Un plan Simple. Prix du Jury, Cognac 1999.

                                                    Photo empruntée sur Google, appartenant au site Allocine.fr

"A simple plan" de Sam Raimi. 1998. U.S.A. 2h01. Avec Bill Paxton, Billy Bob Thornton, Bridget Fonda, Brent Briscoe, Becky Ann Baker, Gary Cole. 

Sortie salles France: 24 Mars 1999

FILMOGRAPHIE: Sam Raimi est un réalisateur, acteur, producteur et scénariste américain, né le 23 Octobre 1959 à Franklin, Etats-Unis. 1981: Evil-Dead. 1985: Mort sur le Grill. 1987: Evil-Dead 2. 1990: Darkman. 1993: Evil-Dead 3. 1995: Mort ou Vif. 1998: Un Plan Simple. 1999: Pour l'amour du jeu. 2000: Intuitions. 2002: Spi-derman. 2004: Spider-man 2. 2007: Spider-man 3. 2009: Jusqu'en Enfer. 2013: Le Monde fantastique d'Oz.

"L'ignoble nous enserre, la vulgarité nous étouffe, la cupidité nous dévore."

Jeu de massacre entre une poignée d'honnêtes citoyens sombrant peu à peu dans la criminalité après avoir découvert un juteux magot à la suite du crash d'un avion, Un plan Simple n'accuse aucune concession pour leur cynique cupidité en roue libre. Car d'une puissance dramatique en crescendo sous l'impulsion de rebondissements aussi cruels qu'impitoyables, Un plan simple insuffle un sentiment d'amertume désespéré au fil de leur dérive (a)morale. Particulièrement celle de leur leader respecté de tous mais aujourd'hui amené à vendre son âme au diable depuis sa transaction auprès de ses complices, notamment auprès de son épouse beaucoup plus vénale qu'elle n'y parait (Bridget Fonda demeurant toujours plus pathétique dans sa résilience intraitable d'aller jusqu'au bout de son dessein). Echec commercial incompréhensible lors de sa sortie alors que les critiques l'eurent facilement comparé à Fargo des frères Cohen, Un plan simple joue pourtant dans une cour autrement renfrognée de par son refus de dérision macabre et de revirement débridé ou (volontairement) grotesque. Et ce même si sa scénographie enneigée demeure l'un de ces principaux points communs entre ses 2 pièces maîtresses. 

 

                                         

Tant et si bien que l'observe la scrupuleuse caractérisation de ses protagonistes perfides avec une aversion toujours plus appuyée que Sam Raimi brosse avec un réalisme dérangeant eu égard de leur (insatiable) appétence du gain quitte à y sacrifier les plus faibles ou les plus inconséquents de par leur mutuelle défiance. Tout du moins, parmi l'habileté d'un cheminement narratif serpenté, Raimi s'arrange pour les confronter à un concours de circonstances infortunées (dont celle du terrible dilemme de la légitime défense !) lorsque mensonges et félonies y seront les vecteurs du règlement de compte. Bill Paxton s'efforçant de falsifier les preuves parmi la complicité de son frère déficient que Billy Bob Thornton endosse avec un humanisme profondément torturé. On regrette toutefois l'attrait un brin caricatural de son physique benêt à travers sa banale défroque soutenue d'une paire de lunettes trop larges sur le visage. En tout état de cause, la dégénérescence morale de ce personnage secondaire s'avère aussi passionnante que bouleversante à travers sa sombre (pour ne pas dire funeste) amertume. Sa prise de conscience d'une culpabilité préjudiciable au fil d'une descente aux enfers semée d'épineuses complications.

D'une puissance dramatique rarement égalée pour le genre, Un plan Simple ne nous laisse pas indemne à observer sans retenue la lâcheté de cette médiocrité humaine embourbée dans une criminalité besogneuse. De cupides minables aptes à se trahir et à se feindre pour l'enjeu d'un magot abrité par une aura démoniale, telle le souligne (symboliquement) cette poignée de corbeaux querelleurs à l'affût de leur proie. Au terme, un sentiment tangible de gâchis, de colère et de tristesse irrigue nos émotions face à ce tableau dérisoire de la nature humaine.   

*Bruno

3èx

Récompenses: Critics' Choice Movie Awards 1999 : meilleur scénario adapté et meilleur acteur dans un second rôle pour Billy Bob Thornton.

National Board of Review 1999 : NBR Award du meilleur scénario

Festival du film policier de Cognac 1999 : Prix du jury

THX 1138

                                           Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

de George Lucas. 1971. U.S.A. 1h28. Avec Robert Duvall, Donald Pleasence, Maggie McOmie, Don Pedro Colley, Ian Wolfe. 

Sortie salles France: 3 Novembre 1971. U.S: 11 Mars 1971

FILMOGRAPHIE: George Walton Lucas, Junior est un réalisateur, scénariste, acteur et producteur américain, né le 14 Mai 1944 à Modesto, en Californie. 1971: THX 1138. 1973: American Graffiti. 1977: La Guerre des Etoiles. 1999: La menace Fantôme. 2002: L'Attaque des Clones. 2008: La Revanche des Siths.

A contre-emploi de sa machinerie stellaire à dollars, Georges Lucas réalise en 71 son chef-d'oeuvre visionnaire d'une ébouriffante modernité funèbre. 

Quand on estime que THX 1138 fut réalisé en 1971 tient d'une véritable prouesse à la fois technique et formelle tant la dystopie de George Lucas demeure d'une effarante modernité (je pèse mes mots !). Car plus d'un demi-siècle plus tard, THX 1138 reste une claque visuelle et émotionnelle sans précédent de par l'acuité de ces images cauchemardesques retraçant avec souci de réalisme futuriste la condition soumise de ces milliers d'ouvriers confinés dans des sous-sols afin d'exercer leur tâche sans relâche au gré de drogues synthétiques. Visionnaire s'il en est, et plus qu'actuel à travers ses thématiques de la religion (véreuse), de l'asservissement, du totalitarisme, du confinement, de la police de la pensée, du capitalisme (pubard), du rigorisme, de la censure, des violences policières, de la dépression (on peut d'ailleurs peut-être aussi rappeler que nous sommes les champions d'Europe en terme de consommation d'anti-dépresseur), faute de nos privations (davantage drastiques) de liberté, THX 1138 parvient à cristalliser un univers monochrome résolument étouffant au sein d'une scénographie faussement rassurante. Dans la mesure où la couleur symbolique du blanc perce l'écran afin que ses détenus lobotomisés puissent éprouver une certaine quiétude à travers leur condition de vie aliénante. 

Car c'est bien connu, à opérer les mêmes actions quotidiennes 24h/24 tend à nous converger vers la démence sous l'impulsion de narcotiques aux effets secondaires fatalement addictifs. Outre son incroyable illustration technologique où les voix de synthèse fusent tous azimuts afin d'orienter ses ouvriers semi-comateux dans la meilleure trajectoire morale et professionnelle, on reste dérangé par les postures atones de ceux-ci incapables de se rebeller contre des flics humanoïdes faussement diplomates. A l'exception de THX 1138 (épaulés de 2/3 comparses en perte de conscience et de repères) depuis que celui-ci éprouve une attirance sentimentale pour sa compagne LUH 3417. Outre les forces d'expression moralement dérangées des seconds-rôles réduits à l'état végétatif (notamment la composition subtilement hystérisée de Donald Pleasance en détenu couard), Robert Duvall insuffle un intonation impassible progressivement humaniste lors de son initiation à l'amour, la résilience et la rébellion. En parvenant lestement à nous susciter ses nouvelles émotions clairsemées au fil de son enjeu de survie où plane une éventuelle lueur d'espoir (quel plan final symbolique !). Ce qui nous vaut d'ailleurs un final autrement barré et spectaculaire (mais aussi baroque avec l'intrusion impromptue de ses animaux mutants !) à travers une course automobile littéralement vertigineuse (on reste plaqué à son fauteuil par la vitesse ressentie sans fard). Ainsi, et après avoir témoigné durant la projo du soin alloué à ses (discrets) effets-spéciaux, on se dit que Georges Lucas est parvenu à les utiliser efficacement de par leur vérisme fréquemment probant. 

L'important c'est d'aimer.

Pierre angulaire de la science-fiction cérébrale, chef-d'oeuvre visionnaire s'il en est, en espérant ne jamais subir pareille dystopie funeste, THX 1138 nous transcende une expérience cauchemardesque à la fois auditive à travers ses sonorités atonales et formelle de par son souci du détail technologique, urbain et architectural. Du cinéma d'auteur infiniment expressif et émotionnellement démoralisant si bien que son attrait de fascination quasi hypnotique demeure aussi inépuisable qu'inextinguible. 

*Bruno

2èx

Spielberg dira à l'occasion d'une interview: « C'est l'un des meilleurs films de SF que j'ai jamais vus ». 

Le Retour de Patrick (Uncut version)

                                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Patrick vive ancora / Patrick still lives" de Mario Landi. 1980. Italie. 1h32 (uncut version). Avec Sacha Pitoëff, Gianni Dei, Mariangela Giordano, Carmen Russo, Paolo Giusti, Franco Silva.

Sortie salles Italie: 15 Mai 1980 (int - 18 ans)

FILMOGRAPHIE: Mario Landi (Messine, 12 octobre 1920 – Rome, 18 mars 1992)1950 : Canzoni per le strade. 1953 : Siamo tutti Milanesi. 1954 : Così è (se vi pare). 1955 : Andrea Chénier. 1957 : All'insegna delle sorelle Kadar. 1957 : Un mese in campagna. 1959 : Il povero fornaretto di Venezia. 

1961 : Il piacere dell'onestà. 1962 : Racconti dell'Italia di oggi - Una lapide in Via Mazzini. 1963 : Giacobbe ed Esaù. 1967 : Maigret a Pigalle. 1969 : Dal tuo al mio. 1976 : Le impiegate stradali. 1979 : Supersexymarket. 1979 : Giallo a Venezia. 1980 : Il viziaccio. 1980 : Le Retour de Patrick. 

Une déclinaison de Patrick complètement vrillée dans son cocktail d'horreur / obscénité faisandées !

Improbable séquelle transalpine réalisée 2 ans après Patrick de Richard Franklin, le Retour de Patrick fleure bon la bisserie Z comme on en ose plus en faire de nos jours (conservateurs). Car l'intrigue linéaire a beau être con comme la lune et les personnages mutuellement inexpressifs (mais facétieux), Patrick 2 est sauvé par son cocktail de gore/nichon illustré sans modération. La plupart des femmes en rut exposant leur corps dans leur plus simple appareil au sein d'une sinistre clinique, fruit d'expériences scientifiques fumeuses. Dans la mesure où après avoir été défiguré lors d'un accident, Patrick se retrouve cloué sur son lit d'hôpital, avec comme consigne paternelle de se venger des responsables de son état végétatif. Pour se faire, à l'aide de 3 cobayes humains que son paternel expérimente en direct, il parvient à absorber leur énergie vitale pour ainsi pouvoir extérioriser un pouvoir télékinésique. Dès lors, et de manière métronome passée la 1ère demi-heure, chaque hôte de la clinique trépassera de la manière la plus trashouille qui soit. Et à ce niveau crapoteux, le Retour de Patrick ne peut décevoir l'afficionado de nanar transalpin avide de dérives gorasses limite dégueulbifs. En témoigne avec l'hallucinante séquence de l'empalement du vagin d'une femme par un tisonnier jusqu'à s'extraire de sa bouche que Ruggero Deodato eut au moins la décence de suggérer dans le scandaleux Cannibal Holocaust. Or, ici, tout ou presque nous est dévoilé sans scrupule par le biais de zooms grossiers du plus bel effet putassier (marque de fabrique de nos opportunistes italiens pillant les succès des autres à leur sauce typiquement racoleuse). J'oserai même dire: il faut le voir pour le croire tant la séquence extrême demeure aussi impressionnante que démentielle. 

Mais aussi incongrue soit cette séquence déviante d'une époque révolue, Le Retour de Patrick regorge d'autres scènes-chocs presque aussi hardgores. Ou tout du moins presque aussi répulsives et dérangeantes. A l'instar de la femme (limite zoophile dans ses allusions sentimentales) dévorée par ses propres chiens (on reste constamment dérangé par son réalisme et ses dérives gores cracras), d'une autre décapitée par la vitre électrique d'une voiture, d'un type la gorge empalée par un crochet de boucher ou encore d'un nageur ébouillanté dans sa piscine. Quand bien même, en fréquente intermittence, on se rince l'oeil des séquences de nudité que nos actrices italiennes surenchérissent afin de griser leurs amants bizarrement indifférents à leur attrait concupiscent. On s'amuse également de la posture sous hypnose d'une des jeunes protagonistes tentant d'amadouer Patrick alité depuis que celui-ci est tombé amoureux d'elle. S'ensuit même une séquence de strip-tease limite porno lorsque celle-ci finit par se caresser les parties génitales en gros plans aguicheurs. Comment voulez vous donc vous ennuyer face à tant de provocations gratuites exposées à travers une ambiance horrifique parfois envoûtante (score dissonant à l'appui !) ! ? Tant et si bien que Le retour de Patrick fut filmé dans les mêmes décors que le (génialement Z) Manoir de la Terreur (les amateurs reconnaîtront fissa les extérieurs de la bâtisse gothique) tourné la même année par le même producteur Gabriele Crisanti, alors que l'actrice Mariangela Giordano sera également recrutée pour ses 2 tournages successifs. 

Vous l'aurez donc compris, le Retour de Patrick mérite largement le coup d'oeil pour les fans irréductibles de nanars transalpins n'ayant pas froid aux yeux. Car en y conjuguant avec modeste efficacité (j'ose le dire) horreur et érotisme, le Retour de Patrick divertit sans ennuyer, avec même parfois un esprit involontairement drôle dont seuls les italiens ont le secret (les crêpages de chignons entre 2 godiches dévergondées lors du repas d'invités s'avère aussi loufoque que débridé). Il est d'ailleurs étonnant de constater que ce pur produit d'exploitation assumé demeure aussi rare que timoré lors des conversations entre cinéphiles aguerris. 

P.S: un grand merci à Ciné-Bis-Art.

*Bruno

Le Corps et le Fouet / La Frusta e il corpo

                                       Photo empruntée sur Google, appartenant au site lipercubo.it

de Mario Bava. 1963. Italie. 1h27. Avec Daliah Lavi, Christopher Lee, Tony Kendall, Ida Galli/evelyn Stewart, Gustavo de Nardo, Harriet White.

Sortie salles France: 26 Janvier 1966. Italie: 29 Août 1963

FILMOGRAPHIE: Mario Bava est un réalisateur, directeur de la photographie et scénariste italien, né le 31 juillet 1914 à Sanremo, et décédé d'un infarctus du myocarde le 27 avril 1980 à Rome (Italie). Il est considéré comme le maître du cinéma fantastique italien et le créateur du genre dit giallo. 1946 : L'orecchio, 1947 : Santa notte, 1947 : Legenda sinfonica, 1947 : Anfiteatro Flavio, 1949 : Variazioni sinfoniche, 1954 : Ulysse (non crédité),1956 : Les Vampires (non crédité),1959 : Caltiki, le monstre immortel (non crédité),1959 : La Bataille de Marathon (non crédité),1960 : Le Masque du démon,1961 : Le Dernier des Vikings (non crédité),1961 : Les Mille et Une Nuits,1961 : Hercule contre les vampires,1961 : La Ruée des Vikings, 1963 : La Fille qui en savait trop,1963 : Les Trois Visages de la peur, 1963 : Le Corps et le Fouet, 1964 : Six femmes pour l'assassin, 1964 : La strada per Fort Alamo, 1965 : La Planète des vampires, 1966 : Les Dollars du Nebraska (non cédité), 1966 : Duel au couteau,1966 : Opération peur 1966 : L'Espion qui venait du surgelé, 1968 : Danger : Diabolik ! , 1970 : L'Île de l'épouvante ,1970 : Une hache pour la lune de miel ,1970 : Roy Colt e Winchester Jack, 1971 : La Baie sanglante, 1972 : Baron vampire , 1972 : Quante volte... quella notte, 1973 : La Maison de l'exorcisme, 1974 : Les Chiens enragés,1977 : Les Démons de la nuit (Schock),1979 : La Venere di Ille (TV).

"Le masochisme est une perversion absurde qui consiste à se faire du mal à soi-même, alors qu'il y a les autres pour cela."

Après La Fille qui en savait trop et Les Trois Visages de la peur, Mario Bava réalise la même année Le Corps et le Fouet, thriller gothique à tendance sexuelle. Car oser évoquer, en 1963, les thèmes fétichistes de la perversion et du sadomasochisme relevait déjà d’un geste provocateur dans une Italie encore muselée par le puritanisme. Par l’entremise d’un suspense latent compromis à une hantise spectrale, Bava ressuscite l’esthétisme baroque d’un gothisme raffiné, enfermé dans un château isolé du XIXe siècle. La splendeur architecturale des décors, le soin pictural accordé à la photo azur-verdâtre traversée de teintes carmin, forgent l’identité visuelle d’un cauchemar typiquement transalpin. Infiniment envoûtant et inquiétant, Le Corps et le Fouet renoue avec la tradition de l’esprit frappeur venu persécuter sa propre lignée. Rejeté de sa famille après l’étrange suicide de la fille d’une domestique, le Baron Kurt Menliff revient parmi les siens pour tenter de raviver la flamme sulfureuse qu’il entretenait avec sa belle-sœur. Sur un canevas classique de malédiction, Bava injecte le venin du masochisme, par le truchement d’un couple maudit livré aux griffes du Mal.

"Le corps, la nuit, le nœud serré".

Si la structure narrative laisse présager un récit éculé de revenant vengeur, Bava en détourne les codes grâce à un habile usage du whodunit et une relation incestueuse larvée entre amants damnés. L’aura transgressive du film frappe d’autant plus fort que le cinéaste ne recule pas devant la violence sèche : le baron, dans un plaisir malsain partagé, fouette sans retenue sa belle-sœur soumise - et oh combien complice. À mesure que les morts s’accumulent et que plane le doute sur l’identité du coupable (ou la vengeance d’un spectre tyrannique), Le Corps et le Fouet glisse lentement vers une révélation finale ambigüe. Dans le rôle du baron renfrogné, Christopher Lee insuffle une froideur souveraine - silhouette rigide, regard impassible, cynisme spectral. Au-delà de la mort, ses agissements masochistes continuent d’infester le château comme une fièvre noire. En maîtresse torturée, Daliah Lavi embrase l’écran : beauté ténébreuse fascinante, elle incarne le refoulement masochiste dans ce qu’il a de plus troublant, jusqu’à cette haine amoureuse retournée contre son propre tyran. Cette charge érotique et ce romantisme déchu s’enchevêtrent autour d’un portrait féminin rongé par la névrose et peut-être, par une schizophrénie insidieuse.

"Tout couple humain vit dans un rapport qui, d'une certaine façon, à un moment ou à un autre, est d'ordre sadomasochiste."

D’une beauté funèbre, glaçante et ensorcelante — où chaque plan ciselé éblouit la rétine (le Suspiria du gothisme latin, j’vous dis !) - Le Corps et le Fouet ose aborder la paraphilie avec une insolence visuelle, un érotisme charnel et une brutalité primitive. Poème en berne, romance damnée, partition mélancolique : Bava sculpte le portrait d’une femme éplorée, incapable de se défaire de l’emprise d’un amant maudit. Tout bien considéré, l’un des plus grands films gothiques de tous les temps.

— le cinéphile du cœur noir

02.02.25. 5èx. Vostf

27.11.20. 
17.06.13. 100 v

Christmas Evil

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"You Better Watch Out" de Lewis Jackson. 1980. U.S.A. 1h34. Avec : Brandon Maggart, Jeffrey Demunn, Dianne Hull, Andy Fenwick, Brian Neville.

Sortie salles U.S: Novembre 1980.

FILMOGRAPHIE: Lewis Jackson est un réalisateur, scénariste et acteur américain. 1980: Christmas Evil. 1974: The Transformation: A Sandwich of Nightmares. 1970: The Deviates.

Parce que, trente ans plus tôt, un soir de réveillon, il fut traumatisé en surprenant un Père Noël - en réalité son propre père - se livrer à des attouchements sexuels sur sa mère, Harry, introverti et solitaire, décide en cette nouvelle période de Noël de rendre ses lettres de noblesse à une fête catholique qu’il estime pervertie par le consumérisme. Précurseur de la saga Silent Night, Deadly Night, Lewis Jackson réalise quatre ans auparavant cette curieuse série B horrifique à l’atmosphère profondément étrange, au point que certains fans lui vouent aujourd’hui un véritable culte (John Waters le considère comme le meilleur film de Noël jamais réalisé - rien que ça).

Avec son ton caustique, plus insidieux que frontal, Christmas Evil s’impose comme une curiosité singulière, sans jamais chercher la surenchère gore ni la terreur pure - autant prévenir les amateurs. Le film privilégie, surtout dans une seconde partie plus vigoureuse, des idées inventives et inattendues : les villageois pourchassant un Père Noël à la lueur des torches (clin d’œil appuyé à Frankenstein), ou cet épilogue hallucinant où un camion s’élève dans le ciel, en lieu et place du traîneau traditionnel. Le tout baigne dans une ambiance lourde, poisseuse, saturée d’une partition musicale ombrageuse.

Lewis Jackson s’efforce ainsi de dresser, de manière quasi documentaire - à la manière de Maniac ou Henry, en beaucoup moins glauque - le portrait pathétique d’un homme brimé, marginalisé, cherchant à se réapproprier la magie de Noël après un traumatisme infantile. De son point de vue torturé, cette célébration censée glorifier la naissance du Christ se retrouve désacralisée, vidée de son sens par une société de consommation obscène et sans vergogne.

Satire vitriolée, non dénuée de quelques incohérences (la tentative d’étouffement d’un père de famille dans son lit, tandis que son épouse comateuse ne bronche pas), Christmas Evil capte pourtant l’attention par son cheminement singulier. Les situations saugrenues abondent : ce Père Noël tentant vainement de s’introduire dans une cheminée trop étroite, ou ces séquences parodiques délicieusement absurdes - l’auditoire improbable de Pères Noël contraints de clamer un “Merry Christmas” poussif face à des policiers médusés. Le film détourne ainsi les codes du cinéma familial avec une ironie grinçante.

On retiendra également cette scène incongrue d’un réveillon bondé d’invités, où notre Père Noël, convaincu de sa mission morale, avertit des enfants attentifs qu’il leur infligera des choses terribles s’ils ne se montrent pas dociles l’année suivante. Les parents, médusés, hésitent entre le rire et l’inquiétude, avant que l’homme ne libère un rire aussi railleur que libérateur. Plus loin, une autre séquence, dérangeante et presque euphorique, voit des enfants tenter de protéger le tueur, désormais démasqué, face à un père de famille armé d’un couteau.

Pour incarner ce profil inquiétant, Brandon Maggart se révèle étonnamment persuasif, grâce à la neutralité de son regard, à la fois fuyant et habité, reflet d’un esprit rongé par des hallucinations cauchemardesques. Un portrait fragile, presque touchant, qui suscite une forme d’empathie - notamment à travers son épilogue cathartique. Harry n’aspirait finalement qu’à chérir et protéger les chérubins de l’influence licencieuse de parents asservis par le goût du lucre.

Malgré une mise en place un brin laborieuse et une réalisation inégale - tantôt soignée dans ses détails féeriques, tantôt maladroite dans son montage - Christmas Evil demeure une étonnante curiosité, pilier d’une horreur au premier degré, injectée d’un sarcasme discret mais corrosif. À découvrir.

— le cinéphile du cœur noir 🖤

26.11.20

29.11.10.

L'anecdote subsidiaire: le film aurait été saisi et confisqué au Royaume-Uni en vertu de l'article 3 de 

l'Obscene Publications Act 1959 lors de l'affluence de la Vhs. 

La Disparue

                                        Photo empruntée sur Google, appartenant au site Notrecinema.com

"The Vanishing" de George Sluizer. 1993. U.S.A. 1h49. Avec Jeff Bridges, Kiefer Sutherland, Sondra Locke, Nancy Travis, Park Overall, Maggie Linderman . 

Sortie salles France: 7 Juillet 1993 (Int - 12 ans)

FILMOGRAPHIE: George Sluizer, né le 25 juin 1932 à Paris, et mort le 19 septembre 2014 à Amsterdam, était un réalisateur néerlandais. 1961 : De lage landen. 1967 : National Geographic Specials. 1971 : Stamping Ground. 1972 : João et le couteau. 1979 : Un homme, deux femmes. 1982 : Tepito si. 1983 : Adios Beirut. 1985 : Red Desert Penitentiary. 1988 : L'Homme qui voulait savoir. 1992 : Utz, la passion de l'art. 1993 : La Disparue. 1996 : Crimetime. 1996 : Mortinho por Chegar a Casa. 1998 : The Commissioner. 2002 : La Balsa de piedra. 2012 : Dark Blood. 

Remake de l'Homme qui voulait savoir (que je n'ai hélas jamais vu), La Disparue est un bon thriller hollywoodien si on fait fi de son modèle plus intègre, nihiliste et authentique (après m'être un peu renseigné sur la toile). George Sluizer se permettant de remaker son propre film à l'aide d'une réalisation académique et en y modifiant aussi un final autrement conventionnel et prévisible (bien que formidablement mené à travers sa tension spectaculaire fertile en péripéties). Suspense hitchcockien mené sans temps mort, La Disparue doit beaucoup de son intensité grâce à son contexte en suspens. A savoir si l'époux parviendra à retrouver sa compagne, morte ou en vie, après 3 ans d'enquête infructueuse. Pour se faire, il comptera également sur les rapports houleux avec sa nouvelle amie en désarroi amoureux mais apte à redresser la situation lors de circonstances fructueuses quant au dénouement attendu. Mais au-delà de l'aspect ludique de son intrigue interlope, La Disparue est rehaussé des présences de Kiefer Sutherland sobrement convaincant en époux teigneux avide de vérité, Sondra Locke en victime chétive partagée entre doute et optimisme pour la situation de son couple, et la méconnue Nancy Travis en amante affirmée d'une force de caractère finalement héroïque. Mais c'est à Jeff Bridges que revient la palme de la présence la plus proéminente de par son statut délétère subtilement tranquille en kidnappeur fasciné par la dichotomie du Bien et du Mal. L'acteur déployant (à nouveau) un jeu à contre-emploi littéralement magnétique et fascinant à chacune de ses présences perfides. 

Ainsi, pour ceux ignorant l'existence de son modèle, La Disparue mérite le coup d'oeil pour qui raffole de thriller ludique si bien qu'ici l'intrigue correctement menée demeure intense et efficace sous l'impulsion d'un quatuor de comédiens communément expressifs.

*Bruno

2èx

Alone

                                                   Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de John Hyams. 2020. U.S.A. 1h38. Avec Jules Willcox, Marc Menchaca, Anthony Heald.

Sortie salles U.S: 18 Septembre 2020

FILMOGRAPHIE: John Hyams est un réalisateur, producteur et scénariste américain. 1997: One dog Day. 2009: Universal Soldier: Régénération. 2012: Dragon Eyes. 2012: Universal Soldier: Régénération. 2018: All Square. 2002: Alone. Prochainement: Maniac Cop. 

           "L'espoir de la survie passait par cet homme sans élégance que le jour baignait de sang."

Traque impitoyable entre un tueur et sa proie, Alone est une série B du samedi soir tout à fait fréquentable. Dans la mesure où si John Hyams n'invente rien à travers son schéma narratif éculé, il parvient à s'extirper du produit standard de par l'efficacité de sa réalisation à la fois nerveuse, intense et soignée (notamment auprès de l'habile exploitation de ses décors sauvages nous remémorant inconsciemment Rambo, Délivrance et Traqué de Friedkin pour l'ultime mano a mano primitif), le réalisme de ses situations censées (en dépit de 2/3 facilités un chouilla grossières, telle la victime appelant les secours du coffre - sans plage arrière - du véhicule du tueur au volant) et du casting quasiment composé de 2 acteurs si on élude un second-rôle furtif (un peu stéréotypé dans son interrogation dubitative sur air connu). 

Le tueur adoptant une carrure de pervers roublard à travers sa force tranquille et de sureté à courser sa proie, la victime insufflant une appréhension dépouillée à travers son initiation au courage quasiment dénuée de temps morts. Le spectateur s'identifiant à cette jeune veuve sans fard avec une attention permanente quant au réalisme du contexte horrifique imposé de jour comme de nuit. On apprécie également la manière retorse dont cette dernière fait preuve pour s'extirper de sa géôle tout en multipliant les stratégies de survie à travers sa course à travers bois émaillée d'une rencontre aléatoire et de péripéties pernicieuses. La réussite prioritaire de Alone émanant donc de cette confrontation ardue entre eux si bien que la victime finit par détourner les codes dans sa capacité pugnace à se rebeller contre son tortionnaire. Preuve en est avec ce final tendu comme un arc à travers sa sauvagerie primitive correctement chorégraphiée. 

A découvrir. 

*Bruno

The Backwoods

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

"Bosque de sombras" de Koldo Serra. 2006. France/Espagne/Angleterre. 1h36. Avec Gary Oldman, Paddy Considine, Aitana Sánchez-Gijón, Virginie Ledoyen, Lluís Homar.

Sortie salles France: 18 Mai 2006 (1ère à Cannes). Espagne: 16 Février 2007

FILMOGRAPHIE: Koldo Serra est un réalisateur et scénariste espagnol, né le 15 avril 1975 à Bilbao, en Espagne. Amor de madre (1999). El Tren de la bruja (2003). The Backwoods (2006). Gominolas (2007) Série télévisée (1 épisode). El Comisario (2008) Série télévisée (1 épisode). Es bello vivir (2008) TV. Muchachada nui (2009) Série télévisée (1 épisode). Gernika (2016). Banco (70 binladens) (2018). 

Honteusement écarté de nos salles en dépit de ses prometteuses têtes d'affiche (Gary Oldman, Virginie Ledoyen, Paddy Considine s'avèrent d'autant plus irréprochables à travers leur jeu dépouillé), The Backwoods fut exploité chez nous uniquement en dvd chez One plus One puis commercialisé avec le magazine Mad Movies qui en fit l'éloge dans leur rubrique Dvd mensuelle. Ouvertement influencé par les Chiens de Paille et Délivrance sans toutefois vulgairement les singer, The Backwoods demeure une remarquable surprise de par sa facture naturaliste renvoyant aux plus belles réussites du genre natives des Seventies. Tant et si bien que ce survival à la fois oppressant, cruel et lestement tendu captive et triture nos nerfs avec une diabolique habileté. Tant auprès de sa trajectoire narrative toujours imprévisible au gré de situations sensées, de sa réalisation étonnamment taillée que de la caractérisation scrupuleuse des personnages éludant admirablement le stéréotype. Et ce tout en prenant son temps à y planter son univers forestier et ses personnages en perte de repères, notamment auprès de l'évolution morale d'un des amants en frustration à la fois personnelle, sexuelle et conjugale.

L'intrigue relatant la dérive criminelle de 2 couples de vacanciers anglais contraints d'unir leur force et leur courage pour se défendre contre des rednecks consanguins après avoir sauvé de sa geôle une sauvageonne infantile réduite à l'esclavage. On peut d'ailleurs saluer la force d'expression terrorisée de cette fillette mutique jouant la victime erratique avec un réalisme subtilement poignant. Ainsi, à travers ses rebondissements sanglants jamais gratuits puisque dénonçant avec tact les conséquences immorales de la vendetta (quand bien même les épouses contrariées s'efforcent d'apaiser les tensions), The Backwoods est sublimé par ses personnages victimisés contraints de céder à la violence afin de pouvoir rester en vie. Un thème éculé ici renouvelé avec force, tact et brio si bien que l'on ne sait jamais quel sort adviendra à tel ou tel personnage empiété dans des règlements de compte davantage incontrôlables. Quand bien même on se passionne pour la déliquescence morale d'un des protagonistes partagé entre sa lâcheté, sa peur de trépasser et sa résignation personnelle de prouver sa capacité à nuire à autrui en abusant d'une violence expéditive irréversible (notamment pour y tenter de sauver son couple). Le réalisateur espagnol Koldo Serra puisant notamment dans l'hommage référentiel à ces notoires ancêtres  (Délivrance / Les Chiens de Paille) avec une dignité dénuée de prétention.

Remarquable survival ibérique à la photo scope aussi soignée que réaliste, The Backwoods demeure une perle du genre impeccablement huilée, notamment à travers la vigueur de sentiments de désespoir davantage poignants quant aux conséquences dramatiques de leur démarche héroïque. Du vrai cinéma à l'ancienne qui donne du baume au coeur, sans effets de manche. 

*Bruno

2èx

La Mort vous va si bien

                                                  Photo empruntée sur Google, appartenant au site Senscritique.com

"Death Becomes Her" de Robert Zemeckis. 1992. 1h44. Avec Meryl Streep, Bruce Willis, Goldie Hawn, Isabella Rossellini, Ian Ogilvy, Adam Storke, Michelle Johnson. 

Sortie salles France: 23 Décembre 1992

FILMOGRAPHIE: Robert Zemeckis est un réalisateur, scénariste et producteur américain, né le 14 Mai 1951 à Chicago (Illinois). 1978: Crazy Day. 1980: La grosse Magouille. 1984: A la Poursuite du diamant vert.1985: Retour vers le Futur. 1988: Qui veut la peau de Roger Rabbit. 1989: Retour vers le Futur 2. 1990: Retour vers le Futur 3. 1992: La Mort vous va si bien. 1994: Forrest Gump. 1997: Contact. 2000: Apparences. 2000: Seul au monde. 2004: Le Pôle Express. 2007: La Légende de Beowulf. 2009: Le Drôle de Noël de Mr Scrooge. 2013: Flight. 2015: The Walk. 2016 : Alliés. 2018 : Bienvenue à Marwen. 2020 : Sacrées Sorcières. 

Mal accueilli à sa sortie, tant Outre-atlantique que chez nous, La Mort vous va si bien ne méritait pas tant de discrédit. Car si l'intrigue un peu trop simpliste nous donne plutôt un sentiment final d'inachevé (d'autant plus que son rythme est fringant) et que les surprises s'y font assez rares, cette comédie endiablée est littéralement sauvée par son cast 3 étoiles s'en donnant à coeur joie dans les règlements de compte conjugaux. Tant auprès de Bruce Willis étonnamment à l'aise dans celui du chirurgien influent balloté par 2 mégères aussi rancunières qu'envieuses, de Meryl Streep en actrice sclérosée avide de gloire et de jeunesse éternelle et de Goldie Hawn en némésis forcenée sombrant dans une vendetta criminelle pour récupérer sa dignité. De par leur tempérament à la fois hystérique et survolté on se régale de leurs affrontements à répétition pour un enjeu de sur-ego que Bruce Willis tente de contenir avec une maladresse fréquemment impayable. A eux 3 ils monopolisent sans cesse l'écran avec une spontanéité frétillante. 

Quand bien même à mon sens, Willis n'aura jamais été aussi drôle que dans cette comédie fantastique efficacement dirigée avec un sens de dérision ostensiblement macabre. On peut également saluer la prestance d'Isabella Rosselini en déesse (à demi-nu) propriétaire d'un mystérieux élixir offrant la jeunesse éternelle à ceux et celles incapables d'y tolérer leur fatale destinée. C'est donc une satire corrosive sur le paraître que nous illustre Robert Zemeckis à renfort de cocasserie en roue libre et de gags survoltés eu égard de l'originalité des effets numériques utilisés pour susciter rire et effets de surprise. Des effets un peu cheaps certes, mais qui fonctionnent encore assez bien de par leur réalisme gentiment convaincant. Et bien que leur effet escompté s'avère parfois maladroitement exploité, on pardonne vite ses effets de facilité tant on s'amuse constamment à observer les crépages de chignon de ces 3 adversaires réunis pour un jeu de massacre en pagaille. 

Parfois franchement drôle (Goldie Hawn rembobinant la même séquence pour contempler son ennemie jurée se faire étrangler dans une scène de film !) et constamment ludique en dépit d'une baisse de régime vers son final un chouilla bâclé, La Mort vous va si bien demeure un excellent divertissement se raillant d'une middle class d'Hollywwod adepte de chirurgie esthétique. 

*Bruno

2èx

Récompenses: 

Cérémonie des Oscars 1993 : Meilleurs effets visuels

British Academy Film Awards 1993 : Meilleurs effets visuels

Saturn Awards 1993 :

Meilleurs effets spéciaux

Meilleure actrice dans un second rôle pour Isabella Rossellini

Le Retour de l'Abominable Dr Phibes. Prix du meilleur réalisateur, Festival international du film de Catalogne en 1974.

                                                

                                                 Photo empruntée sur Google, appartenant au site vostfr.club

"Dr. Phibes Rises Again" de Robert Fuest. 1972. Angleterre/U.S.A. 1h29. Avec Vincent Price, Robert Quarry, Peter Jeffrey, Fiona Lewis, Hugh Griffith, John Cater.

Sortie salles France: 29 Mai 1974. U.S: Juillet 1972.

FILMOGRAPHIE: Robert Fuest est un réalisateur et scénariste anglais, né le 30 Septembre 1927 à Londres, décédé le 21 Mars 2012. 1967: Just like a Woman. 1970: And soon the Darkness. 1970: Les Hauts de Hurlevent. 1971: L'Abominable Dr Phibes. 1972: Le Retour du Dr Phibes. 1973: Les Décimales du Futur. 1975: La Pluie du Diable. 1977: Three Dangerous Ladies. 1980: Revenge of the Stepford Wives (télé-film). 1981: The Big Stuffed Dog (télé-film). 1982: Aphrodite.

Une séquelle fort sympathique toujours illuminée de la présence persiffleuse de Price. 

Le pitch: 10 ans se sont écoulés depuis les sinistres exploits du Dr Phibes de s'être vengé des responsables de la mort de son épouse. Cette fois, il est déterminé à la ramener à la vie éternelle grâce à la rivière de la vie située dans le désert Egyptien. Et ce selon un précepte spirituel écolo. Mais Darius Biederbeck, rufian opportuniste épaulé de ses sbires, est également de la partie à daigner accéder à l'immortalité. 

Quelle judicieuse idée d'avoir délocalisé l'action en Egypte (bien que les extérieurs naturels soient natifs d'Espagne) afin d'y exploiter un cadre autrement exotique où plane la menace de serpents, scorpions et pièges incongrus afin de nuire aux rivaux de Phibes aussi délétère à y parfaire les pires inventions morbides. Sur ce point, il est impossible d'y être déçu même si certaines mises à mort ne dépendent pas toujours du cheminement narratif imparti à une course au trésor. Toujours réalisé par Robert Fuest auquel on sent bien son attachement pour le mythe et tout le folklore spirituel et baroque engendré, le Retour de l'abominable Dr Phibes ne déçoit pas en dépit de sa futile impression de déjà vu. 

Futile car Fuest possède suffisamment de bonne volonté, d'idées retorses et de savoir-faire (notamment pour l'exploitation de décors naturels ou ornementaux et de quelques détails amusants - à l'instar du ventilateur géant -), pour ranimer l'étincelle du 1er opus à travers un rythme furtif fertile en persos extravagants, réparties cocasses et scènes chocs cinglantes. Et si l'intrigue et les meurtres qui se succèdent en mode métronome demeurent un peu moins efficaces qu'au préalable, on prend tout de même réel plaisir à poursuivre les aventures de Phibes confronté en l'occurrence à un ennemi aussi avide que lui pour s'approprier papyrus et sarcophage. Au-delà des plaisantes retrouvailles de certains seconds-rôles (le duo de flics) et de figurants (les pantins mélomanes et leur orchestre, la suppléante mutique de Phibes); quel bonheur expansif de retrouver Vincent Price dans celui du monstre grandiloquent de par sa stature singulière (notamment sa façon de s'exprimer avec un appareil auditif) à perdurer ses exploits criminels dans une posture sardonique. On peut également souligner les présences trop éphémères du monstre sacré Peter Cushing en capitaine de navire (comptez quelques secondes à l'écran) et de l'icone Caroline Munro dans le rôle de Victoria, épouse de Phibes.

On prend les mêmes et on recommence dans un cadre solaire écrasant afin d'y affilier le genre aventureux au sein d'une course au sarcophage semée d'embuches, chausse-trappes, découvertes macabres et surprises saugrenues. Visuellement fun de par sa scénographie à la fois baroque et touristique et sa mélodie évanescente, le Retour de l'abominable Dr Phibes est une fois de plus illuminé du magnétisme spectral de Vincent Price toujours aussi avisé à imposer ses ambitions spirituelles sous couvert de tortures d'une cruauté raffinée. Jigsaw n'a qu'à bien s'tenir !

*Bruno 
13.11.20. 3èx

13/03/17. 528 v

I start counting !

                                                Photo empruntée sur Google, appartenant au site Listal.com

de David Greene. 1969. Angleterre. 1h45. Avec Jenny Agutter, Bryan Marshall, Clare Sutcliffe

Sortie salles Angleterre: 1er Janvier 1969

FILMOGRAPHIE PARTIELLE: L. David Syms-Greene (né Lucius David Syms Brian Lederman ; 22 février 1921 - 7 avril 2003) était un réalisateur de télévision et de cinéma britannique. 1997 Meurtrière par amour (TV Movie). 1997 Les charmes de la vengeance (TV Movie). 1997 Le justicier braque la mafia (TV Movie). 1996 Princess in Love (TV Movie). 1994 Une famille à l'épreuve (TV Movie). 1994 Le prix de la tyrannie (TV Movie). 1992 Extrême jalousie (TV Movie). 1992 Honor Thy Mother (TV Movie). 1991 Au coeur du rapt (TV Movie). 1991 Le missionnaire du mal (TV Movie). 1991 Qu'est-il arrivé aux soeurs Hudson? (TV Movie). 1990 In the Best Interest of the Child (TV Movie). 1989 On a tué mes enfants (TV Mini-Series). 1989 Chute libre (TV Movie). 1989 Frères de sang (TV Movie). 1988 Liberace: Behind the Music (TV Movie). 1988 Tu récolteras la tempête (TV Movie). 1987 Rendez-moi mes enfants (TV Movie). 1987 Betty Ford, femme de président (TV Movie). 1986 Un long chemin (TV Movie). 1986 Circle of Violence: A Family Drama (TV Movie). 1986 Ma femme a disparu (TV Movie). 1986Triplecross (TV Movie). 1985 Murder Among Friends (TV Movie). 1985 Cet enfant est le mien (TV Movie). 1985 Cas de conscience (TV Movie). 1984 Sweet Revenge (TV Movie). 1984 Le dernier rempart (TV Movie). 1983 Prototype humain (TV Movie). 1983 Ghost Dancing (TV Movie).  1982 Tentez votre chance (TV Movie). 1982Répétition pour un meurtre (TV Movie). 1982 La troisième guerre mondiale (Télé-film). 1981 Hard Country. 1981 The Choice (TV Movie). 1979 A Vacation in Hell (TV Movie). 1979 Mort au combat. 1978: Sauvez le Neptune. 1970: The People Next Door. 1969: I Star Counting. 

Le sexe mène à la violence ou à la mélancolie.

Entre drame psychologique et thriller (bien que le drame l'emporte), I Start counting est une intéressante rareté issue d'Angleterre si bien qu'il aurait une réputation culte chez eux. Ainsi donc, en abordant les thèmes de la puberté et de l'émancipation sexuelle au terme des années 60, David Greene (prioritairement spécialiste de séries et de télé-films d'une riche filmo) distille un malaise sous-jacent lorsqu'une ado éprouve une attirance incestueuse pour son frère au moment où un tueur en série s'en prend à de jeunes filles impures. Porté à bout de bras par le talent naturel de la jeune Jenny Agutter (l'inoubliable infirmière sexy du Loup-Garou de Londres !), I start counting demeure parfois intense et étrange au fil de ces errances urbaines et champêtre (la fameuse maison abandonnée auquel elle s'y confine de façon ambivalente). Quand bien même cette dernière laisse libre court à ces fantasmes au contact de son frère aîné, et ce en dépit de sa suspicion contradictoire qu'il en soit présumé coupable. 

Qui plus est plutôt soigné à travers sa réalisation inspirée jalonnée de moments de poésie en accord avec sa douce nature que les filles en jupe courte arpentent en toute insouciance, I Start Counting ne manque pas non plus de susciter un suspense oppressant quant au dénouement redouté du tueur sexuellement refoulé. On peut d'ailleurs par instants songer au classique transalpin Mais qu'avez-vous fait à Solange ? à travers sa peinture réaliste, richement détaillée et pleine de vie d'une jeunesse friponne aussi fureteuse qu'aguichée par une sexualité permissive. A découvrir donc, même si on aurait préféré un rythme plus captivant si bien que l'aspect thriller s'éclipse souvent au profit du drame intimiste (l'introspection morale de Wynne en remise en question identitaire) que Jenny Agutter endosse avec une fraîcheur innocente teintée de fragilité. 

Remerciement à Warning Zone.

*Bruno

Bacurau

                                                      Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Kleber Mendonça Filho et Juliano Dornelles. 2019. Brésil/France. 2h12. Avec Barbara Colen, Sônia Braga, Udo Kier, Thomas Aquino, Silvero Pereira 

Sortie salles France: 25 Septembre 2019

FILMOGRAPHIE: Kleber Mendonça Filho est un réalisateur, scénariste et ingénieur du son brésilien, né le 3 novembre 1968 à Recife. 2012 : Les Bruits de Recife. 2016 : Aquarius. 2019 : Bacurau (coréalisé avec Juliano Dornelles).  Juliano Dornelles est un réalisateur et producteur brésilien. 2019: Bacurau. 2016: O Ateliê da Rua do Brum. 

"La guerre, c'est comme la chasse, sauf qu'à la guerre les lapins tirent."

Ovni franc-tireur produit entre la France et le Brésil, Bacurau ne peut laisser indifférent le spectateur fureteur d'expérience atypique si bien que le divertissement bigarré proposé ici surfe avec le film d'auteur à travers un contexte politique aussi arbitraire que dictatorial. L'intrigue se focalisant sur les us et coutumes d'un peuple brésilien au sein de leur microcosme rural dénué de hiérarchie policière et politique. Car vivant en autarcie en dépit des sollicitations d'un élu perfide en lice pour la présidentielle, les villageois solidaires vont finalement avoir affaire à une menace nonsensique fondée sur une chasse à l'homme somme toute triviale. Version tropicale des Chasses du Comte Zaroff donc, tout du moins lors de sa seconde partie autrement gorasse et sauvage (tête explosée et corps démembrés à coups de machette à l'appui !), Bacuro cultive les ruptures de ton au risque de dérouter une partie du public impliqué dans un bad trip capiteux où les laissés pour compte nous suscitent une empathie non programmée. Car si la 1ère partie documentée parvint avec succès à nous familiariser auprès de ses contestataires tentant de survivre avec un sens inné de la débrouillardise, le second acte déploie la carte du divertissement pugnace lorsque ces derniers se réapproprieront les armes de leurs ancêtres belliqueux pour se défendre contre l'oppresseur assoiffé de sang. 

Nos prédateurs émissaires ayant comme unique motivation de massacrer la populace à balle réelle, et ce en essayant d'épargner femmes et enfants. Inutile de préciser que les dommages collatéraux épiceront leur cheminement criminel appuyé d'un sadisme (orgasmique) parfois dérangeant (le couple en coït dans les champs afin de fêter leur victoire sanglante). Dès lors, le carnage peut commencer, avec en intermittence, des situations insolites impromptues que l'on ne voit pas arriver. Les réalisateurs adoptant une étonnante maîtrise à travers un esprit de dérision sardonique, et ce même si l'ultra réalisme du contexte drama ne prête pas à la rigolage en dépit d'un grand-guignol graphique sporadique. Parfaitement mis en scène sous l'impulsion d'un suspense lestement oppressant; notamment en y oscillant les partitions musicales au synthé, Bacurau s'engage vers un cheminement tortueux de règlements de compte épiques en y conjuguant les composants du western, du thriller, de l'horreur, de la guerre et d'un soupçon de science-fiction avec ce drone discoïde surplombant le village afin d'espionner la populace retranchée dans des planques sous-terraines. Tout un programme vitriolé donc fréquemment détonnant et fulgurant en faisant la nique aux codes usuels. 

Illuminé de la présence du monstre sclérosé Udo Kier en leader militariste à demi-demeuré (même s'il faut patienter 1 heure pour le diaboliser) et d'une poignée de seconds-rôles méconnus résolument expressifs à travers leur humanisme à la fois meurtri et frondeur, Bacuro laisse une drôle d'impression d'expérience incongrue sous couvert d'une réflexion politico-sociale (inévitablement fascisante) dénuée de scrupule quant au sort des minorités ethniques livrées à l'isolement et à l'abandon, jusqu'à épuration. 

Pour public averti. 

*Bruno  

Je suis un monstre / I, monster

                                                     Photo empruntée sur Google, appartenant au site Imdb.com

de Stephen Weeks. 1971. Angleterre. 1h20 (extented version). Avec Christopher Lee, Peter Cushing, 

Sortie salles France: 11 Décembre 1974

FILMOGRAPHIE: Stephen Weeks est un réalisateur anglais né en 1948. 1984: The Bengal Lancers!  1984: L'épée du vaillant. 1976: Scars (TV Movie documentary). 1974: Histoire de fantômes. 1973: Gawain et le chevalier vert. 1971: Je suis un Monstre. 

Je suis un monstre – L’élégance du mal

Complètement oublié aujourd’hui par la communauté fantasticophile alors qu'il est toutefois produit par la Amicus, Je suis un monstre mérite pourtant d’être redécouvert. J’en garde un souvenir limpide : celui d’un dimanche soir sur TV6, dans la douce torpeur d’un début de soirée où le gothique s’invitait à la télévision. Ce soir encore, à mon quatrième visionnage, l’immersion demeure indicible. J’y ai éprouvé le même plaisir qu’à ma toute première fois - sans la trace de nostalgie, mais avec la certitude d’un film habité.

Car cet énième remake de Dr Jekyll and Mr Hyde a beau répéter le même procédé narratif, sa première partie s’en écarte par une série d’essais cliniques sur des cobayes humains. Et malgré cette fidélité au mythe, il n’en reste pas moins un formidable cauchemar gothique, admirablement troussé par un Stephen Weeks pleinement impliqué par ce qu'il filme. On le sent autant dans le soin accordé aux décors victoriens - baignés de lueurs violettes ou rouges qui rappellent la Hammer par leur somptueuse architecture domestique et urbaine - que dans cette atmosphère d’étrangeté crépusculaire, où la brume s’invite comme un personnage à part entière.

Christopher Lee, impérial, s’y délecte du rôle du monstre sans la moindre emphase. Weeks évite les effets spéciaux grandiloquents et préfère la sobriété d’un maquillage expressif, laissant transparaître la terreur dans le rictus et le regard vicié de Lee - un regard littéralement habité. Jamais il ne verse dans le cabotinage : tout au contraire, il impose une intensité calme, presque funèbre, d’une noblesse rare.

À ses côtés, l’immense Peter Cushing, plus en retrait, incarne avec retenue un avocat redresseur de torts, de plus en plus suspicieux face aux agissements de son acolyte apprenti sorcier. Si l’intrigue, prévisible, ne réserve guère de surprises, on s’étonne pourtant de s’y plonger avec passion. Weeks déploie un univers de corruption macabre où le Bien et le Mal se livrent une bataille intime, ravivée par les expérimentations immorales d’un savant cherchant à désinhiber les pulsions humaines les plus enfouies à travers une drogue inévitablement addictive.

Une séquence de meurtre, d’une brutalité saisissante, retient particulièrement l’attention : l’agression d’une prostituée à coups de canne. Cruelle, mais jamais complaisante, la scène frappe par la rigueur de son montage et sa violence sèche.

Immersif, vibrant, porté par la présence saisissante de Christopher Lee, monstre tragique et tangible, Je suis un monstre mérite amplement d’être réhabilité. On y retrouve un gothisme séculaire, une dramaturgie sociale tendue et sinistre, et la beauté malade d’un cinéma hanté par la dualité de l’âme humaine.

Remerciement à Lupanars Visions.

— le cinéphile du cœur noir

31/10/25. 4èx. Vost