Strange Vomit Dolls

jeudi 19 janvier 2012

Giallo

4 Mouches de velours gris: http://brunomatei.blogspot.fr/2012/12/4-mouches-de-velours-gris-quatre-mosche.html
6 Femmes pour l'assassin: https://brunomatei.blogspot.com/2020/01/6-femmes-pour-lassassin.html

Amer: https://brunomatei.blogspot.com/2025/06/amer.html

Appel de la Chair (l'): https://brunomatei.blogspot.com/.../lappel-de-la-chair-la...

Mort marche en Talons hauts (la): https://brunomatei.blogspot.com/.../la-mort-marche-en...

de John Frankenheimer. 1977. U.S.A. 2h23. Avec Robert Shaw, Bruce Dern, Marthe Keller, Bekim Fehmiu, Fritz Weaver, Steven Keats, Michael V. Cazzo, William Daniels, Walter Gotell, Victor Campos.

Sortie en salles en France le 17 Août 1977.U.S: 11 Mars 1977

FILMOGRAPHIE: John Frankenheimer est un réalisateur américain né le 19 Février 1930 à New-York, décédé le 6 Juillet 2002 à Los Angeles. 1957: Mon père, cet étranger. 1961: Le Temps du châtiment. 1962: l'Ange de la Violence. Le Prisonnier d'Alcatraz. Un crime dans la tête. 1964: 7 Jours en Mai. Le Train. 1966: Grand Prix. l'Opération Diabolique. 1968: l'Homme de Kiev. 1969: Les Parachutistes arrivent. The Extraordinary Seaman. 1970: Le Pays de la Violence. Les Cavaliers. 1973: l'Impossible Objet. The Iceman Cometh. 1975: French Connection 2. 1977: Black Sunday. 1979: Prophecy le monstre. 1982: A Armes Egales. 1985: Le Pacte Holcroft. 1986: Paiement Cash. 1989: Dead Bang. 1990: The Fourth War. 1992: Les Contes de la Crypte (Saison 4, épis 10). 1992: Year of the Gun. 1996: l'Ile du Dr Moreau. 1997: George Wallace. 1996: Andersonville (téléfilm). 1998: Ronin. 2000: Piège Fatal. 2002: Sur le Chemin de la guerre.

Inspiré de la prise d'otages des Jeux Olympiques de Munich en 1972 et adapté du roman de Thomas Harris, John Frankenheimer nous concocte avec Black Sunday un thriller politique d'autant plus surprenant qu'il est mâtiné de suspense catastrophiste lors de sa dernière partie fertile en tension et spectacle dantesque. D'autre part, aujourd'hui, on peut s'étonner du caractère prémonitoire de son acte terroriste d'une aussi grande envergure puisque faisant écho aux attentats du 11 Septembre 2001. D'ailleurs, depuis cette date tristement commémorative, les chaînes américaines ont simplement décidé de bannir Black Sunday de leurs écrans TV.

Synopsis: Des terroristes appartenant au groupuscule palestinien du Septembre Noir prévoient de commettre un attentat sur le sol américain avec l'autorité d'une germano Palestienienne, Dahlia Lyad. Avec l'aide d'un ancien vétéran du Vietnam, ils vont tenter de faire exploser un dirigeable au dessus d'un stade attroupé de 82 500 personnes. Une brigade anti-terroriste israélienne ainsi que le FBI vont s'affilier pour entreprendre une traque infernale afin de déjouer ce complot démesuré.

Parmi son casting de choix réunissant les solides trognes des Seventies Robert Shaw (Jaws), Marthe Keller (Marathon Man), Bruce Dern (Driver), Black Sunday attise l'attention dès son prologue spectaculaire illustrant assidûment l'embuscade savamment planifiée d'une brigade israélienne pour éradiquer l'ennemi terroriste planqué dans un quartier résidentiel. Scandé de la puissante partition de John Williams (après qu'il eut composé le fameux thème des Dents de la mer 2 ans plus tôt), ce thriller haletant réussit le tour de force de nous maintenir en haleine 2h20 durant ! Or, dans un habile montage assidu et incisif, l'intrigue nous familiarise avec un groupe de terroristes palestiniens délibérés à sanctionner les Etats-Unis pour leur soutien à Israel. En particulier le profil d'un duo d'amants à nationalité distincte. Dahlia Lyad, activiste d'origine germano-palestinienne résolue à venger la mort de sa famille exécutée par les israéliens quand bien même son comparse américain Lander est ancien prisonnier de guerre traumatisé par le conflit vietnamien. Leur stratagème: à l'aide d'un dirigeable bourré d'explosifs ils envisagent d'y projeter des milliers de fléchettes sur un stade sportif où seront réunis 82 500 spectateurs ! Ainsi, avec une certaine audace, John Frankenheimer n'hésite pas à "humaniser" ses protagonistes pernicieux totalement voués à leur cause pour se venger d' une injustice ricaine. La séquence dévoilant Lander s'apitoyer sur son sort face à sa concubine dépitée de ne pouvoir entreprendre sa besogne pour y blâmer les américains provoquant une certaine empathie.

Si bien que cet ancien combattant détenu 6 ans au Vietnam dans des conditions inhumaines fut injustement discrédité par les siens au retour du pays, et ce en dépit de ses décorations. Pour autant, le réalisateur dévoile également le vrai visage du terrorisme et leur barbarie déployée d'une revendication politique en exécutant avec sang-froid implacable de nombreux innocents. A cet égard, l'incroyable course-poursuite (à pied !) entamée avec un de leur collaborateur cerné par les forces de l'ordre démontre bien leur immoralité à tolérer le crime gratuit en tirant à l'aveuglette sur la foule en panique. Mais sans jamais faire preuve d'esbroufe, le suspense maintenu sans relâche nous oriente peu à peu vers un final en apothéose d'une acuité émotionnelle aussi tendue qu'un arc de compétition. 45 minutes d'anthologie confinant au genre catastrophe en vogue avec une maîtrise technique et un sens du montage qui laisse sans voix. L'entreprise périlleuse du chef des membres de la brigade israélienne (Robert Shaw, imperturbable !) déterminé à déjouer les exactions des terroristes Dahlia et Lander réfugiés à bord de leur dirigeable nous offrant un florilège de séquences homériques d'une tension échevelée. Nos nerfs étant mis à rude épreuve sur une durée éreintante. A deux, trois effets spectaculaires cheaps (faute de temps et d'argent pour la finalisation des effets-spéciaux avouera le réalisateur), ces séquences oppressantes remarquablement découpées nous laisse pantois face au caractère si vériste de l'évènement saugrenu. Imaginez donc un gigantesque dirigeable fonçant tête baissée en interne d'un stade car à deux doigts d'exploser sur des milliers de spectateurs présageant le danger in extremis !

Renforcé d'une solide distribution au charisme viril et réalisé avec un brio habité, Black Sunday n'a rien perdu de sa démesure pour se décliner en sommet de thriller des années 70 au même titre que modèle du film catastrophe d'une rigueur technique ébouriffante. On peut enfin (à nouveau) saluer la partition frénétique de John Williams orchestrée avec tant de souffle afin d'exacerber son implacable dramaturgie.

*Bruno

Dédicace à Isabelle Rocton
19.01.12. 3èx

vendredi 13 janvier 2012

PRESUME COUPABLE

de Vincent Garenq. 2011. France. 1h42. Avec Philippe Torreton, Wladimir Yordanoff, Noémie Lvovsky, Raphael Ferret, Michelle Goddet, Farida Ouchani, Olivier Claverie, Jean-Pierre Bagot.

Récompenses: Valois d'Or et Valois Magélis au Festival du film francophone d'Angoulême pour Présumé Coupable.
Prix du Meilleur Film européen lors de la 68è Mostra de Venise.

Sortie en salles en France le 7 Septembre 2011

FILMOGRAPHIE: Vincent Garenq est un réalisateur, scénariste, dialoguiste, adaptateur français.
2008: Comme les Autres
2011: Présumé Coupable

Ce film est la fidèle adaptation du journal écrit en détention par Alain Marécaux paru chez Flammarion en 2005.
D'après le livre Chronique de mon erreur judiciaire, Présumé Coupable revient sur le procès d'une des plus incongrues erreurs judiciaires de France à travers l'affaire d'Outreau. Et en particulier sur le calvaire imposé à cet huissier de justice, accusé en 2001 de viols sur mineur et finalement acquitté le 1er Décembre 2005.

En 2001, en pleine nuit, les forces de l'ordre arrivent en renfort chez le domicile d'Alain Marécaux pour l'appréhender envers des accusations de pédophilie. Sa femme également dénoncée est placée en détention alors que les enfants sont envoyés dans un foyer spécialisé. Sur une durée étalée de 5 années d'affaire pénale, c'est le début d'un calvaire insensé pour un homme de droit annihilé par la machine judiciaire.

Epaulé par la performance cinglante du comédien Philippe Torreton pour incarner avec souci de vérité le rôle d'un avocat brisé par l'équité, Vincent Garenq nous illustre son calvaire improbable émanant d'une machine judiciaire castratrice, délibérée à le réprimander derrière les barreaux.
Avec sobriété d'une réalisation introspective au plus près de son personnage déchu, Présumé Coupable nous entraîne dans la descente aux enfers de ce père de famille accusé au grand jour d'une sordide affaire d'abus sexuel sur mineur. La cause primordiale de ce procès maladroitement géré en est surtout attribuée à l'arrogance d'un juge néophyte particulièrement prétentieux car déterminé à envoyer en prison nombre de témoins inéquitablement accusés à tort de faits crapuleux.
Dans un souci d'authenticité proche du documentaire, nous allons suivre le cheminement abrupt d'Alain Marécaux, de son arrestation et celle de sa famille durant une nuit à son propre domicile. S'ensuit ses interrogatoires et gardes à vue prolongées d'une police arrogante et inflexible pour tenter de lui faire avouer des actes licencieux de pédophilie. Alors que du côté de la cellule familiale, les questions perfides octroyées à ces enfants juvéniles sont tolérées sans vergogne afin d'accumuler les preuves d'inculpation. Place ensuite à ses différentes détentions en établissement carcéral mais aussi son internement en hôpital psychiatrique, faute de tentatives de suicide récurrentes puis de sa grève de la faim. Le réalisateur souligne également les conséquences psychologiques allouées à son entourage, à ses beaux parents, à sa mère décédée par désespoir meurtri, à la séparation de sa femme dépitée et humiliée, à la négligence de ses enfants mais aussi à la délinquance de l'aïné révolté.

Philippe Torreton livre une performance criante de vérité humaine dans le portrait avili d'un homme d'honneur fustigé par une police et une magistrature impitoyable. Implacablement et sans concession, nous suivons sa lente dérive psychologique mais aussi sa déficience physique dans son entreprise d'une grève de la faim (l'acteur aura perdu 27 kilos pour mettre en exergue la physionomie décharnée de son corps rendu moribond). Bouleversant dans sa probité sans cesse remise en cause, sa solitude désespérée de ne pouvoir convaincre l'autorité, son amertume et ses désillusions d'une potentielle remise en liberté, l'acteur dégage une dimension humaine d'une acuité rude et éprouvante.

Puissamment interprété par un acteur transi jusqu'aux seconds rôles dépouillés et remarquablement construit dans une réalisation limpide éludée d'artifice, Présumé Coupable est un puissant plaidoyer pour la présomption d'innocence et le respect de la dignité humaine. A travers le récit véridique d'une sordide affaire aux investigations mal gérées par un juge orgueilleux, ce drame humain nous donne à réfléchir sur les rouages d'un système judiciaire totalement anarchique et ébranlé. Glaçant, âpre et effrayant !
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Note: Le conseil supérieur de la magistrature a reconnu le manque de rigueur caractérisé du juge burgaud et lui a infligé une simple réprimande le 24 Avril 2009.
Aucun autre magistrat n'a été sanctionné.
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13.01.12
Bruno Matéï

jeudi 12 janvier 2012

DERIVE MORTELLE (Open Water 2: Adrift)

de Hans Horn. 2007. Allemagne. 1h38. Avec Susan May Pratt, Richard Speight Jr, Niklaus Lange, Ali Hillis, Cameron Richardson, Eric Dane, Wolfgang Raach, Alexandra Raach, Alfred Cuschieri.

Sortie en salles en France le 27 Juin 2007.

FILMOGRAPHIE: Hans Horn est un réalisateur, producteur et scénariste allemand.
1994: Wolpodzilla
1999: Piège en sous-sol
2006: Dérive Mortelle
2009: Tod aus der Tiefe
2011: Die Tote im Moorwald

Fausse suite d'Open Water, Dérive Mortelle ne souhaite pas renouer avec la peur du squale narguant un duo d'amants confinés au milieu de l'océan. Néanmoins, il reprend l'astuce de l'évènement réel pour illustrer une poignée de protagonistes séquestrés dans les flots car incapable de remonter à bord de leur yacht après avoir plongés sans déplier l'échelle de secours ! Un groupe d'amis s'invitent en croisière à bord d'un yacht le temps d'un week-end. Après avoir plongé dans l'eau en guise de loisir, ils ont omis de déployer l'échelon. Emprisonnés dans l'eau glacé, ils vont tenter par tous les moyens de remonter en interne du bateau, sachant en outre qu'un bébé endormi s'y trouve dans l'une des cabines.

Avec peu de moyens, une équipe de comédiens à la trogne aseptisée et un scénario incongru réfutant l'esbroufe, Dérive Mortelle souhaite nous éprouver en interne d'une croisière en enfer. Cette série B dédiée à la claustration accentuant son caractère intense par une atmosphère anxiogène au bord du marasme. Avec l'entremise d'une trame saugrenue tirée d'un évènement réel, ce survival maritime rivalise de tension et de malaise tangible dans la vaine tentative de nos héros s'efforçant par tous les moyens de remonter par la coque coulissante de leur bateau. Avec un pitch aussi insensé dans son sarcasme alloué, le réalisateur allemand Hans Horn en tire un métrage d'une belle acuité émotionnelle, en dépit du manque de profondeur de certains personnages. La conduite du récit implacable est tellement efficiente dans son ambition de nous immerger parmi nos héros au coeur d'un enfer bleu qu'elle nous confine au malaise sensoriel. De prime abord, la succession d'évènements malchanceux découlant de l'anxiété de nos protagonistes peut au départ irriter à force d'accumuler les bourdes. Mais la tension dramatique davantage fléchissante transcende ces menus défauts pour nous plonger tête baissée au coeur d'un cauchemar jusqu'au-boutiste.

Une épreuve de survie inlassable auquel nos victimes vont devoir faire face à leur bravoure pour réprimer la peur de trépasser, l'engourdissement du froid, l'épuisement de la fatigue, la déshydratation, la faim et la colère du désespoir. Quand bien même notre héroïne principale va être contrainte d'affronter sa pire phobie pour tenter de transcender un trauma infantile qui causa la mort de son paternel. Mais quand il n'y a plus de solution à envisager, ne reste donc pour certains qu'à tolérer le suicide en désespoir de cause. En prime, pour exacerber cette situation désespérée sévèrement endurée, le réalisateur va insérer la présence d'un autre otage, un bambin enfermé à l'intérieur du bateau alors que la mère blottie dans l'eau se trouve dans l'incapacité de pouvoir lui porter assistance. Chaque minute de l'intrigue nous place donc dans une situation d'inconfort accrue face aux tentatives de nos héros pour se dépêtrer d'un piège aussi insidieux. D'autant plus que son atmosphère claustrophobique administrée par le déchaînement naturel de l'eau comprimant les victimes se transmet viscéralement sur notre psyché.

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Hormis un prologue laborieux, son final équivoque et quelques invraisemblances rudimentaires, Dérive Mortelle distille le malaise et une tension omniprésente face à une situation extravagante digne d'une farce de comptoir. Hormis un manque évident de maîtrise dans la réalisation conventionnelle, la sincérité du cinéaste à nous concocter un suspense cuisant nous prend littéralement au tripes pour ne plus nous lâcher jusqu'au point d'orgue en demi-teinte. Un concentré d'angoisse d'une belle dimension humaine car dédié à la bravoure d'un instinct de survie.
A découvrir !

Dédicace à Isabelle Rocton
13.01.12
Bruno Matéï

mercredi 11 janvier 2012

Le corniaud

de Gérard Oury. 1964. France. 1h50. Avec Bourvil, Louis De Funès, Venantino Venantini, Henri Genès, Saro Urzi, Daniela Rocca, Lando Buzzanca, Henri Virlojeux, Michel Galabru, Jacques Ary.

Récompense: Prix du Meilleur Scénario au festival de Moscou en 1965.

Sortie en salles en France le 24 Mars 1965. U.S: 8 Octobre 1967

FILMOGRAPHIE: Gérard Oury (Max-Gérard Houry Tannenbaum) est un réalisateur, acteur et scénariste français né le 29 avril 1919 à Paris, décédé le 20 Juillet 2006 à Saint-Tropez.
1960: La Main Chaude. La Menace. 1962: Le Crime ne paie pas. 1965: Le Corniaud. 1966: La Grande Vadrouille. 1969: Le Cerveau. 1971: La Folie des Grandeurs. 1973: Les Aventures de Rabbi Jacob. 1978: La Carapate. 1980: Le Coup du Parapluie. 1982: L'As des As. 1984: La Vengeance du Serpent à Plumes. La Joncque (inachevé). 1987: Levy et Goliath. 1989: Vanille Fraise. 1993: La Soif de l'or. 1996: Fantôme avec chauffeur. 1999: Le Schpountz.
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Numéro 1 au box-office français avec 11,74 millions d’entrées !

L’un des premiers longs-métrages de Gérard Oury accède rapidement au statut de classique de la comédie populaire, porté par un atout de prestige : le duo De Funès / Bourvil, dont la complémentarité est devenue proverbiale (ce dernier toucha d’ailleurs un cachet trois fois supérieur à son comparse).

À l’origine, le film s’inspire d’un fait divers survenu en 1962, lorsqu’un présentateur de la télévision française fut arrêté aux États-Unis au volant d’une Buick contenant 50 kilos d’héroïne pure — même si, lors de son interpellation, la drogue ne fut jamais retrouvée. Ayant plaidé coupable, l’animateur de l’émission Paris-Club écopa de cinq ans de prison, l’enquête ayant démontré qu’il avait touché 10 000 dollars pour cette transaction.

Fort du succès colossal rencontré en 1965, les Américains proposèrent à Gérard Oury de produire un remake avec Dean Martin et Jack Lemmon. Mais malgré une offre financière généreuse, il déclina.

Le pitch :

Après un accident de voiture avec un riche homme d’affaires, un quidam ingénu accepte, en guise de dédommagement, de convoyer sa Cadillac de Naples à Bordeaux. Ce directeur sans vergogne est en réalité un important contrebandier, ayant décidé d’utiliser un “corniaud” pour transporter sa marchandise. S’ensuit une folle équipée à travers l’Italie, sous la poursuite de nos joyeux lurons.

Immense succès populaire, multi-diffusé depuis sa sortie, Le Corniaud mérite amplement sa réputation de phénomène. On a beau le revoir à l’envi, cette aventure rocambolesque menée par un duo d’acteurs nés pour déclencher l’éclat de rire conserve intacte sa fraîcheur. Il y a dans ce film une alchimie rare entre cocasserie et tendresse, qui s’exprime dans une simplicité désarmante. Jusqu’aux seconds rôles, tous inoubliables : cet Italien jaloux à l’extrême, la blondinette à l’accent germanique férue d’auto-stop, le policier autoritaire mais ahuri, les complices de Saroyan, les deux fripouilles à la trogne de “Laurel et Hardy”, ou encore leur rival bègue, secoué d’un débit anarchique.

En mariant le cinéma d’aventure, la comédie burlesque, le road movie et l’enquête policière sur un canevas truffé de péripéties, Gérard Oury trouve le dosage parfait. En prime, il nous offre une escapade touristique à travers Rome, Naples, Pise, la Villa d’Este, le château Saint-Ange, la Toscane, puis le Sud de la France : Carcassonne, et enfin Bordeaux. Cette course-poursuite effrénée entre un brave candide et deux bandes de malfrats — dignes héritiers des Pieds Nickelés — ne laisse aucun répit, enchaînant les rebondissements débridés avec une énergie communicative.

Côté casting, la bonhomie de Bourvil, son innocence docile, insufflent une tendresse irrésistible au personnage du corniaud, débordant de générosité et de maladresses amoureuses. Sa drague empotée avec l’Italienne puis l’Allemande voluptueuse donne lieu à des scènes d’une fragilité touchante, empreintes d’une émotion sincère. Son tempérament gaffeur génère quiproquos et catastrophes, déjouant malgré lui les plans de contrebandiers aussi minables qu’acharnés.

En face, Louis de Funès déploie son génie : irascible, mesquin, déchaîné dans ses mimiques et ses crises nerveuses. Flanqué de deux acolytes incultes, il tente de suivre en voiture son convoyeur insaisissable, dans un ballet de ratés et de contretemps à travers l’Italie et la France provinciale.

Mené à un rythme effréné, Le Corniaud doit sa jubilation avant tout à son duo mythique : Bourvil / De Funès.

La mécanique intrépide du scénario, l’inventivité des gags, la tendresse des personnages secondaires et la beauté des décors naturels participent d’un charme intemporel, hautement sympathique. Deux ans plus tard, le trio Oury / De Funès / Bourvil récidivera avec La Grande Vadrouille : un doublé historique pour trois figures légendaires du 7ᵉ art.

*Bruno
11.01.12. 3èx.

lundi 9 janvier 2012

Open Water

de Chris Kentis. 2003. U.S.A. 1h19. Avec Blanchard Ryan, Daniel Travis, Saul Stein, Estelle Lau.

Sortie en salles en France le 11 Août 2004. U.S: 20 Août 2004.

FILMOGRAPHIE: Chris Kentis est un réalisateur, scénariste, monteur, directeur de la photo, né le 23 Octobre 1962 à New-York. 1997: Grind. 2004: Open Water. 2011: Silent House (remake)

"Le bleu pour cercueil".

À la manière d’un documentaire pris sur le vif, comme le confirme sa caméra DV, Chris Kentis renoue avec la peur primaire du squale tapi sous les algues du grand bleu — là où Spielberg avait traumatisé des générations avec son chef-d’œuvre inégalé, Les Dents de la Mer (même si perso il ne m'a jamais terrifié, l'intérêt fut ailleurs). Mais bien avant The Reef et son réalisme escarpé, Open Water s’inspirait déjà d’une histoire vraie : celle de Tom et Eileen Lonergan, couple de nageurs mystérieusement disparus en pleine mer le 25 janvier 1998, au large de la Grande barrière de corail, en Australie.

Synopsis : En vacances aux Bahamas, Susan et Daniel participent à une sortie de plongée sous-marine, accompagnés d’autres binômes. À la remontée, chaque duo rejoint le bateau - sauf eux. Oubliés par le capitaine, Susan et Daniel se retrouvent livrés à eux-mêmes, contraints d’attendre les secours au beau milieu de l’océan, cernés par les requins.

Avec une économie de moyens, un script linéaire et deux comédiens méconnus confinés dans un décor marin anxiogène, Open Water tente de raviver un genre dévoré par des ersatz stériles. Pourtant, ce modeste métrage terriblement angoissant, malaisant, parfois terrifiant, transcende ses prédécesseurs grâce à une mise en scène fine et au pouvoir de suggestion, tout en apprivoisant le dépouillement limpide de son décor naturaliste. Ressenti comme une expérience immersive de par son caractère documentaire, le film partage l’horreur d’un couple abandonné en pleine mer, livré aux prédateurs d’un territoire qu’ils n’auraient jamais dû effleurer.

Ce qui rend cette dérive aussi délétère qu’étouffante, c’est sa manière ultra-réaliste d’aborder le sujet — sans effets, sans tape-à-l’œil - en laissant filtrer, sur les visages des deux naufragés, la peur muette, le désarroi montant, l’épuisement en crescendo. Ce sentiment d’isolement absolu face à l’immensité liquide, cette confrontation à un monde flottant et hostile où rode une espèce réputée pour sa dangerosité, voilà ce qui ronge. Voilà ce qui glace.

Le réalisateur accentue cette sensation de temps figé par une chronologie intermittente, rappelant l’attente interminable à laquelle le couple est acculé. Chaque heure devient un supplice. La banalité du présent se déforme sous l’effet de la peur, de l’espoir amaigri et de la conscience aiguë d’une mort suspendue. La menace croissante du squale, enfoui dans les ténèbres sous-marines, épouse la chute morale des deux protagonistes - jamais dans l’outrance, toujours dans la retenue. Et lorsque l’attaque surgit, puis que la nuit avale le jour, l’angoisse bascule dans une apnée terminale.

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Avec cette troublante impression d’avoir été filmé en temps réel, Open Water parvient admirablement à provoquer la frousse par pure suggestion, sans jamais forcer le trait. La sincérité brute des comédiens, à l’humanité bouleversante, porte le film bien au-delà du simple exercice de style. Quant aux requins, silhouette mouvante d’un mal insidieux, ils parviennent à faire surgir l’effroi sans artifice - peut-être comme seul The Reef, son homologue aussi escarpé, l’aura fait depuis.
Traumatisant à ce point que, même au troisième visionnage, j’en ressors plus ébranlé encore.

Récompense : Prix de la Meilleure Actrice pour Blanchard Ryan, remis par l’Académie des films de science-fiction, fantastique et horreur (2005).

— le cinéphile du cœur noir

10.01.25. 3èx. Vostf

09.01.12.

vendredi 6 janvier 2012

POLISSE. Prix du Jury à Cannes.

de Maïwenn Le Besco. 2011. France. 2h07. Avec Karin Viard, Marina Foïs, Joey Starr, Nicolas Duvauchelle, Karole Rocher, Lou Doillon, Riccardo Scamarcio, Frédéric Pierrot, Emmanuelle Bercot, Jérémie Elkaïm.

Sortie en salles en France le 19 Octobre 2011.

FILMOGRAPHIE: Maïwenn Le Besco est une réalisatrice, actrice, scénariste française, née le 17 Avril 1976 aux Lilas (Seine-Saint-Denis). 2004: I'm an actrice (court-métrage). 2006: Pardonnez moi. 2009: Le Bal des Actrices. 2011: Polisse

Pour son 3è film, l'actrice réalisatrice Maïwen nous assène un véritable uppercut à l'instar du docu-vérité pour suivre la quotidienneté éprouvée de policiers de la BPM (Brigade des protections des mineurs) confrontés aux garde à vue de pédophiles mais aussi à leur discorde conjugale sitôt rentrés au cocon familial. Ainsi, à travers le quotidien de ces policiers dans une commune de Paris, Melissa, jeune photographe, est recrutée pour suivre leur labeur professionnelle et rédiger un reportage édifiant. Avec souci de réalisme proche d'un L.627 de Bertrand Tavernier, la jeune réalisatrice Maïwen nous retranscrit le quotidien abrupt d'un groupe de flics solidaires délibérés à protéger les mineurs contre les pédophiles de tous bords ou des maltraitances infligées par des parents incapables d'assumer leur fonction parentale. De par la complicité d'une flopée de comédiens d'un naturel confondant à travers leur physionomie ordinaire, Polisse nous plonge en interne de leur psyché évoluant dans une jungle urbaine en ébullition si bien que les enfants y demeurent les dommages collatéraux.

Le réalisme acéré des situations glauques ou dérangeantes provoquant souvent gêne et malaise, voir parfois même l'insupportable lorsqu'une jeune ado violée prend subitement conscience d'avoir mis au monde un bébé mort-né. Avec souci d'humanisme éprouvé, voir désespéré auprès de certains représentants de l'ordre irascibles ou téméraires, la réalisatrice nous dépeint sans esbroufe ni pathos le destin de ces flics acolytes constamment contrariés (voir pour certains, au bord du marasme suicidaire). Par conséquent, elle nous dévoile avec une sobre dignité une autre facette de la police souvent taxée d'incompétente à travers le français moyen désireux de leur devoir de protection. En l'occurrence, ces policiers de la BDM s'avèrent ici des êtres humains ordinaires débordant de vitalité et de courage mais aussi accablés par les infortunes et leur fêlure morale d'une vie conjugale en déséquilibre. Le film traitant également de la gestion disciplinaire d'une hiérarchie policière à bout de souffle si bien que certains collègues dépités sont facilement au bord de l'implosion. Il sous entend notamment les failles juridiques d'une société davantage dépourvue de subvention afin de pouvoir loger les sans abris dans des foyers saturés.

Avec une lucidité édifiante, Maïwen nous dresse donc un constat implacable envers cette nouvelle génération sévèrement réprimée ou violée par des adultes sans vergogne à travers leur pathologie perverse. Elle nous dévoile également sans tabou le comportement irresponsable d'adolescentes endoctrinées par l'univers virtuel d'internet et de ses dérives sexuelles par jeu de provocation ou de soumission lubrique sollicités par des camarades de classe. Il y a aussi la précarité endurée par des roumains coexistants dans des caravanes insalubres, acculés à faire travailler illégalement leur bambin. Quand bien même certaines africaines sans domicile se voient contraintes d'abdiquer leur enfant dans un foyer, faute de ne pouvoir subvenir à leur besoin. Sans compter ses quidams toxicomanes ou ses mères immatures incapables d'endosser la responsabilité d'un enfant pour pouvoir dignement l'assumer. Le choix idoine des comédiens sélectionnés parfois à contre emploi (Karin Viard et Marina foïs sont époustouflantes d'animosité dans leur conflit d'égo !) renforce son cachet d'authenticité de par leur posture brute de décoiffage. Pour preuve également, la prestance fortuite de Joey Star en flic obtus nous surprend admirablement tant il parvient à retranscrire avec une vérité humaine chétive son désarroi de ne pouvoir immuniser tous les maux de notre société.

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L'île aux enfants
Débordant de vigueur de par la posture contrariée des protagonistes s'extériorisant parfois avec une rage incontrôlée mais pour autant constamment imprimés d'un humanisme à fleur de peau, Polisse se décline en drame social d'une rare puissance émotionnelle. La cohésion vigoureuse des comédiens particulièrement autoritaires ainsi que sa mise en scène incisive au plus près de leurs sentiments nous accablent l'esprit à travers leur combat quotidien contre l'injustice. Ainsi, après tant d'émotion parfois décuplée avec âpre verdeur, il nous est impossible de sortir indemne de ce brûlot sociétal, d'autant plus que son épilogue inopinément tragique nous laisse sur le bitume à travers son aigreur victorieuse.

*Bruno
06.01.11

Récompenses: Prix du Jury à Cannes 2011.
Premier Grand Prix Cinéma du magazine Elle.
Prix du Public Mel Hoppenheim au Cinémania 2011.

jeudi 5 janvier 2012

DR JEKYLL ET MR HYDE (Dr Jekyll and Mr Hyde)

de Victor Fleming. 1941. U.S.A. 1h53. Avec Spencer Tracy, Ingrid Bergman, Lana Turner, Donald Crisp, Ian Hunter, Barton MacLane, C. Aubrey Smith, Peter Godfrey, Sara Allgood, Frederick Worlock.

Sortie en salles en France le 25 Septembre 1946. U.S: 12 Aout 1941

FILMOGRAPHIE: Victor Fleming est un réalisateur américain né le 23 Février 1883 à Pasadena en Californie. Il est décédé le 6 Janvier 1949 à Cottonwood dans l'Arizona.
1925: Le Cargo Infernal. 1932: La Belle de Saigon. 1934: l'Ile au Trésor. 1939: Le Magicien d'Oz.
1939: Autant en emporte le Vent. 1941: Dr Jekyll et Mr Hyde. 1945: l'Aventure. 1948: Jeanne d'Arc.

10 ans après la version de Rouben Mamoulian de 1931, Victor Fleming s'entreprend de remaker la célèbre adaptation du roman de Stevenson, l'Etrange cas du Dr Jekyll et Mr Hyde. Cette nouvelle lecture va transcender son modèle, de par son intensité dramatique et surtout grâce à la prestance d'un trio de comédiens à l'apogée de leur talent, Spencer Tracy et les ravissantes Ingrid Bergman et Lana Turner. Le pitch: Alors qu'il est sur le point de se marier avec Beatrix Emery, le Dr Jekyll expérimente ses théories sur la dualité du Bien et du Mal avec des mammifères de laboratoire. Le père de sa fiancée ne voit pas d'un bon oeil sa réflexion métaphysique opposée à la déontologie de Dieu. Convaincu, Jekyll décide un soir d'expérimenter sa potion sur lui même après avoir rendu docile un rat agressif. Mais sous l'effet du produit, il se transforme en être diabolique, véritable incarnation du Mal, qu'il décide de prénommer Mr Hyde.

Revoir en l'occurrence ce remake 71 ans après sa sortie prouve à quel point l'oeuvre émouvante de Fleming su faire preuve d'audace pour illustrer le calvaire insurmontable d'un homme déchu, obsédé à l'idée de scinder la part de Bien et de Mal innée en chaque être humain. Il faut aussi rappeler que la censure dans les années 40 était plutôt drastique pour sanctionner certaines productions hollywoodiennes un peu trop sulfureuses. La grande force du film émane donc de sa terreur psychologique lourdement éprouvante lorsque notre diabolique Mr Hyde décide d'asservir et d'humilier la jeune Ivy Peterson, serveuse de bar influençable. Ce docteur ambitieux particulièrement renommé et érudit se retrouvera malencontreusement dans une situation irréversible lorsqu'il décide d'expérimenter sur sa propre personne une drogue aux effets dévastateurs. Ainsi, en jouant les apprentis sorciers, le Dr Jekyll qui envisageait annihiler le Mal enfoui en chacun de nous se retrouvera pris au piège de son dédoublement de sa personnalité. Car après avoir ingurgité sa potion, Jekyll ne peut plus maîtriser ses pulsions perverses si bien que Mr Hyde pourra prendre le dessus afin de corrompre sa personnalité et l'empresser de martyriser une serveuse de bar préalablement éprise d'amour pour lui. Les séquences de soumission octroyées à Ivy Peterson par un Mr Hyde habité par le diable s'avèrent d'une cruauté psychologique éprouvante. Tandis que les sobres maquillages réussissent avec subtilité à enlaidir un homme habité par la folie, à l'image de sa débauche fielleuse. Dès lors, pour retrouver sa personnalité docile, Jekyll est contraint d'absorber sa potion puisque le Mal a cette fois-ci transcendé les valeurs du Bien, tel un poison intraitable. La situation alarmiste échappant à tout contrôle, Jekyll se résigne en désespoir de cause à répudier sa future épouse afin de la protéger de son double nuisible.
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Dans un double rôle, Spencer Tracy se révèle littéralement habité par son personnage en demi-teinte. Haineux, sadique et bourreau dans la peau du terrifiant Hyde puis studieux, diplomate, déférent mais peu à peu démuni de sa malédiction dans celui de Jekyll, l'acteur dégage une poignante empathie face à sa détresse de ne pouvoir s'opposer à son double maléfique. Secondé par Ingrid Bergman, sa beauté gracieuse envoûte autant le spectateur que notre héros troublé de sa candeur et de son charme ténu. Son désarroi face à la tyrannie de Hyde nous octroie régulièrement des séquences bouleversantes de par sa situation d'impuissance. Pour interpréter la fiancée du docteur, Lana Turner campe avec déférence une jeune épouse entièrement vouée aux liens du mariage mais finalement condamnée à la malédiction d'une tragédie humaine épouvantée.
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Baignant dans une photographie blafarde accentuant une ambiance des plus troubles, Dr Jekyll et Mr Hyde demeure un chef-d'oeuvre du genre d'une acuité émotionnelle rare auprès de sa cruauté psychologique. Magnifiquement interprété par un trio d'illustres comédiens et bouleversant chez la quête improbable de l'homme déterminé à démystifier les lois spirituelles, cette réflexion sur la dualité du Bien et du Mal et sur notre instinct pervers (un monstre sommeille en chacun de nous !) se réserve en prime d'y générer une métaphore sur l'addiction.

Dédicace à Lirandel.
05.01.12
Bruno Matéï

mardi 3 janvier 2012

KILL BILL: volume 2

de Quentin Tarantino. 2004. U.S.A. 2h17. Avec Uma Thurman, David Carradine, Lucy Liu, Vivica A. Fox, Chia Hui Liu, Michael Madsen, Daryl Hannah, Michael Parks, Bo Svenson, Jeannie Epper, Stéphanie L. Moore.

Sortie en salles en France le 17 Mai 2004. U.S: 16 Avril 2004.

FILMOGRAPHIE: Quentin (Jérome)Tarantino est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain, né le 27 Mars 1963 à Knoxville dans le Tennessee.
1992: Réservoir Dogs. 1994: Pulp Fiction. 1995: Groom Service (segment: The Man from Hollywood). 1997: Jacky Brown. 2003: Kill Bill 1. 2004: Kill Bill 2. 2007: Boulevard de la Mort.
2009: Inglorious Basterds. 2012: Django Unchained (tournagé débuté en Mai 2011). 2014: Kill Bill: Volume 3

Second volet des vicissitudes flamboyantes de la mariée ensanglantée, Quentin Tarantino s'approprie cette fois-ci de l'univers aride du Western Spaghetti pour lui rendre un humble hommage. Avec un gout plus prononcé pour la verve de ces dialogues incisifs, l'action ébouriffante du premier volet laisse place à une sobriété mesurée afin de mieux exacerber le profil altéré de personnages iconiques en phase de déclin. Après avoir éradiqué de sa liste noire 5 membres des vipères assassines, la mariée entreprend sa dernière quête vindicative pour retrouver les trois derniers responsables du massacre commis dans la chapelle de Two Pines. Budd, Elle Driver et enfin Bill se préparent à l'affronter avec une certaine prévention.
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Après une première partie généreusement axée sur la surenchère spectaculaire dans son hommage affecté au cinéma d'arts martiaux, place à une certaine sobriété pour cette seconde monture beaucoup plus centrée sur l'introspection de la mariée, alias Mamba Noir, dans sa relation affective préalablement établie avec son ancien leader Bill. Quentin Tarantino nous révélant enfin les véritables motivations qui ont conduit notre guerrière chevronnée à décimer un à un les membres des Vipères assassines pour mieux fustiger son impitoyable baron du crime. Nous allons apprendre aussi de quelle manière notre héroïne a réussi à enseigner la maitrise du Kung-Fu par la discipline drastique d'un vieux maître légendaire d'arts-martiaux, Pai Mei. Avec son habituelle culture cinématographique nourrie de références toutes azimuts, le réalisateur rend particulièrement hommage à Sergio Leone et Ennio Morricone pour les décors clairsemés de plaines asséchées par un soleil ardent et ses visages impassibles suintant la sueur et la poussière. Il adresse également un clin d'oeil sarcastique à Lucio Fulci pour se réapproprier d'une fameuse séquence de claustration auquel Catriona Mc Coll était enfermée en interne d'un cercueil dans le funeste Frayeurs. En dehors d'une séquence d'action extrêmement spectaculaire et furieusement cinglante, le réalisateur attache beaucoup plus d'importance à développer en l'occurrence le portrait caractériel de trois tueurs narcissiques experts en maniement du sabre. Mais c'est surtout le lien affectif alliant finalement notre couple maudit formé par Bill et Beatrix qu'on nous dessine avec poignante empathie, notamment parmi le compromis parental de leur progéniture. Tarantino dépeint avec beaucoup d'humanité fébrile le psyché tourmenté d'une ancienne tueuse à gage reconvertie par la cause de sa maternité. Le rôle capital d'une mère dévouée, destinée à rayer un trait sur son passé délétère, quitter un amant tributaire de sa corruption et ainsi offrir une vie équilibrée à sa future progéniture.

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Michael Madsen traîne son traditionnel charisme de cowboy apathique dans celui d'un videur de club de strip-tease avant d'exercer une dernière faveur pour son frère préventif Bill, craignant l'arrivée redoutée de la mariée. Darryl Hannah excelle et se voit carrément confier le rôle de sa vie dans celle d'une tueuse borgne odieusement perfide, perverse et sournoise. Ses exactions meurtrières audacieuses rivalisant de traîtrise en guise d'orgueil et de condescendance. Spoil ! A ce sujet, nous ne sommes pas prêt d'oublier la mort de Budd, mordu à trois reprises dans son camping-car par le venin du Mamba Noir, serpent réputé le plus venimeux au monde, après qu'il eut ouvert par inadvertance une valise remplie de dollars ! Fin du Spoiler. En leader de l'organisation secrète, David Carradine endosse le rôle majeur à la mesure de son talent pour extérioriser une rancune tenace envers sa liaison amoureuse qu'il avait préalablement établi avec la tueuse aux cheveux d'or. Enfin, Uma Thurman exprime une humanité plus équilibrée dans son personnage de vengeresse délibérée à abdiquer son rôle de tueuse à gage au profit de la postérité de sa fille. Leur règlement de compte salvateur nous valant une bouleversante confession engagée sur l'amertume du regret, la faiblesse de la rancoeur, la lâcheté de la haine au nom d'une candeur infantile.

Beaucoup plus substantiel dans les tenants et aboutissants des personnages tributaires de leur mentalité corrompue, Kill Bill: volume 2 déploie enfin toute l'essence de sa puissance dramatique confronté à une bouleversante romance en berne. De film d'action préalablement entamé dans le moule du divertissement jouissif, Quentin Tarantino en extrait dans son second volet une somptueuse tragédie humaine fondée sur la notion d'héroïsme et notre humanité fragilement compromise. D'une virtuosité technique perfectionniste sans surenchérir dans l'action orgasmique antécédemment entreprise, la quête rédemptrice de Beatrix Kiddo nous déploie sans prévenir toute son humanité au nom de l'amour maternel. Une épopée frénétique confinant au chef-d'oeuvre d'un réalisateur entièrement voué à son art (désincarné) du langage cinématographique.

03.01.12
Bruno Matéï

lundi 2 janvier 2012

KILL BILL: volume 1

de Quentin Tarantino. 2003. U.S.A. 1h51. Avec Uma Thurman, David Carradine, Daryl Hannah, Michael Madsen, Vivica A. Fox, Sonny Chiba, Julie Dreyfus, Chiaki Kuriyama, Chia Hui Liu, Lucy Liu, Julie Manase.

Sortie en salles en France le 26 Novembre 2003. U.S: 10 Octobre 2003.

FILMOGRAPHIE: Quentin (Jérome)Tarantino est un réalisateur, scénariste, producteur et acteur américain, né le 27 Mars 1963 à Knoxville dans le Tennessee.
1992: Réservoir Dogs. 1994: Pulp Fiction. 1995: Groom Service (segment: The Man from Hollywood)
1997: Jacky Brown. 2003: Kill Bill 1. 2004: Kill Bill 2. 2007: Boulevard de la Mort. 2009: Inglorious Basterds. 2012: Django Unchained (tournagé débuté en Mai 2011). 2014: Kill Bill: Volume 3
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La vengeance est un plat qui se mange froid
Six ans après son hommage à la Blaxploitation dans Jacky Brown, Quentin Tarantino s'approprie de l'univers nippon du Wu Xia Pian (film de sabre ou de chevalier-errant) et du film de samouraï pour illustrer avec Kill-Bill un concentré d'action orgasmique enchaînant les moments d'anthologie en crescendo. Ce revenge movie flamboyant est également privilégié par le profil subversif d'un "mamba noir" personnifié par la prestance virile d'Uma Therman. L'histoire d'une vengeance implacable et méthodique d'une jeune mariée sauvée in extremis d'une mort certaine. Par ordre chronologique, elle décide de supprimer les importants membres d'une organisation nommée Détachement International des Vipères Assassines. Un réseau mafieux commandité par leur chef Bill qui avait décidé de massacrer la famille de son ancienne tueuse à gage repentie, Mamba Noire.
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Quentin Tarantino, plus motivé que jamais à se réapproprier instinctivement de ces références cinématographiques, nous concocte une fois de plus un jubilatoire jeu de massacre transcendé par le cheminement d'une mariée ensanglantée, unique survivante d'un massacre de masse. Après avoir sombré dans un coma durant plus de quatre ans, l'épouse préalablement enceinte décide d'accomplir une vengeance impitoyable envers les responsables de la mort de son mari et de sa fille. Cette ancienne tueuse à gage, experte en maniement du sabre et du kung-fu va amorcer un parcours du combattant pour affronter un à un des membres mafieux tout aussi robustes et pugnaces. Pour ce premier opus impeccablement structuré avec un soin technique d'une inventivité virtuose, Tarantino mise l'accent sur l'action jouissive des chorégraphies d'art martial d'une beauté épurée. S'il soigne de manière assidue chaque ébauche spectaculaire confrontée aux combats de sabre ou aux armes blanches, il ne dénigre pas pour autant la caractérisation délétère de certains personnages. Comme ce mystérieux leader sans visage répondant au nom de Bill, ou encore cette reine de la pègre de Tokyo, O-Ren Ishii, au passé galvaudé. Une matriarche insidieuse (Lucy Liu, impériale de noirceur raffinée) auquel son enfance avilie nous sera remémorée sous la forme d'un livret d'animation pour illustrer la mort inéquitable de ses parents, perpétrée sous ses yeux par des assassins sans vergogne. Un somptueux conte laconique dépeint à la manière d'un manga ultra gore et violemment stylisé pour mieux décupler la souffrance morale d'une fillette prochainement livrée à l'errance meurtrière.
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Mais c'est bien évidemment le jeu épidermique d'Uma Thurman dans sa fonction pugnace qui permet de transcender cette rancune vindicative aussi intense qu'haletante. Vêtue d'une combinaison jaune criarde et exacerbé d'un regard de louve imperturbable, sa hargne inflexible, son tempérament flegme et sa vélocité à combattre toute une armée de Yakusa éclabousse l'écran de la première à la dernière seconde. A la manière de Bruce Lee dans le Jeu de la Mort, notre Mamba Noir sera contrainte d'achever sa besogne dans une succession d'épreuves physiques toujours plus ardentes afin d'éradiquer en point d'orgue final la baronne de la pègre, O-Ren Ishii. La caractère insolite de nos personnages excentriques (les alliés masqués à la manière de Zorro, la collégienne en jupe écossaise accoutré d'une guillotine volante en forme de sphère, l'infirmière borgne au bandeau noir), physiquement affublés d'une tenue distinguée et empoignant des sabres aussi aiguisés qu'un rasoir acéré contribue à moderniser une quête vindicative inspirée d'une culture asiatique ancestrale. La recette hétéroclite fonctionne à plein régime, les couleurs sont fastes, la musique exalte l'ouïe, les péripéties bondissantes s'enchaînant nécessairement au service de l'histoire et leurs chorégraphies (supervisées par Yuen Woo-Ping, spécialiste des Wu Xia Pian) nous donnant le vertige.

La mariée était en jaune
Mené sans une once de répit avec le score de tubes entraînants, visuellement splendide et émaillé de personnages mécréants, Kill Bill est un savoureux concentré d'action ultra référentiel. En dehors de son spectacle généreux mis en exergue dans le défouloir décomplexé, Tarantino n'oublie pas pour autant de nous narrer une solide histoire de vengeance transcendée par le portrait d'une femme déchue en quête de justice expéditive. Avant de parfaire un deuxième opus plus dense pour l'achèvement du leader criminel et afin d'attiser notre expectative, un ultime coup de théâtre nous est habilement divulgué avant le générique de fin !
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02.01.12
Bruno Matéï
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Récompenses:
Prix du Public au festival du film de Catalogne en 2003.
Award du Meilleur Montage au San Diego Film Critics Society
Saturn award du meilleur film d'action et de la meilleur actrice (Uma Thurman) en 2004
MTV Movie Awards de la meilleur actrice (Uma Thurman), du meilleur combat (la mariée contre Gogo Yubari) et du meilleur méchant (Lucy Liu) en 2004
Meilleur Réalisateur et Meilleure Actrice (Uma Thurman) au Empire Awards en 2004
Sierra Award du meilleur montage au Las Vegas Film Critics Society en 2004
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