Black Flies / Asphalt City

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Jean-Stéphane Sauvaire. 2024. U.S.A. 2h05. Avec Sean Penn, Tye Sheridan, Gbenga Akinnagbe, Raquel Nave, Katherine Waterston, Michael Pitt, Mike Tyson.

Sortie salles France: 3 Avril 2024. Cannes: 18 Mai 2023. U.S: 29 Mars 2024

FILMOGRAPHIE: Jean-Stéphane Sauvaire est un réalisateur, producteur et scénariste français né le 31 décembre 1968 à Paris. 2003 : Carlitos Medellin (documentaire). 2008 : Johnny Mad Dog. 2012 : Punk (téléfilm). 2017 : Une prière avant l'aube (A Prayer Before Dawn). 2023 : Black Flies (Asphalt City). 

"Seul contre tous".

Film choc s'il en est jusqu'à l'asphyxie auprès de son ambiance crépusculaire à mi chemin entre la dépression et la folie (psychotique ou suicidaire selon les témoignages ciblés), Black Flies est une expérience urbaine dont il est impossible de sortir indemne auprès du public sensible immergé dans une descente aux enfers médicale 2h05 durant. C'est dire si ce voyage au bout de la nuit demeure aussi éprouvant que fébrile lorsque Jean-Stéphane Sauvaire se fixe comme ambition, notamment formelle jusqu'au vertige des sens, de nous faire retranscrire les états d'âme d'un duo d'ambulanciers au bord du burn-out. A ce titre, on ne peut que s'incliner sur les prestances écorchées vives de Sean Penn (dans un second-rôle autoritaire littéralement strié) et de Ty Sheridan en ambulancier en herbe sur la corde raide insufflant durant leur parcours chaotique une dimension humaine à la fois fourbue, nonchalante, dégingandée eu égard de leurs vicissitudes qu'ils arpentent auprès d'une faune urbaine ponctuée de marginaux, laissés pour compte, époux abusifs, toxicomanes, alcoolos au sein d'un New-York dégénératif. On connait la chansonnette, mais on marche à fond auprès de cette réalisation pragmatique dont le climat hautement cafardeux, trouble, anxiogène nous contamine davantage au sein d'un récit sans concession. Cependant, tout n'est pas noir, et en évitant de spoiler, j'évoque cet indice afin d'y taire les préjugés. 

Or, cette scénographie davantage sinistrosée demeure admirablement dépeinte par un cinéaste scrupuleux s'efforçant d'y esquisser sans fard aucun une peinture aride, insalubre, névrosée d'une métropole irascible inévitablement nécrosée par la déchéance morale (tout a une influence sur tout et tout le monde affecte tout le monde). Ce qui fatalement déteint sur les esprits névrosés de nos urgentistes esseulés incapables de se raccrocher à leur déroute conjugale ou à un quelconque pivot moral auprès de leur hiérarchie militarisée (avec une surprenant apparition de Mike Tyson en dirigeant psychorigide). Le profil bourru de Cross (Ty Sheridan) perdant peu à peu son innocence, son sang froid, ses maigres espoirs au fil de ses dérives mentales dénuées de lueur, notamment en se référant à un évènement majeur narratif qui intentera à son éventuelle responsabilité et à la culpabilité de son partenaire plongé dans un tunnel sans fin. Vertigineux au possible jusqu'au malaise viscéral ad nauseam, si bien que certaines séquences réalistes provoquent autant la gêne que le dégoût, Black Flies ne nous lâche pas d'une semelle, à l'instar d'un viol mental sans jamais nous demander pardon. Pour autant dénué de racolage à mon sens objectif auprès de séquences extrêmes sensorielles, Black Flies a surtout comme ambition de nous caractériser l'évolution en perdition de ce duo de paumés s'efforçant de sauver les âmes perdues, égarées (et damnées) à bord de leur véhicule dans un enfer terrestre déshumanisant. Immersif au possible jusqu'en apesanteur à travers son maelstrom de tourments moraux difficilement gérables, Black Flies se décline en concentré de malaise imparable auprès de ses émotions torturées à l'aura licencieuse.  

Un constat pessimiste sur nos sociétés contemporaines aliénées, à réserver à un public averti. 

*Bruno

Vermines. César du Meilleur Premier film, 2024.

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Sébastien Vaniček. 2023. France. 1h45. Avec Théo Christine, Sofia Lesaffre, Jérôme Niel, Lisa Nyarko, Finnegan Oldfield, Marie-Philomène Nga.

Sortie salles France: 27 Décembre 2023

FILMOGRAPHIE: Sébastien Vaniček est un réalisateur et scénariste français. 

2023: Vermines. 

Chapeau l'artiste ! Si bien que pour une première réalisation (auréolée du Meilleur Premier Film aux Césars 2024) on peut évoquer le coup de maître (ou presque pour les plus exigeants) de la part du néophyte Sébastien Vanicek respectant à la lettre le genre horrifique avec un art consommé de la prouesse technique. Tant auprès de sa réalisation étonnamment fluide multipliant cadrages inventifs et alambiqués, travellings circulaires, que de ses effets-spéciaux, probablement mécaniques ET numériques, d'un réalisme à couper au rasoir. Tant et si bien qu'à travers la simplicité de son pitch adepte du huis-clos domestique (ici un immeuble abrité par de jeunes banlieusards en cohésion), le cinéaste terriblement inspiré multiplie à rythme métronome les séquences affolantes d'affront, de stress, d'oppression puis de confrontations musclées avec les forces de l'ordre (pour son final autrement explosif) avec une efficacité dégénérée. Et si les acteurs non professionnels, et donc perfectibles, manquent parfois de véracité expressive auprès de leur diction rarement théâtrale, ils n'en demeurent pas moins attachants, impliqués, spontanés, pugnaces, fragiles notamment, auprès de leur parcours de survie toujours plus contraignant eu égard de l'invasion exponentielle de ses araignées issues du désert nord-africain. 

Sébastien Vanicek usant de subterfuges, de machiavélisme en roue libre afin de nous foutre la pétoche quant aux apparitions furtives des araignées se faufilant tous azimuts (sous-sols, façades, greniers, couvertures, cartons) au point de nous susciter une appréhension franchement répulsive lorsque celles-ci se jettent sur leur proies avec une vélocité épeurante. On sort donc de la projo aussi comblé que rassasié d'avoir assisté à un affrontement aussi épique que stoïque (euphémisme tant nos jeunes héros décuplent les prises de risques afin de rester en vie) sous l'impulsion d'une caractérisation psychologique jamais abrutissante. Voire parfois même quelque peu décalée, puisque le cinéaste se permet en outre d'y injecter quelques saillies d'humour assez percutantes tout en maintenant au possible une tension parfois intolérable; notamment auprès du sort précaire de certains protagonistes que l'on hésite pas à sacrifier. On peut enfin remarquer en filigrane sociétale le sempiternel discours (louablement concis) sur la fracture indéfectible qui oppose flics et jeunes de quartier s'affrontant mutuellement sans pouvoir trouver un terrain d'entente de par leur condition d'exclusion souvent impartie à la peur (et la haine) de l'étranger. Avec en prime une certaine émotion lorsque les survivants prennent conscience de leur traversée de l'horreur avec une mélancolie amère auprès du sort imparti à leur cocon urbain. Ce final est à ce titre aussi beau que poétique, notamment auprès de cette ultime image aussi noble que saillante car militant pour le respect de la nature et de l'animal qui y cohabite, aussi dérisoire soit son enveloppe corporelle.

Faut-il enfin préciser que pour un film français tout juste novice, Vermines demeure l'un des plus nobles représentants du genre ? Un des plus effrayants films d'arachnide jamais tournés à trôner auprès du maître étalon l'Horrible Invasion de John Bud Cardos. Un authentique film d'horreur conçu à l'artisanal au sein d'un cadre esthétique contemporain aussi convaincant qu'actuel. 

*Bruno

Récompenses:

César 20246 :

Meilleurs effets visuels

Meilleur premier film

The Sadness / Kū bēi / La Tristesse. Prix du Public: Grimmfest 2021.

                                              Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Rob Jabbaz. 2021. Taiwan. 1h39. Avec Berant Zhu, Regina Lei, Ying-Ru Chen, Tzu-Chiang Wang

Sortie salles France: 6 Juillet 2022 (- 16 ans avec Avertissement). Taïwan: 22 Janvier 2021

FILMOGRAPHIE: Rob Jabbaz est un réalisateur et scénariste taïwanais. 2021: The Sadness. 

Mea-culpa.

Précédé d'une réputation sulfureuse alors que 2 récompenses lui furent décernées lors de sa sortie, The Sadness est un bon gros délire cartoonesque aussi méchamment pervers qu'inquiétant. Notamment sous l'impulsion de (la discrétion de) son score monocorde parvenant à distiller une ambiance mortifère quelque peu envoûtante auprès de la tentative de survie d'un jeune couple en perdition malencontreusement séparé depuis l'aube matinale d'une contamination nationale. Pur divertissement gorasse déversant des hectolitres de sang (coagulé svp !) à l'écran avec une outrance improbable afin d'éluder l'insoutenable, tout du moins pour la plupart des nombreuses séquences chocs d'une inventivité en roue libre, The Sadness est d'autant plus sobrement intense et plutôt bien maîtrisé (pour une première réal qui plus est) pour ne jamais relâcher l'intérêt en dépit d'un récit convenu. A l'instar du classique blafard de Cronenberg, Rage auquel il entretient quelques points communs. 

On peut également compter sur l'implication mesurée des comédiens (méconnus chez nous) pour provoquer l'empathie (le duo d'amants maudits que l'on observe en alternance chacun de leur côté autonome) ou au contraire l'appréhension lorsque chacun des contaminés est confronté à une incontrôlable folie meurtrière à la fois redoutablement sadique et débauchée. Le réalisateur, aussi provocateur et burné soit-il, ne cédant toutefois jamais à l'itération rébarbative du gore échevelé introduit en intermittence. On notera par ailleurs qu'outre l'évidente métaphore impartie à la paranoïa de la Covid (alors que le film fut réalisé avant la pandémie), l'esprit individualiste prime, même auprès de nos héros en perte de vitesse s'efforçant de s'extirper de l'enfer avec un égoïsme parfois opportuniste (comme le souligne la jeune héroïne dérobant un portable à l'infirmier tout aussi lâche qu'elle quelques instants plus tôt lors d'une escapade dans les sous-sols hospitaliers). Le taïwanais Rob Jabbaz poursuivant non stop son parti-pris escarpé quant à l'amertume de sa conclusion défaitiste instillant avec sobriété payante un climat de désespoir perméable. 

Une belle découverte donc assez prometteuse, impressionnante et captivante pour contenter les afficionados d'un gore extrême pour autant décomplexé, folingue et débridé. Le réalisateur insistant à fond sur les litres de sang s'échappant des corps (troués, dilacérés, explosés, grignotés ou entaillés) à grandes giclées souvent disproportionnées.

*Bruno

Récompenses: 

FanTasia 2021 : meilleur film pour Rob Jabbaz

Grimmfest 2021 : prix du public

Eclair de Lune / Moonstruck. Oscar 88 Meilleure Actrice: Cher.

                                                         Photo empruntée sur Google, appartenant au site Ebay.com

de Norman Jewison. 1987. U.S.A. 1h42. Avec Cher, Nicolas Cage, Vincent Gardenia, Olympia Dukakis, Danny Aiello, Julie Bovasso, John Mahoney 

Sortie salles France: 6 Avril 1988. U.S: 18 Décembre 1987

FILMOGRAPHIE: Norman Jewison est un réalisateur, acteur, producteur et scénariste canadien, né le 21 Juillet 1926 à Toronto (Canada). 1962: Des ennuis à la pelle. 1963: Le Piment de la vie. 1964: Ne m'envoyez pas de fleurs. 1965: The Art of love. 1965: Le Kid de Cincinnati. 1966: Les Russes Arrivent. 1967: Dans la chaleur de la nuit. 1968: l'Affaire Thomas Crown. 1969: Gaily, gaily. 1971: Un violon sur le toit. 1973: Jésus Christ superstar. 1975: Rollerball. 1978: F.I.S.T. 1979: Justice pour tous. 1982: Best Friends. 1984: A Soldier Story. 1985: Agnès de Dieu. 1987: Eclair de lune. 1989: Un Héros comme tant d'autres. 1991: Larry le liquidateur. 1994: Only you. 1996: Bogus. 1999: Hurricane Carter. 2003: Crime contre l'humanité.

Il y a des films comme ça que l'on découvre au hasard d'une location Vhs lorsque l'on fut ado et qui nous marqua au point de nous laisser une empreinte dans un p'tit coin de notre coeur. Eclair de Lune en fit donc parti pour mon jugement de valeur. Et le revoir une seconde fois 37 ans plus tard suscite un enthousiasme nostalgique mêlé d'une touche d'appréhension quant à son contenu véritablement qualitatif. A savoir si j'allais retrouver mes émotions d'un passé insouciant depuis mon adolescence à la fois candide et néophyte. Romcom réalisée par l'éminent Norman Jewison (qu'on ne présente plus), Eclair de Lune a ranimé ma flamme amoureuse en dépit d'une mise en place un tantinet laborieuse de l'intrigue et de ces personnages peu à peu attachants. Si bien que passées les 35/40 minutes de métrage pour autant solidement mises en scène au sein d'une scénographie urbaine aussi chaleureuse que réconfortante, Eclair de Lune prend son envol pour structurer un charme aussi pur que dépouillé eu égard de l'intelligence du cinéaste à ne point s'égarer dans la facilité des bons sentiments mielleux. 

Bien au contraire, Eclair de Lune demeurant si touchant, si émouvant, si pur, si intègre et lucide pour nous évoquer la complexité de l'amour (en étroite relation avec la peur de la mort apprendrons nous !) à travers l'infidélité conjugale de protagonistes familiaux qu'on ne peut que se réjouir du résultat attendrissant inscrit dans une modeste mesure. Norman Jewison tablant beaucoup sur l'humour des dialogues ciselés et des situations folingues pour nous enivrer sous l'impulsion d'une pléthore de comédiens absolument délicieux de spontanéité. Je ne vais pas tous les citer par manque de temps, et c'est bien dommage car par ex Olympia Dukakis (Oscar du Meilleur Second-Rôle) m'a tant ému en sexagénaire trompée (et de manière totalement fortuite !). Mais on ne peut que s'incliner du talent subtilement sémillant de Cher accompagnée de Nicolas Cage (à son âge juvénile) formant un duo d'amants impromptus davantage fusionnels dans leur désir d'y bafouer les règles de la bienséance au moment de céder à leur passion des sentiments. A eux deux ils portent l'intrigue sur leurs épaules, entre fraîcheur et naturel sans fard pour mieux nous immerger dans leur liaison houleuse à deux doigts de s'éteindre, ou, au contraire, de s'émanciper vers des horizons prospères. 

Alla famiglia. Santé !

Comédie romantique candide élégamment mise en scène parmi l'autorité d'un solide artisan ayant surfé sur tous les genres souvent pour le meilleur, Eclair de Lune est un divertissement (hélas) oublié truffé de qualités quand il s'adresse au coeur et à la raison dans sa méditation de l'amour impossible à anticiper. Tous les comédiens, sans exception aucune, demeurant toujours plus séduisants, passionnants, émouvants dans leur fragilité torturée à se remettre en question pour l'enjeu de rédemption. Une oeuvre aussi fragile que solaire qui donne envie d'aimer, de croire en son destin sans l'ombre de la suffisance (bien au contraire tant les personnages, tous âges confondus, restent des enfants incomplets). 

Récompenses: 

3 Oscars :

Meilleure actrice pour Cher

Meilleur second rôle pour Olympia Dukakis

Meilleur scénario pour John Patrick Shanley

American Comedy Award

Ours d'argent du meilleur réalisateur à la Berlinale pour Norman Jewison

2 Golden Globes :

Meilleure actrice dans une comédie (Cher)

Meilleur second rôle féminin (Olympia Dukakis)

1989 :

ASCAP Award pour le Top Box Office Films

Vent de Folie / The Wind

                                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Nico Mastorakis. 1986. U.S.A/Grèce. 1h32. Avec Meg Foster, Wings Hauser, Robert Morley, David McCallum. 

Sortie salles France: ?. U.S: 25 Novembre 1987. Angleterre: 17 Novembre 1986.

FILMOGRAPHIE: Nico Mastorakis est un réalisateur, scénariste et producteur grec né le 28 Avril 1941 à Athènes. 1976: Ta paidia tou Diavolou. 1976: To koritsi vomva. 1990: In the Cold of the Night. 1990 Hired to Kill. 1989 Ninja Academy. 1988 Glitch! 1988 Nightmare at Noon. 1987: Meurtre dans l'objectif. 1986 The Wind (Video). 1986 Heros Boys. 1985 Sky High. 1984 To kynigi tou ekatommyriou (Video). 1984 The Time Traveller. 1984 Onde de choc. 1992: The Naked Truth. 2002: .com for Murder.

                                        

 

"Vent de Folie : l’île aux murmures assassins".

Arlésienne horrifique que cette production américano-grecque signée Nico Mastorakis (le sympathique Onde de choc, jadis diffusé sur TV6). Vent de Folie s’est fait connaître des initiés via la VHS locative et Canal+ à la fin des années 80. Il s’y tailla d’ailleurs une réputation flatteuse (notamment dans Mad Movies) avant de sombrer, depuis, dans l’oubli — une simple recherche en ligne suffit à mesurer ce silence, malgré quelques critiques inéquitables glanées sur une plateforme confidentielle.

Et pourtant, Vent de Folie reste une série B exemplaire, comme on n’en fait plus, par son atmosphère trouble, presque tempétueuse. Mastorakis soigne à merveille son cadre insulaire et nocturne (impossible de ne pas songer à Anthropophagous durant la projection) et cisèle de splendides éclairages qui infusent l’écran d’un onirisme étrange, inquiétant, sensuel presque, oserais-je dire. Au-delà de l’efficacité de son script — un jeu du chat et de la souris sans temps mort — Vent de Folie innove dans le genre psycho-killer en convoquant un atout rare : l’élément naturel du vent, traité avec une attention formelle et sonore qui en fait une menace à part entière, modelant le sort précaire de personnages égarés dans la tourmente, physiquement et psychologiquement.

Il faut aussi saluer le parti pris atypique de confier le premier rôle à Meg Foster, troublante de mystère derrière ses yeux azur surnaturels : une femme forte, peu encline à la panique, qui endure traque, harcèlement et coups sans jamais rompre son sang-froid ni sa lucidité. Face à elle, Wings Hauser, parfaitement à sa place, cabotine en psychopathe insidieux, savourant chaque embuscade, distillant d’inquiétants moments de répit avant de relancer la chasse dans ce dédale insulaire presque désert. Mastorakis exploite chaque ruelle, chaque recoin de pierre, grâce à une caméra mobile et souvent tortueuse, rendant ce huis clos mutique d’autant plus oppressant.

 

Certes, les dix dernières minutes flirtent avec la facilité (le tueur qui ressuscite encore, la victime qui refuse de l’achever), mais la conclusion, futée, replace le vent au cœur de l’horreur, achevant de donner du souffle à ce cauchemar insulaire. Les bruitages soignés et la bande-son signée Hans Zimmer, épaulé par Stanley Myers, enveloppent ce labyrinthe rocailleux d’une aura étrange et hypnotique.

Une perle maudite j'vous dit.

*Bruno

2èx. vost

Merci à Thierry Savastano

Man on Fire

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de Tony Scott. 1994. U.S.A/Angleterre/Suisse/Mexique. 2h26. Avec Denzel Washington, Dakota Fanning, Radha Mitchell, Christopher Walken, Marc Anthony, Giancarlo Giannini, Mickey Rourke. 

Sortie salles France: 13 Octobre 2004.

FILMOGRAPHIE: Tony Scott (né le 21 juillet 1944 à Stockton-on-Tees, Royaume-Uni - ) est un réalisateur, producteur, producteur délégué, directeur de la photographie, monteur et acteur britannique. 1983 : Les Prédateurs, 1986 : Top Gun, 1987 : Le Flic de Beverly Hills 2, 1990 : Vengeance,1990 : Jours de tonnerre,1991 : Le Dernier Samaritain,1993 : True Romance, 1995 : USS Alabama,1996 : Le Fan,1998 : Ennemi d'État, 2001 : Spy Game, 2004 : Man on Fire, 2005 : Domino, 2006 : Déjà Vu, 2009 : L'Attaque du métro 123, 2010 : Unstoppable.

Peut-être l'un des plus grands films fondés sur une vengeance animale avec "Il était une fois dans l'Ouest", "Impitoyable", "Le Vieux Fusil", "Mad-Max", "Carrie", "The Crow", "Conan".

Opéra de sang, de larmes et de mort d'une intensité dramatique à la fois bouleversante et rigoureuse, tant auprès des apartés intimes entre Creasy (Denzel Washington) et Pita (Dakota Fanning) d'une sensibilité à fleur de peau, que des exactions putassières de l'ange exterminateur à bout de souffle lors d'une seconde partie capiteuse, Man on Fire est un chef-d'oeuvre sépulcral dont on ne sort pas indemne. L'ombre de Dieu planant durant tout le récit sur les épaules de Creasy chargé de haine et de remord dans sa condition écorchée vive de s'être avili lorsqu'il fut autrefois agent de la CIA. Or, par la bonté candide d'une fillette qu'il doit protéger en tant que garde du corps au sein d'une ville véreuse apte aux enlèvements, il parvient à retrouver foi en lui de par l'amitié naissante qu'elle lui inculque avec tendresse et intégrité désarmantes. Ainsi, si la première heure, extrêmement attachante auprès de la relation amiteuse entre eux nous hypnotise le coeur sous l'impulsion de comédiens au diapason de leur carrière pour leur naturel instinctif, le second acte funèbre ranimera les pulsions criminelles du garde du corps par le truchement d'une vendetta en roue libre dénuée de concession. 

                                      

Nanti d'une réalisation épileptique rigoureusement expérimentale, notamment afin d'exacerber le profil névrosé, dégénéré mais calculateur du vengeur redresseur de tort d'un calme olympien, Man on Fire nous immerge de plein fouet dans un univers de corruption nécrosée à faible lueur d'espoir. Le Mal et ses sbires demeurant à chaque coin de rue afin d'asseoir leur autorité crapuleuse par l'entremise du rapt d'enfant que la ville occasionne fréquemment (le prologue nous averti que 70% d'entre eux sont retrouvés morts chaque année). Tony Scott ballotant son récit d'ultra violence à l'instar d'un vortex émotif sans que toutefois n'y soit jamais confondu précipitation et efficacité. D'autre part, de par la densité d'une intrigue plus substantielle et impromptue qu'elle n'y parait (tant auprès des révélations auprès des complices et coupables, des confrontations explosives générant un climat furibond parfois proche du chaos que du revirement rédempteur chargé de désespoir), Man on Fire convoque un malaise sous-jacent quasi viscéral, sensoriel. Tant le réalisme opéré aux châtiments punitifs, le parti-pris inventif de l'exprimer de manière furtive au sein d'un climat urbain à la fois trouble, malsain, délétère nous martèlent la vue, l'ouïe, l'esprit sous la mainmise d'une aura religieuse que Creasy a autant de mal à se défaire lors de sa culpabilité morale suicidaire.

Voilà pourquoi Man on Fire demeure aussi puissant et implacable qu'inoubliable et déchirant auprès de sa mise en image aussi odieuse qu'infiniment fragile. Tony Scott distillant durant ce vénéneux chemin de croix une sensibilité infinie pour tenir lieu de la reconversion du justicier habité par l'influence du Mal mais délibéré à contredire son destin d'après une épreuve de force héroïque. Ainsi, de ce torrent d'émotions à la fois douloureuses et vertigineuses, Scott y extrait une réflexion sur la foi religieuse avec un art consommé de la remise en question morale que tout un chacun peut un jour s'autoriser à se questionner lorsqu'il a cédé à ses bas-instincts destructeurs. 

*Bruno

2èx. Vo

Box-Office France: 435 128 entrées

The Neon Demon

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Nicolas Winding Refn. 2016. France/U.S.A/Danemark. 1h57. Avec Elle Fanning, Karl Glusman, Jena Malone, Bella Heathcote, Abbey Lee Kershaw, Desmond Harrington, Christina Hendricks.

Sortie salles France: 8 Juin 2016. U.S: 24 Juin 2016 (Int - 17 ans)

FILMOGRAPHIE: Nicolas Winding Refn est un scénariste, réalisateur, producteur et acteur danois, né le 29 septembre 1970 à Coppenhague (Danemark). 1996: Pusher. 1999: Bleeder. 2003: Inside Job. 2004: Pusher 2. 2005: Pusher 3. 2008: Marple - Nemesis (télé-film). 2009: Bronson. 2010: Valhalla Rising. 2011: Drive. 2012: Only God Forgives. 2016: The Neon Demon.

Mea culpa. 

(Revoyure d'une) charge féroce contre l'univers pailleté de la mode dans sa forme (ultra) superficielle, The Neon Demon laisse des traces dans l'encéphale après que nous ayons observé (en mode contemplatif) la descende aux enfers d'une mannequin de 16 ans initiée au narcissisme le plus déshumanisant. C'est ce que Nicolas Winding Refn nous relate progressivement lors de son introspection professionnele avec souci esthétique obsessionnel (chaque plan chiadé nous éclate à la figure tel un feu d'artifices nécrosé) tout en lui confrontant en contrepoint un duo de rivales électrisantes de soif de célébrité. Des poupées barbies dénuées d'expressivité dans leur posture ultra guindée entièrement soumise à leur (sur)ego. Discours sur les conséquences dégénératives de l'élitisme, sur l'addiction de la chirurgie et ses apparences fallacieuses et sur la déchéance morale au sein de la compétitivité du mannequinat, The Neon Demon dilue un climat glaçant de bassesse, d'abêtissement, de silence terrifiant n'ayant rien à envier aux univers troubles lynchéens. 

Notamment en se référant aux bizarreries horrifico-fantasmagoriques qui empoisonnent le récit à renfort d'images lascives, léchées, aussi fascinantes que malaisantes ou encore dérangées. Et si l'étrange émotion, qui s'instille au cours du vénéneux récit demeure sciemment timorée, déstabilisante, déconcertante, voir également fréquemment impassible, c'est pour mieux perdre nos repères dans ce dédale charnel de beauté funeste. L'absence d'éthique, d'affection, d'humanité des personnages féminins (mais aussi masculins, à l'exception du petit ami de Jesse non corrompu) nous sautant sournoisement à la figure, tels des androïdes huppés au regard perçant dénués de charité. Leur sensibilité s'étant noyé dans un vivier (d'acide) pécunier faute de s'être dévoyées au concours d'une beauté esthétique asexuée (elles ne sont que des plantes aseptiques soumises à leur hiérarchie castratrice). Et ce avant de se complaire dans un cannibalisme ordurier pour tenter d'accéder en un temps si furtif (passé l'âge de 20 ans, elles sont déjà hors course) à la quintessence artistique. 

Expérience onirico-sensuelle substituée en offrande fétide, The neon Demon ne peut laisser indifférent à travers sa puissance formelle autant que morale faute de nous avoir projeté avec provocation (et une certaine dérision sardonique propre à la satire vitriolée) un tableau dérisoire sur la noblesse féminine la plus sournoise et délétère quand elle ne compte que sur son corps, son apparence pour être aimée et starisée.

*Bruno

2èx. Vo

06.04.24

02.09.16.

Frenzy

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

d'Alfred Hitchcock. 1972. Angleterre. 1h56. Avec Jon Finch, Barry Foster, Anna Massey, Barbara Leigh-Hunt, Alec McCowen, Vivien Merchant, Billie Whitelaw.

Sortie salles France: 26 Mai 1972

FILMOGRAPHIE: Alfred Hitchcock est un réalisateur, producteur et scénariste anglo américain, né le 13 Août 1899, décédé le 29 Avril 1980. 1935: Les 39 Marches. 1936: Quatre de l'Espionnage. Agent Secret. 1937: Jeune et Innocent. 1938: Une Femme Disparait. 1939: La Taverne de la Jamaique. 1940: Rebecca. Correspondant 17. 1941: Soupçons. 1942: La 5è Colonne. 1943: l'Ombre d'un Doute. 1944: Lifeboat. 1945: La Maison du Dr Edward. 1946: Les Enchainés. 1947: Le Procès Paradine. 1948: La Corde. 1949: Les Amants du Capricorne. 1950: Le Grand Alibi. 1951: L'Inconnu du Nord-Express. 1953: La Loi du Silence. 1954: Le Crime était presque parfait. Fenêtre sur cour. 1955: La Main au Collet. Mais qui a tué Harry ? 1956: l'Homme qui en savait trop. Le Faux Coupable. 1958: Sueurs Froides. 1959: La Mort aux Trousses. 1960: Psychose. 1963: Les Oiseaux. 1964: Pas de Printemps pour Marnie. 1966: Le Rideau Déchiré. 1969: l'Etau. 1972: Frenzy. 1976: Complot de Famille.

Avant dernier métrage du maître du suspense alors que pour la 1ère fois de sa carrière il fut interdit aux - de 17 ans Outre Atlantique, Frenzy est un excellent thriller horrifique émaillé de saillies d'humour noir et de séquences décalées plutôt impayables (les brouets que l'épouse de l'inspecteur Oxford lui occasionne chaque soir). "Tuer quelqu'un est très dur, très douloureux, et très… très long". C'est ce que l'on nous dévoile lors du premier homicide qu'Hitchcock façonne avec une évidente provocation vériste (symptomatique des Seventies) tant l'aura malsaine qui émane du huis-clos et des regards torturés entre tueur et victime invoquent un malaise palpable assez dérangeant (d'où son interdiction aux - 17 ans). Hitchcock ne lésinant pas sur les images d'effroi à la fois cruelles, perverses, violentes lorsque l'assassin s'acharne d'y étrangler sa proie à l'aide d'une cravate après l'avoir violé (corps étonnamment dénudé à l'appui de la part du cinéaste résigné à se renouveler). Or, c'est bel et bien l'unique meurtre que nous subirons si bien que les suivants (clairsemés) seront intelligemment soumis au hors-champs afin de ne pas sombrer dans une horreur gratuite trop complaisante (on peut d'ailleurs relever un superbe plan séquence réalisé en marche-arrière afin de suggérer l'horreur de l'agression que nous redoutions sans ambages). 

Passionnant d'y renouer avec la thématique du faux-coupable que ce dernier subira lors d'un concours de circonstances à la fois insidieuses, infortunées et vindicatives, notamment parmi le témoignage grossier du préjugé (réflexion acide sur les commérages et le faux semblant), l'intrigue est établie du point de vue de cette victime irascible (en somme un connard machiste, pour ne pas dire misogyne) constamment piégée d'une accumulation d'incidents sardoniques qu'Hitchcock ose mettre en exergue sans complexe aucun. D'où l'aspect moderne de son thriller à suspense jonglant avec une alchimie goguenarde auprès d'un humour caustique aussi grinçant que jubilatoire. Quand bien même on reste autant surpris par l'imprévisibilité des prochains meurtres sachant qu'Hitchcock se délecta bien avant ses exactions de nous familiariser auprès de femmes raisonnables afin de mieux nous ébranler lors des passages à l'acte. La franche empathie pour elles fonctionnant à plein régime au point de se dire qu'il n'oserait se permettre pareils sacrifices. Quant aux acteurs british aux visages assez peu habituels, ils jouent autant sur la dérision (tacite pour certains) et la réflexion hésitante que sur la gravité morale de se confondre dans une scénographie Londonienne à la fois inquiétante, malsaine, insécure même si tout est suggéré et qu'aucune délinquance ne vienne entacher le tableau dérisoire.

Brillant, couillu et drôlement noir pour son horreur macabre (tristement) contemporaine. 

*Bruno

2èx

Hellraiser (2022)

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de David Bruckner. 2022. U.S.A. 2h01. Avec Odessa A'zion, Jamie Clayton, Adam Faison, Drew Starkey, Brandon Flynn, Aoife Hinds 

Diffusé sur Paramount + le 15 octobre 2023 

FILMOGRAPHIE: David Bruckner est un réalisateur, scénariste et producteur de cinéma américain né en 1977 ou 1978. 2007 : The Signal (coréalisé par Dan Bush et Jacob Gentry). 2011 : Talk Show (court métrage). 2012 : V/H/S - segment Amateur Night. 2015 : Southbound - segment The Accident. 2017 : Le Rituel (The Ritual). 2019 : Creepshow (série TV) - 2 épisodes. 2020 : La Proie d'une ombre (The Night House). 2022 : Hellraiser.

Très bonne surprise que ce reboot conçu par David Bruckner (Le Rituel, la Proie d'une Ombre) après avoir été plusieurs fois repoussé par d'autres cinéastes (dont Pascal Laugier en froid avec les producteurs car désireux d'un objet plus conforme et ludique). Et si cet Hellraiser 2022 n'atteint pas à mes yeux le niveau qualitatif des 2 premiers opus dans toutes les mémoires des initiés, il demeure de loin le meilleur opus de tout ce qui a suivi ensuite pour le pire (dans 90% des cas si j'ose dire). Rien qu'au niveau de l'interprétation juvénile fort convaincante (Odessa A'zion en marginale à la fois perplexe, paumée et torturée vampirise l'écran par son humanisme névralgique inspirant d'autre part l'ambiguité morale), du design des nouveaux cénobites régentés par une matrone démoniale assez charismatique pour inspirer appréhension, fascination, dégoût, des séquences gores de tortures extrêmes particulièrement viscérales, Hellraiser 2022 a tout pour séduire en dépit d'un traitement contemporain qui diffère bien que son approche SM s'inscrit dans ce même goût de provocation sulfureuse. Ainsi, à travers le caractère à nouveau intrigant du cube casse-tête, l'efficacité du récit narré sans temps mort (à contrario de ce que j'ai pu entendre auprès de sa première partie - il faut bien planter l'intrigue et faire connaissance avec les personnages -) dépend de l'attitude censée d'une soeur désespérée tentant de retrouver en vie son frère et de le sauver des forces du Mal en s'invitant dans une demeure suspicieuse.

Et ce tout en illustrant de façon toujours plus insécure les réactions fébriles de ses amis mutuellement en proie au doute, à l'espoir, la peur, l'interrogation, la fascination aussi, de se laisser dériver vers un univers singulier échappant à leur raison (et parfois même leur contrôle mental pour les plus véreux et proscrits). David Bruckner exploitant à l'aide d'idées visuelles retorses l'enceinte de cette demeure abandonnée réduite en cage de fer semblable à un cube géant. Avec une judicieuse utilisation d'hallucinations épeurantes que les martyrs perçoivent dans leurs tourments avant l'apparition dantesque d'un Leviathan, clin d'oeil aussi fantasque et disproportionné à l'opus 2 réalisé par Tony Randel, ici réalisé avec des FX numériques tout à fait réalistes afin de s'immerger dans cet univers mortifié autrement blafard. On peut enfin également relever en guise de trouvaille impromptue un rebondissement bien amené vers ses 40 ultimes minutes afin de créer la surprise puis renforcer le caractère insidieux de tout un chacun lorsque l'homme avide de pouvoir est en requête de transaction interdite, de plaisirs corporels les plus trash et déviants. Et sur ce point répulsif, Hellraiser 2022 possède dans sa maudite besace nombre de séquences hardcore quasi émétiques de par son réalisme cru plus vrai que nature explosant dans la dernière demi-heure. Tout du moins dans la majorité des cas car si d'autres séquences numériques font un tantinet tâche, on croit néanmoins à ce que l'on voit et subi avec une répulsion viscérale suscitant le haut le coeur (pour les plus sensibles du moins, ce qui fut facilement mon cas). Et puis comme on dit si bien, plus le méchant est réussi, meilleure l'épreuve sera, si bien que l'acteur croato-américain Goran Višnjić (Urgences !) inspire véritablement le dégoût en collectionneur d'oeuvre d'art nanti entièrement soumis à ses instincts pervers les plus licencieux. L'acteur cassant son image docile avec une haine expressive assez vigoureuse pour inspirer l'aversion. 

Etrange et inquiétant, choquant et révulsif auprès d'un réalisme couillu, Hellraiser 2022 prend son sujet au sérieux pour relancer la machine à frissons SM avec assez d'efficacité et d'intelligence pour s'extirper du produit mercantile. Alors offrez lui sa chance car il mérite bien le coup d'oeil, et au-delà (j'en étais au second visionnage encore plus attrayant). 

*Bruno

2èx. vf

Ambulance

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Michael Bay. 2021. U.S.A. 2h16. Avec Jake Gyllenhaal, Yahya Abdul-Mateen II, Eiza González, Garret Dillahunt, A Martinez, Keir O'Donnell, Moses Ingram, Wale Folarin, Colin Woodell

Sortie salles France: 23 Mars 2022

FILMOGRAPHIE: Michael Benjamin Bay né le 17 février 1965 à Los Angeles (Californie), est un réalisateur, producteur et acteur américain. 1995 : Bad Boys. 1996 : Rock. 1998 : Armageddon. 2001 : Pearl Harbor. 2003 : Bad Boys 2. 2005 : The Island. 2007 : Transformers. 2009 : Transformers 2 : La Revanche. 2011 : Transformers 3 : La Face cachée de la Lune. 2013 : No Pain No Gain. 2014 : Transformers : L'Âge de l'extinction. 2016 : 13 Hours. 2017 : Transformers: The Last Knight. 2019 : Six Underground. 2022 : Ambulance. 

On peut peut-être parler de gageure que d'avoir tenter de nous tenir en haleine 2h14 durant (paradoxalement on ne compte que 2 mns de générique de fin !) sur le concept balisé du road movie (ici alerte). Dans la mesure où Michael Bay parvient à ne jamais relâcher la pression face aux actions d'un duo de braqueurs tentant d'arpenter Los Angeles dans une ambulance dérobée, avec, à bord, un flic grièvement blessé et une infirmière s'efforçant de le maintenir en vie en dépit des courses-poursuites incessantes amorcées entre eux et forces de l'ordre (tant en voiture qu'en hélico) décuplées en masse. Or, afin de nourrir puis relancer l'intensité des enjeux précaires (maintenir en vie l'otage à tous prix, notamment pour éviter de trépasser sous les balles de snipers, déjouer les renforts policiers dépêchés à tous coins de rue), Michael Bay utilise sa caméra tel un joujou technique à travers sa mise en scène expérimentale à donner le vertige. Les angles de caméra ultra alambiqués fusant tous azimuts avec fluidité, les drones survolant l'espace urbain avec vélocité; de manière à dynamiter l'action, maintenir la tension au sein d'une ville tentaculaire filmée tel un documentaire. Michael Bay filmant avec inventivité ses pyrotechnies sous tous les angles expérimentaux au risque parfois d'empiéter sur le plaisir du spectateur "insatiable" privé de l'intégralité de l'action. 

Quant aux acteurs très attachants dans leur fonction (anti)héroïque de braqueurs stoïques multipliant bravoures, risques suicidaires, discordes morales et indulgences auprès de l'infirmière et l'otage en instance de survie, nous éprouvions une inévitable empathie en dépit d'un Jake Gyllenhaal étonnamment à l'aise en braqueur furibard davantage erratique car à deux doigts d'opérer des intentions criminelles lourdes de conséquences. Emaillé de rebondissements aussi dingues qu'improbables (la chirurgie improvisée au sein de l'ambulance, les mafieux mexicains à la rescousse des braqueurs pour mieux dûper la police), Ambulance parvient toutefois à transcender ses idées capilotractées de par son humour parfois hilarant (rien qu'au niveau des répliques cinglantes, me suis surpris à rire nerveusement) qui empiète le récit à juste dose. Et si Ambulance n'est ni un chef-d'oeuvre ni un grand film, ce qu'il ne cherche jamais à être, il reste jusqu'à l'ultime image très efficace pour asseoir une réputation d'excellent divertissement tout en y incluant une véritable émotion dans la fratrie lors de son happy-end à la fois tragique et rédempteur. Des séquences intimistes émouvantes qui parviennent là encore à excuser ses ficelles afin de pardonner les actes répréhensibles d'un des 2 braqueurs. Ambulance s'érigeant également en récit initiatique quant à l'humanisme torturé de Will endossé avec force, incertitude et désarroi par l'afro Yahya Abdul-Mateen II témoignant des incartades de son frère avec un discernement davantage appuyé. Quant à Eiza González, si on ne peut s'empêcher de la comparer à l'actrice Michelle Rodriguez, elle demeure toutefois suffisamment expressive dans ses émotions intimes à la fois caractérielles et démunies pour se détacher de l'emprise de l'avatar. 

Un divertissement exhaustif donc auprès de nos attentes ludiques,  généreusement explosif, émotif, palpitant, que Michael Bay illustre avec une ambition technique aussi personnelle que réfléchie tout en nous faisant vibrer ses personnages peu recommandables.

*Bruno

2èx

Haute Tension. Grand Prix du Film Fantastique, Catalogne 2003.

Photo empruntée sur Google, appartenant au site allocine.fr

d'Alexandre Aja. 2003. France. 1h30. Avec Cécile de France, Maïwenn, Philippe Nahon, Franck Khalfoun, Andreï Finti, Oana Pellea.

Sortie salles France: 18 Juin 2003 (Int - 16 ans)

FILMOGRAPHIE: Alexandre Aja (Alexandre Jouan-Arcady) est un réalisateur, producteur, scénariste, dialoguiste et acteur, né le 7 Août 1978 à Paris. 1999: Furia. 2003: Haute Tension. 2006: La Colline a des yeux. 2008: Mirrors. 2010: Piranha 3D. 2013: Horns. 2016: La Neuvième Vie de Louis Drax. 2019: Crawl.

Un sommet du gore frenchie profondément malsain, infernal, redoutable. 

Considéré comme une bombe lors de sa sortie, tant auprès de la critique que du public, et ce en dépit de son échec commercial, Haute Tension n'a strictement rien perdu de sa vigueur horrifique quelques décennies plus tard. Au point même de reconsidérer son final révélateur tant décrié (si bien que j'en fis parti à 3 reprises) alors qu'aujourd'hui à la revoyure d'une 4è projo je fus littéralement traumatisé par ce rebondissement finalement cohérent Spoil ! quant à l'homosexualité refoulée d'un personnage aussi désarmé que profondément esseulé de ne pouvoir être aimé par l'être cher Fin du spoil. Mais alors pourquoi Haute Tension reste une référence du genre avec cette fameuse réputation d'avoir su rivaliser avec les prods ricaines les plus notoires ? Parce que Alexandre Aja traite son sujet très au sérieux, réinvente les codes avec cette volonté farouche d'y terroriser le spectateur auprès d'un parti-pris jusqu'au boutiste pour son ultra violence gorasse déployée à gros bouillon. Qui plus est, bénéficiant d'une direction artistique irréprochable, Aja soigne son ambiance à la fois insécure et si fétide auprès d'un environnement nocturne aussi étouffant que malaisant. Immersion assurée en y redoutant incessamment la prochaine séquence impitoyable que l'on nous illustre sans fard et encore moins de fioriture. 

Les victimes démunies, paralysés de frayeur tentant désespérément d'échapper au tueur fou (qu'endosse avec une aura aussi viciée que débauchée l'impressionnant Philippe Nahon humecté de sueur chaude sur son visage adipeux) avec une impuissance humaniste à la limite du tolérable. Aja parvenant constamment à entretenir une tension permanente auprès de ses victimes lâchement persécutées, en utilisant notamment des jumps-cares ultra efficaces afin de nous terroriser comme si nous étions à l'intérieur de la demeure champêtre, théâtre d'abominations crapuleuses. Si bien que l'ultra brutalité qui découle des exactions putassières a de quoi franchement choquer, même auprès des spectateurs les plus blasés, en dépit des provocateurs machistes n'ayant peur de rien se vanteront-ils. Quant au tendre duo formé par Cécile de France et Maïwenn, celles-ci parviennent naturellement à donner corps à leur personnage torturé avec une finesse de jeu expressif, entre névralgie apeurée et crises de larmes aux confins de la folie dépressive. Portant le récit sur leurs épaules autour du monstre Nahon, nos deux jouvencelles contournent facilement les clichés de la potiche écervelée avec une fragilité humaniste pour autant débrouillarde et finalement combattive auprès de leur initiation à la survie. 

Schizophrenia

De par son ambiance morbide indécrottable épaulé d'un score funeste aussi monocorde que lancinant qui imprègne chaque image crépusculaire, Haute Tension fascine et dérange au possible à travers son concentré d'horreur licencieuse et d'âpre terreur que le spectateur perçoit entre fascination morbide et malaise viscéral d'une rigueur morale proche du traumatisme. Comme le souligne d'autant mieux son impensable final incongru d'une dramaturgie cérébrale aussi rude qu'accablée. 

*Bruno

4èx

Babysitter Wanted

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

de  Jonas Barnes et Michael Manasseri. 2008. U.S.A. 1h26. Avec Sarah Thompson, Matt Dallas, Bruce Thomas, Kristen Dalton, Bill Moseley, Nana Visitor.

DTV

FILMOGRAPHIE: Michael Manasseri (né le 28 février 1974 à Poughkeepsie, New York) est un acteur et réalisateur américain. 2008: Babysitter Wanted. 

Oubliée aujourd'hui, cette sympathique série B demeure si charmante et attachante qu'on jurerait qu'elle fut réalisé fin 80 / début 90 si j'ose dire. D'ailleurs on pense évidemment au chef-d'oeuvre de Fred Walton "Terreur sur la Ligne" mais aussi à "House of the devil", tant pour l'ambiance obscure impartie au psycho-killer "harceleur téléphonique", que de la dérive démoniale du second acte faisant intervenir un rebondissement aussi couillu qu'improbable. Et si à cause d'un certain personnage peu expressif (pour ne pas spoiler) surfe un peu vers le ridicule, il faut reconnaître l'audace du réalisateur de s'écarter des sentiers balisés alors que vers le dernier acte nombre de clichés viennent toutefois contredire ses intentions premières plutôt louables. Ainsi, afin d'apprécier à sa juste valeur ce divertissement bonnard souvent atmosphérique (et sur ce point c'est parfaitement réussi, on est immergé dans l'action bucolique !) il faut savoir le savourer au second degré comme le souligne d'ailleurs les comédiens cabotins se fondant dans le corps de leur personnage avec un plaisir émotif palpable à l'écran. 

On peut aussi en dire autant de l'héroïne principale (catholique dans l'âme auprès d'une mère bigote qui servira par ailleurs de vecteur héroïque quant à l'habileté d'une conclusion assez fun, pour ne pas dire prometteuse), jouant les victimes démunies avec assez d'expression (sciemment) timorée pour s'inquiéter constamment de son sort incertain. Et ce même si plusieurs agressions physiques finissent hélas (et c'est bien dommage) par tomber à plat tant celle-ci demeure stupide à se défendre contre son adversaire en adoptant le moins de détermination et de violence possible (le frapper une seule et unique fois à chaque estocade). Quand aux scènes gores qui irriguent ce survival davantage haletant elle surfe sur la mode du Tortur'porn avec un goût viscéral étonnamment putassier afin de combler nos attentes gentiment perverses. Là aussi c'est particulièrement réussi si bien que les trucages artisanaux font plaisir à voir de par leur charnalité mécanique ici assez dégueulbif (j'ai même songé à D'Amato à un moment propice, toutes proportions gardées). 

Franchement bonnard donc, tout du moins pour les inconditionnels de bisserie sans prétention, Babysitter Wanted mérite à être revu tant le métrage dégage aujourd'hui un charme rétro au point d'établir un trait d'union avec nos divertissements d'exploitation Eighties. Or il est évident que les auteurs y soient férus du genre.

*Bruno

2èx. Vo

La Mort aux Trousses / North by Northwest. Prix Edgar-Allan-Poe du meilleur scénario, 1960

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site posterlounge.fr

d'Alfred Hitchcock. 1959. Angleterre. 2h16. Avec Cary Grant, Eva Marie Saint, James Mason, Jessie Royce Landis, Leo G. Carroll, Josephine Hutchinson, Philip Ober, Martin Landau 

Sortie salles France: 21 Octobre 1959. U.S: 17 Juillet 1959

FILMOGRAPHIE: Alfred Hitchcock est un réalisateur, producteur et scénariste anglo américain, né le 13 Août 1899, décédé le 29 Avril 1980. 1935: Les 39 Marches. 1936: Quatre de l'Espionnage. Agent Secret. 1937: Jeune et Innocent. 1938: Une Femme Disparait. 1939: La Taverne de la Jamaique. 1940: Rebecca. Correspondant 17. 1941: Soupçons. 1942: La 5è Colonne. 1943: l'Ombre d'un Doute. 1944: Lifeboat. 1945: La Maison du Dr Edward. 1946: Les Enchainés. 1947: Le Procès Paradine. 1948: La Corde. 1949: Les Amants du Capricorne. 1950: Le Grand Alibi. 1951: L'Inconnu du Nord-Express. 1953: La Loi du Silence. 1954: Le Crime était presque parfait. Fenêtre sur cour. 1955: La Main au Collet. Mais qui a tué Harry ? 1956: l'Homme qui en savait trop. Le Faux Coupable. 1958: Sueurs Froides. 1959: La Mort aux Trousses. 1960: Psychose. 1963: Les Oiseaux. 1964: Pas de Printemps pour Marnie. 1966: Le Rideau Déchiré. 1969: l'Etau. 1972: Frenzy. 1976: Complot de Famille.

Un grand classique des années 50 qu'on ne présente plus lorsqu'il porte la signature du grand Hitch. Bien que l'on peut toutefois rappeler que si la mise en place de l'intrigue n'accorde que peu de place à l'action 1h28 durant (en dépit de cette fameuse poursuite en avion à proximité d'un champs), les 45 ultimes minutes demeurent un grand moment de cinéma auprès de ses rebondissements, ses cascades vertigineuses sur le mont Rushmore et son intensité plus décomplexée de par la progression du suspense savamment charpenté en dévoilant des indices éloquents sans pouvoir l'anticiper. Et puis quel plaisir distingué de retrouver le duo glamour Gary Grant / Eva Marie Saint à travers leur liaison houleuse si bien qu'Hitchcock se permet notamment d'y parfaire une étreinte érotique d'une élégance ténue auprès des corps tendrement enlacés, et ce sur une durée inhabituellement conséquente d'insister autant auprès de leur commune alchimie sensuelle (ah ces yeux qui se ferment d'émotions épanouies !). 

Des images subtilement concupiscentes plus fondantes les unes que les autres qu'on ne retrouve hélas dans aucun métrage contemporain. Et si on a peut-être connu le maître du suspense un peu plus inspiré auprès d'autres références plus immersives, hypnotiques et affolantes, La Mort aux Trousses n'en demeure pas moins un palpitant suspense d'espionnage truffé de séquences jouissives en insistant à nouveau sur l'élégance d'un final étourdissant, avec, cerise sur la gâteau, des trucages (d'incrustation) encore aujourd'hui bluffant de réalisme. Suffit de poser la question aux spectateurs souffrant véritablement de vertigo pour s'apercevoir du talent perfectionniste d'Hitchcock jamais à court d'idées cruelles afin d'amplifier l'intensité d'affrontements à la fois insidieux et escarpés tout en malmenant sévèrement la femme (éventuellement) fatale. Enfin, il n'y a plus qu'à compter sur  l'orchestration exhaustive de Bernard Herrmann irriguant tout le périple pour renforcer son émotion à la fois exaltante (les séquences intimes entre le couple), inquiétante (notamment auprès de ses moult jeux de regards menaçants) et épique.

*Bruno

3èx

Récompenses:

1959 : coquille d'argent pour Alfred Hitchcock au Festival international du film de Saint-Sébastien

1960 : prix Edgar-Allan-Poe du meilleur scénario pour Ernest Lehman