût du travail bien fait.

*Bruno

U-571

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Jonathan Mostow. 2000. U.S.A/France. 1h56. Avec Matthew McConaughey, Bill Paxton, Harvey Keitel, Jon Bon Jovi, David Keith.

Sortie salles France: 6 Septembre 2000

FILMOGRAPHIE: Jonathan Mostow est un réalisateur, producteur et scénariste américain né le 28 novembre 1961 à Woodbridge, Connecticut (États-Unis). 1991: Flight of Black Angel. 1997: Breakdown. 2000: U-571. 2003: Terminator 3: Le Soulèvement des machines. 2009: Clones. 2017: The Professionnal (Hunter's Prayer).

Ce film est dédié aux matelots et aux officiers alliés qui risquèrent leur vie pour s'emparer d'Enigma pendant la bataille de l'Atlantique. 

9 Mai 1941, Machine Enigma et codes saisis sur l'U-110 par HMS Bulldog et HMS Aubretia. 

30 Octobre 1942, Chiffre météo saisi sur l'U-559 par HMS Petard. 

4 Juin 1944, Machine Enigma et codes saisis sur l'U-505 par US Navy. 

Epoustouflant ! Peux pas mieux dire. S'il y a bien un film de sous-marin oublié aujourd'hui et méritant toute votre attention, c'est bien ce métrage natif des années 2000. Et c'est bougrement dommage lorsque l'on revoit ce modèle du genre mené de main de maître par Jonathan Mostow (sa déclinaison super efficace de Duel: Breakdown, le mal aimé et pourtant fort réussi Terminator 3) cumulant les scènes d'anthologie à rythme quasi métronomique passée la 1ère partie pour la présentation des personnages et des préparatifs de leur mission. Véritable expérience immersive au sein d'un huis-clos à la fois humecté, exigu, étouffant, rubigineux, notamment grâce à la précision du son récompensé d'un Oscar à l'époque (faites tourner urgemment vos Home Cinema !), U 571 prône admirablement les valeurs de bravoure, de résilience et de sens du sacrifice avec une intensité surmenée. 

Eu égard de l'avalanche d'incidents, offensives, contre-offensives explosives qu'une poignée de matelots et d'officiers ricains tentent de repousser après s'être emparés d'un sous-marin allemand détenant la fameuse chiffreuse Enigma qui leur permettait de communiquer secrètement entre alliés. Sans céder à une quelconque surenchère aussi vaine que gratuite, toutes les séquences d'action qui empiètent les enjeux de survie sont entièrement soumises à l'épreuve de force que transcendent ces forces navales américaines sous l'impulsion d'un cast (Matthew McConaughey d'une redoutable ténacité en commandant de fortune, Bill Paxton, Harvey Keitel, Jon Bon Jovi, David Keith) habité par l'appréhension autant que le courage de vaincre l'insurpassable. Et c'est autant ce qui fait la force, la dignité de ce furibond récit inspiré de fait réels que de nous démontrer avec un réalisme ahurissant les efforts surhumains qu'ont pu perpétrer ces héros de la seconde guerre avec une audace aussi stoïque et incongrue que désespérée. On en sort donc aussi lessivé qu'admiratif d'avoir témoigné d'autant de bravoures en un minimum de temps et parmi la présence d'un ennemi allemand impitoyable. 

Spectacle absolu littéralement époustouflant au sens large autant que vibrant hommage héroïque forçant le respect, U-571 est à ne rater sous aucun prétexte d'autant plus qu'il est conçu à l'ancienne à faire pâlir les films d'action actuels bien trop souvent débilitants, opportunistes, hyperboliques, vite oubliés. Du grand art.

P.S: Copie 4K restaurée hallucinante de beauté immaculée. 

*Bruno

2èx. vf

Les Ordres du Mal / Sister Death / Hermana muerte

                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Paco Plaza. 2023. Espagne. 1h30. Avec Aria Bedmar, Maru Valdivielso, Luisa Merelas, Almudena Amor, Chelo Vivares, Sara Roch, Olimpia Roch.

Diffusé sur Netflix le 27 Octobre 2023

FILMOGRAPHIE: Paco Plaza est un réalisateur et scénariste espagnol, né en 1973 à Valence (Espagne). 2002: Les Enfants d'Abraham. 2004: L'Enfer des Loups. 2006: Scary Stories. 2007: REC. 2008: REC 2. 2012: REC 3 Genesis. 2019: Quien a hierro mata. 2021: La abuela. 2023: Hermana Muerte. 

Si réducteur de discréditer de manière (trop souvent) expéditive les productions Netflix, principalement à travers les réseaux sociaux où les langues se délient facilement pour le meilleur et surtout pour le pire. Si bien que Les Ordres du Mal ne déroge pas à la règle de la bonne surprise sous l'impulsion de Paco Plaza étonnamment inspiré à nous proposer un film d'horreur 1er degré. Pour ne pas dire à contre-emploi des prods mainstream ciblant bien trop souvent le public ado en mal d'effets chocs n'ayant aucune culture du cinéma Fantastique au sens noble. Et même si on pourrait reprocher, à raison, une intrigue simpliste cédant lors des 20 dernières minutes à une démonstration de force en roue libre, Les Ordres du Mal demeure si constamment efficace et inquiétant, formellement soigné (un réel plaisir des yeux), atmosphérique en diable (à ce niveau il y a une véritable création picturale au sein de cet univers chrétien sous formol), anxiogène au possible, parfois même terrifiant auprès de visions d'effroi aussi originales qu'inventives qu'il ne peut que ravir le public adulte résolument attentif aux faits et gestes de soeur Narcisa. 

Celle-ci affublée d'une toge de soie blanche naviguant entre hallucinations et réalité au point de ne plus pouvoir distinguer la rationalité de sa quotidienneté déjà perturbée par la culpabilité morale. Aria Bedmar portant le film sur ses frêles épaules de par sa fragilité torturée, ses doutes et ses craintes grandissantes de témoigner d'évènements surnaturels davantage délétères, pour ne pas dire mortifères parmi le témoignage d'adolescentes très attachantes auprès de leurs tourments psychologiques d'assister impuissantes aux évènements inexpliqués. Les autres seconds-rôles, adeptes du fanatisme religieux, ne sont pas en reste pour ne convaincre de leur foi religieuse chargée de déni et de mutisme, faute de secrets inavouables, pour ne pas dire éhontés. Quand bien même les étudiantes scolaires s'avèrent irréprochables à travers leur innocence naturelle archaïque, leur charisme sensiblement trouble, pour ne pas dire dérangeant, surtout si je me réfère au profil ambigu de Rosa génialement crédible en victime soumise seule contre les nonnes (en dépit de l'appui bienfaiteur de Narcisa). 

Ainsi, grâce au parti-pris de Plaza d'élever le genre horrifique dans la catégorie A, en prenant beaucoup de soin à peaufiner son cadre religieux et le profil de ses interprètes en berne, Les Ordres du Mal redore le blason de la Nunsploitation au sein d'un contexte historique criant de vérité, notamment à travers tous ses symboles religieux hantés d'une aura acrimonieuse. Impeccablement interprété sans fard, mené avec ambition (notamment auprès de certains effets de mise en scènes stylisés) et beaucoup de sincérité, Les Ordres du Mal se forge surtout le talent d'y parfaire une ambiance occulte sans se laisser dériver par les effets-chocs gratuits (puisque toujours justifiés du point de vue de l'entité en mal de justice, d'amour et de reconnaissance) coutumier au sous-genre. A découvrir avec un vif intérêt donc.

*Bruno

Dangereuse Alliance / The Craft

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Andrew Fleming. 1996. U.S.A. 1h41. Avec Robin Tunney, Fairuza Balk, Neve Campbell, Rachel True, Skeet Ulrich, Cliff De Young, Christine Taylor.

Sortie salles France: 24 Juillet 1996

FILMOGRAPHIE: Andrew Fleming, né le 14 mars 1963 ou le 30 décembre 1965, est un réalisateur et scénariste américain.1988 : Bad Dreams. 1994 : Deux garçons, une fille, trois possibilités. 1996 : Dangereuse Alliance. 1999 : Dick : Les Coulisses de la présidence. 2003 : Espion mais pas trop ! 2007 : Nancy Drew. 2008 : Hamlet 2. 2014 : Barefoot. 2018 : Ideal Home.

Devenu culte au fil du temps (tout du moins Outre-Atlantique) et précédé d'un succès commercial inattendu pour ce genre de production à la fois modeste et horrifique, Dangereuse Alliance n'a rien perdu de son efficacité quelques décennies plus tard alors que son réalisateur se fit déjà connaître avec les forts sympathiques Panics (Bad Dreams) et Deux garçons, une fille, trois possibilités. Variation moderne du film de sorcières dans le cadre du Teen Movie franc-tireur, Dangereuse Alliance doit beaucoup de son capital attractif en la présence d'un quatuor de jouvencelles très attachantes auprès de leur fonction hétérodoxe de marginales féministes dépassées par leur suprématie surnaturelle depuis leur crise d'ado. Tout du moins auprès de la leader du groupe, Nancy, que campe magistralement Fairuza Balk en sorcière démoniale au look gothique délibérée à prendre sa revanche sur la société (elle vit dans une caravane avec sa mère alcoolique et son beau-père abusif) et son entourage lycéen de par sa condition d'exclusion. Manifeste pour le droit à la différence autour des sempiternels discours sur le harcèlement scolaire, le machisme, le bizutage et l'humiliation, Dangereuse Alliance est loin de se réduire aux conventions du Teen Movie dénué d'âme et d'ambition. 

Tant et si bien qu'à la revoyure on reste donc captivé par l'évolution progressive de ces sorcières des temps modernes éprises de revanche sur leur entourage au moment de se laisser guider par leurs pulsions destructrices de haine refoulée. Surtout auprès de celle qui subit une adolescence tourmentée d'écorchée vive en voie de rébellion. Il s'agit donc de lever le voile sur la dégénérescence psychologique de ces sorcières juvéniles trop espiègles et immatures pour s'extraire des forces du Mal auquel elles se soumettent aujourd'hui. A l'exception toutefois de Sarah, la plus censée, loyale, fragile et discursive de toutes qu'endosse avec beaucoup de charme naturel l'élégante Robin Tunney. Une ado en éveil cérébral car prenant peu à peu conscience des conséquences hostiles et dramatiques qu'exercent ses camarades d'avoir osé perpétré des expériences satanistes échappant à leur contrôle au point d'y refuser de distinguer les valeurs du Bien et du Mal. L'emprise de leur propre pouvoir individuel les amenant à surenchérir de coups bas et maléfices auprès de leurs ennemi(e)s pour se prétendre supérieure à eux au nom d'une cause démoniaque. 

Jeux Interdits.

Très efficace auprès de sa trajectoire narrative prenant son temps à implanter son intrigue et ses personnages avant de céder vers son final à de furieux règlements compte surnaturels aux FX assez crédibles, Dangereuse Alliance exploite assez habilement les thématiques du malaise existentiel chez les ados selon leur caractère et leur interprétation personnelle à distinguer les valeurs du Bien et du Mal. Et si cette série B rondement menée reste aujourd'hui bougrement ludique et spectaculaire elle le doit notamment beaucoup à la prestance très convaincante des comédiennes en herbe formant un quatuor infortuné aussi dérangeant que fascinant. 

*Bruno

3èx. vf

Infos subsidiaires: 

Le film est souvent considéré comme culte, principalement aux États-Unis, avec une forte présence sur internet. Dans un article de 2016, le HuffPost salue le film car il s'éloigne des clichés des autres films pour adolescents et incorpore des thèmes plus sombres. Pour le journaliste, le film mérite son statut de film culte. La même année, le magazine Complex publie un article dans lequel le film est décrit comme « encore plus progressiste que beaucoup de films sortis aujourd'hui » et considère que le visionnage du film est un « rite de passage » pour beaucoup de jeunes femmes. 

Détour Mortel / Wrong Turn

                                               Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Rob Schmidt. 2003. U.S.A. 1h24. Avec Desmond Harrington, Eliza Dushku, Emmanuelle Chriqui, Jeremy Sisto, Kevin Zegers, Lindy Booth.

Sortie salles France: 30 Juillet 2003 (Int - 16 ans)

FILMOGRAPHIE: Rob Schmidt est né le 25 septembre 1965 à Pennsylvanie, États-Unis. Il est réalisateur et acteur. The Alphabet Killer. (2008). Détour mortel (2003). An American Town (2001). Crime + Punishment (2000). Saturn (1999). 

Pur hommage aux survivals des années 70 et 80 initiés par Délivrance, La Colline a des yeux et Survivance pour y remémorer les plus notoires, Détour Mortel transpire l'amour de la série B horrifique en ne misant uniquement que sur l'efficacité des enjeux de survie qu'un quatuor de touristes tente de déjouer avec une appréhension somme toute palpable. Et si évidemment le concept et les situations horrifiques demeurent hélas éculés, Rob Schmidt possède suffisamment de savoir-faire dans son désir de vouloir bien faire, de peps (rythme pulsatile) et d'idées retorses (l'offensive nocturne dans la tour de guêt et les stratégies de défense qui en résultent) pour rendre l'aventure cauchemardesque à la fois palpitante, captivante, un tantînet atmosphérique (son cadre forestier reculé chargé d'inquiétants panoramas), mais aussi violente sous l'impulsion d'une intensité dramatique dénuée de clémence. 

Certaines scènes gores lestement concises demeurant brutales auprès de nos protagonistes épeurés sans pouvoir anticiper leur sort indécis. Qui plus est, et en dépit de la caractérisation sommaire de ces personnages (bien que Jessie fait preuve d'une certaine profondeur affectée lors d'une confidence sentimentale impartie aux raisons qui ont amené le groupe à rejoindre la forêt), ceux-ci demeurent suffisamment attachants en victimes démunies pours s'inquiéter de leur destin avec une anxiété souvent tendue. C'est peut-être d'ailleurs la meilleure qualité du métrage que de tabler sur l'intensité d'un suspense omniprésent quant au sort fébrile de ses jeunes touristes usant parfois de leur capacité de réflexion (les 2 derniers survivants) pour s'extirper de cet enfer vert. 

Un très bon divertissement donc qui fleure bon l'amour de la série B horrifique en toute simpicité de par son charme artisanal dénué de prétention. 

*Bruno

3èx. vostfr

Suitable Flesh

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Joe Lynch. 2023. U.S.A. 1h38. Avec Heather Graham, Judah Lewis, Barbara Crampton, Bruce Davison, Johnathon Schaech. 

VOD.

FILMOGRAPHIE: Joe Lynch est un réalisateur et producteur américain. 2011: Chillerama. 2013: Knights of Badassdom. 2014: Everly. 2017: Mayhem. 

A tous les fans des années 80, du cinéma de Stuart Gordon à ses plus belles heures et des nouvelles d'H.P Lovecraft, Suitable Flesh est une formidable surprise exploitant intelligemment gore et érotisme de par  l'efficacité de son amusante intrigue faisant inévitablement référence à Hidden et The Thing. Porté à bout de bras par la blonde fluette Heather Graham en doctoresse bicéphale (malgré elle) entourée de l'illustre Barbara Crampton en faire-valoir psychiatrique, de Bruce Davison en voleur de corps (de prime abord sclérosé) et enfin de Johnathon Schaech en époux trompé à l'ironie sous-jacente, Suitable Flesh parvient constamment à retenir l'attention. 

Autant pour cet avenant casting se prêtant au jeu du surnaturel au gré de règlements de compte aussi bien cérébraux que corporels que pour l'horreur des situations débridées émaillées d'effets (très) gores du plus bel effet charnel (à une exception près - le couteau dans le front numérisé -). D'autre part, outre le soin de sa réalisation au budget pour autant étriqué, on s'étonne de l'inventivité du montage (alternatif) et de certains effets de mise en scène (le coup du GPS afin d'observer 2 actions distinctes en évitant le contre-champs, les séquences de transformations concises mais percutantes - rehaussées de bruitages dissonants - alors que tout est suggéré) que Joe Lynch filme en scope afin de renforcer l'aspect cinégénique de l'entreprise. Une excellente série B donc se détachant largement du lot mainstream si bien que sa mise en scène aussi bien intègre qu'inspirée respire l'odeur des années 80, quitte à me répéter. 

*Bruno

Vostfr

Long Week-end (2008)

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Jammie Blancks. 2009. Australie. 1h28. Avec James Caviezel Claudia Karvan Robert Taylor.

Sortie salles France: 30 Janvier 2009

FILMOGRAPHIE: Jamie Blanck est un réalisateur et compositeur australien. 1998 : Urban Legend. 2000 : Mortelle Saint-Valentin. 2007 : Storm Warning ou Insane. 2009 : Long Weekend. 2010 : Needle

Un remake infortuné d'une puissance formelle, cérébrale et narrative aussi digne que son modèle.

Vilipendé un peu partout si je ne m'abuse lors de sa sortie confidentielle, Long Week-end, version 2008, est à mes yeux un remake écolo exceptionnel à tous points de vue. Tant narratif pour sa thématique écolo tristement actuelle, formelle (on en prend plein la vue au sein de ce paradis perdu filmé en scope), atmosphérique (quel malaise palpable planant dans l'air !) que du jeu expressif des acteurs communément détestables dans leur fonction rigoureusement antipathique. Car même si Jamie Blanks utilise la facilité du copié-collé, cet authentique cauchemar naturaliste (les images magnifiquement éclairées et contrastées sont absolument sublimes par leur tonalité sensorielle) parvient miraculeusement, et avec réel talent de conteur et de faiseur d'images; à nous coller au siège 1h30 durant. De par sa faculté à nous attacher à ce couple aussi irresponsable qu'égoïste n'attachant aucun crédit à leur environnement naturel (tout à la fois étrangement mutique et sensiblement auditif) que par l'ambiance feutrée que le cinéaste parvient à instiller autour de leurs faits et gestes immatures sous l'impulsion d'un climat d'étrangeté aussi expressif que le chef-d'oeuvre de Colin Egleston (qui est au passage un de mes films préférés même s'il demeure autrement plus oppressant). 

Et donc à travers le soin imparti à cette progression de l'angoisse et du suspense savamment distillés au fil d'évènements insidieux toujours plus graves et inquiétants, j'insiste à surligner le jeu criant de vérité du couple James Caviezel / Claudia Karvan se crêpant le chignon avec une arrogance, une immaturité, voir même une haine davantage risible, pathétique eu égard de la tournure morale de leur dissension obtuse irrécupérable. Soutenu d'une partition monocorde à la fois pesante et envoûtante irriguant toute l'intrigue lestement anxiogène, Long-Week-end convoque un malaise d'autant plus vigoureux qu'il fait appel au pouvoir de suggestion en la présence de dame nature et de ces animaux sauvages molestés par l'hostilité de l'homme dénué de respect dans sa nature mégalo, altière, méprisante, ingrate. Il y émane un moment de cinéma horrifique aussi rude et escarpé que désespéré et tragique de par son intensité dramatique en crescendo dénuée d'illusion. Tant et si bien que l'on sort de la projo la mine quasi dépressive, tout du moins pleine d'amertume, d'avoir assister à cette confrontation cruelle entre l'homme et la nature incapables de communier entre eux faute de notre irrespect à violer leur terre et tuer sans état d'âme ces hôtes qui n'avaient rien demander. 

A découvrir d'urgence pour tous amateurs de films d'ambiance prégnante tributaire d'un Fantastique adulte d'autant plus malsain, malaisant, angoissant qu'il suscite une réelle frousse au sein de cette nature sournoise que nous ne sommes pas prêts d'omettre.  

*Bruno

2èx. Vostfr (une soirée d'exception ce Samedi 05.11.23 dès 22h)

Ci-joint la chronique de son modèle de 79: https://brunomatei.blogspot.com/2018/10/long-week-end.html

Dark Shadows

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Tim Burton. 2012. U.S.A. 1h53. Avec  Johnny Depp, Michelle Pfeiffer, Helena Bonham Carter, Eva Green, Jackie Earle Haley, Jonny Lee Miller, Chloë Grace Moretz, Bella Heathcote

Sortie salles France: 9 Mai 2012

FILMOGRAPHIE: Timothy William Burton, dit Tim Burton, est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 25 Août 1958 à Burbank en Californie. 1985: Pee-Wee Big Adventure. 1988: Beetlejuice. 1989: Batman. 1990: Edward aux mains d'argent. 1992: Batman, le Défi. 1994: Ed Wood. 1996: Mars Attacks ! 1999: Sleepy Hollow. 2001: La Planète des Singes. 2003: Big Fish. 2005: Charlie et la Chocolaterie. 2005: Les Noces Funèbres. 2008: Sweeney Todd. 2010: Alice au pays des Merveilles. 2012: Dark Shadows. 2012: Frankenweenie. 2014: Big Eyes. 2016 : Miss Peregrine et les Enfants particuliers.

"Lorsque tu changes ta façon de voir les choses, les choses que tu regardes changent".

L'important est de ne jamais désespérer car après avoir tenté à 3 reprises ce Dark Shadows bankable estampillé Burton, c'est finalement au 4è visionnage que je fus enfin convaincu pour me laisser emporter par son potentiel à la fois qualitatif, émotionnel, formel (même si sur ce dernier point je ne l'eu jamais décrié). Car si au 1er abord je reprochais surtout ses sautes d'humour lourdingue imparties au jeu cabotin de Johnny Depp, je reconnais aujourd'hui que ce divertissement pétulant me parait autrement plus ludique, plaisant, pittoresque tout en étant étonnamment inventif. Et ce même si de toute évidence certaines séquences censées drôles tombent à plat en de rares occasions et que j'accepte enfin aujourd'hui l'aspect sciemment anachronique du personnage anti-manichéen de Barnabas, vampire délétère sur le point de prendre sa revanche contre la sorcière Angélique (Eva Green éclate l'écran pour voler quasiment la vedette à tout le casting en matrone vénéneuse à la fois cupide, perverse, provocante, immorale). Quant au jeu semi-parodique de Depp que j'eu tant décrié à l'époque, il m'est apparu aujourd'hui habité par sa sombre posture aussi bien renfrognée qu'ironique (distanciée par la discrétion). A l'instar de cette foule d'illustres seconds-rôles s'exprimant avec une fougue fringante de participer sans complexe à l'aventure gothico-macabre grand public. 

En revanche, dommage que Michele Pfeiffer et Chloë Grace Moretz ne soient pas plus mises en valeur, plus exploitées surtout à travers leur présence altière (pour Pfeiffer en baronne sournoise) et dévergondée (pour Chloë en rebelle juvénile). D'autre part, d'oser conjuguer le gothisme classique au sein du contexte contemporain des Seventies est ici finalement payant tant l'aventure rocambolesque s'apparente à un arc en ciel singulier auprès de moult séquences gentiment débridées et autres plages musicales prégnantes (Alice Cooper y participe en concert !) que Tim Burton façonne avec douce fantaisie dénuée de prétention. C'est donc sans se prendre au sérieux que l'on aborde cette fort sympathique comédie fantastique émaillée parfois de séquences magnifiques aux couleurs harmonieuses (le prologue crépusculaire débordant d'étrangeté onirique, son final percutant littéralement en roue libre, la coucherie survoltée entre Barnabas et Angélique sur un air de Barry White, le concert de Cooper, la visite du sous-terrain du manoir) autour des thèmes chers à l'auteur. A savoir l'acceptation de la différence, l'amour impossible entre deux êtres que tout sépare, la démission parentale, la marginalité et la peur de vieillir au sein d'un univers aussi bien gothique que vampirique. Sa photo désaturée renforçant la magnificence de ses décors côtiers et surtout domestiques au sein de cet immense manoir que l'on aimerait abriter pour l'éternité. 

Ainsi, sans toutefois renouer avec l'ambition autonome de ses plus belles réussites, loin s'en faut, Tim Burton parvient donc ici à distraire dans la simplicité à travers cette récréation bonnard formellement fulgurante (on en prend plein les yeux quasiment à chaque plan), rafraichissante, politiquement incorrecte et émotionnellement séduisante sous l'impulsion d'un défilé de comédiens très en forme au sein de leur cocon gothico-lunaire. 

*Bruno

4èx

When Evil Lurks / Cuando acecha la maldad / Quand le mal rode.

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Demián Rugna. 2023. Argentine. 1h39. Avec Ezequiel Rodriguez, Demián Salomon, Luis Ziembrowski, Silvia Sabater, Marcelo Michinaux

Sortie salles U.S: 27 Octobre 2023

FILMOGRAPHIE: Demián Rugna est un réalisateur et scénariste argentin né le 13 septembre 1979. Il est scénariste et monteur. Il est connu pour Terrified (2017), (2016). No sabés con quién estás hablando. The Last Gateway (2007) et Cuando acecha la maldad (2023).

Ne tournons pas autour du pot : When Evil Lurks est une bombe horrifique venue d’Argentine. Le meilleur film d’horreur de 2023 — avec La Main, souvent comparé pour son réalisme tranchant et sa terreur viscérale — et une nouvelle référence du film de possédé. Ici, c’est une sorte d'Evil Dead naturaliste, qui refuse à la fois le grand-guignol et la surenchère, que le cinéaste écarte admirablement malgré trois ou quatre séquences tétanisantes à marquer d’une pierre blanche.

Sans trop en révéler, une scène horrifique sort véritablement du lot, au point que les âmes sensibles auront bien du mal à s’en remettre, tant le cinéaste ose filmer l’inmontrable sans sombrer dans une complaisance déplacée. Une séquence-choc extrême, inédite, qui fera date dans le paysage horrifique — le plus réaliste qui soit. Quelques instants plus tard, une autre situation intense mettra à nouveau vos nerfs à rude épreuve, portée par des FX charnels, presque mécaniques. À l’ancienne, donc.

Car When Evil Lurks réussit à foutre la trouille avec une intelligence hors-pair, réinventant les codes du film de possédé (avec ses sept commandements pour s’en préserver !) en prenant son sujet au premier degré, dans un climat bucolique et onirique, naturaliste et immersif. Les protagonistes, à bout de souffle, arpentent un village ravagé par des accès de violence incontrôlables, cherchant un possédé putréfié — surgissant comme dans un film de Fulci.

Ne vous attendez pas à un festival de scènes-chocs à vous plaquer au siège (passées les quelques séquences extrêmes des 40 premières minutes), à la manière de la montagne russe inégalable qu’était Evil Dead (82). When Evil Lurks est plus malin, attentif, circonspect, innovant, à hauteur d’homme, crédibilisant son récit avant tout par la psychologie de ses personnages torturés. Deux frères s’évertuent à repousser le Mal dans leur bourgade, entourés de comparses et de membres familiaux conscients, donc lourdement tourmentés, accablés par une pandémie invisible mais formelle.

C’est là la puissance du récit : tabler sur l’attente du pire, sur l’intensité de la violence, sur le désarroi de ces métayers face à des confrontations démoniaques débarrassées de tout grand-guignol (ou presque). Le cinéaste mise sur l’hyperréalisme des situations horrifiques, sur l’innocence intolérable et sur une poésie macabre inattendue. Le jeu investi d’acteurs méconnus — y compris des enfants vibrants d’ambiguïté — et leur parcours du combattant pour contenir le Mal demeurent d’autant plus troublants que le cinéaste ne laisse aucune échappatoire.

 

"Quand la terre avale les vivants".

Cauchemar naturaliste, subtilement erratique, plongé dans un climat malsain, fascinant, poisseux et repoussant, When Evil Lurks frappe fort par son audace et son intelligence brûlante : il refuse le ridicule et défie la censure (insensé que de telles scènes aient pu voir le jour sur grand écran aujourd’hui !). Posé et dégénéré, il exploite les thématiques de la foi et de la superstition avec une vérité documentée que le spectateur reçoit de plein fouet, porté par un magnétisme émotionnel jouissif.

On croit sans ambages à ce que l’on voit : l’angoisse, l’appréhension, la terreur au ventre — et pourtant, au terme, un sentiment d’amertume de quitter (trop) vite ce cauchemar sur une ultime note inconsolable.

Public averti.

*Bruno

Ci-joint la critique de Jean-Marc Micciche:

Séance découverte avec l'intense et percutant When Evil Lurks , film argentin diabolique qui dépoussière avec une grande force le film de démon possédé. Demian Rugna avait témoigné lors de précédent film Terrified, avec peu de moyen, à nous dresser les cheveux sur la tête. Il avait un don pour orienter l'horreur vers une forme de chaos absolu et c'est précédemment la puissance de son film.  Dès les premiers instants, le réal installe une ambiance et surtout un univers avec ses régles et son fonctionnement. Un malaise palpable qui se prend son temps avant de faire dérailler systématiquement la scène vers l'effroi le plus pur, la terreur la plus sourde, la poésie morbide la plus macabre. Coup de boutoir sur coup de boutoir, le spectateur reçoit quelques mandales bien fortes ravi de voir un film fantastique aussi radical qu'original. Un choc. Le cinéphile old school se rappellera avec délices de certains films des années 70 qui n'ont jamais l'impact et la popularité de certains classiques mais qui ont laissé des traces indélébiles sur certains esprits (The Asphyx, Incubus, La sentinelle des maudits, Lets scare Jessica to death, The entity). When Evil Lurks est cette race là. Nobles, sournoises et viscérales....

Sound of Freedom

                                                              Photo empruntée sur google, appartenant au site

de Alejandro Gómez Monteverde. 2023. U.S.A. 2h11. Avec Jim Caviezel, Mira Sorvino, Bill Camp, Eduardo Verástegui, Javier Godino, José Zúñiga, Kurt Fuller.

Sortie salles France: 15 Novembre 2023. U.S: 4 Juillet 2023

FILMOGRAPHIE: Alejandro Monteverde est né le 13 juillet 1977 au Mexique. Il est réalisateur et scénariste. Sound of Freedom (2023), Little Boy (2015) et Bella (2006). Il est marié avec Ali Landry Monteverde depuis le 8 avril 2006. Lui et Ali Landry Monteverde ont trois enfants.

"Le témoignage de Tim sur l'opération colombienne a conduit le congrès des Etats-Unis a adopter une législation renforçant la coopération internationale dans les affaires de trafic d'enfants. La traite des  êtres humains est une activité qui rapporte 150 milliards de dollars par an. Les Etats-Unis figurent parmi les principales destinations pour la traite des êtres humains et son aussi parmi les plus gros consommateurs de relation sexuelles avec des enfants. Il y a plus d'êtres humains pris au piège de l'esclavage aujourd'hui qu'à n'importe quel autre moment de l'histoire, y compris lorsque l'esclavage était légal. Des millions de ces esclaves sont des enfants." 

Tiré d'une histoire vraie pour relater la traite d'enfants réduits à l'esclavage sexuel en Colombie, Sound of Freedom est un uppercut émotionnel comme on pouvait s'y en douter avec un sujet aussi grave que sulfureux. Car taillé comme un thriller à suspense dans le cadre du drame psychologique que l'on observe avec une attention infiniment impliquée lorsqu'il s'agit de tenter de sauver la vie de nombreux enfants que Tim Ballard tente d'extraire de leurs bourreaux avec l'appui d'un ancien membre du Cartel, Sound of Freedom est d'autant plus grave, méritant, passionnant qu'il est conté sans complaisance aucune dans son refus de voyeurisme ou de violence graphique. Pour autant, et c'est bien là où l'oeuvre salutaire a tout mon respect afin d'élever la thématique avec dignité et intelligence, son intensité dramatique en intermittence éprouvante nous bouleverse aux larmes par le reflet psychologique de ses enfants à la fois malmenés et torturés par des pervers pédophiles scrupuleusement organisés. Outre la dextérité de sa réalisation ténue portant un regard studieux sur ses personnages redresseurs de tort s'efforçant de soulever des montagnes lorsqu'il s'agit de se confronter aux réseaux pédophiles, sa distribution dénuée de fard rend d'autant plus crédible la dangerosité de son climat d'insécurité malsaine à la lueur d'espoir indécise. 

A l'instar de son final périlleux, mission de dernier ressort de tous les dangers afin de retrouver en vie la petite Rocio pour l'extraire de sa geôle. On peut donc oh combien saluer la présence humaine de Jim Caviezel en ancien agent du gouvernement insufflant une mine à la fois grave, souvent impassible, désabusée presque, et contractée dans son ambition personnelle à perpétrer un nouveau coup d'éclat pour l'enjeu d'une innocence infantile d'autant plus difficile à localiser. Dommage que cet acteur se fasse si rare au cinéma tant il dégage à mon sens un charisme authentique (aujourd'hui strié) n'appartenant qu'à lui dans sa sobre posture d'investigateur héroïque à la fois placide, discret, dans la réserve, pour parvenir à ses fins et faire tomber ces bourreaux paraphiles. Définitivement un grand comédien. Les autres seconds-rôles ne sont pas en reste pour l'appuyer dans ses actions couillues, à l'instar de Bill Camp fort en caractère dans le corps d'un ancien criminel motivé de rédemption eu égard de sa nouvelle mission personnelle de se consacrer uniquement au sort des enfants esclaves. Enfin, dommage que la douceur de miel Mira Sorvino ne soit pas plus présente à l'écran tant elle se fait si rare en épouse aimante respectueuse, confiante envers les motivations morales de son époux résolument investi dans sa fonction professionnelle davantage autonome. Quant aux enfants sentencieux communément épatants de vérité démunie, fragile auprès de leur perte de repères, s'ils bouleversent bien entendu aux larmes par leur expressivité timorée, apeurée, égarée, ils sont admirablement dirigés pour s'extraire d'une émotion programmée ou encore d'un patho déplacé. 

Soutenu d'une superbe partition chorale faisant écho à la nature précieuse car si innocente de ses enfants brutalement arrachés à leurs parents, Sound of Freedom ne peut laisser personne indifférent dans sa démarche intègre de dénoncer le fléau de la pédophilie davantage croissant, plus encore que le trafic d'armes ou de cocaïne. Indubitablement éprouvant car dur et cruel de témoigner de notre impuissance face à la condition intolérable de ses enfants réduits à la consommation sexuelle, Sound of Freedom frappe au coeur de plein fouet par la pudeur de son émotion contenue laissant parfois libre court aux larmes de la délivrance. Un grand film d'utilité publique tout aussi effrayant que bouleversant qui laisse des séquelles dans l'encéphale de par la noblesse de cette entreprise cinématographique vouée corps et âmes à la cause infantile. 

*Bruno

Timothy « Tim » Ballard est le fondateur et PDG de Operation Underground Railroad (OUR), PDG de The Nazarene Fund et auteur de plusieurs livres. Il organise des activités au niveau national et international pour mettre fin au trafic d'enfants

Ci-joint la critique de Jean-Marc Micciche;
Séance découverte avec le magnifique et poignant polar Sound Of Freedom. Marqué par des polémiques à coté de la plaque surtout au vu du résultat final, Sound of freedom est un chemin de croix d'un policier qui n'hésite pas de partir en croisade pour sauver des enfants du trafic d'esclavage et de la pédophilie... Dés la scène d'ouverture, on saisit pour la justesse de l'approche du film surtout au vu de la nature du sujet. Pas de sensationnalisme dans la démarche, juste une volonté à travers un pur récit de polar, à incarner une réalité sordide que le recit et la mise en scène arrive merveilleusement à suggérer. Dès lors le spectateur épouse la cause de son héros (superbe Jim Caviziel), dans sa volonté de sauver son âme de la noirceur des ténèbres et la noirceur humaine. Tout le suspense et la dramaturgie du récit et des personnages est au service d'un objectif (sauver la fille) et améne le spectateur à espérer une délivrance. L'émotion et l'empathie est là, partout dans le film et à l'heure où la grande majorité des films sont incapables d'impliquer les spectateurs dans l'émotion pure sans cynisme, Sound of Freedom est précieux. Quant à la polémique autour du film, c'est au final insignifiant au vu du résultat de ce film indépendant venant de nulle part...9/10

Panic Room

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de David Fincher. 2002. U.S.A. 1h52. Avec Jodie Foster, Kristin Stewart, Forest Whitaker, Jared Leto, Dwight Yoakam.

Sortie salles France: 24 Avril 2002. U.S: 29 Mars 2002

FILMOGRAPHIE: David Fincher est un réalisateur et producteur américain, né le 28 Août 1962 à Denver (Colorado). 1992: Alien 3. 1995: Seven. 1997: The Game. 1999: Fight Club. 2002: Panic Room. 2007: Zodiac. 2008: L'Etrange histoire de Benjamin Button. 2010: The Social Network. 2011: Millénium. 2014: Gone Girl. 2020 : Mank. 2023 : The Killer

Méséstimé par la critique française de l'époque car après quelques recherches sur le net je fus agréablement surpris de constater les opinions contrairement favorables Outre-Atlantique, Panic Room est sans mauvais jeu de mot une référence du suspense Hitchcockien. Tant et si bien qu'à la revoyure je l'ai trouvé beaucoup plus stimulant, affolant, vertigineux de par l'incroyable maîtrise (technique / narrative) de Fincher à nous confectionner de façon stylisée (la caméra mobile se faufile dans n'importe quel recoin du refuge domestique) un suspense estomaquant eu égard de l'hyper efficacité de son concept imparti aux huis-clos claustro. Et ce sans compter sur l'aspect fascinatoire de l'immense appartement filmé sous tous les angles (j'insiste) comme si nous y étions. Effet immersif assuré donc, notamment auprès de ses divers étages que les protagonistes arpentent de façon à la fois tendue, déterminée, angoissée, pour ne pas dire à cran au fil d'un cheminement sur la corde raide. Meg Altman et sa fille Sarah étant contrainte de s'emprisonner dans leur chambre de survie ultra high-tech pour se protéger de 3 cambrioleurs ayant investi les lieux de leur nouvel appartement huppé. Livrées à elles-mêmes elles devont donc user de bravoure, beaucoup d'audaces et subterfuges pour déjouer les cambrioleurs de parvenir à leur fin. A savoir empôcher le magot de millions de dollars planqués malencontreusement dans la chambre de survie. Voilà pour le pitch simpliste narré avec une attention toute particulière lorsqu'il s'agit d'un maître en la matière, Mr David Fincher. Car véritablement inspiré par ce qu'il filme (on ne compte plus les plans séquences en 3D, l'attention accordée à la luminosité, le soin de la photo sépia) et amoureux de son actrice Jodie Foster, explosant l'écran à chaque cadre (là aussi ce fut une totale redécouverte pour sa force d'expression au diapason), celui-ci parvient à faire naitre angoisse, suspense et action sous l'impulsion d'un rythme alerte dénué de temps mort (ephémisme). 

Autant dire que nous restions collé à notre siège car scrupuleusement attentif aux faits et gestes des cambrioleurs et surtout de Meg et Sarah s'évertuant à narguer leurs adversaires avec une intelligence finaude jubilatoire de par l'inversion des rôles impartis. Jodie Foster, infiniment habitée par son rôle de femme forte, dégageant un charisme forcené en héroïne burnée provocant les stratagèmes de défense avec un art consommé de la motivation cérébrale. Et sur ce point, si les situations pourraient peut-être parfois paraître un brin improbables, l'actrice dégage une telle énergie physique et viscérale, une telle persuasion limite primale qu'elle y transcende l'impossible de par sa foi inébranlable. Non, franchement elle reste très impressionnante, à se demander même s'il ne s'agit pas là d'un de ses meilleurs rôles. Quant à Kristen Stewart, elle aussi surprend du haut de ses 12 ans grâce à sa sobriété épurée de participer au cauchemar domestique avec une expressivité toujours impliquée en dépit de sa présence secondaire toutefois indispensable au cours de l'action anxiogène. Néanmoins, dans son désir de trop plaire ou d'en faire trop, David Fincher s'embarasse à mon goût d'un cliché éculé (Sarah est diabétique insulino-dépendante) pour renouveller l'action et la tension aux moments les plus précaires quant à leur enjeu de survie plus horrifiant. Pour autant, on marche toutefois à plein tube lors de ces revirements angoissants, notamment auprès de rebondissements plutôt retors car assez surprenants, pour ne pas dire paniquant (notamment cet incroyable intervention de 2 policiers face à une Jodie Foster bicéphale d'un flegme génialement équivoque). Enfin, outre les présences très convaincantes de Jared Leto en cambrioleur zélé trop sur de lui et Dwight Yoakam en psychopathe placide à la gachette facile, Forest Whitaker vole la vedette à ses compagnons de par son humanisme torturé afin de ne pas céder à la violence d'autrui. Ce qui nous vaudra par ailleurs quelques surprises quant à son évolution morale tant en perdition qu'en requête de rédemption pour tenir lieu de désespoir de cause. 

Le Piège.

Sérieusement, foncez revoir Panic Room, modèle de suspense Hitchcockien qui vous plaquera au siège de part en part au sein d'une souricière de tous les dangers. Car délicieusement tendu et angoissant, fascinant et jubilatoire, cet insidieux jeu du chat et de la souris se permet en outre de valoriser la cause féministe à travers le superbe profil d'une femme indépendante délibérée à provoquer le trio machiste avec une capacité de réflexion génialement profitable. A réhabiliter d'urgence donc, tout du moins dans l'hexagone. 

*Bruno

2èx

Box Office France; 1 324 402 entrées