Bully. Grand prix, Stockholm, 2001

                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site fr.shopping.rakuten.com

de Larry Clark. 2001. U.S.A. 1h53. Avec Brad Renfro, Rachel Miner, Bijou Phillips, Nick Stahl, Michael Pitt.

Sortie salles France: 12 Décembre 2001

FILMOGRAPHIE: Larry Clark est un réalisateur, photographe, directeur de la photographie, né le 19 Janvier 1943 à Tulsa dans l'Oklahoma. 1995: Kids. 1998: Another Day in Paradise. 2001: Bully. 2002: Teenage Caveman (télé-film). 2002: Ken Park. 2004: Wassup Rockers. 2006: Destricted (segment Impaled). 2012: Marfa Girl (uniquement dispo sur le net). 2015: The Smell of us. 2018 : Marfa Girl 2.

Film choc s'il en est, ad nauseum, Bully est le nouvel uppercut de Larry Clark après avoir été révélé par le mythique Kids et le non moins poisseux Another day in Paradise. Inspiré d'un fait-divers perpétré en 1993 auquel 7 adolescents tuèrent un de leur camarade abusif, Bully nous laisse le souffle coupé sitôt les sentences prononcées. Car on a beau s'écoeurer de la posture psychopathe de ces tueurs en herbe, Larry Clark possède ce don inné d'y dresser leur fragilité morale avec un hyper réalisme plus vrai que nature (pour ne pas dire documenté). C'est d'ailleurs ce qui fait la rigueur du drame sordide qui se dessine devant nos yeux, si bien que l'on subit Bully de plein fouet à l'instar d'un docu-vérité brut de décoffrage, qui plus est émaillé d'instants de poésie à travers ses visages naturalistes. Les acteurs, pour la plupart méconnus, étant bluffants de naturel de par leur jeu improvisé et leur physionomie pubère; tant et si bien que nous n'éprouvions aucune empathie pour leur profil marginal imprégné d'inconscience et d'irresponsabilité. Outre le caractère insoutenable de la longue séquence de meurtre d'une crudité éprouvante (on peut d'ailleurs se remémorer la fameuse tagline d'Hitchcock à travers sa tension exponentielle), Bully tire-parti du souci du détail auprès des expressions cyniques de ces ados pervers communément influencés par leurs sentiments de haine et de revanche avec un goût prononcé pour le sang.

Tant et si bien qu'ils y éprouvent excitation et jouissance communautaire, tant auprès des préparatifs, de leur première tentative manquée que de l'acte odieusement perpétré en complicité insidieuse. Glaçant, effrayant, primitif, ultra malsain et dérangeant, Bully distille un malaise davantage plombant à se familiariser auprès de ces bambins décervelés (voir leur stupide concertation afin d'élaborer un alibi ou encore leurs conversations ne tournant qu'autour du sexe, de la drogue et des sorties nocturnes !) adoptant des postures immorales dans leur innocence pubère. Antipathiques donc, car se complaisant dans la drogue, la luxure et le crime avec une vulgarité décomplexée (certaines séquences sensorielles effleurent d'ailleurs la pornographie par certains plans charnels), ceux-ci finissent tout de même par nous susciter un regain de tristesse, un sentiment de gâchis irréversible passé l'acte criminel. Si bien que le collapse, le sentiment irrépressible de la paranoïa du gendarme seront de rigueur pour la plupart d'entre eux incapables de contenir leur sang froid passé l'irréparable. C'est d'ailleurs à cet instant crucial que Larry Clark insiste sur la fragilité désoeuvrée de ces ados en perdition abdiqués par leurs parents mais aussi la société. Car livrés à eux-même dans leur précarité socio- professionnelle, ils ne comptent donc que sur l'évanescence de la drogue et du sexe pour évacuer l'ennui de leur quotidien sans repère. Ainsi, à travers ce tableau terrifiant d'une marginalité juvénile irrécupérable, Larry Clark nous foudroie d'aigreur, de crainte et de désolation à travers ce terrible constat d'échec d'une jeunesse anti-manichéenne incapable d'assimiler les notions d'amitié, de confiance, d'amour et de pardon.

De toute évidence, Bully est à réserver à un public (très) averti bien que le public ado devrait peut-être y jeter un oeil studieux pour éviter d'emprunter cette trajectoire délinquante de non retour. Profondément pervers et putassier au gré d'une acuité dramatique, il reste probablement l'un des Teen Movie les plus choquants vus au cinéma dans sa facture racée vitriolée.

*Bruno
2èx

Récompense: Grand Prix au Festival international du film de Stockholm de 2001

SPOIL !
Les sentences suivantes sont prononcées proportionnellement au rôle que chacun a tenu dans le complot : (source WIKIPEDIA)

Heather J. Swallers (Kelli Garner) : 7 ans de réclusion criminelle pour complicité d'homicide volontaire avec préméditation
Derek Dzvirko (Daniel Franzese) : 11 ans de réclusion criminelle pour complicité d'homicide volontaire avec préméditation
Alice Willis (Bijou Phillips) : 40 ans de réclusion criminelle pour complicité d'homicide volontaire avec préméditation + circonstances aggravantes
Donald Semenec (Michael Pitt) : emprisonnement à perpétuité pour homicide volontaire avec préméditation + circonstances aggravantes
Derek Kaufman (Leo Fitzpatrick) : emprisonnement à perpétuité pour complicité d'homicide volontaire avec préméditation + circonstances aggravantes
Lisa Connely (Rachel Miner) : emprisonnement à perpétuité pour complicité d'homicide volontaire avec préméditation + circonstances aggravantes
Marty Puccio (Brad Renfro) : condamnation à la peine de mort par la chaise électrique pour homicide volontaire avec préméditation + incitation à la violence + circonstances aggravantes

L'Agression

                                            Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Gérard Pires. 1975. France/Italie. 1h41. Avec Jean-Louis Trintignant, Catherine Deneuve, Claude Brasseur, Philippe Brigaud, Franco Fabrizi, Michèle Grellier, Delphine Boffy.

Sortie salles France: 16 Avril 1975 (Int aux - 18 ans)

FILMOGRAPHIE: Gérard Pirès est un réalisateur français, né le 31 août 1942 à Paris. 1968 : Erotissimo. 1971 : Fantasia chez les ploucs. 1973 : Elle court, elle court la banlieue. 1974 : L'Agression. 1975 : Attention les yeux ! 1976 : L'Ordinateur des pompes funèbres. 1980: L'Entourloupe. 1981 : Rends-moi la clé. 1998 : Taxi. 2001 : Riders. 2004 : Double Zéro. 2005 : Les Chevaliers du ciel.

Quand la violence s'empare de la France profonde, un justicier sommeille en toi.
Ovni français sombré dans l'oubli depuis pas mal de décennies alors qu'à sa sortie il récolta tout de même 1 227 990 entrées (en dépit, ou plutôt, grâce à son interdiction aux moins de 18 ans !), L'Agression exploite le vigilante movie de manière aussi auteurisante que lucrative. Tant et si bien que nous sommes fréquemment désarçonnés par le ton décalé des personnages lunaires et outranciers palliant leur douleur morale dans la violence et les apartés lubriques. Le pitch: sur une autoroute estivale, 3 motards s'en prennent violemment à un couple et leur fille à bord de leur voiture. Passée une longue course-poursuite, seul l'époux y réchappe après avoir constaté le viol suivi du décès de sa femme et de sa fille. Tentant d'évacuer sa souffrance dans les bras de sa belle-soeur, Paul Varlin finit par céder à la loi du talion après l'impuissance de la police. Déconcertant à plus d'un titre à travers sa mise en scène personnelle teintée de comédie grivoise et d'âpre violence ou dérangée (son final meurtrier et l'étonnante conclusion pleine d'ironie quant à sa diatribe contre la légitime défense), l'Agression vaut surtout pour ses courses-poursuites sur bitume très réussies car réalistes, brutales et effrénées, ainsi que la solidité de son casting héritières des Seventies.

Si bien que se disputent à l'écran (lors de conversations de comptoir fréquemment grivoises !) Jean Louis Trintignant en justicier paumé au comportement erratique (il tente tout de même de violer sa belle-soeur pour évacuer sa souffrance insurmontable du deuil ! ?), la radieuse et spontanée Catherine Deneuve en belle-soeur prévenante au fil d'une initiation dévergondée (!?) et de l'inquiétant Claude Brasseur en taulier fascisant aussi inspiré par sa vulgarité folichonne. Ainsi donc, de par ses situations excentriques tragi-cocasses (notamment chez le repère isolé des 3 motards) et son climat indicible d'une société d'insécurité en déliquescence (le prologue demeure carrément halluciné, tant auprès des exactions gratuites des assaillants que du couple de vacanciers irresponsables dans leur provocation puérile), l'Agression fascine (mais agace aussi parfois) par ses ruptures de ton étrangement magnétiques. Tout du moins pour le cinéphile avide d'expérience atypique appréciant les thèmes de la névrose, de la frustration sexuelle et de la vendetta musclée. En précisant tout de même que l'action s'avère néanmoins timorée (si on écarte ses 2/3 incroyables poursuites sur bitume). Gérard Pires se focalisant plutôt sur les rapports étranges car à la fois tendus, attachants et masochistes entre Catherine Deneuve (resplendissante également de beauté naturelle !) et Jean-louis Trintignant très à l'aise dans leur rôle respectif difficilement domptable.

A découvrir donc en étant plutôt averti que cette oeuvre oubliée demeure tout de même difficile d'accès par son contenu hybride (à la limite de l'auto-parodie lors des situations les plus cintrées). En tout état de cause, il ne laisse pas indifférent et laisse même certaines traces dans l'encéphale grâce à sa liberté de ton marginale étonnamment autonome. 

*Bruno

Fantômes contre Fantômes

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site movieposters.ha.com

"The Frighteners" de Peter Jackson. 1996. Nouvelle-Zélande/U.S.A. 1h51. Avec Michael J. Fox, Trini Alvarado, Peter Dobson, John Astin, Jeffrey Combs, Dee Wallace-Stone, Jake Busey, Chi McBride. 

Sortie salles France: 29 Janvier 1997 (Int - 12 ans)

FILMOGRAPHIE: Sir Peter Robert Jackson est un réalisateur, producteur et scénarise néo-zélandais, né le 31 Octobre 1961 à Pukerua Bay, North Island (Nouvelle-Zélande). 1987: Bad Taste. 1989: Les Feebles. 1992: Braindead. 1994: Créatures Célestes. 1995: Forgotten Silver. 1996: Fantômes contre fantômes. 2001: Le Seigneur des Anneaux. 2002: Les Deux Tours. 2003: Le Retour du Roi. 2005: King-Kong. 2009: Lovely Bones. 2012: Le Hobbit: un voyage inattendu. 2013: Le Hobbit: la Désolation de Smaug. 2014: Le Hobbit: Histoire d'un aller et retour.

Objet filmique aussi frappadingue que dégénéré de par l'originalité de son intrigue menée à 100 à l'heure, son action à répétition et sa galerie de personnages lunaires s'opposant entre les valeurs du Bien et du Mal, Fantômes contre Fantômes exploite les codes avec une audace burnée eu égard de la contradiction des genres ballottés tous azimuts. Epaulé de l'ultra dynamisme du montage et de la complicité expansive des personnages usant de bravoures pour venir à bout d'un ectoplasme serial-killer; Peter Jackson se prend presque pour Sam Raimi à travers ses situations échevelées tout droit sorties d'un cartoon mal élevé. Mais louablement, il parvient avec une énergie folingue à y imprimer sa patte à travers ses élans de cocasserie bonnard (sa 1ère partie avec les gentils fantômes missionnés pour faire peur à de jeunes occupants) et sa dramaturgie frissonnante lors d'une seconde partie plus alerte quant au jeu mirobolant du chat et de la souris. Ainsi donc, en exploitant les clichés du film de hantise, entre modernité et gothisme séculaire, Peter Jackson redouble d'efficacité de par son inventivité en roue libre d'y cumuler les poursuites infernales entres héros humains (le couple Franck/lucie), gentils fantômes (le trio protecteur de Franck) et méchants fantômes (le serial-killer d'outre-tombe Spoil ! bientôt accompagné de sa compagne azimutée Fin du Spoil. Si bien qu'un nombre conséquent de crises cardiaques viennent d'alerter les forces de l'ordre de la bourgade de Fairwater dépêchant sur les lieux un agent du FBI aussi borderline que psychotique (Jeffrey Combs crève littéralement l'écran à travers sa force d'expression viscérale et son look de gestapo SM !).

Quant à notre héros Franck, chasseur de fantômes au rabais à peine remis du deuil de son épouse, il a depuis la faculté de communiquer et de voir les revenants. Mais alors qu'il tente de prêter main forte à un jeune couple témoins de phénomènes paranormaux, il doit se mesurer au plus redoutable des tueurs en série, un fantôme revanchard poursuivant ses exactions sur terre après s'être échappé de l'enfer. Au passage, ce dernier déguisé en faucheuse se prendra véritablement pour la mort en personne de manière faraude. Au-delà de la fantaisie de sa narration fertile en rebondissements et inventions déjantées, on reste bluffé par le renouvellement de son action effrénée poursuivant sa trajectoire vers des directions davantage inquiétantes. Quand bien même des personnages secondaires (vivants ou morts) y font leur apparition de manière totalement improvisée afin de se mêler à l'aventure démoniale. Bref, c'est donc un véritable tour de montagne russe que nous parachève Peter Jackson sous l'impulsion d'un Michael J. Fox étonnamment sobre et parfois même (un brin) touchant dans sa fonction de héros en herbe en quête d'exutoire. Et ce en exploitant aussi efficacement d'autres codes issus du genre policier où s'y mêlent énigme filiale, romance novice et acceptation du deuil. Seul bémol face à ce divertissement de premier choix, les FX en CGI hélas peu crédibles dans la majorité des séquences factices, si bien que Peter Jackson doit probablement aujourd'hui s'en mordre les doigts d'avoir accéder à une facilité aussi peu probante. A titre d'exemple, l'apparition de la faucheuse autrefois si fascinante ne possède plus aujourd'hui ce même éclat visuel, ce similaire fantasme formel, cet identique attrait magnétique. 

Quoiqu'il advienne, le plaisir du cinéphile en quête d'émotions, de frissons et de cocasserie reste intacte de par la pétulante énergie que procure Fantômes contre Fantômes à travers sa pochette-surprise de tous les dangers. 

*Bruno

3èx

Byzantium

                                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site onechannel.tv

de Neil Jordan. 2012. Irlande/Angleterre. 1h58. Avec Gemma Arterton, Saoirse Ronan, Jonny Lee Miller, Sam Riley, Caleb Landry Jones, Tom Hollander, Daniel Mays.

Sortie salles Angleterre / Irlande. 31 Mai 2013. France: Direct To Video

FILMOGRAPHIE: Neil Jordan est un réalisateur, producteur, scénariste et écrivain irlandais, né le 25 Février 1950 à Sligo. 1982: Angel. 1984: La Compagnie des Loups. 1986: Mona Lisa. 1988: High Spirits. 1989: Nous ne sommes pas des Anges. 1991: L'Etrangère. 1992: The Crying Game. 1994: Entretien avec un Vampire. 1996: Michael Collins. 1997: The Butcher Boy. 1999: Prémonitions. 1999: La Fin d'une Liaison. 2002: L'Homme de la Riviera. 2005: Breakfast on Pluto. 2007: A vif. 2009: Ondine. 2012: Byzantium

Auteur d'authentiques perles du genre (The Crying Game, La Compagnie des Loups, Entretien avec un Vampire), Neil Jordan renoue avec l'ambition de ses débuts en abordant à nouveau la thématique du vampirisme au 1er degré. Tant et si bien que les fans seront ravis de retrouver ici ce cinéma intègre si cher à nos yeux puisque conçu pour y contenter les adultes. Le pitch: Deux femmes vampires tentent de survivre dans leur société moderne en trouvant refuge auprès d'un hôtel surnommée Byzantium. La plus jeune d'entre elles tombe amoureuse d'un amant et lui dévoile son histoire vieille de 200 ans. C'est alors que débarque une confrérie ayant pour unique motivation de les annihiler.  Pourvu de sincères intentions (oh combien louables) afin de redorer un sang neuf au mythe du vampire au sein du cinéma Fantastique le plus épuré, Byzantium joue dans la cour des grands à daigner illustrer la nouvelle débâcle d'un couple de vampires, prises à parti avec des phallocrates indomptables entourés de quelques émissaires aussi pugnaces. Alors qu'Eléanor semble lamentée de sa condition d'immortelle dans son corps d'ado, sa mère Clara se livre à la prostitution afin de subvenir à leur besoin. Epris de mélancolie et de contrariété, Eléanor trouve refuge dans les bras d'un partenaire tout aussi dépressif. Dans un désir de confidence et afin de soulager sa culpabilité, elle écrit un journal qu'elle finit par dévoiler à son confident. En alternant l'époque contemporaine et victorienne au gré d'efficaces flash-back, son cheminement narratif langoureux nous en apprend toujours un peu plus sur le passé de nos héroïnes afin de saisir de quelle manière ont-elles pu devenir des vampires, par quelle malédiction, et quel en est au final leur parcours personnel après avoir été longuement séparées ! 

De par leur caractérisation sobrement humaniste sans fioritures, Neil Jordan ne s'embarrasse pas des stéréotypes pour nous ressortir l'attirail vieillot des canines pointues, du miroir sans reflet et des pouvoirs surhumains. Si bien qu'à contrario, et avec modestie, nos suceuses de sang sont tout simplement pourvues d'un ongle acéré afin d'alpaguer leur proie pour y entailler la chair et y siroter la sève. Nanti d'une somptueuse photo et d'une imagerie lyrique parfois ensorcelante, Byzantium nous séduit sans effet de manche à travers la complexité torturée de ces femmes condamnées à la solitude, car dépréciées par une confrérie misogyne réfutant la procréation. Le scénario faisant la part belle à la psychologie conflictuelle entre une mère obtuse et sa fille dépressive, d'autant plus épiées par ces antagonistes à la fois machistes et couards. Quand bien même certaines séquences fantasmagoriques à la poésie stylisée (la fontaine de jouvence inondée de sang) et son contexte écolo-singulier pour se substituer au vampire (le repère des chauves-souris et leurs effets occultes) renforcent l'ambition de Neil Jordan à nous narrer une sombre et fragile histoire de vampire à hauteur de femme. Le script prenant toujours son temps à nous décrire la difficile relation entre une mère et sa fille prisonnières de leur condition d'immortelles mais néanmoins pétries d'affection l'une pour l'autre en dépit de leur discorde davantage préjudiciable. On peut d'ailleurs dignement saluer l'interprétation dépouillée des 2 jeunes actrices à la fois charnelles et caractérielles dans leur force d'expression souvent contradictoire. Si bien que toute l'intrigue repose sur leur évolution morale à opter pour le meilleur choix de survie (le refuge de l'hôtel) en dépit de la rébellion de sa fille (beaucoup plus censée et révérencieuse en matière d'éthique) avide de rédemption et d'affection dans son petit corps de 16 ans. 

Une métaphore féministe. 
A la fois beau et fragile, mélancolique et violent; Byzantium respecte impérativement le genre dans son désir de l'imprimer au 1er degré sous l'impulsion d'une caractérisation humaine aussi empathique que fascinante. L'essentiel étant qu'ici nous croyions à nouveau au mythe du vampire à travers un esthétisme sensuel saillant, à l'instar de la beauté naturelle de ces jeunes actrices se disputant le pouvoir avec une acuité pleine de tendresse. A ne pas rater, notamment afin de réparer son catastrophique échec commercial. 

*Bruno

10.08.20
30.10.13; 109 v

Magic

                                          Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Richard Attenborough. 1978. U.S.A. 1h47. Avec Anthony Hopkins, Ann-Margret, Burgess Meredith, Ed Lauter, E.J André, Jerry Houser, David Ogden Stiers, Lillian Randolph, Joe Lowry, Bob Hackman, Mary Munday.

Sortie U.S: Novembre 1978

FILMOGRAPHIE: Richard Attenborough, né Richard Samuel, baron Attenborough, le 29 Août 1923 à Cambridge est un acteur, producteur et réalisateur britannique. 1969: Ah Dieu ! que la guerre est jolie. 1972: Les Griffes du Lion. 1977: Un Pont trop loin. 1978: Magic. 1982: Gandhi. 1985: A Chorus Line. 1987: Le Cri de la Liberté. 1992: Chaplin. 1993: Les Ombres du coeur. 1996: Un Temps pour l'amour. 1999: Grey Owl. 2006: War and Destiny. 2007: Closing the Ring.

D'après le scénario de William Goldman (tiré de sa propre nouvelle), Magic est l'unique long-métrage de l'illustre Richard Attenborough. Dominé par la révélation Anthony Hopkins littéralement transi d'émoi en ventriloque erratique, ce drame psychologique transplanté dans le cadre du thriller horrifique traite avec ambiguïté d'un cas de schizophrénie à travers le duo formé par celui-ci et sa marionnette. Le pitch: Corky est un illusionniste novice, introverti et timoré, ayant peine à rencontrer le succès dans les bars qu'il fréquente. Jusqu'au jour où il décide de s'épauler d'une marionnette pour interpréter le rôle de ventriloque face à un public galvanisé. En pleine ascension populaire, il décide malgré tout de fuir un moment les projecteurs pour s'éclipser dans une contrée bucolique par peur de la célébrité. Mais Corky est atteint d'une grave pathologie le poussant à  commettre l'irréparable à travers l'esprit de sa marionnette. 
.

Avec pudeur, sobriété et réalisme oh combien vigoureux, Magic y autopsie le portrait torturé d'un saltimbanque à l'orée d'une riche carrière mais compromis par les arcanes du dédoublement de personnalité sous l'impulsion tyrannique de son pantin de bois. Ainsi, à travers les provocations sarcastiques de ce dernier prénommé Fats, Corky se laissera peu à peu influencer puis asservir par son autorité aussi désinvolte que démoniale. Profondément solitaire et introverti depuis sa tendre enfance, Corky y endosse un être refoulé, paniqué à l'idée d'échouer, à l'instar de son antécédente idylle de jeunesse discréditée par sa timidité. Ainsi, en osant se convertir à la célébrité pailletée, cet intermittent s'accoutre d'une marionnette pour pouvoir transcender sa crainte de l'échec. Mais sitôt le succès amorcé, il décidera de s'éclipser vers sa contrée natale le temps d'une réflexion. Par cette même occasion placide, il tentera de renouer les liens avec son amour de jeunesse. Mais son producteur suspicieux de son instabilité à y refuser un examen médical entreprend de lui rendre visite. A ce titre, la séquence auquel celui-ci lui propose de le mesurer à une épreuve de force temporelle (dans la mesure d'efforcer Corky à ne pas s'exprimer par l'entremise de Fats 5 minutes durant) constitue un morceau d'anthologie terriblement sensoriel et éprouvant ! Au préalable, on peut d'ailleurs aussi citer à travers son intensité dramatique scrupuleuse l'expérience télépathique du jeu de cartes entamé entre Corky et Peggy !

Fort d'une narration aussi cruelle que nihiliste, Richard Attenborough nous oppose donc le cas pathologique d'un homme de spectacle délibéré à rencontrer le succès après avoir subi les brimades d'un public égoïste ne tablant que sur leur plaisir personnel pour y savourer un spectacle de choix. Transcendé de la force d'expression dépressive d'Anthony Hopkins déjà révélateur de son talent factuel, Magic nous transcende son profil bicéphale par le biais de son double rancunier avide d'autonomie décomplexée (la nature contradictoire de Corky donc plongé dans l'autisme). De par son climat à la fois trouble et feutré, exacerbé du huis-clos bucolique d'un chalet que le trio d'amants trouve refuge pour se démêler de leur conflit amoureux, Magic alimente une anxiété davantage redoutée auprès de ses exactions aussi perfides que pernicieuses. Ainsi donc, à travers le déclin pathologique de Corky tyrannisé par son double maléfique, Magic emprunte le cheminement du  drame psychologique à la fois fragile et arbitraire auprès de la tragédie qui se dessine lentement devant nos yeux. Accompagné du thème langoureux de Jerry Goldsmith, le réalisateur insiste sobrement sur la détresse humaine de sa victime compromise par un choix cornélien. Tant et si bien qu'à travers sa romance enfin concrétisée avec Peggy après 15 ans d'attente, on ne peut s'empêcher d'y éprouver une terrible empathie pour l'impossible romance d'un artiste à la sensibilité beaucoup trop névralgique.

Huis-clos intimiste à la fois trouble et contraignant, Magic constitue une poignante tragédie humaine à travers une réflexion sur l'ambition et l'appréhension d'approcher la fioriture de la célébrité. Et ce tout en égratignant en filigrane l'élitisme du show-business et son public orgueilleux toujours plus avide de virtuosité. Il y découle un chef-d'oeuvre funèbre de par son climat aigre à la lisière du fantastique car y semant le doute quand à la véritable identité de Fats. Pantin articulé de vie par le biais de son créateur ou véritable entité maléfique douée de vie grâce à son auteur ? Sublimé de l'interprétation fébrile d'Anthony Hopkins en émoi versatile, Magic envoûte et émeut en y provoquant désarroi, confusion et oppression avec une intelligence rare pour la facture surnaturelle de sa thématique de la "poupée diabolique". 

*Bruno
07.08.20. 5è
17.01.11. 

24 Heures avant la nuit / La 25è Heure

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"25th hour" de Spike Lee. 2002. U.S.A. 2h15. Avec Edward Norton, Barry Pepper, Philip Seymour Hoffman, Rosario Dawson, Anna Paquin, Brian Cox.

Sortie salles France: 12 Mars 2003

FILMOGRAPHIE: Spike Lee (Shelton Jackson Lee) est un scénariste, réalisateur, acteur et producteur américain né le 20 mars 1957 à Atlanta (Géorgie, États-Unis).1983 : Joe's Bed-Stuy Barbershop: We Cut Heads. 1986 : Nola Darling n'en fait qu'à sa tête. 1988 : School Daze. 1989 : Do the Right Thing. 1990 : Mo' Better Blues. 1991 : Jungle Fever. 1992 : Malcolm X. 1994 : Crooklyn. 1995 : Clockers. 1996 : Girl 6. 1996 : Get on the Bus. 1998 : He Got Game. 1999 : Summer of Sam. 2000 : The Very Black Show. 2002 : La 25e Heure. 2004 : She Hate Me. 2006 : Inside Man. 2008 : Miracle à Santa Anna. 2012 : Red Hook Summer. 2013 : Old Boy. 2014 : Da Sweet Blood of Jesus. 2015 : Chi-Raq. 2018 : BlacKkKlansman. 2020 : Da 5 Bloods.

Marche funèbre désabusée, chemin de croix cérébral auprès d'un dealer en quête désespérée de rédemption après avoir été alpagué par la police avec une grosse quantité de drogue, 24 Heures avant la nuit y sublime son ultime jour de liberté en compagnie de ses fidèles proches. Car condamné à 7 années de réclusion, Monty Brogan profitera de cette ultime bouffée d'air en compagnie de sa compagne auquel il éprouve une suspicion de trahison, de 2 de ses meilleurs amis et de son père hanté de culpabilité. La trajectoire narrative étant assujettie aux prises de conscience des personnages communément soucieux pour l'avenir de Monty transi d'appréhension quant à sa future épreuve carcérale. Superbement incarné par Edward Norton en dealer au grand coeur assailli de désagrément, de doute et de culpabilité, 24 heures avant la nuit se décline donc en film d'acteurs tant Spike Lee prend son temps à radiographier ses personnages tourmentés avec une intensité dramatique aussi dépouillée que bouleversante.

Pour ce faire, au-delà de son casting au p'tits oignons parmi lesquels on y retrouve le regretté Philip Seymour Hoffman en professeur timoré en manque affectif, de la portoricaine de braise Rosario Dawson en amante aussi discrète qu'indécise, on peut privilégier la prestance pleine de charisme de Barry Pepper en comparse couard résolument embarrassé et offensé pour le sort de son meilleur ami en déroute morale. Superbement mis en scène en y auscultant au plus près de leur sensibilité les fêlures psychologiques de ces personnages en proie à la désillusion, 24 Heures avant la nuit fait office de grand moment de cinéma épuré de par son brio d'y transcender une étude caractérielle à travers les valeurs familiales, fraternelles et sentimentales. Ainsi, en abordant ces thématiques universelles inscrites dans la pudeur et la rancoeur, Spike Lee fait vibrer notre corde sensible à l'aide d'un vérisme aussi pur que cinégénique eu égard de l'attention portée à sa mise en scène alambiquée et au talent naturel de ces comédiens ne débordant jamais. Sorte de mélodrame pudique car tout en retenue combiné au polar noir intimiste, 24 heures avant la nuit aborde avec beaucoup de tact ces valeurs humaines à travers la dichotomie du Bien et du Mal. Dans la mesure où l'on ne cesse d'éprouver une éprouvante empathie mêlée de sentiment d'injustice pour le profil de Monty payant aujourd'hui son lourd tribus pour la facilité de l'illégalité.

Plus l'amitié est grande plus la douleur est forte
Douloureux drame humain donc à la fois chétif et crépusculaire quant aux états d'âme contrariés affectés de culpabilité, 24 heures avant la nuit oppose notamment en filigrane les sentiments de suspicion et de paranoïa post 11 Septembre (le film ayant été tourné 1 an après les attentats de 2001) à travers la posture anxiogène de Monty observant sobrement ses proches (et les étrangers !) avec une inquiétude hésitante. Peut-être le plus beau film de Spike Lee.

*Bruno
2èx

Récompenses:
Central Ohio Film Critics Association Awards 2003 : meilleure musique pour Terence Blanchard
Las Vegas Film Critics Society Awards 2003 : meilleure musique pour Terence Blanchard
Prix Sant Jordi du cinéma 2004 : meilleur acteur étranger pour Edward Norton

Lust for a Vampire

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

de Jimmy Sangster. 1971. Angleterre. 1h35. Avec Yutte Stensgaard, Michael Johnson, Ralph Bates, Barbara Jefford, Suzanna Leigh.

Sortie salles France: 22 Février 1973

FILMOGRAPHIE: Jimmy Sangster est un réalisateur, scénariste et producteur de cinéma britannique né le 2 décembre 1927 dans le North Wales (Pays de Galles), décédé le 19 août 2011 à Londres. 1970 : Les Horreurs de Frankenstein. 1971: Lust for a Vampire. 1972 : Sueur froide dans la nuit.

Précédé d'une sinistre réputation, Lust for a Vampire fait clairement parti du bas du panier de l'écurie Hammer. Réalisé par Jimmy Sangster à qui l'on doit les sympatoches Les Horreurs de Frankenstein et Sueurs Froides dans la nuit, celui-ci semble bien peu inspiré à exploiter les fourberies de la Comtesse Mircalla Karnstein déjà illustrée dans le superbe Vampire Lovers puis un peu plus tard dans l'effronté les Sévices de Dracula. Son échec émanant d'un script d'une navrante platitude (un professeur tombe amoureux d'une de ses élèves - personnifiée par la comtesse - avant de la suspecter d'y être un vampire) et d'une réalisation falote faisant pâle figure pour une prod Hammer. Incapable d'insuffler un quelconque suspense autour du sort de ses élèves (parfois dénudés) en proie au danger du vampirisme quand bien même la timide romance amorcée entre Richard et Mircalla ne nous accorde aucune dimension dramatique; Lust for a Vampire ne compte que sur la beauté de certaines images (marque de fabrique de la Hammer, à l'instar de ce corps féminin dévalant un puits au ralenti) et sur celle lascive de certaines actrices (avec un soupçon d'érotisme folichon quant aux corps dénudés) pour éveiller notre timide attention. A oublier donc, à moins de le découvrir d'un oeil curieux chez les aficionados tant la Hammer nous ne avait pas habitué à tant de médiocrité.

*Bruno

Ci-joint une excellente critique tranchée: https://tortillapolis.com/critique-film-lust-for-a-vampire-jimmy-sangster-1971/

Les Aventures de Jack Burton dans les Griffes du Mandarin

                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site lecinemaavecungranda.com 

"Big trouble in Little China" de John Carpenter. 1986. U.S.A. 1h40. Avec Kurt Russell, Kim Cattrall, Dennis Dun, James Hong, Victor Wong, Kate Burton, Donald Li, Carter Wong, Peter Kwong, James Pax.

Sortie salles France: 3 Septembre 1986. U.S: 2 Juillet 1986

FILMOGRAPHIE: John Howard Carpenter est un réalisateur, acteur, scénariste, monteur, compositeur et producteur de film américain né le 16 janvier 1948 à Carthage (État de New York, États-Unis). 1974 : Dark Star 1976 : Assaut 1978 : Halloween, la nuit des masques 1980 : Fog 1981 : New York 1997 1982 : The Thing 1983 : Christine 1984 : Starman 1986 : Les Aventures de Jack Burton dans les griffes du Mandarin 1987 : Prince des ténèbres 1988 : Invasion Los Angeles 1992 : Les Aventures d'un homme invisible 1995 : L'Antre de la folie 1995 : Le Village des damnés 1996 : Los Angeles 2013 1998 : Vampires 2001 : Ghosts of Mars 2010 : The Ward

Deux ans après son inattendue love story Starman, John Carpenter se prête au jeu d'une aventure fantastico-parodique sous le pilier d'un flamboyant hommage au cinéma d'arts-martiaux (Zu, les Guerriers de la montagne magique en tête !). Le pitch: Parce qu'une jeune fille asiatique aux yeux verts est enlevée à l'aéroport de San Francisco par des mafieux chinois, Jack Burton et son acolyte Wang, fiancé de cette dernière, doivent faire face à encore plus plus pernicieux. Pour cause, des samouraïs aux pouvoirs extraordinaires vont à leur tour kidnapper la fille pour la retenir prisonnière dans un bordel et l'offrir en sacrifice à Lo Pan, vieux sorcier adepte du jeunisme. Epaulé de nouveaux acolytes venus lui prêter main forte, Jack Burton s'engage fissa dans une aventure endiablée si bien que moult péripéties et traquenards leurs seront invoqués sans retenue. Alors que la mode des aventuriers virils sans peur et sans reproche bat son plein à l'orée des années 80 avec la fameuse saga Indiana Jones, Alan Quaterman, A la poursuite du diamant vert ou encore avec l'ersatz transalpin les Aventuriers du cobra d'or, John Carpenter opte pour le détournement du genre afin d'y symboliser un nouveau héros singulier: Monsieur Jack Burton ! Une icone parodique apte à trôner dans la légende des plus célèbres baroudeurs en mode "décomplexée". Pour cause, Jack Burton est un simple camionneur machiste et faraud se prenant donc au sérieux lors de ses trépidantes tribulations mais dépourvu d'une maladresse impayable de par son héroïsme en herbe ! Bref, un empoté indécrottable. 

D'une verve aussi insolente que provocatrice, Kurt Russel met notamment en valeur son physique saillant dans son rôle cocasse à contre emploi de l'anti-héros infaillible que l'on a tant connu autrefois. Jean, débardeur, bottes de cuir et casquette noire imprimée du logo Harley Davidson, l'acteur adopte une posture à la fois fringante et décontractée pour affronter puis provoquer ses rivaux surhumains lors d'une humeur décomplexée ! Quand bien même les seconds-rôles aussi pétulants se fondent dans le corps d'aventuriers néophytes avec une pêche et une énergie galvanisantes ! Profondément amoureux de son projet, John Carpenter réalise une fois de plus avec son égale virtuosité, c'est à dire entre sens de l'efficacité optimale (c'est peu de le dire à travers son action dégénérée !) et ultra dynamisme du montage une aventure folingue soumise aux légendes orientales et aux mystères de la magie noire. L'enchaînement des situations toutes plus déjantées et belliqueuses nous entraînant dans un maelstrom de rebondissements à travers sa moissons de gags, arts-martiaux improbables, chausse trappes, invités surprises, monstres poilus et bévues hilarantes. Tant et si bien que le spectacle flamboyant inscrit dans la magie ancestrale (notamment auprès de l'exploitations des somptueux décors exotiques !) conjugue avec une rare alchimie les composants de l'aventure, du fantastique, de l'humour, de l'action et de la romance d'après l'influence d'une époque pionnière où les films de Bruce Lee explosaient les écrans français et ricains. Quand bien même dans l'injustice la plus préjudiciable les chefs-d'oeuvre de Tsui Hark auquel Carpenter rend ici vibrant hommage n'eurent même pas la possibilité de s'y faire une maigre place dans nos salles obscures !

Un spectacle luminescent d'une fantaisie et d'une action débridées à tombeau ouvert ! 
Absolument rien n'est laissé au hasard dans les Aventures de Jack Burton, tant auprès de la fulgurance de ces décors orientaux et de ces FX artisanaux, de la musique tonitruante de Carpenter  en parfait accord avec l'imagerie épique que de la fougue de nos attachants héros que Kurt Russel  tente de manoeuvrer avec une virilité badin. Nonobstant un sévère échec public à sa sortie (que  Carpenter a bien eu du mal à encaisser), amplement réparé depuis son statut culte, Les Aventures de Jack Burton constitue un authentique chef-d'oeuvre doublé d'un modèle de série B d'une pêche et d'un charme si sémillants que les nombreux visionnages ne parviennent pas à altérer son pouvoir enchanteur. Et si la perfection existait, Jack Burton en serait probablement un noble prototype ! 

* Bruno
18.11.10. 364 v
04.08.20. 5èx

Note (wikipedia): Le film a été un échec commercial, rapportant $11,1 millions en Amérique du Nord, bien en dessous des estimations avec $25 millions de budget. Les commentaires mitigés des critiques ont laissé Carpenter déçu par Hollywood et ont conforté sa décision de devenir un cinéaste indépendant. Le film est toutefois devenu culte en grande partie grâce à son succès en VHS et DVD.

• La chanson finale est écrite et interprétée par The Coupe De Ville... groupe composé de John Carpenter, Nick Castle et Tommy Lee Wallace.

Les Enfants d'Abraham / "El segundo nombre". Grand Prix du film fantastique européen, Catalogne, 2002.

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site cine.coveralia.com

de Paco Plaza. 2002. Espagne. 1h39. Avec Erica Prior, Trae Houlihan, Denis Rafter, Craig Stevenson, John O'Toole, Frank O'Sullivan.

Sortie salles France: 13 Août 2003. Espagne: 15 Novembre 2002

FILMOGRAPHIE: Paco Plaza est un réalisateur et scénariste espagnol né en 1973 à Valence (Espagne). 2002 : OT: la película (doc). 2002 : Les Enfants d'Abraham. 2004 : L'Enfer des loups. 2006 : Scary Stories - épisode Conte de Noël (TV). 2007 : [●REC] (coréalisé avec Jaume Balagueró). 2008 : [●REC]2 (coréalisé avec Jaume Balagueró). 2012 : [●REC]3 Génesis. 2017 : Verónica.

"Pour faire un tel sacrifice, disparaître pour le bien de l’autre, il faut l’aimer vraiment."

Révélé plus tard par la trilogie [REC], Paco Plaza amorça sa carrière en 2002 avec Les Enfants d’Abraham. Première œuvre perfectible, tant dans sa mise en scène que dans sa direction d'acteurs, elle n’en demeure pas moins un excellent thriller intimiste que la présence d’Erica Prior porte avec une intensité humaniste, forgée dans une idéologie maternelle viscérale. Déterminée à lever le voile sur le suicide mystérieux de son père, lié à une secte catholique, l’héroïne se confronte à une enquête fertile en indices et en rebondissements, que Plaza distille avec une habileté discrète. Mais ce cheminement la conduit surtout à reconsidérer sa propre identité, prise dans les filets d’une machination.

En s’attaquant au thème du sacrifice d’enfant sur fond de lecture biblique, Les Enfants d’Abraham refuse tout compromis : climat renfrogné, photographie sombre et sépia appuyant sa tonalité dépressive, personnages interlopes rongés par le mensonge, la manipulation et l’immoralité concertée.

Certains spectateurs pourront être déconcertés par son épilogue tragique, rejetant le happy-end de rigueur. Pourtant, grâce à un suspense latent, efficacement entretenu, et à ce fil rouge - l’amour paternel perverti par la foi - Plaza retient toujours l’attention. Son film esquisse une investigation de longue haleine, portée par une héroïne à l’humanisme torturé puis finalement démuni. Le cinéaste confère à sa psychologie une intensité particulière, au fil d’une évolution morale en perdition, gangrenée de secrets obscurs. Si l’on aurait pu souhaiter une réalisation plus solide - même si parfois soignée par le choix des cadres -, il reste que ce sujet malsain, terrifiant et cruel, ne peut laisser indifférent. Un thriller flegmatique, qui privilégie la suggestion et gagne ainsi en réalisme clinique, glauque, anxiogène, hermétique. À (re)découvrir, d’autant qu’il demeure hélas injustement méconnu, malgré son Grand Prix à Catalogne

— le cinéphile du cœur noir
3èx. 08.09.25. Vost

Hot Shots 2

                                             Photo empruntée sur Google, appartenant au site cineserie.com

de Jim Abrahams. 1993. U.S.A. 1h28. Avec Charlie Sheen, Lloyd Bridges, Valeria Golino, Richard Crenna, Brenda Bakke, Miguel Ferrer, David Wohl.

Sortie salles France: 25 Août 1993

FILMOGRAPHIE: Jim Abrahams est un scénariste, réalisateur, producteur de cinéma et acteur américain né le 10 mai 1944 à Shorewood, Wisconsin (États-Unis). 1980 : Y a-t-il un pilote dans l'avion ? 1984 : Top secret ! 1986 : Y a-t-il quelqu'un pour tuer ma femme ? 1988 : Quand les jumelles s'emmêlent. 1990 : Welcome Home, Roxy Carmichael. 1991 : Hot Shots! 1993 : Hot Shots! 2. 1997 : Au risque de te perdre (Téléfilm). 1998 : Le Prince de Sicile.

Deux ans séparent cette séquelle du 1er opus et on peut avouer sans rougir que Jim Abrahams est parvenu à transcender son modèle en y parodiant ouvertement Rambo 2 et 3. Mais pas que car s'y côtoient à un rythme toujours aussi effréné Basic Instinct, Apocalypse Now, Wall Street, Terminator 2, les Canons de Navarone, Star Wars, le Magicien d'Oz ou encore La Belle et le Clochard (et j'en ai probablement omis quelques autres !). Pur cartoon live se raillant autant du patriotisme ricain que de  Saddam Hussein dans le cadre du film d'action décérébré, Hot Shot 2 se permet tout et n'importe quoi dans un bordel assumé irrésistible de déconnade. Et si, comme de coutume, tout n'est pas du meilleur goût (les gags lourdingues se mêlent à ceux déjantés de manière totalement décomplexée), le surréalisme des situations débridées parviennent fréquemment à nous enjailler sous l'impulsion de comédiens se moquant d'eux même avec une dérision expansive. Outre sa constante drôlerie en y tablant un gag par seconde (tant visuel qu'oral), Hot Shots 2 se permet en prime de nous pondre un film de guerre pétaradant de par son action belliqueuse en roue libre calquée sur le principe de Rambo 2. Dans la mesure où Topper Harley et quelques mercenaires se retrouvent en mission pour récupérer des otages ricains retenus prisonniers au moyen-orient. On reconnaîtra d'ailleurs dans son propre rôle (parodique) Richard Crenna aussi à l'aise en colonel influent, puisque délibéré à convaincre Topper de reprendre les armes au confins d'une jungle. Une suite bougrement ludique donc dont il s'avère difficile de faire grise mine 1h30 durant si on écarte le public pisse-froid.

*Bruno
3èx

Seizure, la reine du Mal

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

d'Oliver Stone. 1974. Canada / U.S.A. 1h38. Avec Jonathan Frid, Martine Beswick, Joseph Sirola, Christina Pickles, Hervé Villechaize, Anne Meacham, Roger De Koven, Troy Donahue, Mary Woronov, Richard Cox, Henry Judd Baker, Lucy Bingham. 

Sortie salles U.S: 15 Novembre 1974

FILMOGRAPHIE: Oliver Stone (William Oliver Stone) est un réalisateur, scénariste et producteur américain né  le 15 septembre 1946 à New-York. 1974: La Reine du Mal, 1981: La Main du Cauchemar, 1986: Salvador, Platoon, 1987: Wall Street, 1988: Talk Radio, 1989: Né un 4 Juillet, 1991: Les Doors, 1991: JFK, 1993: Entre ciel et Terre, 1994: Tueurs Nés, 1995: Nixon, 1997: U-turn, 1999: l'Enfer du Dimanche, 2003: Comandante (Doc), 2003: Persona non grata, 2004: Looking for Fidel (télé-film), 2004: Alexandre, 2006: World Trade Center, 2008: W.: l'Impossible Président, 2009: Soul of the Border, 2010: Wall Street: l'argent ne dort jamais.

 

Délires d’un Edgar Poe obsédé par les arcanes de la mort

Premier essai derrière la caméra pour Oliver Stone, Seizure, la Reine du Mal est ce qu’on appelle un OFNI, un objet filmique non identifié, tant l’intrigue décousue, tarabiscotée, capillotractée, et sa mise en scène anarchique – parfois quasi expérimentale – nous donnent le tournis sans la moindre modération.

Le pitch : un célèbre écrivain, réputé pour ses écrits horrifiques, est hanté par un cauchemar récurrent où les héros de son dernier roman viennent le tourmenter lors de ses nuits agitées. Un jour, alors qu’il reçoit des convives dans sa demeure, ses créatures de fiction prennent chair pour confronter l’assemblée à une série d’épreuves létales.

Curiosité interlope autant que fascinante, malgré une seconde partie plus relâchée, Seizure s’aventure sur le terrain du trip expérimental, abstrait et foutraque, au gré de situations aussi débridées que lunaires. Un trio démoniaque au look improbable – un géant mutique, un nabot sardonique surnommé « l’Araignée » et une vamp indomptable personnifiée par une reine noire – sème la zizanie parmi les invités du romancier. Ces figures malfaisantes soumettent les convives à des épreuves physiques et morales pour jauger leur capacité à affronter la mort.

Par son montage anarchique, presque épileptique, Seizure désoriente, brouille les repères. Peut-être pour mieux refléter l'angoisse diffuse de la finitude, ou le délire obsessionnel d’un écrivain enfermé dans sa propre fiction.

Oliver Stone sème le doute avec malice : dès les premières minutes, une info glissée à la radio annonce l’évasion de trois dangereux individus d’un asile psychiatrique. Détail anodin ? Ou clef de lecture ? Le film vacille entre réalité et cauchemar, les épreuves infernales semblant plutôt convoquer des figures maléfiques surgies d’ailleurs. Bordélique en diable, à travers ses multiples péripéties horrifiques, parfois baignées d’une étrangeté glaçante, Seizure intrigue autant qu’il déboussole, surtout dans sa seconde moitié trop bavarde, embourbée dans des explications d’inspiration moyenâgeuse.

Pourtant, la direction d’acteurs, étonnamment solide pour une première œuvre, mérite d’être saluée. Notamment celle du nain Hervé Villechaize (L’Île fantastique), franchement inquiétant, malaisant, sardonique, distillant ses provocations avec un goût pervers pour la cruauté. Mais c’est surtout la présence magnétique de Martine Beswick, l’une des reines noires de l’horreur, qui électrise le film. Vamp opaque, vaniteuse et intraitable, silhouette longiligne, regard impassible, elle pousse la malveillance jusqu’à sacrifier l’innocence infantile sans l’ombre d’un frisson. 

Curieusement fascinant malgré son chaos narratif, Seizure déploie un gothisme baroque, étrange, vénéneux, parfois même réellement effrayant. Si l’intrigue s’égare en cours de route, Oliver Stone parvient in extremis à la recoller par une pirouette narrative certes convenue, mais étrangement bienvenue. On en retient des visions d’effroi, des images oniriques et macabres, qui hantent après le dernier plan. Une bizarrerie à découvrir, surtout pour les amateurs de cinéma malade, vrillé, possédé.

*Bruno

24.06.25. 5èx 

31.07.20

24.08.11. 180 v

Hot Shots !

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Jim Abrahams. 1991. U.S.A. 1h24. Avec Charlie Sheen, Cary Elwes, Valeria Golino, Lloyd Bridges, Jon Cryer, Kevin Dunn, William O'Leary.

Sortie salles France: 30 Octobre 1991

FILMOGRAPHIE: Jim Abrahams est un scénariste, réalisateur, producteur de cinéma et acteur américain né le 10 mai 1944 à Shorewood, Wisconsin (États-Unis). 1980 : Y a-t-il un pilote dans l'avion ? 1984 : Top secret ! 1986 : Y a-t-il quelqu'un pour tuer ma femme ? 1988 : Quand les jumelles s'emmêlent. 1990 : Welcome Home, Roxy Carmichael. 1991 : Hot Shots! 1993 : Hot Shots! 2. 1997 : Au risque de te perdre (Téléfilm). 1998 : Le Prince de Sicile.

"Ils ont l'étoffe des Zéros !"
Classique de la parodie ricaine des années 90, Hot Shots revisite les grands succès des années 80 parmi lesquels Danse avec les Loups; Susie et les Baker Boys, Full Metal Jacket et surtout Top Gun, notamment auprès de sa scénographie aéronavale soumise à une intrigue de pacotille. Mais jamais avare d'idées saugrenues, Jim Abrahams y dissémine d'autres références comme Superman de Donner, Rocky, Le Parrain, 9 semaines et demi ou encore Autant en emporte le vent. Spécialiste du gag aussi bien verbal que visuel, avec en intermittence quelques calembours bien placés, Jim Abrahams décuple son efficacité hilarante à travers une moisson de mini sketchs particulièrement cartoonesques. Et si comme de coutume tout n'est pas du meilleur goût (certains gags lourdingues font juste sourire alors que d'autres nous suscitent un rire nerveux de par leur énormité), Hot Shots amuse la galerie sans jamais ennuyer le spectateur emporté dans un maelstrom de bévues surréalistes. Pour ce faire, on peut enfin compter sur le tempérament communément fringant (pour ne pas dire perché !) des acteurs (Charlie Sheen, Cary Elwes, Valeria Golino, Lloyd Bridges en tête) s'en donnant à coeur joie, entre pitreries et fantaisies ironiques. Sans toutefois rivaliser avec les chefs-d'oeuvre du genre Y'a t'il un pilote dans l'Avion, Y'a t'il un flic pour sauver la reine ? et Top Secret; Hot Shots n'en demeure pas moins une excellente parodie menée sur un rythme infernal, tant et si bien que les centaines de gags s'enchaînent jusqu'au générique de fin. A revoir, sans omettre de dénigrer sa suite d'une bonne humeur aussi expansive qu'explosive !

Box Office France: 2 121 622 entrées

*Bruno
3èx

Togo

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site

de Ericson Core. 2019. U.S.A. 1h53. Avec Willem Dafoe, Leonhard Seppala, Diesel, Julianne Nicholson, Christopher Heyerdahl, Richard Dormer, Adrien Dorval.

Sortie salles France: 7 Avril 2020. U.S: sur Disney + le 20 Décembre 2019.

FILMOGRAPHIE: Ericson Core est un réalisateur américain. Invincible (2006), Point Break (2015) et Togo (2019).

"La fidélité n'est pas dans les actes mais dans le coeur."
Tiré de l'histoire vraie de Togo, un chien husky parcourant l'Alaska en traîneau parmi son maître Seppala afin d'y convoyer un sérum pour des enfants atteints de diphtérie, Togo nous désarme d'émotions bruts de décoffrage à travers son souffle tantôt épique, tantôt lyrique émanant de morceaux de bravoure insensés et d'une remise en question humanitaire. Tant et si bien que nous peinons à croire ce que nous subissions à l'écran eu égard de l'exceptionnelle bravoure des chiens obéissants à leurs maîtres avec une loyauté indéfectible, quitte à en payer de leur vie ! Et ce dans le but de relever les gageures les plus improbables. Car à travers leur parcours du combattant à explorer sur plus de 1000 kms de distance les contrées hostiles réfrigérantes, Togo nous fait participer à une aventure outre-mesure à travers les thématiques de l'héroïsme, de la résilience et du dépassement de soi d'un point de vue principalement canin. Ainsi, à travers sa vaste scénographie limpide, on peut notamment prôner sa formalité naturelle, tant son panorama enneigé, agressif, patibulaire nous dépayse et nous inspire l'insécurité avec un sens de l'esthétisme cauchemardesque (nous ne sommes pas prêts d'oublier les 2 traversées du lac gelé sortis tout droit d'un enfer glacier !). En d'autres termes, nous vivons et subissons de plein fouet les évènements météorologiques tempétueux comme si nous  étions à la place de nos preux héros !

Terriblement intense donc de par son action rigoureuse souvent désespérée, bouleversant et déchirant passé l'exploit historique, notamment après avoir témoigné des évolutions morales de Seppala et de son chien apprenant à s'aimer et à se connaître au fil de l'enjeu sanitaire, Togo nous laisse KO d'émotions ardues de par la noblesse du canidé délibéré à combler son mentor pour l'unique enjeu de l'AMOUR. Celui tendre, sincère, candide, stoïque. Quand bien même ce maître, autrefois obtus, intolérant et inflexible, finira par apprendre la notion de tendresse qu'un chien puisse susciter au fil de ses efforts homériques. Willem Dafoe parvenant sobrement (et sans ambages) à nous transmettre ses émotions contradictoires, entre remord, culpabilité et remise en question sous l'impulsion d'un regard aussi digne que désemparé. Pour ce faire, le réalisateur aura pris soin de nous attacher à ce duo impétueux via l'entremise du flash-back pour tenir lieu de leur initiation amicale et de leur complémentarité future. Le film retraçant autant un récit héroïque devenu proverbial qu'une magnifique histoire d'amour (pétrie d'humilité) entre l'homme et le chien communément inséparables. Tant en insistant sur le tempérament insolent de Togo en proie à une rage de vivre et un goût du périple insatiables que sur l'intolérance du maître privilégiant avant tout leur héroïsme le plus factuel pour y préserver le destin d'enfants infectieux. Ces chiens husky demeurant avant tout à ses yeux des animaux dressés à accomplir les tâches les plus ardues plutôt que de simples animaux de compagnie destinés à attendrir tout bonne famille.

Aventure singulière au pouvoir émotionnel capiteux (prévoyez le paquet de mouchoirs pour les plus sensibles) à travers une louange canine, tant auprès de sa complicité que de sa nature généreuse, Togo peut sans rougir entrer dans la légende des chiens les plus accomplis à travers son intelligence, sa fidélité, sa loyauté et surtout son héroïsme à relever une gageure sanitaire de grande ampleur. Oeuvre fragile pleine de lyrisme et de sentiments jamais racoleurs (alors que c'est estampillé Disney !), Togo n'en n'oublie pas pour autant les traits de cocasserie afin de détendre l'atmosphère au coeur de cet enfer naturel infiniment immersif. Un spectacle exhaustif proprement inoubliable que les amoureux de chiens trôneront fièrement auprès de l'autre crève-coeur Hatchi. Une histoire intemporelle vécue à travers l'épreuve de force du meilleur ami de l'homme sous l'impulsion du score tout en élégie de Mark Isham.

*Bruno

SPOILER !!! Exactitude historique (source Wikipedia):
La plupart du film est fidèle à l'histoire de Leonhard Seppala et de Togo. Deux passages importants du films se sont réellement déroulés : Togo a échappé à son deuxième propriétaire en sautant à travers une fenêtre en verre et le chien a utilisé sa force pour tirer le traîneau de Seppala hors du Norton Sound8. Cependant, le film ne parle pas de Sigrid, la fille de Seppala et Constance, qui faisait partie des nombreux enfants risquant de contracter la diphtérie. La réaction de Seppala lorsque Balto obtient tous les honneurs n'est pas montrée, tandis que Constance est présentée comme agacée. En réalité, Seppala a exprimé ouvertement sa désapprobation de la confusion des héros canins. Le film raconte d'autre part que Togo a vécu ses derniers jours auprès de Seppala alors qu'il a en fait été donné à une autre musher nommée Elizabeth Ricker vivant dans le Maine. Lorsqu'il s'est séparé de son meilleur chien, Seppala a déclaré : « C'était triste de se séparer par un matin froid et gris de mars, lorsque Togo a levé sa petite patte jusqu'à mon genou comme s'il me demandait pourquoi il ne restait pas avec moi. Je n'ai jamais eu de meilleur chien que Togo. Son endurance, sa loyauté et son intelligence ne pourront jamais être égalées. Togo fut le meilleur chien qui ait jamais parcouru les sentiers de l'Alaska. » Seppala a rendu visite à Togo à quelques reprises et était à ses côtés lorsqu'il a été euthanasié. FIN DU SPOILER.